7. SIGLO XX

INTRODUCCIÓN

Hablamos de música del siglo XX, pero en realidad debemos incluir en este periodo de enormes cambios estéticos, los años finales del siglo XIX, en los que surge el postromanticismo y el impresionismo, y el principio del siglo XXI, hasta la actualidad, lo cual a veces se conoce como música contemporánea.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS

LA MELODÍA  

• Prescinde de la búsqueda de la belleza formal y de la efusión lírica de los clásico-románticos.  

• Evita la simetría y la repetición.  

• Contiene amplios saltos interválicos y giros denominados “dentados”, o de “dientes de sierra”; es angular.  

• Evita tender hacia una nota central o tónica.  

LA ARMONÍA  

• Se usan acordes rascacielos, es decir acordes con seis, siete o más notas diferentes, y acordes racimo o clusters (formados por notas conjuntas) lo que confiere a la música una mayor riqueza, pero también una mayor disonancia. 

• El intervalo de 3ª, fundamental en la música tonal funcional se cambia por la 4ª, o por la libertad total, lo que también acentúa la disonancia. 

• Disonancia y consonancia tienen la misma importancia; con ello, se aumenta la capacidad expresiva de la música.  En consecuencia, las cadencias no son tan claras ni tan lógicas.

LA TONALIDAD  

• La música del siglo XX tiende a usar los doce sonidos (división de la octava en semitonos iguales) de manera libre; borra la diferencia entre mayor-menor y la distinción entre cromático y diatónico.  

• Se vuelve a veces a las músicas medievales, en busca de nuevas relaciones, lo que se conoce como música modal.  

• Se pueden mezclar dos tonalidades diversas o más (bitonalismo o politonalismo) 

EL RITMO  

• Se buscan los ritmos propios de la vida moderna, así como los de otras culturas extraeuropeas y los del jazz.  También los ritmos libres del gregoriano o del motete medieval.  

• Se experimenta huyendo de los ritmos tradicionales, explorando los basados en cinco, siete, once o trece tiempos.  

• A veces desaparece la barra de compás, buscando una libertad rítmica que da lugar a la polirritmia.  

• Mediante el uso continuo del ostinato se llega a la música repetitiva. 

LA TEXTURA  

• Se recuperan el contrapunto de la época de Bach.  

• Recuperan el sentido lineal de la música a través de una nueva melodía vigorosa frecuentemente en obras instrumentales.  

• Hay cierta independencia de las voces, lo que suele generar un fuerte clima de disonancia. 

LA ORQUESTACIÓN  

• Se evita el sonido de conjunto, por bloques típico de la orquesta romántica.  

• Se busca que cada instrumento destaque con personalidad propia, restableciendo los timbres individuales, o al menos cada familia.   

• Se realzan los instrumentos de percusión y sus funciones en la orquesta.  

• El compositor concibe una orquesta específica para cada obra, desechando esquemas anteriores.  

• Se introducen los electrófonos en la orquesta. 

LA FORMA 

• Total libertad, cada compositor investiga en este campo y crea sus propias formas. 

NOTACIÓN

• La notación musical se vuelve más abstracta y experimental, desechando la grafía convencional (pentagrama, figuras, notas, etc) y usando nuevos signos, muy proximos a las  ej. la notación gráfica.

FINALES DEL XIX-PRINCIPIOS DEL XX

POSTROMANTICISMO

Algunos compositores continuaron escribiendo en un estilo básicamente romántico, pero llevado a los extremos de la tonalidad, en parte empujados por la música de Wagner. Son músicos tales como Elgar, Holst y Vaughan Williams en Inglaterra, Rachmaninoff en Rusia, Richard Strauss en Alemania, Sibelius en Finlandia y Puccini en Italia.

IMPRESIONISMO

Fue un movimiento de origen francés, relacionado con la poesía simbolista y la pintura impresionista. Estos compositores buscaban el placer de los sonidos por medio de melodías desdibujadas, acordes libres, tonalidad borrosa y un gran color tímbrico. Escogían los instrumentos y acordes solamente por el sonido que hacían. A veces hacían uso de la escala hexátona, muy laxa en cuanto a la jerarquía tonal. Los principales compositores son Claude Debussy y Ravel.

PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

EXPRESIONISMO

Fue un movimiento de origen alemán, nacido a principios de siglo, también por contagio de la pintura (Kandinsky, Kokochka, Munch...) y la literatura (Kafka, Döblin). El expresionismo se llama así porque intenta reflejar la expresión del alma humana en toda su crudeza y con un cierto pesimismo, lo cual hace que se busque la intensidad máxima durante todo el tiempo, rechazando elementos como la consonancia, que representaba un relajamiento de la tensión. Por lo tanto, la música expresionista avanzaba hacia la atonalidad. Es por esto que a este movimiento, al menos en lo musical, se le conozca también como atonalismo. Rechazaba lo que hasta el momento se había aceptado como hermoso, lo que produce nuevas concepciones de melodía, armonía, tonalidad, ritmo, color y forma. El principal compositor era Schoenberg, y sus obras de este periodo son Noche transfigurada, Sinfonía de cámara y sobre todo Pierrot Lunaire ciclo de 21 canciones sobre poemas de Giraud, para voz femenina y conjunto de cámara, en la que el poeta se imagina así mismo como Pierrot, y mediante el símbolo de la luna, intenta expresar todo lo que sucede a su alrededor, imaginando fantasías horripilantes. El compositor inventa una nueva forma de cantar el llamado “Sprechgsang”, donde utiliza la voz medio declamada, medio gritada, buscando lo contrario del belcantismo. Su discípulo Alban Berg  por su parte compone la Suite lírica para cuarteto de cuerda, un Concierto para violín y dos óperas Wozzeck y Lulú.

DODECAFONISMO

Fue una técnica de composición creada por Schoenberg en 1923. Utilizaba las doce notas de la escala cromática ordenadas en series, (de aquí que también se conozca a este movimiento como serialismo), sin relación alguna entre ellas. Cada nota es tan importante como el resto. Estas series pueden ser presentadas en tres tipos de formaciones: retrógrada (hacia atrás), inversión (en espejo) o inversión-retrógrada. Los principales compositores eran Schoenberg y sus discípulos Berg y Webern.

​NEOCLASICISMO

Nació en la década de 1920 como reacción contra el romanticismo, impresionismo y expresionismo. Supuso una vuelta a la claridad formal del Barroco y Clasicismo; y un rechazo a la concepción expresiva de la música del Romanticismo. Querían crear música agradable y fácil de escuchar. Recuperaron la tonalidad e introdujeron influencias del jazz y el music-hall. Utilizaron la parodia y el humor. Los principales compositores eran Satie (Gymnopédies), el propio Stravinski con obras como la sinfonía de los salmos, Hindemith, Kurt Weill y Carl Orff con su cantata profana Carmina Burana.

SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

SERIALISMO INTEGRAL

Aplicó el concepto de las series dodecafónicas a todos los parámetros del sonido y no sólo la altura. Los principales compositores fueron Karlheinz Stockhausen y Pierre Boulez.

MÚSICA CONCRETA 

Está conectada con el futurismo. Utilizó cualquier sonido o ruido grabado de la realidad y después manipulado en un laboratorio. No hay intérpretes ni partituras porque la obra se muestra en una grabación. Los principales compositores eran Pierre Schaeffer y Pierre Henry.

La modificación del sonido en un laboratorio puede llevarse a cabo de dos maneras:

• Manipulando físicamente la cinta: cambiando la velocidad, invirtiendo la dirección, mezclando diferentes cintas, etc.

• Modificando electrónicamente el sonido: cambiando altura o timbre filtrando frecuencias, aplicando efectos, etc.

MÚSICA ESTOCÁSTICA, ALEATORIA Y MINIMALISMO

La música estocástica utiliza computadoras, composición algorítmica, cálculos estadísticos y matemáticos para generar todos los detalles de la pieza. El principal representante fue Xenakis.​

La música aleatoria depende del azar y de la libertad del intérprete. Los compositores no escribían una pieza terminada, se basaban en la independencia del intérprete de convertir cada interpretación en una pieza única. El principal representante fue John Cage.​

El minimalismo o música repetitiva surgió en la década de 1960 como reacción contra la música que se había vuelto demasiado complicada de entender para la gente. Esta música se basa en una idea simple que se repite una y otra vez pero que va cambiando gradualmente. Destacan Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley y John Cage.