4. BARROCO

Este periodo abarca aproximadamente 150 años, siglos XVII y primera mitad del XVIII, o para ser más precisos desde el nacimiento de la ópera en 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. El Barroco es uno de los periodos más revolucionarios de la historia de la música. Nace la orquesta y con ella, las grandes formas instrumentales y vocales, tales como el concierto y la ópera. Se establece el uso de la tonalidad y la armonía. Surgen los primeros interpretes virtuosos y los primeros grandes compositores. La palabra “Barroco” proviene del portugués "barrueco" una joya recargada, excesiva o adornada en exceso.

1.INTRODUCCIÓN

CONTEXTO HISTÓRICO

Las monarquías absolutas dominan el panorama político de Europa. El poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos en los que la música siempre estará presente. Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales trabajarán en sus grandes cortes y palacios.

CONTEXTO CULTURAL

El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura como Lope de Vega, Calderón, o Moliere; en la pintura contaremos con artistas como Velázquez o Rembrant; además de destacar filósofos y científicos como Descartes, Galileo Galilei o Newton.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Las principales características de la música barroca son:

La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse monodia acompañada.
La presencia obligatoria del bajo continuo: El bajo continuo era interpretado habitualmente por un instrumento melódico grave (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...). En la partitura se concreta en el bajo cifrado: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores.

El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal. En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.
El gusto por los fuertes contrastes sonoros (de tempo, matices, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante».
El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en la ya escritas, en forma de ornamentación.

PRINCIPALES COMPOSITORES

ltalia: Monteverdi, Vivaldi, Frescobaldi, Corelli, Francesca Caccini, Barbara Strozzi, Alessandro Scarlatti...
Alemania: J. S. Bach, Praetorius, Schutz, Telemann...
Inglaterra: Handel, Purcell...
Francia: Lully, Charpentier, Couperin...
España: Juan Hidalgo, José de Nebra, Sebastián Durón, Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini, Antonio Soler...

2. LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA

LA CANTATA

El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y surge en contraposición a la sonata “música para sonar”. Es un género que nace dentro de la música vocal profana pero pronto hará fortuna como género típicamente religioso.

Compuesta sobre un texto religioso de carácter lírico, que tiene por objeto la alabanza a Dios.
La plantilla instrumental está formada por orquesta, coro y cantantes solistas.
Se articula en varios movimientos, generalmente lo inicia un coro o un coral, seguido por arias, duos y recitativos.
Se diferencia del oratorio y la pasión en que no se narra ninguna historia.
Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach con sus 300 cantatas, algunas de las cuales como la 147 “Jesús la alegría de los hombres” son inmortales.

EL ORATORIO

Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (arias, coros, interludios, recitativos...). Tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin embargo en el oratorio encontramos características propias:

• Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.

• El oratorio no se escenifica. Se interpreta en un lugar de culto sagrado.

• Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el recitativo.

Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio más conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".

LA PASIÓN

Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas, mientras que otros personajes (discípulos, pueblo...) son interpretados por el coro. J.S.Bach, con dos obras fundamentales "La pasión según San Mateo" y "La pasión según San Juan" es el compositor más destacado del género.

3.LA MÚSICA VOCAL PROFANA

EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA

A principios del siglo XVII en Florencia un grupo de intelectuales, músicos y poetas se reunían en una especie de club, conocido como la Camerata Fiorentina, en el palacio del conde Bardi, decididos a revivir el teatro clásico griego, que acaban de descubrir que no era una simple obra de teatro sino una combinación de poesía, música y danza, en la que intervenían una orquesta, un coro y cantantes solistas. Todo ello basado en un libreto o un guion dramático, escrito por un poeta al que un compositor le pone música.

La primera ópera conservada es Euridice de Jacopo Peri que data de 1600, (antes compuso Dafne, en 1597, pero desgraciadamente se ha perdido la música), pero la que se considera la primera ópera importante es L’Orfeo de Claudio Monteverdi estrenada en 1607 y que sería el modelo para todas las que vendrían después.

PARTES DE LA ÓPERA

El Orfeo de Monteverdi dejó fijadas las secciones o partes que compondrían todas las óperas desde entonces:

OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. La música comienza con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.

RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos.

ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz.

COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes. INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.

En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban,...

TIPOS DE ÓPERA

Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:

ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. A este tipo pertenece la primera ópera: "Orfeo" escrita por Monteverdi.

ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y fáciles de entender. Se convertirá en la ópera preferida del pueblo, era bastante típico que el argumento fuese una crítica social hacia las clases poderosas. La primera ópera de este tipo ,"La Serva Padrona" fue escrita por Pergolesi en 1733.

Los castrati eran cantantes masculinos famosos generalmente pertenecientes a las clases más humildes, que eran elegidos por la belleza de sus voces. Eran castrados antes de la pubertad para preservar sus voces de niños pero con la capacidad pulmonar de un hombre adulto. Se convirtieron en los primeros ídolos musicales de la historia. El castrato más famoso fue Farinelli, y había otros castrati conocidos como Ferri, Senesino y Pacchierotti.

ESTILOS NACIONALES

FRANCIA: Se llamará "Tragédie Lyrique". Las características principales serán la introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de medios que utilizarán los franceses en sus creaciones. Los compositores más importantes serán Rameau y Lully.

ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que parte de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo, pero sobre todo a partir del barroco tardío y ya plenamente en el clasicismo: el Singspiel.

ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya característica más significativa será la sucesión de partes cantadas y habladas. Algunos de los compositores más prolíficos de esta época son Sebastián Durón, José de Nebra o Antonio Literes.

4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL

La música instrumental logra una independencia definitiva de la música vocal, debido a la mejora técnica de los instrumentos gracias a lutieres como Stradivarius, Amati, Guarnieri, etc, el nacimiento y consolidación de la orquesta y a que los compositores escribían por primera vez música específica para instrumentos y empiezan, por tanto, a aparecer los primeros géneros instrumentales propiamente dichos, no como en el renacimiento que eran derivados de los generos vocales. Dentro de estos tenemos que distinguir los géneros solistas, de cámara o para orquesta:

4.1. GÉNEROS SOLISTAS

VARIACIONES

Este es un género instrumental que viene del Renacimiento. Se componen para un instrumento solista, tal como la vihuela, la viola de gamba, el clave, etc y pueden ser de dos tipos: tema con variaciones o sobre un basso ostinato.

Tema con variaciones

Uno de los primeros ejemplos de Tema con variaciones pertenece a Luys de Narváez, vihuelista español del siglo XVI. No las llamó variaciones, las llamó diferencias y están basadas en una canción de la época titulada Guárdame las vacas. Estas diferencias aprovechan el plan armónico de la canción de 8 compases, sobre el cual Narváez escribe cuatro diferencias. En el barroco se hacen muy populares, por ejemplo, J.S. Bach compone sus famosas Variaciones Golberg BWV 988, para teclado (originalmente un clave, aunque ahora se interpretan con piano). Es una obra de grandes proporciones formada por un tema titulado Aria seguido de 30 variaciones: El plan armónico y formal del Aria sirve de base a las variaciones, algunas son cánones (3,6,9, etc), comenzando con un canon al unísono y terminando con uno a la novena, la 10 es una fughetta, la variación 30 es un quodlibet, composición de carácter contrapuntístico que combina diferentes melodías. Las variaciones terminan con la repetición del Aria.

Sobre basso ostinato - La chacona y el Pasacalles

La chacona es en origen una danza festiva, viva y de gran erotismo, que se basa en un basso ostinato sobre el que se monta un plan armónico que se repite infinidad de veces. Sobre este se va improvisando una melodía que varía con cada repetición. Su origen es hispano, siendo Juan Arañés uno de los primeros en plasmarla en partitura (1624), en su famosa Un sarao de la chacona, pero se distribuyó por toda Europa a través de tratados para guitarra, vihuela o laud.

El pasacalle también es de origen hispano. Se caracteriza por un bajo repetitivo u ostinato de 8 compases sobre el que se construye un plan armónico que servirá de base al resto de la obra en la que se va improvisando un número de veces indefinido.

Durante el Barroco todos los grandes compositores trabajan estas formas: Monteverdi en Italia, Lully en Francia, Juan Sebastian Bach en Alemania, Haendel en Inglaterra o Boccherini en España.

TOCCATA Y FUGA

Es una forma instrumental en dos movimientos principalmente para instrumentos de tecla que viene del Renacimiento, pero ahora se perfecciona con genios como J.S Bach. El primer movimiento, generalmente una toccata o un preludio, se caracteriza por su virtuosismo de carácter improvisatorio, con rápidas escalas, arpegios y partes fugadas. Le sigue una fuga, compleja forma polifónica que se construye sobre un sujeto o tema que es presentado al principio y es imitado constantemente, por el resto de las voces.

4.2. GÉNEROS DE CÁMARA

LA SONATA

La palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada" por uno o dos instrumentos solistas, más los que conforman el bajo continuo (sonata a solo o Trio sonata, respectivamente). La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para las voces superiores, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd...) para el bajo continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. La sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes. Le debemos su forma a Corelli.

Arcangelo Corelli: Sonata da Chiesa in F Major, Op. 3, No. 1

4.3. GÉNEROS ORQUESTALES

EL CONCIERTO

El término deriva de la palabra concertare, que tiene un doble significado, por un lado quiere decir contraponer cosas distintas y por otro ponerlas de acuerdo. Es una forma compleja, normalmente en tres o cuatro movimientos contrastantes en cuanto al tempo, por ejemplo Allegro/ adagio/ Presto. Según como sea el papel protagonista de los instrumentos el concierto puede ser:

Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra. El que consolidó la forma fue el italiano Arcangello Corelli, pero también hay que escuchar los de Vivaldi, los Conciertos de Brandemburgo de J.S. Bach o los 12 concerti Grossi de Handel

Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con la orquesta. Vivaldi compuso decenas de ellos para todos los instrumentos imaginables: flauta dulce, travesera, mandolina, violín, vilonchelo, etc. Las "Cuatro Estaciones" es una colección de cuatro conciertos compuestos para violín, orquesta de cuerdas y continuo. Bach y Handel tienen conciertos solistas que se han convertido en cimas del género.

LA SUITE

Este género instrumental proviene del Renacimiento, entonces se denominaba así a un conjunto de danzas, agrupadas generalmente de dos en dos, cuya función era ser bailadas por los asistentes al baile. Ahora en el Barroco pierden su función primigenia y se convierte en música de concierto, es decir para ser escuchada. Además se aumenta el número de secciones a 4, 5 e incluso más, con tempos y caracteres contrastante, pero que siguen conservando sus nombres de danza original. El número y la disposición de las danzas es variable. Aunque existen suites escritas para un solo instrumento, como la famosa suite nº1 en Sol M para violonchelo solo, a las que se conocen también como Partitas. Además de los de Bach tenemos la música para los reales fuegos de artificio y la música acuática de Handel que también son suites orquestales.