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2026.6.4 謝宛彤 相關可聯繫herblue2b5f75@gmail.com

周次3(3/12): 「水墨紙藝與空間」教學講座(1-2) ，李孟書老師。作業:光影結構實作紀錄之照片(2~4張)

李孟書老師的創業歷程給了我極大的啟發。她出身師大美術研究所，卻在五年前毅然辭去穩定的教職，投入當時在台灣還相對冷門的手作紙事業。面對家人的擔憂與入不敷出的危機，她始終堅信：「只要找到自己喜歡的事，堅持在這條路上，這就是可以做一輩子的事。」

老師對美術的熱愛與堅持，體現在她對每一個製作細節的要求上。就如同我們在貼紙纖維時，必須專注地確保每一塊紙張都均勻附著，任何一個氣泡或不平整，都會影響最終燈罩的完整性。老師這種「對作品要求、對步驟專注」的態度，正是從一位教育者轉變為職人設計師最核心的驅動力。

講座中，老師分享了她創作路上的挫折，例如費盡心思製作的版畫明信片因成本過高而鮮少人買單。然而，她選擇用「轉念」來面對：「至少創作的過程是美好的。」這句話深深刻在我心裡。在課堂實作中，當我們面對濕軟的紙漿與難以控制的氣球形狀時，也常感到挫敗，但正是這些與纖維對話的過程，讓我們學會了調適與耐性。

令人驚艷的是，老師還分享了與語文系助教合作，將詩句融入紙張的火花。這告訴我們，手作紙不只是一種材質，它能包容文字、情感與文化。我們課堂上貼上去的不同纖維紙張，在燈光亮起的那一刻，會顯現出粗細不一、質地各異的脈絡，那種獨特性是工業製品無法取代的「手感溫度」。

當我們最終刺破氣球、取出骨架，看見纖維依舊維持著圓潤的形體時，那種成就感難以言喻。李孟書老師用她的故事證明了，從研究所時期的論文題目到成立個人品牌，她從未放棄對手作紙的藍圖。

這次的講座與實作，讓我體會到「文創」並非遙不可及的口號，而是像我們貼紙漿一樣，需要一層層地耐心累積。透過親手製作的燈罩，我彷彿看見了老師所追求的獨特性——從台灣在地文化出發，守住自己的「本」，不隨流行動搖。這盞燈點亮的，不僅是室內的空間，更是創作者對理想不滅的堅持。

周次4(3/19):「光影動態之AI編程」教學講座,王超老師。作業:Arduino與A1編程實作紀錄之照片(2~4張)

周次5(3/26):「纖維與空間」講座,康力升老師

講座中最令人動容的部分，莫過於他對「家屋」的重新定義。康力升自承曾對「洗衣店兒子」的身分感到尷尬，但在南藝大的創作歷程中，他選擇走回那個充滿蒸汽與烘衣香片味道的空間，將其視為一種「FFR（回憶召喚）」的場域。

在作品〈洗衣店的兒子〉中，他大膽地解構布料，將舊衣服與紙漿融合。這不僅是材質的蛻變，更是一場「告解」。他提到的「熊熊裝解構」與「殘棉」，將生活裡被視為廢料的棉絮、頭髮，轉化為硬實的立方體。那些令人感到微小不安甚至「嘔心」的灰塵，在藝術家的處理下，變成了展示生活奇觀的載體。對他而言，縫補脆化的燙台布，是對家庭脆弱性的一種修復與隱喻——家雖然脆弱，卻需要用一針一線小心呵護。

康力升也誠實地討論了藝術家的「生存方式」。在講座筆記中，「網子哪裡買？」、「怎麼生存」等務實的問題，與「漂浮敏感室」這種詩意的辭彙並置，顯現出創作者在理想與現實間的拉鋸。他提到藍染技術時的一番話令人印象深刻：「不差我一個藍染技術本位的創作者。」這說明了他不追求純粹的工藝技術，而在於「感受過程」的轉化。他將原本巨大的、僅供觀賞的紙纖維裝置，縮小量體，轉化為走入家戶的「紙燈」。這一從「藝術屬性」到「商品屬性」的轉向，並非對商業的妥協，而是他希望藝術能真正滲透進日常生活的選擇。

康力升相信，儘管自助洗衣店滿街都是，但傳統洗衣店那種「機器做不到的手燙折線」，正是手感的溫度所在。這種溫度，同樣存在於他每一盞親手編織、澆淋紙漿的紙燈中。透過這場講座，我看到的康力升不僅是一位藝術家，更是一位生活者。他教導我們如何回應自身的直覺，在紛亂的世界中收集材料、捕捉味道，並在「路是人走出來的」信念下，透過不斷的勞動與實驗，在紙漿與布料的纖維之間，定錨出屬於自己的座標。那些物質之外的心意，最終將超越時間，成為最深刻的生命殘跡。

周次6(4/2):「水墨與空間」概述、創作專題提案。

一、 創作主題

《》

二、 創作理念與發想概念

靈感來源借鑒德國藝術家 Traudel Stahl 對植物纖維的解構。她將紙張從「平面的載體」轉化為「立體的組織」，我以此方式重塑紙材，使其具備如同生物皮膜般的質感。以傳統「滾燈」萬向吊球）為物理架構。圓形代表了一種封閉而自足的系統，透過機械結構的運動，探討穩定與變動的對峙。在纖維覆蓋過程中，引入不規則的疊加與撕裂，不預設最終圖樣，讓材質在乾燥過程中自然收縮、斷裂，形成非人為控制的自動性肌理。

四、 材料與工具

支架： 輕質鋁環或竹篾（滾燈結構）。

紙材： 楮皮紙（長纖維）、自製粗糙紙漿（混入植物碎屑增加不透明度）、構樹皮（原生紋理）。

電控： Arduino Nano、MPU6050 陀螺儀感測器、暖色高亮度 LED 點光源。

工具： 噴槍、強力膠、強力磁鐵（用於萬向關節處減少摩擦）。

五、 製作流程與時程規劃

W6 (4/2)： 結構力學測試。完成滾燈三軸萬向原形，確保中心點在旋轉時完全靜止。

W7-W8： 纖維蒙皮實驗。應用 Traudel Stahl 的方式，在氣球模具上進行自動性書寫（噴灑紙漿、撕貼不透明厚紙）。

W9-W10： Arduino 互動邏輯。編寫程式，使燈光亮度隨陀螺儀偵測到的「旋轉速度」產生強弱變化（如轉得越快，光束越閃爍或越亮）。

W11-W12： 最終組裝與光影調校。

六、 展示空間規劃

展示方式： 建議採立式燈座或吊掛（類似圖二的懸感）。

空間大小： 建議高約 40-50cm 的單件作品，放置於低矮展台。

燈光設計： 關閉所有環境光。利用 Arduino 的點光源特性，將紙纖維細微的毛邊投影成巨大的牆面黑影。

觀者動線： 觀者可動手撥動最外環，啟動光影的動態效果。

周次7(4/9):期中-專題提案

周次8(4/16):「纖維之間的社會性」講座,羅懿君老師期中-專題提案。

羅懿君老師從台藝大攝影背景出發，早期也面臨過與社會脫節、現實生計的考量。她曾擔任國小老師，也參與過金車藝術下鄉計畫，但她將「駐村」視為一種非典型的留學，利用各種小機會累積創作能量。在歐洲驻村時，她提到一個細節令我印象深刻：每個月僅有 500 歐元的生活費，她必須省下三分之一，並學會與焦慮的自己相處。

這種游牧式的創作狀態，讓她發展出一套獨特的「田野調查」方法。無論是在荷蘭面對填海造陸的新生土地，還是在日本橫濱感受港口城市的交換性，老師強調田野調查帶來的刺激是難以言喻的。她不只是在做人類學式的記錄，更是透過織布的身體感、民謠的節奏，將現場的互動轉化為具有原創性的實驗創作。

講座中，老師深入淺出地講述了她如何從「媒材的自述」轉化為「媒材的言它」。最具代表性的便是「香蕉計畫」。在橫濱駐村時，她發現超市裡菲律賓香蕉僅需 100 元，台灣香蕉卻要 600 元，這巨大的價差背後隱藏著台灣 50、60 年代身為「香蕉王國」的輝煌與 70 年代「金飯碗事件」吳振瑞先生遭政治清算的落寞。

老師引用馬奎斯《百年孤寂》中的「香蕉大屠殺」，將視野拉向中南美洲的殖民剝削與資本主義掠奪。她提到的「香蕉共和國」不只是一個政治術語，更是被異化的地貌與勞工血汗。當阿基米德說：「給我一個支點，我就能舉起地球」，老師則在香蕉皮與紙漿的結合中，找到了翻轉觀點的支點。

這種對「隱形歷史」的挖掘，延續到了甘蔗與菸草。在台灣早期經濟作物中，糖業曾是現代化的核心，但戰爭時期糖廠卻成為轟炸目標，因為糖蜜發酵後的酒精是飛機的燃料。這正是《紫電號》的靈魂所在——將甘蔗渣轉化為戰鬥機形象。這不再只是植物纖維，而是戰略物資、是勞動者的身體感、更是資本與帝國主義交織下的風景。

羅懿君老師的作品中始終帶著對「身份」的追尋。她提到台灣雲豹的皮毛檢測顯示其為東南亞種，這觸發了對文化認同渴望的思辨。而在歐洲展覽時，她看見車站外的難民營，對比回台後在公園裡為移工畫肖像的經驗，這種「不同文化體之間的身份轉換」，讓她的作品具備了一種異質化的深度。

她觀察地貌的抹除與規劃，將煙草產業與日本殖民移民村的歷史揉合。當林生祥的《蕉工進行曲》旋律響起，老師的創作也從物質的「重」轉化為精神的「輕」，探討藝術介入社會與社會運動之間的思辨。她自認喜好「空間性」的創作，將這些龐大的歷史文獻，縮減、過濾、最終發酵成可以收納、可以展示、可以對話的視覺藝術。

講座最後，老師提到：「當你想做一件事，一定有人會幫你。」這句話對正處於現實考量與理想拉扯的我們來說，是極大的鼓舞。從媒材的物質性走向精神性，羅懿君老師示範了藝術家如何不被材料侷限，而是讓材料說出它們未曾被聽見的故事。

這場講座讓我理解到，藝術創作不只是產出美觀的物件，更是一場「農夫走路」般的長征。我們在材料中勞動，在歷史中挖掘，最終在作品中找回自己與社會、與世界遺忘角落的連結。謝謝羅老師，讓我看見了甘蔗與香蕉背後，那片波瀾壯闊的歷史海洋。

周次9(4/23):「光影與動態之AI編程」(1)模擬與評估,編程助教。

周次10(4/30):「水墨紙藝與空間」專題製作(1)

周次11(5/7):「水墨紙藝與空間」專題製作(2)

周次12(5/14):「水墨紙藝與空間」專題製作(3)。「光影與動態之AI編程」(2)實作測試,編程助教。

周次13(5/21):「水墨紙藝與空間」專題製作(4)

周次14(5/28):「水墨藝與空間」專題製作(5)。「光影與與動態之AI編程」(3)調整與完善,編程助教。

「車頭燈」是台灣大眾語境中對女性乳房常見的戲謔。本作品直接挪用此一俗俚修辭，將隱喻具象化為物理上發光的乳房燈罩，並將其黏附於身體上展示。當燈罩點亮，女性胸膛不再只是被動承受社會窺視的景觀，而是轉化為主動發光的工業擬態。透過物件與皮膚的強烈互黏，作品在物化身體與身體物件化的邊界上展開劇場式的反詰。這是一場關於凝視權力的主客體逆轉：當觀者試圖凝視這具身體時，他們將直視光芒本身，進而反思常民語言中隱蔽的符號暴力。

周次15(6/4):成果作品布置展示

周次16(6/11):期末展覽與評鑑。作業:本課程筆記或心得(200字)

課程結業總心得：物質的越界與反詰

回顧這門課程，我的創作歷程經歷了一次戲劇性的全部打掉，到後來在一次玩笑中靈光乍現，將俚俗修辭具象化，最終誕生了《車頭燈》（2026）這件兼具劇場性與身體介入的裝置作品。這趟從挫折到突圍的長征，我不是一個人的，課堂上引介的幾位藝術家講座，如同一盞盞明燈，從不同的維度定錨了我的思考：羅懿君老師關於媒材自述到媒材言它的歷史挖掘、李孟書老師對手作紙本心的轉念與堅持，乃至工程背景教授帶來的 Arduino 動力藝術實作，都在這件作品的血肉中留下了深刻的痕跡。

「至少創作的過程是美好的，過程會留在身上」在羅懿君老師的講座中，她展示了藝術家如何不被材料侷限，而是讓材料說出它們未曾被聽見的故事。不論是香蕉皮背後的中南美洲殖民血淚，或是《紫電號》中甘蔗渣、菸葉與戰略物資的隱形歷史，羅老師深刻示範了物質如何承載政治與文化認同。

《車頭燈》的誕生，是我作為一個藝術系學生，在面對技術限制、性別常民語言、以及自我認同拉扯下交出的答卷。從一開始在果汁機裡打紙漿、在麵包板上接電線的迷惘，到最後看見鏡頭下那對在暗夜中宣示主權般發光的乳房燈罩，我深刻體會到路是人走出來的這句話的重量。李孟書老師在小眾市場裡守住繁體中文與手工紙的本；羅懿君老師在微薄的駐村補助中與焦慮相處，挖出歷史的根；而我則是在這堂課的紙漿纖維中，找到了用幽默反擊體制、用手感溫度介入社會的支點。

當觀者在展場看見《車頭燈》時，他們或許會心一笑，或許感到一絲唐突與不舒服——而那種不舒服，正是藝術介入社會、鬆動既定邊界的開始。