¿Qué es lo que significan? En la tradición religiosa Europea, el lirio del valle ha sido asociado con la Virgen María. Se supone, cuando María lloró sobre el cuerpo de Jesús, sus lágrimas se convirtieron en el lirio del valle, y esa es la razón del por qué las flores son a veces una referencia a las lágrimas de la Virgen María. Entonces, lo que sigue es que estas flores significan inocencia, pureza y felicidad - en idioma floral Europeo, lirio del valle significa "retorno a la felicidad", y era comúnmente usado en los ramos de boda por esta misma razón. Al mismo tiempo, el lirio del valle es una planta bastante venenosa, y si comes muchas de sus berries naranjas, puedes morir. De esta forma, es como una pintura vanitas - todos apuntamos a aquel amor puro, a aquella bendición, pero podemos realmente poseerla?
De todas formas, creo que la imagen de la Virgen María es más significativa. Sakurai mencionó en algunas revistas que originalmente, quería que el nombre de la banda fuera Mother, en vez de The Mortal, pero asuntos de derechos se entrometieron. Así que "Mother" se convirtió en el título de una canción... pero el usar la flor de la Virgen María como símbolo en el logo de la banda ayuda a mantener la idea de manera clandestina. El mismo Sakurai puede no ser cristiano, pero ya que construyó un album conceptual alrededor de temas Europeos, el invocar a la Madre María encaja en todo este asunto.
MÚSICA
Fue una gran y significativa decisión de parte del Sr Tanaka el hacer una banda de 5 integrantes. Sakurai se caracteriza por ser un ser introvertido que tiene problemas abriéndose a personas nuevas, que no es el tipo de persona ideal para hacer una colaboración de llegar y juntar múltiples artistas como pasó con Ai no Wakusei. De hecho, en entrevistas con The Mortal, Sakurai dijo que en retrospectiva, hubieron muchos aspectos de Ai no Wakusei que él encontró extremadamente estresantes, especialmente el tener que trabajar con tantas personas distintas. Por suertem Tanaka conoce a Sakurai por unos 30 años, sabe que trabaja mejor con rostros familiares, y se dispuso a juntar a la gente correcta.
Tuvimos una especie de corazonada de que si Sakurai volvería a hacer algún proyecto como solista, éste involucraría a Jake y Murata, pero incluso si estos dos no fueron los miembros más accesibles del grupo Ai no Wakusei, la decisión de elegirlos como los principales compositores de la banda fue verdaderamente brillante. Son polos opuestos musicales, encajan juntos como las dos mitades del yin-yang. Un perfecto balance entre orden y caos; juntos, fueron capaces de alcanzar un nivel de originalidad para el sonido de The Mortal que ninguno podría haberse siquiera acercado de haberlo hecho solos.
Jack es la parte blanca del yin-yang, el guadian de la melodía y el orden. Como músico, Jake es siquiera tan nerd de las guitarras como lo es Imai, pero a diferencia de Imai, él es un guitarrista del tipo-A clásicamente entrenado, como queda en claro con su trabajo en los albums de Guniw Tools, Niwlun y Other Goose, para los cuales él fue el compositor principal. Pero estas grabaciones son entrecruzadas con guitarras acústicas, y después de que Jake dejó la banda, continuó por el camino guitarrista nerd como solista con Cloudchair, tocando música épicamente psicodélica de 12 minutos, libre de voces, basadas alrededor de circuitos y piezas que coloca en capa una a una con ayuda de pedales y equipo especial (que promociona libremente en redes sociales en su tiempo libre.) Debido a sus caprichos de melodías en tonos altos, nada de lo que ha escrito por sí solo suena a "gótico" cuando lo escuchas por primera vez, pero recientemente, incluso antes de sumarse a The Mortal, Jake se enamoró de la moda Steampunk, así que está al tanto de la subcultura, y como es un músico altamente entrenado y estructurado, es capaz de adaptarse a las necesidades - además como admite él en primeras instancias, ama al sr Sakurai.
Murata Yukio, por el otro lado, es el lado negro del yin-yang, invocador de caos, guardían de la destrucción y la transformación. Sakurai describe a Murata como un hombre poseído por dos locuras: una fría y tranquila, la otra furiosa y rugiente. Sólo escuchen "Tell Me What Went Wrong My Baby" (reutilizada de "Hallelujah") o "Black Sun Misery" (reutilizada de "Explosion" - a pesar de que el sr Murata niega que ambas canciones tengan alguna conexión con las versiones de Sakurai) de My Way My Love, y es fácil ver de lo que está hablando. Murata evita enormemente el tipo de música que podría describirse como melódica, placentera, o "a tono", en vez de eso, elige construir muros masivos de sonidos disonantes entre espacios de sonidos tranquilos de guitarra acústica que transforma la guitarra en una especie de instrumento de percusión. Murata es un showman en el arte del ruido, indie en su sonido, claramente incorpora shoegaze occidental y actos de ruido, pero inspirador- y por esta razón, sus composiciones muchas veces alcanzan un nivel de sorpresa y originalidad de la que Jake, siendo más ortodoxo, carece.
Aunque, de la misma forma que el yin-yang tiene un poco el uno del otro, Jake también posee un cariño por efectos de guitarra de heavy metal, mientras que Murata tiene sus propios momentos de genio de pop melódico que golpean a la persona que escucha como rayos de sol pasando a través de oscuras nubes, y tienen ese impacto debido a su rareza (escuchen "Lemon" de My Way My Love para entender de qué hablo.) Ambos personajes nunca hubiesen entrado a un estudio juntos si no fuese por el sr Sakurai, pero sus diamétricamente opuestos estilos aseguraban una dinamita musical, especialmente para un proyecto tan intenso como éste.
Al mismo tiempo, el punto al haber decidido por una banda de 5 piezas era crear un frente que apoyase a Sakurai para que él se pudiese sentir lo más cómodo posible para dejarse llevar -el antagonismo puede ser genial para la creatividad, pero también necesitas de un balance. Aquí es donde entra Miyo Ken, un artista de apoyo por mucho tiempo de Kiyoharu, y de otros. Como músico de apoyo, tiene una mentalidad de alguien que arregla, manteniendo sus oídos entrenados en la totalidad de el sonido y sus talentos van hacia el lado de lograr que las cosas funciones. Hablando de Miyo en el volumen 20 de Massive Magazine, Sakurai dijo, "Miyo-chan pone mucha atención al balance, y se preocupa de los sentimientos de las personas... creo que yo nunca podría imitar aquello que él hace. Es un rey de el balance. El estar en aquella posición ha de ser algo muy dificultoso, no?" Sakurai también alabó la habilidad de Miyo para escribir cualquier tipo de música. Además, Miyo fue el candidato perfecto para el rol de "band master", dirigiendo el proceso creativo con ojo en la unificación del sonido - y de hecho, las composiciones de Miyo están justo en medio de las de Jake y Murata en términos de eufonía y cacofonía.
Al mismo tiempo, todo este esfuerzo en juntar a un grupo dinámico de ensueño hubiese sido en vano si no hubiesen podido encontrar al baterista perfecto para que le diese forma a todo esto y también para que sea una especie de columna vertebral - para su suerte, Jake les presentó a Akiyama Takahiko. A pesar de que Sakurai nunca había conocido a Akiyama antes de The Mortal, él ya había declarado que le gustaba el acto de solista de Akiyama "Downy", y es fácil el saber el por qué - Akiyama puede ser un joven rockero, pero tiene el disciplina de un profesional antiguo y la gracia de un baterista de jazz espontáneo. Más que hacer muestras de fuerza y poder, como un amateur, Akiyama sabe cuando poner más fuerza, cuando ser gentil, y cuando concentrarse en los platillos y tambores como miles de rocas golpeando el océano al mismo tiempo. El último baterista rockero de este estilo fue Shinya de Dir en Grey, pero Akiyama tiene un toque más liviano. Sus latidos le dan vida a las canciones de The Mortal, sin siquiera quitarle un poco de atención a la estrella del show - el mismísimo Sr Sakurai.
Muchas cosas separan al sonido de The Mortal de el de BUCK-TICK, pero quizás ninguna lo es tanto como la calidad en vivo del sonido. BUCK-TICK por lo general se apoyan bastante en tracks electrónicos de fondo - es algo que caracteriza su música, una de las cosas que los hace interesantes y que los aparta de las otras bandas. Pero la dependencia en los tracks de fondo puede hacer que de vez en cuando, su música se sienta más electrónica que rock - menos orgánica y más tecnológica. También significa que hay un límite en cuánto pueden experimentar en conciertos, porque todo se acaba en el momento en que pierden la sincronía con los tracks de fondo. The Mortal, por otro lado, prácticamente no aplica nada electrónico, aparte de algunos sonidos de sintetizador en "Mortal", "Fantömas" y "Shadow of Love", haciendo que el sonido sea mucho más acústico y puro que el de BUCK-TICK.
Además, a pesar de que en estos días la mayoría de las bandas (incluyendo BUCK-TICK) graban sus instrumentos de forma separada y luego juntan los pedazos, muchas partes de I Am Mortal fueron grabadas con todos los instrumentos tocando simultáneamente. El resultado fue que, a pesar de que los instrumentos fueron grabados a través de distintos micrófonos, el hecho de grabarlos así hizo que los técnicos de sonido no pudiesen alterar en exceso las canciones - dándole a la música una sensación más espontánea. Este tipo de espontaneidad es profundamente ad oc al espíritu del gótico antiguo, que, después de todo, salió de la escena del punk. Pero más allá de eso, la espontaneidad es también la encarnación musical del concepto de la banda - la vida real es casi siempre fácil de tocar, pero no permite retoques. Siempre tenemos que tratar de tocar lo mejor posible. Por lo general no somos afinados, pero con suerte, incluso en los errores puedes encontrar belleza.
Otro elemento impresionante del sonido de The Mortal es su habilidad para tomar repertorio del gótico sin siquiera estar cerca del nivel de la imitación. Es fácil imitar sonidos góticos icónicos, como los sonidos de guitarra de Bauhaus o los arpegios de The Mission, pero los tres compositores de The Mortal han tomado inspiración de una gran variedad de influencias, pero solamente toma pequeños pedazos de cada una, así que el producto final, después de todo sigue siendo fresco y nuevo - especialmente porque pocas bandas del principio del gótico tenían vocalistas tan talentosos y bien entrenados como Sakurai.
La voz en bruto y no entrenada de la juventud era parte de la aestética del first-wave goth, otra cosa que tomaron del punk. Algunos de estos vocalistas se entrenaron a medida que crecían y se desarrollaron en cantantes competentes, mientras que otros compensaban su falta de talento fundamental con completa indiferencia. Pero Sakurai, ha sido bendecido con una voz natural extraordinariamente hermosa - un raro talento que lo pone en otro nivel en el momento en que abre su boca. Hay un terciopelo de lujo sensual en el timbre de su voz que te relaja y que te invita, dándole a su voz un atractivo casi universal. Hagan que alguien que nunca ha escuchado a BUCK-TICK escuche cualquier canción post-Kurutta Taiyou, e incluso si no les gusta la música, después de 30 segundos, es bastante probable que te pregunten "¿quién es el vocalista?" Si este hombre fuese un cantante de pop , es de seguro que estaría liderando las listas con cada canción - sólo escuchen "Bolero" o "Sekai wa Yami de Michiteiru."
Por esta razón es que es emocionante escucharlo adentrarse en un mundo tan oscuro como The Mortal. Las melodías pop son fantásticas, y las melodías pop de BUCK-TICK son gran parte de su atractivo, pero el punto de The Mortal era darle la oportunidad de experimentar con cosas que él nunca había hecho con BUCK-TICK, y eso incluía muchas formas distintas de canto. A lo largo de las 12 canciones de I Am Mortal, Sakurai trata cada estilo de canto concebible - susurros, suaves baladas, grandes vibratos, una profunda voz gótica, un falsetto sarcástico, gritos guturales, habla frenética, y otros estilos que son más o menos únicos de su persona, incluyendo unos fuertes vibratos, y unos melódicos murmullos pegados al micrófono. Muchos de éstos son realmente hermosos, pero algunos son realmente horripilantes, y ésto es algo que él no ha tenido mucha oportunidad de hacer en BUCK-TICK: ser malvado.
Él mismo lo dijo en por lo menos una entrevista, el mundo musical de BUCK-TICK está lleno de color, pero siendo fiel a sus fotografías y ropas monocromáticas, el mundo de The Mortal contiene sólo un color: negro. Tiene sentido, por supuesto. Negro, el color de la noche, del espacio exterior, de la oscuridad que es la ausencia de la luz, naturalmente es el color de lo desconocido, y qué cosa más desconocida que la Muerte? Gótico o no, negro es la opción obvia para una banda centrada en la muerte, y las fotos promocionales y los videos musicales no sólo evocan la aestética del gótico clásico, pero también traen a mente el recuerdo de las cosas pasadas - monocromático es el color de las fotos vintage y recuerdos antiguos, y todos nosotros pronto seremos sólo recuerdos. De todas formas, los soportes visuales sólo están para apoyar a la música. La música en sí llega con su oscuridad, pero por qué? Aquí es donde los escritores muestran sus prodigiosas habilidades. Ellos sabían lo que estaban haciendo, construyendo un mundo usando solamente sonido, pero cada uno de ellos lo hizo de una forma diferente.
Murata, el más oscuro de los tres, se apoya mayoritariamente en sus dos amigos favoritos, disonancia y ruido. Ambos son productos de músicos de los cuáles no estamos muy seguros de qué es lo que están haciendo, pero en el caso de Murata, todo es deliberado. "Básicamente, nada de lo que hago es accidental," nos dijo cuando se lo preguntamos personalmente. Las guitarras están deliberadamente fuera de tono. Las partes de la guitarra están deliberadamente fuera de sincronía una con la otra, así que se sobreponen y crean un muro impenetrable de tonos fracturados, como la estática de la TV. Muchos de los acordes no son realmente acordes, sino que un conjunto de notas consecutivas, todas tocadas al mismo tiempo - una técnica realmente inusual que Murata aplicó de forma efectiva en "Tenshi", pero que llevó a su potencial máximo en "Pain Drop", donde cada nota en el riff principal es un grupo de tres o cuatro notas adyacentes tocadas simultáneamente, sobrepuestas unas con otras. La disonancia no resuelta es una gran forma de crear un sentimiento de dolor, incomodidad o malestar. Nuestros oídos quieren escuchar armonía, así que los intervalos disonantes suenan como aquellos problemas con los que lidiamos cuando nos desvelamos por las noches, aquellas espinas en nuestros lados que no dejan de pincharnos, y es por eso que la música de Murata suena tan incómoda.
Miyo igual usa una buena cantidad de disonancia - es una técnica clásica, asi que para qué gastarla? Pero lo que realmente le da a sus canciones de The Mortal su sabor distintivo es el uso de escalas cromáticas y el tritono.
Las escalas cromáticas suenan raro porque incluyen los 12 semitonos en un octavo en vez de sólo usar algunos de ellos, lo que tiende a conjurar imágenes incómodas. Algo en ellas suena sucio o contaminado, como todos los colores de una paleta mezclados hasta que lucen como barro. Miyo usa estas cualidades de la escala cromática para crear un estado anímico oscuro y peligroso en "Fantömas" y "Grotesque," y en una medida menor en "Dead Can Dance."
El tritono algunas veces se conoce también como "la Armonía del Diablo." Se sitúa entre el cuarto y quinto perfecto, el tritono suena tan imperfecto que duele, la cual es la razón del por qué ha sido utilizado por músicos a través de los años para evocar ansiedad y amenaza. El tritono no es un intérvalo particularmente común en la música gótica, que tiende a preferir cuartos, quintos, y octavos abiertos, pero los tritonos son enormemente populares en el metal por razones obvias. Dir en grey es un buen ejemplo de una banda que usa el tritono libremente en su trabajo obteniendo un gran efecto que es el por qué partes de The Mortal me recuerdan extrañamente a algunos momentos de Withering to death y Kisou- escuchen primero "Kigan" y "Gyakujou Tannou Keloid Milk" de Dir en grey y después "Dead Can Dance" de The Mortal, y verán lo que digo - estas tres canciones se crearon en base de tritonos, y funcionan. Me doy cuenta de que ya no es cool que a alguien le guste el visual kei, pero no me molesta en lo absoluto el tener este particular sabor de metal Japonés raro en el trabajo de The Mortal. Si sonasen demasiado occidentales, ahí sería aburrido.
Jake, por otro lado, se las ingenió para escribir canciones que encajan con el esquema de color negro, pero sigue mostrando un poco de color en algunas partes. En canciones como "Mortal" y "Yume," su manejo del sonido arquetípico gótico es tan perfecto que te empiezas a preguntar si quizás Sakurai al conocerlo le pasó un casette con las mejores canciones góticas, y de ahí lo mandó a casa a estudiar mucho. Aunque usa varios trucos ortodoxos de canciones de pop, no es ni un poco tímido en usar esos dulces acordes mayores, los colores que salen de esta forma en momentos así se sienten insubstanciales, efervecentes, como atardeceres que desaparecen en burbujas. Es difícil el explicar por qué, pero creo que aquello se forja en la guitarra. El sonido de Murata siempre está nublado con distorción, pero en los arpegios de "Yume," "Mortal," y "Sayonara Waltz," Jake usa un tono tan claro que corta como cuchillo, creando una tela de araña de sonidos que desaparecen tan pronto como aparecen. Y acordes tristes también.
Letras
Por sobre este terreno enredoso, es donde Sakurai construye su mundo. Él mismo se centró desde el principio en escribir un álbum que resumiese la condición humana. Algo casi inalcanzable, pero para lo que él ha estado trabajando toda su vida. En en análisis anterior de letras, discutimos la forma en la que Sakurai ha creado una especie de mitología en base a la evolución de las imágenes en su mundo lírico, así que no debiera de ser sorpresa que muchas de esas imágenes apareciesen en I Am Mortal, por lo general en una forma más actual y oscura.
Sueños, mentiras, ángeles, máscaras, espejos, pinturas. Lluvia, la luna, la diosa madre, y la terrible tensión entre el deseo de ser alimentado y el deseo de destruir. Demonios y ángeles han aparecido en el trabajo de Sakurai desde el principio, pero ahora son más grandes y más negros, circulando la incómoda e indecible pregunta de si es que el amor es posible en algún momento sin violación. Si, el álbum logra de gran forma en resumir la condición humana - pero quizás más cercano, desde el punto de vista de Sakurai, es que también es un suscinto y desgarrador resumen de los temas que él mismo ha estado procesando desde la primera vez que encontró su voz. El "I" en "I Am Mortal" se vuelve en algo muy personal.
Cuando recién se escucha, aquello que llama inmediatamente la atención sobre las letras de las canciones de I Am Mortal es cuántas de ellas son una exploración más profunda de los temas que Sakurai en un principio trabajó en Arui wa Anarchi, específicamente en "Keijijou Ryuusei," "masQue," "Melancholia," y "Mudai."
El refrán de "Keijijou Ryuusei" termina con la frase, "Estaba soñando." Sueños ("yume" en Japonés) son uno de los principales temas en el trabajo de Sakurai, pero usualmente, para él, suelen tener cierto significado positivo - quizás aspiraciones y esperanzas para el futuro, o por lo menos un hermoso mundo de fantasía que es aliviador a tal punto que después no importa qué es real y qué no lo es.
Hay varios ejemplos en los que se usó harto la palabra "yume": "Yumeji" tiene algo que ver con una historia de fantasmas, pero el sueño es un país o carretera que han de recorrer juntos. Los sueños de amor son los que juntan nuevamente a los amantes. En "Kagerou", el "sueño de una noche de verano de ensueño" evoca al uso que se le daba a "Yume" en la era Heian como un símbolo poético para una cita sexual.
Aunque "Keijijou Ryuusei" es en parte cuán limitada es nuestra comprensión del mundo - el niño perdido desaparece en la neblina, mientras Sakurai se representa uniéndose en un juego vendándose los ojos. Si el meteoro metafísico es una alegoría a la Vida, entonces la frase "estaba soñando" tiene un significado cercano a "la vida es sólo un sueño" - y no de una forma feliz. La vida puede ser confusa mientras la vivimos. Enredada en nuestras mentes, nuestra perspectiva se vuelve extraña. Nunca podremos conocer la verdad real. Y luego, cuando observamos nuestros recuerdos del pasado, lo rápido que se nublan, de la misma forma que lo hacen los sueños cuando despertamos. La vida es un sueño en el sentido de que es fugaz y halucinatoria, y en el esquema de las cosas, se desvanece como algo insignificante. Es probablemente forzoso el decir que Sakurai estaba haciendo una referencia a Shakespeare con esto, pero no se puede evitar el citar a Prospero: "estamos hechos de lo mismo que los sueños, y nuestras pequeñas vidas están rodeadas de un sueño." Ésto es lo que los sueños significan en "Keijijou Ryuusei", y también lo que significan en I Am Mortal.
Luego, en el segundo verso de "Keijijou Ryuusei" hay una frase que dice "y cuando hablas/ parece una mentira." Las mentiras son una imagen que Sakurai usa mucho cuando trata temas existencialistas - lean la versión del álbum de "Mienai Mono", donde él termina la canción con las siguientes líneas:
La verdad en la mirada
Y las mentiras, y las mentiras, y las mentiras.
También, en "Galaxy":
No hay necesidad de preocuparse por lo que vendrá
Yo mentí
a medianoche.
En estas canciones más antiguas, la verdad de la existencia (que todos moriremos) es tan enorme que es preferible el vivir en una mentira. Pero en "Keijijou Ryuusei" ocurre lo opuesto. Aquí Sakurai está diciendo al fin la verdad, sólo que esta verdad es tan difícil de aceptar que parece una mentira. Es difícil decir exactamente cuál es la verdad - puede ser la verdad sobre la muerte, pero también puede ser la verdad sobre la vida. La ambigüedad es parte de su belleza, y Sakurai continúa manejando la idea de las mentiras de esta misma forma en I Am Mortal.
Los temas de "masQue" que Sakurai sigue explorando en I Am Mortal son la máscara, y lo grotesco, así como el aura general de la decadencia Europea. "Melancholia" nos entrega numerosas dicotomías: actor/público, ángel/demonio, agresor/víctima - todos temas que Sakurai sigue desarrollando en sus letras para The Mortal, así como también la imagen de la madre/diosa cuando el ángel sirve una copa de sangre (ver el análisis de "Melancholia" para más discusión sobre esto).
Pero la canción de Arui wa Anarchy que más se parece al trabajo de The Mortal, sin lugar a dudas, es "Mudai". Es obvio que Sakurai está muy orgulloso de esta canción, y que significa mucho para él, así que estamos tentados a pensar que ésta fue la semilla de la cuál The Mortal floreció. "Mudai," como todo el proyecto The Mortal, es sobre el cuestionamiento de la existencia, de la condición humana desde el nacimiento hasta la muerte. También, ya sea deliveradamente o por accidente, puede ser interpretada como un enigma oculto, ya que evoca tres figuras mayores del Tarot: la madre (La Emperatriz, carta III), el padre (El Emperador, carta IV), y la carta 0, El Loco.
La secuencia de las 22 cartas en la arcana mayor del Tarot cuenta la historia del viaje de El Loco a través del crecimiento y aprendizaje, intento y tentación, muerte y resurrección, y hacia la comprensión, y no puedo evitar el ver I Am Mortal como otro tipo de viaje de El Loco. "Mudai" termina con la línea "hacia los fines de la oscuridad/el loco va," y no es aquel el comienzo de The Mortal? I Am Mortal es el viaje de El Loco hacia la oscuridad, y su viaje a través de las etapas del sufrimiento.
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Tenshi
El álbum empieza extremadamente calmado con "Tenshi." Fue elección de Sakurai el que esta fuera la primera canción del álbum, y Murata estaba impresionado con ésto. "En la actualidad, nadie empieza un álbum con una canción lenta como ésta."
Como muchos de ustedes ya saben, "tenshi" es la palabra en Japonés para "Ángel." Quizás algunos que la escucharon se sorprendieron - esta es una canción de Murata, pero no suena llena de ruidos y loca. Se abre como tranquilas olas en la orilla o un lento despertar, puesta en capas con pequeños "taps y cracks", que pueden estar allí a propósito o pueden ser ruido de fondo que no se filtró al editar la música. Y espero que sea esto último, porque las imperfecciones de esta canción hacen demasiado al darle calidez y dimensión, cualidades muy raras en esta era de sobre producción casi estéril. La guitarra también está un tanto desafinada, y la reverberación es muy pesada, lo que hace parecer que Atsushi está cantando bajo el agua, y también mantiene a la canción alejada de convertirse en un himno pop.
Pero no sólo la música es la que está un tanto descentrada. El Ángel que Sakurai invoca en el título sólo aparece implícitamente en la letra en los primeros versos:
El universo es
la pupila de tu ojo
Este planeta Tierra es
una lágrima de aquel ojo
Éste es el comienzo del viaje - el descenso dede el paraíso. O, como Sakurai lo describe en una parte, "el 'in' en infinito". Siguiendo esta línea, él respira en el micrófono, lo que significa tanto que hasta se preocupó de que quede en el libro de lyrics con una serie de caracteres hiragana "a", así que sabemos que es importante. Mucha de la meditación Budista tiene mucho que ver con la respiración, porque el ritmo de nuestro respirar es lo que define nuestro momento actual infinitesimal. El respirar es la manifestación más concreta del ahora, y el objetivo de la meditación es el hacer desaparecer todos los pensamientos de pasado y del futuro y enfocarse solamente en el momento - en el "in" en infinito, por dar un ejemplo...así que es hermoso el hecho de que no se puede saber si en la grabación Sakurai está inspirando o espirando. Simbólicamente, está haciendo ambos al mismo tiempo. Si "Tenshi" fuese una carta de tarot, sería El Mundo - entendimiento integrado de la totalidad de la existencia.
"Tenshi" también presenta dos temas que se hacen extremadamente importantes durante el resto del álbum. El primero es "la vida es sólo un sueño" que ya mencionamos. La frase "muchuu de" que se tradujo como "en un trance" literalmente significa "en un sueño," si sólo se consideran los significados aparte de los dos kanji. Pero en la práctica, "muchuu" usualmente se usa para referirse no a los sueños que tenemos mientras dormimos, sino a lo que soñamos y fantaseamos mientras estamos despiertos. Específicamente, Sakurai sugiere que las acciones ocurren en un trance o ensueño se están enamorando, y rompiendo a alguien - lo que nos lleva al próximo gran tema que corta en varias partes en el álbum, y este es la violación.
No necesariamente violación en un sentido sexual (aunque hay tintes de eso más adelante, como veremos). Mayoritariamente, es violación en un sentido emocional o psicológico - la idea de tratar a otra persona como un objeto a ser usado para nuestra propia conveniencia, o alcanzar la psique de alguien y hacerla añicos. En muchas formas, la violación es lo diamétricamente opuesto al amor, y Sakurai los contrasta en el coro de "Tenshi". En el primer coro, él suplica ser amado estando debastado, mientras que en el segundo coro, se inclina al amor y rompe con un "tú" inexplícito - ¿es acaso una pareja humana? ¿o el Ángel mismo aquel que es la Vida, El Universo y El Todo? Eso no está claro. Nosotros vivimos la vida como si estuviésemos soñando, así de qué forma podríamos esperar que fuese algo claro?
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Dead Can Dance
Las cosas se vuelven mucho más claras en "Dead Can Dance." Primero que todo, la introducción lenta y atmosférica de la canción suena como un obvio tributo a la banda Dead Can Dance, de quienes Sakurai tomó el título de la canción. Si no saben cómo suena la banda Dead Can Dance, bueno, suenan como los primeros quince segundos de la canción "Dead Can Dance". #gothjokes
Sakurai dice que esta fue la última canción para la cuál escribió la letra, así que la escribió para resumir aquello con lo que él sentía no había profundizado: su apasionante amor por la vida. Esta canción ES el Danse Macabre, pero también es una sutil y satisfactoria forma de decirle fuck-you a la muerte. Después de todo, ¿qué significa la muerte si los muertos pueden bailar?
Esta canción también es lo más cerca que The Mortal llega al tipo de sexo gráfico en que trabaja BUCK-TICK. Temáticamente, no está tan lejos de canciones como "Lady Skeleton" y "Sakuran Baby," pero la conclusión es mucho menos positiva. En vez de decir "fuck it, sigamos bailando," Sakurai termina con una declaración desesperante: "Vivo y sigo viviendo y nunca es suficiente." Como dice Dylan Thomas, rabia con el desaparecer de la luz!
Incluso la repetición de "to be or not to be" suena desesperada. En la obra original, Hamlet trata de pensar en sus opciones cuidadosamente, y describe el suicidio como una forma de afirmación. Pero en "Dead Can Dance," Sakurai repite las palabras una y otra vez, "to be or not to be, or not to be, or not to be." Con cada vez que las dice suena más loco y aflijido, como si estuviese paralizado con sorpresa y horror por el hecho de que al final, ninguno de nosotros tiene otra opción.
La música refleja perfectamente este frenetismo. El tempo es rápido y frenético, la batería suena como alguien que corre en una rueda de hámster o que tropieza con sus propios pies. La guitarra y bajo están bastante distorcionadas y se superponen, pero siempre vuelven a ese tritono tan inestable, hasta que el coro rompe en una nota mayor - pero aún así, sigue siendo algo hasta obsesivo. Los instrumentos se agolpan, hay demasiado ruido, y Sakurai suena como si se estuviese esforzando demasiado, y la melodía se pierde en el vibrato. Si "Dead Can Dance" fuese una carta de tarot, sería El Juicio, el momento cuando la muerte se levanta con el llamado de la trompeta del ángel y baila una vez más.
"Dead Can Dance" termina abruptamente en un silencio. Pero en vez de darnos tiempo para volver a respirar, el álbum se dirige hacia la oscuridad más profunda y violenta de "Barbaric Man."
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Barbaric Man
Corta, esta canción es un gran golpe en un espacio pequeño. Murata usa las guitarras y el bajo como instrumentos de percusión, prácticamente sin ser afinados pero intensamente rítmicos, como tener sexo mientras se está drogado, o una imparable lluvia de balas disparadas.
Esta canción, en particular, es una que no se puede apreciar apropiadamente a menos que se escuche en grandes parlantes - el sonido está masivamente en tres dimensiones, duro y pesado como un tren a vapor, pero sin esos parlantes, su grosor y riqueza no sobresalen. Usando un sistema de audio adecuado, el sonido explota violentamente como balas musicales, sangre e interiores. La voz en que habla Sakurai interrumpe como relámpagos o imagenes en una televisión en descomposición, pero aunque murmura como un loco hablando consigo mismo, éstos murmullos parecen flotar por sobre todo ese ruido. Todo es tan complejo que al principio puede resultar difícil el entender lo que dice, pero después de unas veces de escucharla, todas las palabras se vuelven claras. Este tipo de sonido debiera de ser más que suficiente para hacer una canción para cualquier banda de metal, pero Murata no termina ahí - por lo que, rápidamente Sakurai se abre paso por los instrumentos de percusión en una melodía liviana, casi de jazz y en falsetto que contrasta con la letra vulgar (aparentemente Murata también toca la armónica en esta parte, pero es difícil de estar seguro). Con o sin armónica, es un momento extraño la primera vez que se escucha, pero Murata no acaba ahí - cuatro líneas después volvemos al ruido.
Engañosamente simple, "Barbaric Man" es, de hecho, una de las canciones con más capas y complejas del álbum, hablando en relación a la letra. Con BUCK-TICk, Sakurai raramente toca temas como éste. Lo más cerca que ha estado fue con "Trigger" de Kyokutou I Love You, aunque hay unos pincelazos igual en "Genzai" y "Detarame Yarou" - especialmente en el video, en donde Sakurai está en la sombra con sangre desparramada alrededor de sus labios. El sexo y violencia industrial de Swchein igual le dió a Sakurai la oportunidad de explorar la parte más sedienta de sangre de su psique, pero han pasado casi quince años desde eso, y en todo caso, con Schwein, él estaba claramente actuando, mientras que con The Mortal, él está tratando de hacer real su quintaesencia.
Una de las razones de por qué "Barbaric Man" es tan desafiante es que el bastardo violento, nihilista y caliente que narra la canción no es un aspecto de la quintaesencia del Sr Sakurai que sus distraídas fangirls quieren ver. El Hombre Bárbaro es lo opuesto del personaje de vampiro amante de canciones como "Romance" que hizo a popular a Sakurai entre el tipo de mujer que desea secretamente ser Bella Swan (aunque obviamente nunca lo admitirán). Barbaric Man es un narcisista que se ama tanto a si mismo como se odia. La canción empieza con las líneas,
No es que no quiera ver tu rostro reflejado en el espejo
Pero esta noche aún quiero besarte entrelazando nuestras lenguas
Sakurai está hablando sólo de él aquí - lleno de su propia belleza y popularidad, pero igual obviándola. El sexo en esta canción es sólo masturbación - si es que la pareja está presente o no, todo se trata de su pene. En adición a líneas como "dale hasta que baje" y "exploté y me dispersé" está la repetitiva línea del coro, "Bang! Bang! Bang! Barbaric Man", que evoca no sólo a las pistolas pero también a la eyaculación al final de una relación sexual corta y sin significado (además, la pistola es el símbolo más fálico de los símbolos fálicos). Muchos de los verbos en la canción son imperativos - "mueve esas caderas", "hazme cantar" - como órdenes egoístas a una pareja sexual con placeres irrelevantes.
Y aquí está el tema perturbador de nuevo: la relación entre amor y violación. Hay una forma en la que el sexo es la entrega definitiva del ego: el hacerse físicamente parte de otra persona, aunque sea por un corto tiempo puede fácilmemente hacer sentir como si las barreras que tenemos son rotas. Por otro lado, también hay una forma en que el sexo es extremadamente egoísta: biológicamente hablando, lo hacemos para traspasar nuestro propio ADN, un poco de la única forma de inmortalidad que podemos alcanzar - la inmortalidad genética. Algunas veces, nuestros objetivos fundamentales están en desacuerdo.
Es fácil, especialmente para los hombres el sentirse entitulados -sentir que merecen obtener aquello que sexualmente quieres por el simple hecho de que lo desean demasiado. También es fácil sentirse confundido, el querer a alguien pero no querer rendir parte de tí mismo a esa persona por miedo que te estás entregando por completo y que nunca más volverás a ser tú mismo. Si el sexo es un desglose de las barreras del ego, en cierto modo no sería una violación? Muchas de las personas temen el que sus barreras sean traspasadas.
Por otro lado, desde que estamos en el útero materno, tenemos el deseo de romper esas barreras y nuevamente ser parte de alguien más, y el sexo, de alguna forma nos permite eso ya que no dura mucho- al final siempre estamos fundamentalmente solos. Es fácil el empezar a sentir que incluso el amor más profundo es una especie de traición o mentira una vez que nos damos cuenta de esto: si realmente no nos podemos hacer uno, entonces acaso el amor y el sexo carecen de total significado? Y si el amor y el sexo no significan nada, entonces estamos de vuelta al principio, en el cual la intimidad sexual es sólo una violación mutua, donde cada uno en la pareja obtiene placer a expensas del otro.
La tristeza post-coito de darte cuenta de que nunca podrás ser uno con otra persona es un tema de mucho tiempo de Sakurai que llega hasta "Victims of Love" (también hay un análisis de eso). Él empezó a tocar el inicio de esta idea de la violación mutua mucho después en "Shanikusai" (la canción que viene directamente después de "Trigger" en Kyokutou I Love You) pero su conclusión final fue positiva -
Derrama un poco de sangre en mi
Y nos enamoraremos
Y nos perdonaremos
En "Shanikusai", todo sacrificio vale la pena al final.
A diferencia de "Barbaric Man", en que se quiere aferrar al nihilismo. En el verso que se traduce como "la barbaridad de los simios y los labios de los santos de enredan como en un baile," Sakurai usa la inusual palabra "koushin" que puede significar o los labios de la boca o la vagina, llamando una imagen de una bestia violando sexualmente lo divino - pero como dicen, se necesitan dos para bailar el tango. Si los simios y los santos se enredan en un baile, se tiende a pensar que los santos son cómplices de tal acto - así que la pregunta sería, acaso es la santidad la que está siendo violada por la barbaridad, o es la barbaridad la que es violada por la santidad?
Sakurai previamente trabajó con esta idea en "Melancholia", usando la imagen de un ángel pintando a un demonio con sangre - la sangre de la víctima marca al criminal como tal. Si estás manchado con la sangre de tus actos violentos, entonces cómo puedes liberarte de eso? Nada aterra la cómoda defensa del nihilismo más que el amor real. Y una vez que admites que sientes algo, no hay vuelta atrás, y te abres al dolor de la pena - pero la primera etapa del dolor es la negación, y la segunda es el enojo.
Por qué El Hombre Bárbaro se comporta tan mal? Porque va a morir, por supuesto. El dolor es dolor por él y por cualquiera a quien ame, pero lo niega vigorosamente desencadenando en violencia contra si mismo y contra otros, y pretendiendo de que no le importa. El comportamiento de auto-destrucción es unja forma de tratar de hacer algo cuando ya todo está perdido. Puedes no tener poderes para evitar la muerte, pero por lo menos tienes el poder de matar a otras personas!
Dios te traiciona, pero la Muerte se ríe - ella nunca traiciona
, es lo que dice, desesperado y desnudo, tratando de consolarse del dolor del rechazo emocional. Esta es la psicología de las uvas agrias del misógino violento - si ella no te ama, por lo menos puedes herirla! "Igual te odio," dice. "No existe aquello sobre el fin del mundo, exploté y me dispersé." Hay algo intensamente sexual es estos últimos versos - "explotar y dispersar" es una muerte violenta (como morir de un disparo) pero también es claramente una eyaculación - por nada se refiere al orgasmo como una "pequeña muerte". Es el fin del placer, el fin de aquella ilusión de que no estamos solos. El fin del mundo - eso es lo que se siente al ser rechazado por alguien que amas. Pero el Hombre Bárbaro insiste en que no hay tal cosa como el fin del mundo. Emocionalmente, nada importa. Todo es sólo sexo casual.
Si "Barbaric Man" fuese una carta de tarot, sería El Diablo - la tentación bestial que hay dentro de todos nosotros, aquello que debemos aprender a controlar. En sólo tres minutos y cuatro segundo, Sakurai ha resumido la psicología de los asesinos y de los activistas de derechos de los hombres - y sólo estamos en la tercera canción del álbum.
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Yume
La canción número cuatro nos trae a la obsesionante "Yume", que ofrece un muy necesitado break de aquellos ruidos, aunque ofrece poco consuelo emocional. En contraste con la mayoría de las canciones del álbum, esta canción es descaradamente melódica y dolorosamente hermosa. Acordes menores caen como agua en una fuente de húmeda reverberación que ondean detrás de la voz de Sakurai en su nivel más alto de hermosura que te hace temblar.
Hablando de la letra, esta canción suena mucho como una secuela de "Keijijou Ryuusei" o "Yumeji". Las melodías son similares, y estas tres canciones se enfocan en los sueños. Pero mientras "Yumeji" era una fantasía y "Keijijou Ryuusei" era, literalmente, un discurso filosófico, "Yume" es un requiem. Manteniendo la idea de "la vida es un sueño", nada en esta canción es real - cada párrafo está lleno de palabras como "transparente", "ilusivo", "vacilante". El verso "hey, es como una mentira" está tomado directamente de "Keijijou Ryuusei", pero "Keijijou Ryuusei" era impulsado por un deseo de accionar ("alza tu mano"), "Yume" ya se dio por vencido. Si un sueño es todo lo que queda, entonces el narrador esta feliz de navegar por siempre en los sueños, sin siquiera despertar.
Posiblemente, esta canción representa lo más cruel que Sakurai ha hecho con la palabra "Yume" - en el primer verso, el "tú" con el cual el soñador sueña era ya un sueño dentro de un sueño, pero en el segundo verso, todo rastro de este "tú" desaparece, y el soñador queda solo. Sakurai dijo en una entrevista que la hermosa melodía de Jake lo había puesto un tanto sentimental, pero pensamos que esa fue una elisión educada del hecho de que esta canción exuda un sentido de pérdida más profundo que todo el resto del álbum - ¿qué pasa cuando pierdes a alguien que amas incluso en tus sueños?
Si "Barbaric Man" representaba las dos primeras etapas del dolor (negación/rabia), entonces "Yume" representa la tercera : negociación. El narrador de la canción dice que ha aceptado la pérdida ("un sueño estaría bien"), pero la inesperada y fuerte bateria y la expansiva melodía del coro sugiere que aún sigue esperando a pesar de los hechos de que se despertará relajado al darse cuenta de que todo fue sólo un sueño. Él sigue rogando por ser escuchado, dice "hey, escúchame". Pero al final, él responde a su propia pregunta - "en nuestros sueños, en nuestros sueños, en nuestros sueños."
Si "Yume" fuese una carta de tarot, sería El Ahorcado - el lugar en donde El Loco, atrapado entre la vida y la muerte, contempla el río de la vida mientras cuenta boca abajo, con la cabeza en el agua y los pies en el cielo, mientras pregunta "¿por qué?"
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Fantömas - Tenrankai no otoko
"Fantömas - El Hombre en la Exhibición" es el tipo de canción que esperaríamos de Sakurai en este punto: la historia vampírica. Ya ha hecho varias de este tipo - "Ghost", "Shingetsu", "Romance", "Kuchizuke", "Yougetsu" - cada una siendo escencialmente una nueva forma de contar la misma historia. "Fantömas" cuenta eso mismo de nuevo - pero con una sorpresa.
Si The Mortal tuviese un lado juguetón, lo podemos apreciar aquí. Desde la extraña melodía hasta los acordes de sintetizadores en el coro que es demasiado pegajoso, la canción es humorística, consciente de si misma, como una película de Tim Burton. Pero aún así se las arregla para seguir siendo buena sin caer en los clichés en que de vez en cuando cayó Juusankai wa Gekkou, y el drama de la música combina perfectamente con el estilo narrativo de la letra.
Líricamente, esta canción toma la rienda justo en donde "masQue" la dejó, en una fantasía Europea en aquellos días de antaño, sólo que ahora viajamos de la Italia del Renacimiento a la Francia a principios del siglo XX. Sakurai obtiene muchos puntos góticos aquí al invocar el personaje de Fantömas, quien, como un hombre vestido de negro con una máscara, encaja perfectamente con el personaje que el propio Sakurai presenta en el escenario. En las novelas originales de Fantömas, él era un asesino en serie, y asesinos seriales nunca han sido realmente algo de Sakurai, pero Fantömas era también lo suficientemente elgante y sexy como para personificar un vampiro en la propia imagen de Sakurai.
El lugar de la exhibición de arte también es significativo. Como se mencionó antes, si Arui wa Anarchy fue el álbum conceptual de arte de Amai, I Am Mortal es el de Sakurai - ¿y qué mejor que evocar eso que cantar sobre una exhibición de arte? Sakurai siempre ha sido extremadamente influenciado por el arte visual. Por años, en su perfil de la página oficial de BUCK-TICK, en la categoría "artistas que te inspiran", él puso Egon Schiele, Marc Chagall, y Gustav Klimt. "Asylum Garden" es una canción completa que trata sobre la locura de Vincent Van Gogh, y "Mudai" fue concevida como una especie de pintura surrealista en forma musical.
Sakurai siempre ha estado muy interesado en la relación entre el artista, el arte y el público, y en cierto modo, una exhibición de arte no es distinta a un escenario - el arte está colgada en la pared para que todos la vean, así como si la misma alma del artista estuviese a la vista. Las pinturas se parecen mucho a las canciones: son básicamente muy pequeñas para expresar más de una idea principal. Más allá de eso, las pinturas no son reales. No son más que la interpretación que el artista tiene del mundo puesta dentro de un marco. Sin importar la forma en que decidas enmarcar tus ilusiones, ellas siguen siendo ilusiones - y esto va de la mano con el tema de las vanitas de los visuales de The Mortal, y con el tema de "la vida como sueño" que persevera durante todo el álbum.
¿Y cuál es la sorpresa? En las antiguas historias de vampiros de Sakurai, el personaje del vampiro o se ha ido hacia la luna con su amante como en "Ghost", "Kuchizuke", y "Yougetsu", o (al parecer) ha sido asesinado por su amante mortal, como en "Shingetsu", y "Romance". Pero Fantömas es un asesino, y esta vez es Fantömas quien se encarga tanto de seducir como de matar.
Esta es una vuelta masiva a otros trabajos de Sakurai - él habla mucho acerca de querer morir/ser asesinado, pero no se puede pensar en ninguna canción de BUCK-TICK en el que Sakurai tome el rol de un asesino (excepto por "Just One More Kiss", que realmente no cuenta). De hecho, sólo las otras canciones en donde Sakurai explora la idea del asesinato como fetiche sexual están en Ai no Wakusei: "X-Lover" y "Hallelujah." Tendemos a pensar que sólo se sintió libre como para escribir canciones como éstas en sus proyectos de solista porque tiene una sospecha de las fangirls de BUCK-TICK no serán capaces de soportarlo.
¿Acaso Sakurai realmente se excita con el asesinato de personas? Quizás, pero lo dudamos. De alguna forma, el asesinato es una alegoría de los deseos no cumplidos e imposibles de cumplir - el tipo de deseo cuando quieres tanto a alguien que quisieras ser esa persona, a tal punto en donde beberías su sangre y comerías de su carne para hacerlos parte tuya. Sakurai ya escribió algo como este tipo de deseo en un sentido mutuo en "Passion" ("quizás me comeré hasta tus huesos") y "Satan” ("hey, acaso me miraste a los ojos cuando me mataste y me miraste?") pero lleva ésto más lejos en "Fantömas" dejando abundántemente claro que la víctima no sabe lo que se viene - ella piensa que el Sr Phantom es sólo un tipo buen mozo que conoció en un museo! Oh Qué ingenua es! Una vez que ya superas el horror de la premisa, esto también es gracioso - qué es esta canción sino una advertencia de Sakurai a sus fangirl: miren pero no toquen que muerdo!
El Fantömas de las novelas francesas era un sociópata de sangre fría que nunca sintió remordimiento de sus actuar, pero el Fantömas de Sakurai es más complejo que eso. "Por favor, perdóname", le ruega a quien escucha. "Me vuelvo loco de hambre".
Acaso él mata porque disfruta haciéndolo, o simplemente mata porque es un predador como "Inter Raptor", que debe de matar para poder sobrevivir? Los seres vivientes se matan los unos a los otros para poder sobrevivir. Los veganos pretenden que los vegetales no cuentan, pero el matar es parte de la mortalidad. El Fantömas de Sakurai lamenta y glorifica la muerte de sus víctimas - para él, ésto es amor. Pero también es una violación, la forma fundamental de la violación, y cuando termina solo nuevamente al final de la canción, vuelve a la misma posición que El Hombre Bárbaro. El sexo no volverá a dos personas en una, y tampoco lo hará al canivalismo. Si "Fantömas" fuese una carta de tarot, sería La Muerte, por razones obvias.
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Mother
Así nos movemos a "Mother" - una de las canciones más melódicas que Murata ha escrito, y que hubiese sido la canción de la banda si los derechos de autor no se hubiesen interpuesto en el camino de Sakurai de nombrar la banda Mother en vez de The Mortal.
Musical y temáticamente, "Mother" podría ser una continuación de "Adult Children". Aunque "Mother" es mucho más dura y oscura en su arreglo, la melodía simple de una nota mayor suena mucho como una canción para niños, como lo hace "Adult Children", mientras que ese riff saltado de fondo evoca a rimas de jardín. Incluso el principio de la letra suena como una rima de jardín infantil:
Eres la felicidad
Eres mi sol
Eres el dolor
Eres mi luna
Es difícil el mostrarlo en Español/Inglés, pero las palabras que Sakurai usa para "sol" y "luna" no son las palabras genéricas "taiyou" y "tsuki" pero las más fantásticas "ohisama" y "otsukisama" - el tipo que niños pequeños usan al hablar.
Como "Adult Children", "Mother" es totalmente narrada desde la perspectiva de un niño muy pequeño, y ambos niños hablan sobre sus sueños, pero captamos que el niño en "Mother" es incluso más joven que el niño en "Adult Children". El de "Adult Children" confrontaba al demonio noche tras noche, pero pareciera que el niño en "Mother" acaba de aprender de la existencia de la muerte.
Piensen - se acuerdan de ese momento en su propia vida? Recuerdan qué fue lo que los hizo darse cuenta? Recuerdan ese momento en el que se dieron cuenta de que sus madres no estarán siempre ahí para darles amor, para confortarlos y para protegerlos?
Por supuesto, algunas personas no tienen la suerte de crecer siendo abrazados por un amoroso padre/madre, pero la mayoría de nosotros, cuando somos pequeños, nos sentíamos a salvo en los brazos de nuestras madres. Hay una razón detrás del cliché de los adultos gritando "quiero a mi mamá!" cuando están asustados. En algún lugar profundo, seguimos pensando que no importa lo que ocurra, nuestra madre siempre nos protegerá. No es una hipérvole el llamar a una madre felicidad y dolor, sol y luna. La idea de que algún día, nuestra madre no estará aquí es horrorizante. O, como dice Sakurai en la canción,
Por favor, dime que es una mentira
Dime que todo es un sueño
Aquí están nuevamente nuestros grandes temas: sueños, mentiras, y las etapas del dolor (estamos de vuelta en la etapa uno: negación). Y si se preguntan dónde están los temas de violación y asesinato...bueno, están en el segundo párrafo:
Soñé un sueño
En donde estaba violando
Soñé un sueño
En donde estaba matando
oh boy, esta canción sí que es directa! Pero por qué razón un niño soñaría algo como eso?
De nuevo, esta es una alegoría. Este es el momento en donde aquel pequeño niño pierde la primera parte de su inocencia, en donde empieza a ver lo primero del Hombre Bárbaro, accionado por el miedo a la mortalidad. El pequeño es todos los hombres - y realmente decimos hombres. La violación es casi siempre cometida por hombres, y aquí hay algo de mea culpa, y también algo de "por qué?". Después de todo, nuestra madre es la única persona con la cual nosotros nos habremos conectado físicamente (excepto los siameses). Las madres son la única gran excepción de la verdad de que estamos solos y que siempre lo estaremos - pero la dejamos demasiado pronto, y luego ellas nos dejan. Las mujeres, a través del embarazo, pueden volver a experimentar esto nuevamente, pero los hombres no.
En un nivel extremadamente profundo y subconsciente, esta parte es lo que hace que los hombres lleguen a las mujeres, es el por qué temen tanto el rechazo de una mujer, y también, creemos, es parte de la raíz psicológica de la misoginia, con la que Sakurai ya trató en "Barbaric Man." El usar un comportamiento destructico para asegurarse de algo cuando en realidad no lo tienes - nada me hace sentir peor que el ser rechazado por ella, pero por lo menos puedo violarla/oprimirla!
Naturalmente, el pequeño en "Mother" está horrorizado, y no quiere tener que ver con ésto. Él ruega y suplica:
Por favor, abrázame
tan fuerte que no pueda respirar
Por favor, llévame contigo
No me dejes aquí solo
Este es, nuevamente, la tercera etapa del dolor: la negociación. Si sólo él pudiese ir con su madre dondequiera que ella esté, incluso a la muerte, todo estaría bien. Así llegan los últimos versos de la canción:
Quiero fusionarme contigo
Mi luna
Si sólo, si sólo él pudiese retornar al vientre materno y quedarse allí; pero no puede. Al principio de la canción, él dice "eres el dolor/eres mi luna", y ahora, al fin sabemos lo que realmente quiere decir con ese verso tan confuso. La luna siempre ha sido un símbolo de lo femenino porque tiene un ciclo mensual de la misma forma que lo tienen las mujeres, y porque la luna aparece de noche, que está asociado con el principio femenino del yin o yoni. Y el dolor, para Sakurai, es que él nunca podrá ser uno con lo femenino, no de la misma forma en que lo estaba en el útero, porque su Madre ya no está.
Si "Mother" fuese una carta de tarot, sería La Emperatriz - la diosa madre y lo femenino.
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Guignol
Como "Fantömas", "Guignol" es una canción de Miyo Ken - hay algo en la forma de escribir de Miyo Ken que inspira a Sakurai a escribir canciones sobre horror Francés! El mismo Miyo Ken dijo que había tratado de que esta canción fuese un tributo a Portishead, pero en vez de usar partes electrónicas, que sea con una banda en vivo. Esto es a lo que nos referimos cuando decimos que The Mortal tiene influencias varias - ningún coleccionista de música hubiese clasificado a Portishead como gótico, pero sin embargo son bastante amados entre los góticos y es fácil el saber por qué: si es que hay alguna vocalista femenina más triste y enojada que Beth Gibbons díganme porque no la conozco (a todo esto, si nunca han escuchado a Portishead, dejen de leer esto ahora mismo y vayan a escuchar "Wandering Star" y "All Mine"!)
"Guignol" llega sonando mucho más hard-rock que Portishead, principalmente por el hecho de que Portishead construía sus canciones completamente de partes distintas y nunca usó una guitarra - pero Miyo Ken tiene un tono distintivo, y la parte con flauta que se repite a lo largo de la canción es tan parecido a algo que usaría Portishead que para nosotros, suena casi como un chiste. "Guignol" también evoca a la tortuosa voz soprano de Beth Gibbons en una forma oblícua al superponer las secciones del coro con múltiples audios de Sakurai cantanto en falsetto, dos octavos más alto de la base de la canción. Desde la base todo está construido de tritonos, hay tanto que decir sobre "Guignol" siendo repulsiva, pero aún así la canción llega, por lo menos a nosotros, como el número más sensual y romántico del álbum entero.
Quizás la razón de esto sea porque es la única canción del álbum que tiene que ver con amor romántico. Haya o no sido intencional de parte de Sakurai, el verso "enamorémonos mientras nos apoyamos al marco de la ventada" trae a la mente la famosa escena de "Romeo y Julieta". También hay algo cómico sobre todo este romance - cuando Sakurai dice "permitámonos hacer nuestro amor levantando las faldas de nuestros vestidos" no podemos dejar de pensar en él como un titiritero, haciendo que los títeres se muevan como teniendo sexo sólo por que él quiere - después de todo, ¿acaso no es eso lo que hace con Buck-Tick? Incluso se burla un poco de Imai - cuál otro propósito tendría el incluir la palabra en Inglés "lullaby" en la letra del coro si no fuese el de invocar el espíritu de un hombre que se mantiene escribiendo la misma canción gótica una y otra vez y que siempre la titula "Lullaby"?
La principal presunción de la canción es que la vida como un ser humano es como ser un títire en un teatro macabro de títeres - el Gran Guignol no era conocido por presentar obras felices (leer notas de la canción para más información). Pero a pesar de todo, sigue habiendo un poco de alegría en la canción. Quizás viene de las palabras obras de teatro, que Sakurai usa en abundancia comparado al uso que les da en BUCK-TICK, en donde los juegos de palabras son el dominio de Imai.
O quizás la alegría viene de el hecho de que Sakurai está realmente satisfecho con el hecho de tener completa libertad y poder hacer lo que él quiera, ser salvajemente melodramático y todo sin que nadie se atreva a decirle que es mucho. Lo gótico siempre ha pertenecido al colegio de "mucho melodrama", lo que es la razón de por qué tantos góticos aman la ópera. "Guignol" llega como una especie de ópera en forma de canción rockera. Si "Guignol" fuese una carta de tarot, sería Los Enamorados.
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Tsuki
Luego viene "Tsuki", la única canción de Jake que no es una balada. Con menos de tres minutos, es la canción más corta del álbum, y musicalmente, no es muy especial - sólo un número divertido de rock-n-roll para mejorar el ánimo. "Tsuki" significa "luna" en Japonés, y cualquiera que le haya prestado siquiera la mínima atención a las letras de Sakurai sabe que él adora escribir sobre la luna... así que ¿qué podría ser especial aquí?
A decir verdad, bastante. En la mayoría de las letras de Buck-Tick, Sakurai evoca a la luna como una forma de añadir un ambiente gótico. Todo se siente más misterioso y romántico si sucede a la luz de la luna! Pero fonéticamente, "tsuki" también es una raíz verbal que significa "empujar" o "apuñalar", y en esta canción, Sakurai se favorece del potencial juego de palabras por primera vez, mezclando la palabra "tsukI" que significa "luna" con las palabras "tsukinukeru" (atravesar) y "tsukisasu" (apuñalar).
Más allá de eso, la luna es también un símbolo no sólo de la atmósfera gótica, si no también de la indiferencia de la naturaleza inanimada respecto al sufrimiento de los seres mortales. La luna no sólo es piedra muerta, también es algo que se encuentra "por sobre todo", viéndolo del punto de vista de que existe en el espacio exterior. La luna es la observadora imparcial del ruido y de la furia de los terrestres (Sakurai ya había usado la luna simbólicamente de esta forma en "Gekka Reijin", por ejemplo.)
De esta forma, "Tsuki" es la primera canción de I Am Mortal en la que Sakurai se aventura completamente hacia las afueras del mundo de los vivos, y hacia el mundo de los muertos. "Soy un fantasma sin nombre" declara en el primer verso de la canción. Y como la luna, a este fantasma no le importa nada - en el primer párrafo, él simbólicamente rebana a pedazos todas aquellas cosas a las que los humanos más temen. el Yo, el otro, las pesadillas, el paraíso y el infierno. En el segundo párrafo, despedaza las alegrías y penas de la vida mortal, simbolizadas coloridamente por el océano azul, la oscura noche (como la oscura noche de las almas) y los "sueños rojos" (como el sexo y la violencia). La muerte es la gran niveladora. ¿Por qué nos preocupamos, si ya estamos muertos?
"Tsuki" es "Muma - The Nightmare" correctamente hecha. Si "Tsuki" fuese una carta de tarot, sería La Luna simbolizando el viaje a través de la oscuridad que la consciencia hace hacia la comprensión.
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Pain Drop
El simbolismo de la luna también figura predominantemente en "Pain Drop". Aquí, como en "Tsuki" la luna es el cuchillo del universo imparcial e indiferente, aquel que no se preocupa de si vives o mueres. Además, el personaje en "Pain Drop" se siente tan mal que incluso la luna pareciera que lo corta con una espada. La lluvia, la otra imagen central, también es imparcial pero se siente personal - lluvia, cuando uno se siente miserable se siente como una validación cósmica - una representación externa de nuestros sentimientos internos.
Sakurai mezcla la imagen de la lluvia con las lágrimas del narrador, y su sentimiento de que está siendo molido. Fue difícil el describirlo en Inglés, ya que la letra de "Pain Drop" está llena de onomatopeyas : palabras como "betabeta" y "guchagucha", que expresan algo mojado, pegajoso, y aplastado. Hay otra expresión Japonesa, "nukera kokoro" (corazón húmedo), que se refiere a la sensibilidad y vulnerabilidad de un sentir intenso, especialmente amor. Sakurai no usó esta en la canción, pero cuando usa la palabra "guchagucha" para describir su corazón, pareciera que igual se estuviese refiriendo a ella.
La música de "Pain Drop" es maravillosa con todos sus ruidos - suena como si alguien estuviese deshaciendo una canción de rock e intentando evacuarla por la taza del baño. Sakurai se pone más experimental con su trabajo de voces para esta canción que con cualquier otra en todo el resto del álbum - no es algo hablado pero tampoco es cantado en su forma tradicional. La única otra canción que ha hecho que ha sonado algo parecida fue "Detarame Yarou" en Six/Nine, para la cuál él mismo escribió la "melodía", así que tendemos a pensar que para "Pain Drop", Murata le pidió que tenga toda la libertad para hacer lo que quisiese, y este fue el resultado - un discurso histérico, porque el personaje de esta canción se volvió tan loco en su miseria que ya no puede siquiera cantar.
La desesperación es, por lo general, un sentimiento frío y solitario, pero "Pain Drop" es sobre algo mucho más inmediato. ¿Alguna vez haz tenido un momento de tal confusión emocional que has perdido toda perspectiva de la realidad y has terminado en posición fetal en el suelo, llorando y gritando hasta que tu pecho empezó a doler? Con ese tipo de sentimiento es con el que Sakurai está tratando aquí, pero debemos decir que nunca habíamos escuchado una canción que asumiera tan bien momentos como este. Este es otro track que fue creado usando tritonos inestables, y mientras Sakurai se lamenta "Sigue lloviendo, pain! Pain! Pain! Pain!" Akiyama golpea la batería como si fuesen fragmentos de vidrio golpeándose en el concreto.
Sentimientos de este tipo pueden ser desencadenados por todo tipo de cosas - rompimientos amorosos, traiciones de amigos, argumentos familiares, la muerte de personas amadas. Esta es la cuarta etapa del sufrimiento: depresión, llegando como un masivo tsunami. Una miseria como esta está más allá de toda sanidad mental, hasta llegar al punto en que la raíz de esto ya no es importante. Esto es tocar fondo, y no hay nada más que hacer aparte de llorar... y esto es el por qué la parte brillante de esta canción es la coda.
A diferencia de "Barbaric Man" y "Tsuki", "Pain Drop" no termina abruptamente, cambia su tono a unos acordes mayores, mientras Sakurai se calma un poco y empieza a hablar de forma menos loca. La lluvia ya se ha detenido, y él también ha dejado de llorar. No se siente mejor, pero está exhausto y no tiene la energía para seguirse sientiendo tan miserable por ahora, así que respira hondo entre llantos intermitentes y mira a la luna:
"desde la punta de esta luna cresciente, ahora tan silenciosa, cuelga y cae...
una lágrima"
Por un momento, quizás se está imaginando que incluso la luna puede sentir su dolor. O quizás él mismo es esa gota, cayendo y cayendo. Si "Pain Drop" fuese una carta de tarot, sería la atemirizante Torre - el horrendo flash de revelación que destruye ilusiones y nos fuerza a confrontar una nueva realidad.
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Grotesque
Ahora, sin ningún descanso emocional viene "Grotesque". Esta fue la canción que nadie pareció comprender la primera vez - y realmente no podemos culparlos, ya que es bastante densa y difícil de asimilar. No sólo salta de ida y de vuelta entre distintos tiempos y se arrastra de arriba hacia abajo en la escala cromática hasta llegar al punto en que no sepamos en qué nota están tocando, sino que también tiene una distorsión de guitarra densa y disonante, y sip, lo adivinaron, más tritonos. La canción en sí no está ni cerca de la orquestación de "Tsuki" o "Sayonara Waltz", pero contiene lo suficiente del heavy metal como para acercarse más a ello que al gótico.
La palabra "Grotesque" tiene dos significados. El primero y el más conocido significa "fantásticamente feo, extraño o absurdo en su forma, apariencia o personalidad". El segundo, un significado más antiguo se refiere a la combinación fantástica de formas humanas, animales y plantas, como en los manuscritos medievales.
