SÉRIES
La création d'une série est un exercice d'un équilibre délicat.
Une bonne série doit permettre à chaque œuvre d'art d'être autonome, tout en se rattachant à l'ensemble de l'œuvre. La création d'un ensemble de règles claires et cohérentes permet de trouver le juste équilibre entre la cohérence et chaos.
Prenons l'exemple du travail de Claude Monet qui a fait une étude complexe de la lumière, à partir d'un sujet simple, des meules de foin, à différents moments de la journée et au fil des saisons. En s'en tenant à ces règles simples, Monet a créé des œuvres individuelles uniques dont la beauté ne fait que croître lorsqu'elles sont vues dans leur ensemble. Ses paramètres lui ont permis de capturer la fugacité d'un moment unique grâce à sa représentation expressive de la lumière évanescente sur un sujet fixe et rocailleux.
Une idée assez simple qui a donné Monet l’idée de répété cette méthode avec ses nénuphars. Au fil du temps, ses peintures sont devenues lyriques, profondément émotionnelles et abstraites.
Bien que le sujet banal soit constant tout au long de la série des meules de foin, le thème sous-jacent peut être considéré comme le caractère éphémère de la lumière.
Ce concept a permis à Monet d'utiliser la répétition pour montrer les nuances de la perception en fonction de l'heure de la journée, des saisons et du temps. Le sujet presque invariable lui a fourni la base pour comparer les changements de lumière et de ses effets à travers ses séries nuancées.
La série de vingt-cinq toiles a été commencée fin septembre, début octobre 1890, et Monet a continué à produire ces peintures pendant environ sept mois. Ces tableaux font de lui le premier peintre à peindre une telle quantité d'images du même sujet, différenciées par la lumière, le temps, l'atmosphère et la perspective.
Claude Monet, Les Meules(Fin de l'été), 1890–91, 60 × 100.5 cm
Claude Monet, Les Meules (Coucher de soleil), 1890-91, 60 x 100 cm.
Claude Monet, Les Meules (Effets de la neige et du soleil), 1890-91, 65.4 x 92.1 cm.
Claude Monet, Nénuphars (Effets de soirée), 1897-98, 73 cm x 100 cm.
Claude Monet, Nymphéas, 1914-26, 12.40 x 20.65 m
Le concept de série photographique est essentiel car il permet de développer une idée ou une thématique en profondeur, en explorant différentes perspectives, angles, et techniques tout en maintenant une cohérence visuelle et conceptuelle. Une série photographique est bien plus qu'une simple collection d'images ; c'est un ensemble où chaque photo dialogue avec les autres, contribuant à une narration globale ou à une réflexion cohérente.
Prenons l'exemple du livre A Shimmer of Possibility de Paul Graham, qui illustre brillamment ce concept. Dans cette série, Graham capture des scènes de la vie quotidienne aux États-Unis, en créant des séquences de photos qui se concentrent sur des moments simples, souvent invisibles aux yeux de tous. Par exemple, il photographie une personne qui fume une cigarette ou une autre qui marche sous la pluie, en s'intéressant à la banalité apparente du quotidien. Ce qui est fascinant, c'est la manière dont il crée un rythme dans sa série, variant les cadrages et les perspectives tout en conservant une continuité dans l'exploration de la lumière, du temps, et de l’instantanéité.
Ravens de Masahisa Fukase est un exemple emblématique pour comprendre le potentiel expressif et narratif d'une série photographique. Dans ce livre, Fukase utilise la figure du corbeau pour explorer des thèmes sombres, introspectifs et profondément personnels, transformant cet oiseau en une métaphore visuelle de la perte, de la solitude et du deuil. L'ensemble de la série compose un récit visuel intense et mystérieux, où chaque image enrichit et complexifie les autres.
Il est possible d'utiliser la photographie comme un moyen de réflexion personnelle et artistique où une série cohérente peut devenir un espace pour exprimer des émotions intenses, des récits subtils, et des symboles complexes.
Le travail de Fukase montre que la série photographique est un outil puissant, permettant de transformer des sujets ordinaires ou personnels en des représentations universelles et denses. C’est un exercice d’exploration approfondie et de construction d’un langage visuel singulier et marquant.
Développer une thématique forte et personnelle : La série Ravens permet à Fukase de donner forme à son état émotionnel à travers un symbole récurrent et puissant : le corbeau. Cet oiseau, souvent associé à la mort et à l’obscurité, devient ici le reflet de sa propre souffrance après un divorce douloureux. En travaillant en série, Fukase peut explorer ce thème sous différents angles, s’immergeant dans ses émotions et en transmettant l’intensité au spectateur.
Créer une atmosphère visuelle cohérente : Chaque photo de Ravens partage une ambiance visuelle sombre et mélancolique, marquée par des contrastes élevés et des compositions dramatiques. Cette cohérence dans le traitement visuel renforce l’unité de la série et immerge le spectateur dans une atmosphère oppressante et mystérieuse. Fukase utilise des ombres profondes, des nuages bas et des lignes dynamiques pour évoquer la puissance et la brutalité du paysage intérieur qu'il explore, transformant chaque photo en un fragment de son état d'esprit.
Explorer le symbolisme visuel : En utilisant un même sujet — les corbeaux — Fukase montre comment une série peut permettre de décliner un motif pour en révéler toutes les significations possibles. Le corbeau est photographié dans différents contextes : seul, en groupe, en vol ou posé, et chaque variation change subtilement sa signification. Ce motif, réinterprété de diverses manières, devient un véhicule pour des émotions complexes, ajoutant des couches de signification à la série tout entière.
Varier la composition tout en maintenant une continuité thématique : Fukase utilise des compositions variées, passant de gros plans sur les corbeaux à des plans larges où ils se fondent dans des paysages mélancoliques. Cette variété de cadrages et de perspectives montre comment la série peut permettre d’explorer différents points de vue sur un même sujet tout en maintenant une ligne directrice forte, en l’occurrence celle de la solitude et de l’isolement.
Utiliser le rythme et la répétition : Fukase joue sur la répétition pour accentuer le caractère obsédant de sa série. Voir des corbeaux encore et encore, dans des contextes différents mais toujours sombres et intenses, crée un rythme visuel et psychologique qui capture et enferme le spectateur dans l’univers de l’artiste. Cette répétition renforce le sentiment de cycle, d'obsession et d’impuissance face à la douleur, tout en permettant de creuser toujours plus profondément le sujet de la série.
Rendre visible l’invisible : La photographie a ici le pouvoir de rendre tangible un état émotionnel qui, autrement, serait difficile à transmettre. Les corbeaux et les paysages photographiés dans Ravens ne sont pas que des éléments visuels ; ils deviennent des manifestations de sentiments intérieurs. Fukase, par son approche de la série, montre comment un artiste peut se servir de motifs et de symboles pour donner forme et présence à des idées abstraites, en faisant appel aux émotions des spectateurs.
Pousser le spectateur à une lecture évolutive : Comme dans toute bonne série photographique, les photos de Ravens se complètent et se renforcent mutuellement, demandant au spectateur de prendre du recul pour saisir l'œuvre dans sa totalité. Ce processus de lecture évolutive permet de comprendre que chaque image dans une série n’a pas besoin de tout dire ; elle peut plutôt évoquer un fragment, une émotion ou une tension, que les autres photos viendront étoffer et approfondir.