COMPOSITION
Le cadrage n’est pas neutre : il construit le sens de l’image.
La composition guide, équilibre, hiérarchise l'information dans une image.
Maîtriser les règles permet ensuite de les briser consciemment pour une exploration approfondie du médium photographique.
Concept : Divisez votre cadre en une grille 3x3. Placez les éléments clés le long de ces lignes ou à leurs intersections pour créer un équilibre et guider les yeux du spectateur. Cette technique évite la centralisation et rend les compositions plus dynamiques et attrayantes.
Ingmar Bergman, The Seventh Seal. 1957.
Utilisez des lignes directrices : Des routes, des rivières, des sentiers ou même des ombres peuvent guider le regard du spectateur à travers l'image, créant un parcours visuel.
Lignes diagonales : Elles créent un sentiment de mouvement, de tension ou de drame.
Lignes horizontales et verticales: Elles évoquent le calme ou la stabilité, tandis que les lignes verticales peuvent suggérer la force et l'autorité.
Boris Ingster, Stranger on the third floor, 1940.
Encadrement naturel : Utilisez des éléments comme des portes, des fenêtres, des arbres ou des arches pour entourer votre sujet. Cette technique attire l'attention sur le sujet principal tout en ajoutant de la profondeur à l'image.
Wim Wenders, Paris, Texas, 1984.
Yasujirō Ozu, Tokyo Story, 1953.
Symétrie vs Asymétrie : Les compositions symétriques offrent un sentiment d'ordre, tandis que les asymétriques peuvent être plus dynamiques. Dans les deux cas, il est important d'équilibrer le poids visuel des objets dans le cadre.
Claire Denis, Beau Travail, 1999.
Profondeur : Créez un sentiment de profondeur en plaçant des éléments à différentes distances de l'appareil photo. Superposer votre cadre avec un premier plan, un second plan et un arrière-plan ajoute une dimension tridimensionnelle à une image en deux dimensions.
Andrei Tarkovsky, Nostalghia, 1983.
Heure dorée : La lumière douce au lever ou au coucher du soleil ajoute une ambiance particulière.
Contraste : Jouez avec la lumière, l'ombre et la saturation des couleurs pour créer du contraste, ce qui ajoute du drame et de l'ambiance.
Terrence Malick, Days of Heaven, 1978.
Apichatpong Weerasethakul, Cemetery of Splendor, 2015.
Réduire les distractions : Concentrez-vous sur un sujet ou une scène cohérente. Trop d'éléments peuvent distraire de l'objectif principal. Isolez votre sujet en ajustant l'ouverture pour une faible profondeur de champ.
Chris Marker, La Jetée, 1962.
Motifs : Les motifs répétitifs (lignes, formes, couleurs) attirent naturellement l'attention du spectateur.
Texture : Mettre en valeur les textures ajoute des qualités tactiles qui rendent votre image plus vivante.
Michelangelo Antonioni, L'Eclisse, 1962.
David Lynch, Lost Highway, 1997.
Jane Campion, The Piano, 1993.
Clarté du sujet : Assurez-vous que votre spectateur sait où regarder en premier. Utilisez la mise au point, la lumière ou la position pour mettre en avant le sujet.
Chantal Akerman, News from Home, 1977.
11. Flou et mouvement
Vous pouvez rendre l'arrière-plan flou avec une grande ouverture ou créer un flou de mouvement avec une vitesse d'obturation lente pour mettre en évidence votre sujet ou pour créer une sensation de mouvement dans vos images.
Wong Kar Wai, Chungking Express, 1996.