29 giugno 1940, New Jersey. In uno giorno solito come tutti gli altri alle prese con la realizzazione di vignette per la testata The New Yorker, il fumettista Charles Adams idea Mercoledì Venerdì Addams che, in men che non si dica, diventerà una tra le protagoniste del capolavoro che riscuote ancora oggi enorme successo con le sue numerose trasposizioni: la famiglia Addams. La serie, successivamente realizzata negli anni Sessanta, racconta la storia della famiglia Addams e il personaggio di Mercoledì viene descritto come:

«Una bambina piena di tristezza, esangue e delicata, con i capelli corvini e l'incarnato pallido della madre. Suscettibile e piuttosto tranquilla, ama le scampagnate e le gite alle caverne sotterranee che Morticia e Gomez organizzano spesso. È una bambina seria, compassata nel vestire e, nel complesso, un po' smarrita. [...] Riservata e fantasiosa, poetica e dall'aspetto un po' sciupata, è dedita a occasionali eccessi d'ira. Ha un piede con sei dita.»

La ragazza, insieme ai personaggi iconici della sua famiglia, è la protagonista di serie televisive, cartoni animati, film, musical, videogiochi, flipper oltre a svariato altro merchandising avutosi anche nel 2022. Infatti, Mercoledì stessa (Wednesday Addams), anche nota come Stellina Addams o Nottola Addams, celebre per le sue doti alternative e fuori dagli schemi, per la sua intelligenza e sagacia che la caratterizza rispetto ai membri della sua famiglia, diviene l’unica e sola protagonista della serie debuttata recentemente e poco fedele all’originale. Si tratta di Mercoledì, una commedia horror-fantasy che segue le avventure dell’adolescente, interpretata da Jenna Ortega, alla scuola privata superiore Nevermore Academy dell'immaginaria cittadina di Jericho. Una serie che guarda molto all’immaginario contemporaneo, ma che non tradisce mai la matrice gotica e la arricchisce con omaggi al cinema classico, alla letteratura tardo romantica (Edgar Allan Poe, Mary Shelley) con simbolismi, riflessioni sull’identità di genere e l’inclusività già caratterizzanti le trasposizioni degli anni 90’. È una serie dai toni cupi i quali, accuratamente scelti dall’abilità creativa del regista Tim Burton, si affiancano a quelli pastello permettendo di far risaltare Mercoledì, vestita contrariamente in nero. Un modello di ragazza alternativa, orgogliosa della propria unicità e del proprio modo di essere cupo e velatamente minaccioso. Veste abiti austeri che contrastano con il suo incarnato pallido e presenta una spiccata predilezione per la solitudine e per le scienze occulte. L'unico personaggio che sembra avere un minimo di cognizione di ciò che la circonda è immerso nel cosiddetto mondo dei “normali” che, insieme alla sua interazione con i propri famigliari, diventano i punti di forza attrattivi dell’operazione dei creatori della serie, Tim Burton, Alfred Gough e Miles Millar. Mercoledì si ritroverà, quindi, a dover lottare per la sua sopravvivenza nel college di magia. Attorno a lei ruotano personaggi che catturano subito l’attenzione dello spettatore e valore immane lo avrà la Mano (Thing) che, nonostante cicatrici e torture, guiderà i passi di Mercoledì attraverso il mimo e l’ironia. Tim Burton costruisce, quindi, un’esile detective story per tenere insieme gli otto episodi della serie scanditi dall’assente monotonia delle vicende riguardanti i tanti personaggi fantasy: la mutaforme preside Larissa Weems (Gwendoline Christie), l’amica dal cuore licantropo Enid (Emma Myers),  l’amico allevatore di api Eugene Otinger (Moosa Mostafa), l’insegnante Thornill (Christina Ricci), la psicoterapeuta ambivalente dr Kinbott (Riki Lindhome), l’acerrima nemica Bianca Barclay (Joy Sunday) e i due spasimanti di Mercoledi, il pittore Xavier (Percy Hynes White) e il timido e riservato, tanto quanto la protagonista, Tyler (Hunter Doohan). Nella Nevermore la tristezza sarà presente e durerà, ma fino a un certo punto. Le colpe dei padri ricadranno sui figli e un passato di lutti e persecuzioni proietterà la sua ombra sugli avvenimenti del presente con strani assassini che faranno lottare Mercoledì per la verità. Con chiare influenze della saga di Harry Potter e della fantascienza di Stranger Things, Tim Burton è molto presente nelle scenografie che diventeranno il focus vero e proprio della storia. Mercoledi è, perciò, una delle serie del momento con un’enorme qualità di cast, ambientazioni, scenografie e musica tanto da uscire dagli schermi Netflix, arrivando anche ai social media quali Tik Tok e Instagram: ad andare virale è ancora oggi il ballo sincopato sulle note di Goo Goo Muck dei The Cramps della protagonista o di Bloody Mary di Lady Gaga, che permette, oltre al divertimento di grandi e piccini nel vestire i panni di Mercoledì, di risvegliare balli e capolavori musicali antichi. 

Dai rumors ci si aspettano tante altre stagioni che coroneranno la serie più amata nel 2022, ma starà a voi futuri redattori attenderle e chissà… darle voce! 

Così come Mercoledì abbandonerà la sua Nevermore Academy lasciando un segno indelebile, anche noi redattori siamo ora volti a fare lo stesso, consegnando con malinconia a voi queste curate pagine de La Voce dello Studente, alla loro lettura e alla vostra passione!

Kim Ki-Duk, regista prolifico sud-coreano, dopo aver diretto varie sperimentazioni cinematografiche, torna finalmente nel 2012 con Pietà, ottenendo la vincita del Leone d'Oro al Festival del Cinema di Venezia. Con spiccata contemporaneità, il film è ambientato in Corea, nel primo decennio del XXI secolo. Il protagonista è Kang-do, trentenne orfano, cresciuto in solitudine nei sobborghi grigi di Seul. Lavorando per uno strozzino per riscuotere i crediti dei clienti, diventa un sadico rancoroso con comportamenti crudeli, umilianti e aggressivi diretti verso gli altri: non riuscendo ad ottenere il denaro necessario da consegnare, l'uomo costringe le sue vittime a simulare gravi infortuni sul lavoro per riscuotere i soldi dell'assicurazione che i clienti, prima di ricevere il prestito usuraio, sono costretti a firmare. Ma da un girono all’altro la sua vita cambierà e l’incontro con una donna di mezza età che sostiene di essere sua madre, porterà in lui un’evoluzione che si dimostrerà solo successivamente spietata. Incomincia a provare rimorso e pietà per le persone che aveva torturato e menomato, ma, non potendo colmare gli errori compiuti, Kang-do si ritroverà a lottare per non mettere a rischio la vita della madre, della donna che sostiene di averlo sempre amato e abbandonato da piccolo per mancanza di fiducia in se stessa. Vari avvenimenti porteranno al suo licenziamento e ciò avrà una valenza negativa sulla sua persona e la sua relazione con i vari personaggi facendo emergere, ancora una volta, le opposizioni alla base della narrazione: luci e ombre, purezza e sporcizia, amore e odio, bene e male, ordine e caos, bontà e crudeltà, vita e morte. Un film dai forti contrasti anche nei protagonisti: lui alto che veste spesso con i colori smorti, la madre minuta che veste di rosso intenso. Ma i contrari, secondo l’interpretazione dualistica tra filosofia cristiana e buddista del regista, non si nutrono a vicenda, ma sono l’uno l’assenza dell’altro connaturati all’esistenza. Attraverso una critica della società contemporanea coreana che lascia gli ultimi in balia delle misere responsabilità e altrui crudeltà, Kim Ki-Duk riesce a far emergere la precarietà del complesso coreano attraverso personaggi rappresentati come fragili, mutilati e immersi nella povertà. È di valenza il cromatismo spento e fatiscente rappresentato oltre che dagli abiti di ogni attore volto a compiere atti illegali, anche dai colori insaturi paesaggistici. Sebbene i temi di incesto, vendetta e pietà siano costantemente presenti, la violenza è relegata molto spesso fuori dal campo visivo ed è suggerita dai suoni “off” dell’ambientazione. Kim Ki-Duk mette in scena, perciò, una narrazione con la stessa freddezza della trama: le inquadrature statiche, le angolazioni del basso e i primi piani molto ravvicinati impreziosiscono l’estetica semplice, imperfetta ma funzionale della narrazione in cui tra un silenzio e l’altro emergono quegli sguardi partecipativi che toccano lo spettatore. Pietà ha un proprio messaggio ed esso è comunicato attraverso immagini e figure retoriche volte a presentare ogni situazione come iperbolica e inverosimile: i personaggi sono paragonati agli animali, imprigionati e costretti ad evadere dalla propria condizione solo attraverso la morte a cui non ci si può sottrarre per la sola volontà del singolo dove “solo dal sacrificio, nasce la verità del cuore”. 

Dalla vera storia di Joy Mangano, l’inventrice e imprenditrice statunitense di origine italiana nota principalmente per l'invenzione del fantastico Miracle Mop, nel 2016 nasce Joy, film autobiografico di David O. Russell. Lei, di spiccate capacità inventive e creative, sin da piccola si immette nell’invenzione di piccole chicche ma, nonostante il suo rilevante spirito di iniziativa, le urgenze della vita costringono la ragazza ad annullare la realizzazione delle sue strabilianti idee. Jennifer Lawrence interpreta Joy come una ragazza modello, con un lavoro stabile, castrato però da una vita difficile. Divorziata con due figli, è costretta a vivere in un ambiente che la opprime: la madre, perennemente incollata al televisore a guardare soap opera trascorre con lei tutti i giorni sormontati da tristezza, rabbia e rancore. Diversi eventi hanno, infatti, richiesto la precedenza sulla protagonista: la famiglia, i figli e il matrimonio fallito che continua ad innescarsi nella sua vita, a riecheggiare nella sua testa causa la presenza dell’ex nel suo seminterrato che, sebbene la ami, ferisce Joy inesorabilmente. Senza accorgersi della vita che ferve intorno a lei, la ragazza può contare solo sulla nonna Mimi, l'unica che l'ha sempre stimolata e aiutata anche nelle faccende pratiche. Ma col passare del tempo, consapevole e delusa dell’impossibilità che ogni suo vecchio sogno si avveri, la sua attitudine inventiva, che ha sempre accantonato per urgenze altrui, riemergerà facendola splendere e rinascere. Trovatasi a dover ripulire sul ponte di una barca dei resti di calici di vino rosso, la visione delle sue mani insanguinate dai frammenti di vetro, la spingono a creare un accessorio per la pulizia della casa. La casalinga disperata, inventa così un mocho di cotone automaticamente strizzabile, buffamente denominato Miracle Mop. Negli Stati Uniti degli anni Novanta, molto poco connotati, l’imprenditoria è una faccenda di pochi ma, grazie all'amore e all’appoggio economico dell'ultima fidanzata del padre, Joy riuscirà a mettere a punto il suo progetto, pubblicizzandolo lei stessa sul canale commerciale QVC, diretto dall'imprenditore Neil Walker. Il personaggio femminile vincente ha tanta determinazione e buoni propositi che le permetteranno di affrontare le tante e contrastanti difficoltà della vita: uomini d’affari che cercano di estrometterla, l’odio e il pessimismo infuso dalla sorellastra che prova, amaramente, invidia per il successo della giovane. Grazie alla sua instancabile volontà, alla fine Joy otterrà la realizzazione del suo sogno diventando una stimata imprenditrice, contribuendo alla vita domestica con numerose altre invenzioni. Il film sull’imprenditoria apre raramente spazio alla figura di una solida donna: trovandoci in una società in cui ciò che non viene “presentato” non esiste, il successo delle donne non può essere nascosto in ambito cinematografico per i comuni giudizi altrui. Sebbene il film sia equamente emancipatorio e non, si sofferma sul successo nel proprio genere, l’ambiente femminile in questo caso, relegando l’innovazione in un contesto, purtroppo, tradizionale: il ritorno continuo agli aspetti tipici della personalità femminile ossia la sofferenza, lo sfruttamento e la scalata al successo non permettono uno sguardo d’insieme ma l’affermazione dell’equità e della stima che anche una donna si merita di avere in quanto realizzata. Nel film ogni aspetto è curato e i giochi di colori creati attraverso i continui cambi look dei personaggi interagiscono in maniera perfetta con la scenografia.

Rian Johnson idea Cena con delitto- Knives out tra le antiche mura di una lussuosa abitazione del Massachusetts che aprirà le porte ad una vera e propria rivisitazione del genere giallo. Il film, dalla portata mondiale risalente a pochi anni fa, ha come filo conduttore la storia di Harlan Thrombey, il famoso romanziere, editore e carismatico patriarca della famiglia trovato morto nella propria camera da letto. Dopo la scoperta del cadavere, il giorno dopo i festeggiamenti del suo ottantacinquesimo compleanno, la famiglia allargata è convocata per essere interrogata circa le circostanze misteriose della morte di Thrombey. Ma il cadavere dell’eccellenza trovato dalla giovane cameriera di famiglia Marta Cabrera ha la gola tagliata e sembra essere il frutto di un suicidio, sebbene non ci siano risposte concrete che risolverebbero il caso. La villa di campagna di Thrombey vedrà quindi l'arrivo di tanti personaggi, oltre ai parenti stretti del defunto, ispettori di polizia e l’investigatore privato Benoit Blanc: dal sud degli Stati Uniti d’America, arriverà nel nord, terra del progressismo e della ricchezza democratica quale è il New England per indagare su un caso per il quale misteriosamente è stato assunto. Tra una scena e l’altra, in cui si alterneranno i pensieri contrastanti del detective Elliot, l’agente Wagner e l’investigatore privato e consulente Blanc per il quale saranno sempre troppe le domande senza una risposta, gli interrogatori lasceranno ben presto spazio ai pregiudizi divorati dalla brama del denaro che muoverà i personaggi fino alla fine. Messo in scena un vero e proprio giallo, nel film si alterna l’evolversi della storia tra interrogatori e ricostruzioni, alla base di una profonda voglia di divertimento, la stessa del Cluedo, gioco da tavola amato dal protagonista. Ciò che rotola fuori dalla scatola del gioco non cambia: tutto si focalizza perfettamente, come nelle attitudini dei giocatori, in una villa isolata piena di trucchi, un delitto, un detective e un gruppo di sospettati che si accusano a vicenda. Le riprese centralizzate e la focalizzazione dei personaggi, infatti, fanno spazio alle scene ambientate in un periodo in cui le “case” lussuose o meno che siano nella sfera cinematografica stanno prendendo il sopravvento come in Parasite o tante altre collane. Il film ha una buona sceneggiatura che si arpeggia tra la modernità dei cellulari, degli inseguimenti, delle nuove tecniche di investigazione e l’antichità dell’abitazione, il silenzio cupo della caduta delle foglie in autunno, il fango, i cani e i detective vecchio stampo. Cena con delitto è, quindi, un film che disinnesca il senso profondo del giallo e non scontenta gli amanti del genere vecchio stile ma è molto teatrale con dell’ironia sulla storia che spezza la monotonia del racconto. L’intrigatissimo mistero è immerso, perciò, in un film molto equilibrato, irriverente, politico ma anche molto legato alle classi sociali.

Attraverso un curato flashback che ripercorre le memorie di un vecchio diario e di un’anziana ormai arrivata alla fine dei suoi giorni, viene raccontata la storia particolare di un uomo, nato alla fine della Prima guerra mondiale. 

Attraverso un curato flashback che ripercorre le memorie di un vecchio diario e di un’anziana ormai arrivata alla fine dei suoi giorni, viene raccontata la storia particolare di un uomo, nato alla fine della Prima guerra mondiale. 

Le riprese del Curioso caso di Benjamin Button si aprono in una dimensione cupa, triste e malinconica: in un letto di ospedale in cui ormai il tempo scorre inesorabilmente in direzione della morte, l’anziana signora Daisy Fuller racconta alla figlia Caroline, posta al capezzale del suo letto, dell’inaugurazione di una stazione ferroviaria avvenuta nella sua piena gioventù. È il 1918 e a New Orleans viene costruito un massiccio orologio avente andamento antiorario, al fine di “riportare in vita” idealmente tutti i soldati caduti in guerra, secondo la volontà e le direttive di un orologiaio cieco. Sebbene un apparente inizio insensato, fuori scena e contenuto, il regista David Fincher aprirà insolitamente le riprese del film pluripremiato verso la strana storia di una vita vissuta al contrario, così come la lentezza e le contrarietà delle lancette che attraversano quell’enorme struttura orologiaia. Artrite, cartilagini ossificate, cataratta e sordità, sintomi di età perlopiù avanzata, affliggono il povero Benjamin sin dall’inizio dei suoi giorni che sono colmi di ansie, paure e insicurezze per la nuova famiglia che lo accoglierà. Negli stati Uniti vive Thomas Button, ricco uomo d'affari e produttore di bottoni, che presto diventerà padre. Ma l’incinta moglie, contrariamente alle aspettative, dopo una serie di agonie conseguenti al parto, muore dando alla luce un bimbo con la salute di un novantenne. Button, afflitto e in preda alla disperazione, decide di strappare il bambino dalla culla con l'intento di buttarlo nel fiume e farla finita ma l’ultima esitazione lo porta a salvare la creatura abbandonandola sulle scale di una casa di riposo. E sarà proprio lì che Benjamin verrà accolto a braccia aperte in una nuova vita che lo vedrà ringiovanire di giorno in giorno, tra anziani buffi e stravaganti con abitudini fisse e controllate, la visita frequente della morte e una inaspettata dell’amore. Il film del 2008 è stato candidato nel 2009 a tredici premi Oscar e, grazie alle curate abilità del cast, vincerà i premi per migliore scenografia, trucco e migliori effetti speciali che ripropongono realisticamente le malformazioni dei pazienti affetti dalla sindrome romanzata nel film. Infatti, nel film tratto dall’omonimo racconto di Francis Scott Fitzgerald del 1992, la patologia di cui è afflitto il ragazzo è, ovviamente, adattata alla sceneggiatura: un'incredibile storia d'amore dove al protagonista viene capovolto totalmente il ciclo della vita. Ma ciò di cui si parla non è del tutto surreale. La sindrome di Benjamin Button è realtà e il più famoso ragazzo ad esserne affetto si chiamava Sam Berns. Il giovane sempre sorridente presentava naso appuntito, alopecia progressiva e una statura bassa nonché tutte alterazioni tipiche della vecchiaia sebbene il suo sviluppo mentale seguisse il progredire dell'età. La sindrome, estremamente rara e che colpisce circa un individuo su 8 milioni, è conosciuta anche come sindrome di Hutchinson-Gilford, altrimenti detta "Progeria". Il gene responsabile della malattia fu scoperto nel 2003 sebbene per essa, sfortunatamente, non vi sia ancora una cura che possa far cessare il dolore di chi, al contrario del mondo, è rinchiuso in un corpo invecchiato con accelerazione. Ma se nel film Benjamin riuscirà a conoscere e condividere l’amore con una delle persone più importanti della sua vita che vivrà al meglio quando s’incrocieranno le loro età, Sam non ha goduto della possibilità di ringiovanire lasciando il mondo all’età di soli 17 anni.

Lady Diana, principessa del Galles, ritratta a lato attraverso il volto di Kristen Stewart è fatta rivivere in Spencer, film di Pablo Larrain. L’attrice, candidata Golden Globe e icona anche durante la presentazione del film in concorso alla 78 esima edizione del Festival di Venezia, è immersa in uno scenario surreale rivolto a pochi eletti, appartenenti alla corona inglese: residenze che sin da piccoli si sogna di osservare e vivere così come nelle favole, diversamente dalla “favola” in cui si è tramutata la vita di lady D. La principessa del popolo è infatti raccontata e posposta da Pablo Larraín in “una fiaba tratta da una tragedia vera”. 

È la Vigilia di Natale del 1991 e, come la consueta abitudine di corte prevede, la famiglia reale è diretta verso una delle residenze dei Windsor per trascorrere il magico periodo dell’anno. Lady Diana, da qualche anno moglie del principe Carlo, però, si è persa nel suo regno. Non viaggia su una carrozza con un abito voluminoso o una corona in testa. Debole e forte, capricciosa e protettiva, felice e triste allo stesso tempo, guida una porsche nera decappottabile e indossa vestiti d’alta moda abbinati ad un paio di occhiali da sole. La destinazione, da lei apparentemente sconosciuta sebbene in un terreno confinante con il luogo dove un tempo giocava, è Sandringham House nel Norfolk. Un luogo in cui “c’è solo un tempo. Il passato e il presente sono la stessa cosa e il futuro non esiste”. Lì la aspetta tutta la grande famiglia con i suoi due amati figli, William e Harry, avuti poco dopo il matrimonio con il futuro re. Ma il castello in cui sono riuniti i Windsor è un luogo spettrale e strano: un luogo freddo, così come lo sono i parenti acquisiti da lady D in cui tutti sentono tutto con molto distacco.  Un luogo in cui è lei stessa a voler evadere e dove si sente diversa e ingabbiata in quel ruolo di futura regina che non le appartiene. Sebbene la regola di Buckingam Palace “Never complain, never explain” sintetizzi l’idea di non dover e non poter divulgare il proprio stato d’animo per non farlo utilizzare dai media contro di sé, sono proprio la tristezza, la depressione e la bulimia i fili conduttori del racconto. In una gelida serata di inverno, con il sole che ancora illumina le strade del mondo, la principessa vede la sua vita pian piano frantumarsi corrosa dall’amore, ormai non reciproco, del principe Carlo. Quello che doveva essere il matrimonio del secolo si rivela un pozzo di infelicità per tutti con un’alta tensione tra i due consorti per la relazione con Camilla Parker Bowles, amica storica del principe. La sceneggiatura ripresa da Steven Knight ci mostra lady D intrappolata dentro regole rigide, che la portano a tentare la fuga per «andare a casa», quella vera, quella in cui era stata una bambina amata e felice quando poteva scambiare l’ordine imposto degli abiti da indossare diversamente dalle regole reali. Larraín la segue con la macchina da presa, si concentra sui primi piani con inquadrature perfettamente stabilizzate e centrali con dettagli strettissimi per evidenziare tutto il senso di oppressione di una donna che non riesce a costringere il suo corpo a fare cose che detesta, a mostrare al mondo una versione di sé che non combacia con la realtà. Ciò è rappresentato metaforicamente da una collana di perle: la stessa collana che unisce purtroppo lady D a Camilla in quanto entrambe regalate da Carlo per Natale. Se per quest’ultima è stato un dono affettuoso e d’amore, per Diana rappresenta quella costrizione soffocante dalla quale cerca in ogni modo di svincolarsi. Tutta una continua finzione e (di)mostrazione di stare ed essere stati bene sebbene la protagonista cerchi a tutti i costi di sovvertirla in quanto Diana, Diana Spencer e non la futura regina d’Inghilterra. 

Dopo un periodo che ha visto noi studenti e il magazine online del nostro istituto andare in stop, sono finalmente arrivati i mesi dei progetti e delle ripartenze. Da molti considerati come il nuovo inizio per ogni anno, una nuova possibilità di mettersi in gioco con nuove idee, progetti pianificati o completamente da scrivere, settembre e ottobre aprono le porte alle nostre varie rubriche: esse inizieranno a colorare tutto il nostro anno scolastico nonostante questi due mesi nel 2005, non furono invasi dalle emozioni contrastanti che portano alla ricerca di nuove “avventure”, al contrario dipinsero di nero la vita del protagonista di Making a Murderer. È proprio dalla riflessione di non poter essere colpevoli fino a che non ci siano le prove di esserlo e dalla curiosità tipica della gioventù, che due studentesse statunitensi, nell’ottobre del 2005, decidono di intraprendere una delle più lunghe riprese di indagini, perquisizioni, gradi del processo e interviste che non si sarebbero mai aspettate di documentare. Le riprese di questa docu-serie thriller investigativa durano, infatti, tredici anni ma è solo dalla data del secondo processo di Steven Every che prende le mosse l’opera giornalistica appena citata. In maniera cruda, palese, priva di attori e di sceneggiatura, viene raccontata la vita di Steven, un cittadino della contea di Manitowoc (Wisconsin, Stati Uniti): lui, un uomo ben conosciuto dapprima per la sua ditta di demolizione-auto e in seguito a causa di uno dei due omicidi per il quale è condannato. È proprio negli anni 80 che la vita del soggetto inizia a decadere a causa della presunta violenza sessuale e tentato omicidio di Penny Beerntsen. Scontata una pena di ben 18 anni, sebbene senza concrete prove che attestino la sua colpevolezza, solo nel 2003 Steven venne scagionato con l’esito negativo del DNA ma gli ostacoli continuano ad intralciare la sua vita. I diciotto anni perduti non sono abbastanza e la presunta accusa di un altro omicidio, insieme al nipote Brendan Dassey, non permette all’uomo di rifarsi una vita, quella che gli è stata troppo tardi ridata. Da qui la scelta della produzione della serie documentaristica, distribuita il 18 dicembre 2015 sulla piattaforma Netflix che suscita, nell’arco di poco tempo, un enorme successo. Una storia a primo impatto abbastanza semplice e riduttiva ma che poi risulterà essere talmente assurda e complicata che a tratti, lascerà trasparire agli spettatori tanti dubbi su quanto accaduto e la verità dei fatti. Si tratta, quindi, di un’opera giornalistica, di notevole peso e fatica che in due stagioni di dieci episodi l’una, è riuscita a far appassionare più di ogni altra serie TV facendo immergere il pubblico nel mondo giuridico della giustizia penale americana smuovendo le proprie emozioni. Making a Murderer risulta essere una serie da vedere, difficile da emulare o rimpiazzare dato il suo impatto truecrime e il prodotto più innovativo e interessante del 2016. Un vero e proprio viaggio all’interno della famiglia Every nei confronti di due processi penali e del sistema americano, con difetti e criticità che emergono dalla serie, nella quale le sensazioni di sporco e di ingiustizia sono ricorrenti.