PICTURES GENERATIONS

Introduction

• La Pictures Generation désigne un groupe d’artistes américains actifs à partir de la fin des années 1970.

• Terme popularisé par l’exposition Pictures (1977) organisée par Douglas Crimp à Artists Space (New York).

CONTEXTE

Un moment charnière dans l’art américain

La Pictures Generation émerge à New York à la fin des années 1970, période marquée par une crise économique, urbaine et sociale.

Les grands récits modernistes, qui avaient dominé la scène artistique depuis l’après-guerre, montrent leurs limites. L’idée d’un progrès linéaire vers une vérité universelle par l’art (le modernisme de Clement Greenberg, par exemple) est remise en question.

Les artistes de cette génération ne cherchent plus à créer des œuvres « pures » ou « originales », mais interrogent plutôt la circulation des images dans une culture saturée de médias.

Influence de la théorie critique et du postmodernisme

Roland Barthes, “La mort de l’auteur” (1968) : l’autorité de l’artiste comme « génie créateur » est mise en cause. Une œuvre n’a pas un sens unique fixé par son auteur, mais se construit dans l’acte de lecture/visionnage.

Walter Benjamin, “L’œuvre d’art à l’ère de sa reproductibilité technique” (1936) : question de l’aura et de la perte d’unicité à l’époque de la reproduction mécanique, qui devient encore plus pertinente dans l’ère des mass media.

RICHARD PRINCE

La remise en cause de l’originalité

Prince est l’une des figures fondatrices de l’appropriation art. En re-photographiant des publicités existantes (par exemple les Marlboro Cowboys), il déplace la question de l’art : au lieu de créer une image « originale », il montre que l’important est le geste de sélection, de déplacement et de recontextualisation. Cela remet en cause l’idée romantique de l’artiste-génie créateur et redéfinit l’acte artistique comme critique du système des images.

2. La critique de la culture visuelle et de la consommation

En choisissant des images publicitaires, des pin-up, des motards ou des cartoons érotiques, Prince met en évidence la manière dont la culture populaire américaine fabrique des fantasmes collectifs (virilité, liberté, sexualité, pouvoir). Ses œuvres agissent comme des miroirs critiques de la société de consommation et de ses stéréotypes.

3. Le brouillage entre art et non-art

Son travail joue sur une ambiguïté fondamentale : est-ce encore de l’art si l’artiste ne « produit » pas l’image mais la copie ? Cette tension entre banalité de la source et aura de l’œuvre d’art (musées, galeries, prix exorbitants) rend son travail incontournable pour penser la valeur de l’art dans un monde saturé d’images.

Contrairement aux générations précédentes (Pollock, Rothko, Newman), qui cherchaient l’authenticité et l’expression individuelle, la Pictures Generation adopte une posture ironique et critique.

Là où l’expressionnisme abstrait voyait la toile comme un champ d’action, eux la voient comme un champ de signes. Cette transition illustre le passage du modernisme au postmodernisme, où l’on privilégie :

• la citation, le pastiche, l’appropriation

• la critique des médias

• la fragmentation et la pluralité des sens

• l’impossibilité d’un récit universel.

4. Une influence durable et polémique

Affaire Cariou v. Prince (2008–2013)

• Contexte : Prince a utilisé 41 photographies du photographe Patrick Cariou (tirées de son livre Yes Rasta, 2000) pour créer une série intitulée Canal Zone.

• Procès : Cariou a poursuivi Prince pour violation du copyright.

• Jugement initial (2011) : La cour a estimé que Prince avait enfreint les droits d’auteur et devait détruire les œuvres invendues.

• Appel (2013) : La cour d’appel a annulé partiellement la décision, jugeant que 25 des 30 œuvres examinées relevaient du “fair use” (usage transformatif) car elles apportaient une nouvelle signification ou esthétique, mais 5 restaient litigieuses. Cette affaire est devenue un cas de référence mondial sur la question du fair use et de l’art d’appropriation.

La notion d’utilisation équitable (fair dealing) appliquée à la création artistique

1. Qu’est-ce que c’est ?

Au Québec (et au Canada), la loi sur le droit d’auteur protège toutes les œuvres (textes, images, musiques, vidéos, etc.).

• Normalement, tu dois demander la permission à l’auteur ou au détenteur des droits pour utiliser une œuvre.

• Mais il existe une exception : l’utilisation équitable (fair dealing). Cela veut dire qu’on peut utiliser une partie d’une œuvre sans demander d’autorisation, mais seulement dans certains contextes précis (ex. recherche, critique, parodie, enseignement).

Au Québec/Canada, la loi sur le droit d’auteur protège toutes les œuvres (images, films, musiques, textes, etc.).

Exception : l’utilisation équitable permet d’utiliser une partie d’une œuvre sans demander la permission, mais seulement dans certains cas précis :

• Recherche ou étude

• Critique ou compte rendu

• Communication de nouvelles

• Parodie ou satire

• Enseignement

À RETENIR :

S’inspirer, transformer, critiquer = OUI
Copier tel quel, revendiquer, vendre = NON

Féminisme et critique de la représentation

• Les années 1970 sont aussi marquées par une montée des mouvements féministes aux États-Unis.

• Les artistes femmes de la Pictures Generation (Cindy Sherman, Barbara Kruger, Sherrie Levine, Louise Lawler, Sarah Charlesworth, Laurie Simmons) mettent en avant la construction sociale du féminin dans les images médiatiques.

• L’image devient un champ de bataille politique, où se rejoue la lutte entre pouvoir, désir et identité.

Barbara Kruger est une artiste conceptuelle américaine connue pour ses œuvres provocantes et politiquement chargées qui fusionnent le texte et l'image. 

Ses œuvres présentent souvent des photographies en noir et blanc superposées à des textes audacieux en blanc sur rouge ou en blanc sur noir, remettant en question les normes sociétales et les questions de pouvoir, d'identité et de culture de la consommation. Le travail de Kruger incorpore souvent des phrases et des slogans qui incitent les spectateurs à remettre en question et à examiner de manière critique les idéologies dominantes. 

Grâce à son langage visuel distinct et à son utilisation de l'esthétique des médias de masse, elle est devenue une figure éminente de l'art féministe et contemporain. 

Cindy Sherman est une artiste majeure de l’art contemporain, surtout connue pour ses photographies mises en scène dans lesquelles elle se prend elle-même comme modèle. Elle explore les stéréotypes de genre, les codes de la représentation et l’influence des médias et du cinéma sur l’identité.

Dans ses séries les plus célèbres, comme Untitled Film Stills (1977-1980), Sherman incarne différents personnages féminins inspirés de films, de publicités ou de la culture populaire, brouillant la frontière entre réalité et fiction. Son travail questionne la construction sociale de l’image et le rôle des apparences dans notre perception de soi et des autres.

Cindy Sherman est une artiste majeure de l’art contemporain, surtout connue pour ses photographies mises en scène dans lesquelles elle se prend elle-même comme modèle. Elle explore les stéréotypes de genre, les codes de la représentation et l’influence des médias et du cinéma sur l’identité.

Dans ses séries les plus célèbres, comme Untitled Film Stills (1977-1980), Sherman incarne différents personnages féminins inspirés de films, de publicités ou de la culture populaire, brouillant la frontière entre réalité et fiction. Son travail questionne la construction sociale de l’image et le rôle des apparences dans notre perception de soi et des autres.

Sherrie Levine est une artiste associée au mouvement de l’appropriation dans les années 1980. Elle est surtout connue pour avoir « rephotographié » des œuvres déjà existantes, comme les photos de Walker Evans (After Walker Evans, 1981), questionnant ainsi l’originalité, l’aura et l’autorité de l’artiste.

Son travail met en évidence que toute image est déjà une réinterprétation et souligne comment l’art circule, se copie et se transforme. En réutilisant des œuvres emblématiques, Levine critique l’idée romantique de la création artistique comme geste unique et propose plutôt une réflexion sur la valeur culturelle, économique et symbolique de l’art.

Louise Lawler est une artiste qui s’intéresse à la manière dont les œuvres d’art sont présentées et perçues. Plutôt que de créer des images « nouvelles », elle photographie souvent des œuvres déjà existantes, mais dans des contextes particuliers : par exemple dans des musées, des galeries, des maisons privées ou même dans les réserves d’un collectionneur.

Son travail montre que l’endroit, l’éclairage ou la façon dont une œuvre est accrochée changent complètement la manière dont on la regarde et la comprend. Lawler nous fait ainsi réfléchir non seulement à l’œuvre en elle-même, mais aussi au système de l’art, à ses coulisses et aux rapports de pouvoir ou d’argent qui l’entourent.

L’image des personnes de couleur et la question de l’appropriation

1. Invisibilité et sous-représentation

• Dans la culture visuelle dominante des années 1970–80 (publicité, cinéma hollywoodien, magazines de mode), les personnes de couleur étaient très largement sous-représentées, ou figées dans des stéréotypes racialisés.

Aujourd’hui, la question est d’autant plus sensible avec les débats sur la justice raciale et la représentation dans les arts. La Pictures Generation a ouvert la porte à la critique des images, mais elle a souvent laissé en marge les problématiques liées à la race. Les artistes contemporains de couleur ont donc prolongé ce travail, en faisant de l’appropriation un outil de revendication et de réparation.

RÉSUMÉ

La Pictures Generation n’est pas née dans le vide :

• Elle est le produit d’un moment historique — la fin de la croyance dans les récits modernistes, l’influence de la pensée poststructuraliste, la montée des médias de masse et des luttes féministes.

• Ce contexte nourrit une génération d’artistes qui ne cherchent plus à inventer des images neuves, mais à révéler les mécanismes de celles qui nous entourent déjà.

• Elle marque ainsi le glissement de l’art contemporain vers une culture de l’appropriation, de la citation et de la critique visuelle — une culture qui reste aujourd’hui la nôtre, dans l’ère numérique et des réseaux sociaux.

Elad Lassry est un artiste qui travaille surtout avec la photographie et la vidéo. Il est connu pour ses images très précises et mises en scène, qui ressemblent à des photos publicitaires ou de magazines, mais qui laissent toujours une impression étrange ou décalée.

Il présente souvent ses photos dans des cadres colorés faits sur mesure, brouillant la frontière entre l’image et l’objet. Son travail interroge la manière dont les images circulent dans la culture visuelle contemporaine, et comment elles influencent notre façon de voir et de consommer le monde.

Sara Cwynar est une artiste contemporaine qui explore la manière dont les images façonnent nos désirs et nos perceptions, en particulier dans la culture de consommation. Elle travaille avec la photographie, la vidéo et le collage pour recombiner des images publicitaires, des objets trouvés ou des références historiques.

Ses œuvres révèlent comment les couleurs, les objets et les représentations féminines sont utilisés pour séduire et influencer. En réorganisant ces matériaux visuels, Cwynar met en lumière les mécanismes de la publicité et de la culture populaire, tout en questionnant la beauté, le goût et la valeur des images.

Amalia Ulman est une artiste contemporaine qui travaille surtout avec la performance, la photographie et les réseaux sociaux. Elle est devenue connue avec son projet Excellences & Perfections (2014), une mise en scène sur Instagram où elle incarnait différents stéréotypes féminins influencés par la culture en ligne, la mode et la publicité.

En brouillant la frontière entre réalité et fiction, Ulman montre comment les identités se construisent et se consomment à travers les images numériques.