Un estudio elaborado por la Universidad de Turín, Italia, reveló 20 películas que son imborrables de la mente de fanáticos y directores de cine.
Hay películas que le presentan una ventana a un mundo diferente como ‘Odisea en el espacio’, o que tal vez lo hicieron fanático de un mundo diferente como Star Wars, o que lo llevaron a tener pesadillas como Frankenstein. Estas historias no solo marcaron su vida, sino que se convirtieron en un referente del cine de hoy.
De ahí que el equipo de Psicología de la Universidad de Turín buscó entre más de 40 mil películas, organizadas en Internet Movie Database (IMDb), aquellas que impactan a los espectadores a pesar de tener más de 70 años de historia.
Los psicólogos se enfocaron en analizar el discurso, las escenas y los personajes de las películas, dejando a un lado la crítica profesional, su distribución comercial y las tendencias del momento.
El mago de Oz (1939)
El mago de Oz (título original: The Wizard of Oz)
Es una película musical, fantástica estadounidense de 1939, producida por Metro-Goldwyn-Mayer (aunque ahora Time Warner posee los derechos de la película), y protagonizada por Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Jack Haley, Bert Lahr, Billie Burke y Margaret Hamilton.
En la actualidad, es considerada una película de culto, a pesar de su proyecto inicial como fábula cinematográfica infantil.
La película está basada asimismo en la novela infantil El maravilloso mago de Oz, de L. Frank Baum,
en la cual una joven estadounidense es arrastrada por un tornado en el estado de Kansas hasta una tierra de fantasía donde habitan brujas buenas y malas, un espantapájaros que habla, un león cobarde, un hombre de hojalata y otros seres extraordinarios.
Notable por su uso del Technicolor, la narración fantástica, su partitura musical y los personajes inusuales, con los años se ha convertido en un icono de la cultura popular estadounidense.
Fue nominada a seis premios Óscar en la 12.ª entrega, incluyendo mejor película.
Ganó en otras dos categorías, incluyendo mejor canción original, por «Over the Rainbow» y mejor banda sonora, por Herbert Stothart.
A pesar de recibir críticas positivas, la película fue un fracaso de taquilla en su estreno inicial. Fue la producción más cara de MGM hasta la fecha y no recuperó completamente la inversión del estudio ni obtuvo ganancias hasta sus reestrenos en 1949. Su lanzamiento para televisión en 1956 por la cadena CBS reintrodujo la película a un público más amplio y, con el paso de los años, su presentación anual se convirtió en una tradición, haciéndola una de las películas más conocidas en la historia del cine.
Es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco (otros son los filmes documentales de los hermanos Lumière, Los olvidados, dirigida por Luis Buñuel, de 1950, y Metrópolis de Fritz Lang, de 1927).
En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.
Está considerada como el tercer mejor musical del cine estadounidense por el American Film Institute.
Argumento
La huérfana Dorothy Gale (Judy Garland) vive una vida sencilla en Kansas con su tía Emm (Clara Blandick), su tío Henry y tres pintorescos peones: Hunk (Ray Bolger), Zeke (Bert Lahr) y Hickory (Jack Haley). Un día, la severa vecina Miss Gulch (Margaret Hamilton) es mordida por el perro de Dorothy, Totó. Miss Gulch se lo lleva por orden del sheriff, a pesar de las apasionadas protestas de tía Emm y de tío Henry. Totó escapa y regresa junto a Dorothy, quien se alegra enormemente, pero luego, al darse cuenta de que Miss Gulch regresará, opta por huir, llevándose a Totó, en busca de una vida mejor «en algún lugar sobre el arco iris».
En su viaje, Dorothy se encuentra al supuesto adivino "Profesor Marvel" (Frank Morgan), que, con la intención de que la niña vuelva a su hogar, la engaña haciéndole creer que la tía Emm está enferma. Dorothy se apresura de vuelta a la granja, pero un repentino tornado se desata y fuerza a la familia a esconderse en un sótano fuera de la casa. Dorothy busca a la tía Emm por toda la casa, pero al entrar a su habitación, el marco de la ventana se rompe a causa de los fuertes vientos y golpea a Dorothy en la cabeza, dejándola inconsciente.
Una confundida Dorothy despierta para descubrir que la casa ha sido atrapada por el tornado. A través de la ventana de la habitación, ve a Miss
Gulch volando sobre su bicicleta, y luego se transforma en una bruja montada en una escoba. Momentos después, el tornado deja caer la casa con Dorothy y Totó sobre la tierra de Oz.
Glinda, el hada buena del Norte (Billie Burke), llega y le informa a Dorothy que se encuentran en Munchkinland (Pequeñilandia en la versión española). Le dice a Dorothy que ha matado a la Bruja Mala del Este 'dejando caer una casa' encima de ella. La bruja calzaba unos zapatos de rubí.
Animados por Glinda, los tímidos munchkins salen de sus escondites y celebran el deceso de la bruja hasta que su hermana, la Bruja Mala del Oeste (también interpretada por Margaret Hamilton), aparece para reclamar las poderosas zapatillas de rubí. Glinda transporta mágicamente los zapatos a los pies de Dorothy y le recuerda a la bruja que su poder no tiene efectos en Munchkinland. La bruja jura vengarse de Dorothy y desaparece mágicamente. Glinda le dice a Dorothy que la única manera de regresar a Kansas es pidiéndole ayuda al misterioso Mago de Oz, el cual vive en la Ciudad Esmeralda, y que para ír allí tiene que seguir el camino amarillo.
En su camino, Dorothy se hace amiga del Espantapájaros (Ray Bolger), quien desea un cerebro, el Hombre de Hojalata (Jack Haley), quien desea un corazón, y del León Cobarde (Bert Lahr). Los tres deciden acompañar a Dorothy al encuentro del Mago, con la esperanza de obtener sus deseos (un cerebro, un corazón y coraje, respectivamente). Durante el camino, son atormentados por numerosos intentos fallidos de la bruja para detenerlos.
Al fin llegan a Ciudad Esmeralda, y solo consiguen entrar al palacio después de que la bruja vuele sobre ellos, escribiendo en el cielo con su escoba humeante «RÍNDETE DOROTHY». El Mago (también interpretado por Frank Morgan) aparece como una terrorífica cabeza flotante rodeada de fuego y humo. Acepta ayudarlos solo si demuestran ser dignos apoderándose de la escoba voladora de la Bruja Mala del Oeste.
En su camino al castillo de la bruja, los atacan unos monos voladores que se llevan a Dorothy y a Totó y los entregan a la bruja, quien reclama las zapatillas de rubí. Cuando Dorothy se niega, la bruja trata de quitárselas, pero una lluvia de chispas que emergen de las zapatillas la detiene. Al comprender que no podrá quitarle las zapatillas mientras Dorothy esté viva, trama cómo destruirla.
Totó escapa y encuentra al Espantapájaros, al Hombre de Hojalata y al León en el Bosque Embrujado y los guía hasta el castillo, donde entran disfrazados con la ropa de tres soldados a quienes han dejado inconscientes. Una vez dentro, liberan a Dorothy e intentan escapar, pero son cercados en una terraza por la bruja y sus soldados. La bruja quema la punta de su escoba con un candelabro y prende fuego al Espantapájaros. Dorothy toma una cubeta de agua para apagarlo, pero accidentalmente moja a la horrorizada bruja, quien a causa de esto se derrite. Para la sorpresa del grupo, los soldados los aclaman. Ellos le dan a Dorothy la escoba de la bruja como agradecimiento por haberles liberado de ella. De regreso adonde el Mago, Dorothy le da la escoba al mago, pero éste trata de inventar excusas para retrasar las peticiones del grupo. Entonces Totó, al tirar del cordón de una cortina cercana, revela la inesperada verdad: el "Mago" es un hombre normal y corriente (que, de hecho, luego revelará que era un aeronauta de Kansas que llegó a Oz en globo) que usa trucos de ilusionista para parecer un mago.
Al saberlo, Dorothy y sus amigos se sienten estafados, pero el mago resuelve sus deseos a través del sentido común: al Espantapájaros le da un diploma que amerita el título de "Doctor del Pensamiento", al Hombre de Hojalata le da un reloj con forma de corazón que simula los sonidos que hace un corazón latiendo, y al león le entrega una medalla de valor que lo nombra miembro de "La Legión del Coraje". Promete llevar a Dorothy a casa en el mismo globo en que llegó a Oz, dejando al Espantapájaros, al Hombre de Hojalata y al León a cargo de Ciudad Esmeralda. Justo antes de despegar, Totó salta de la canasta del globo para perseguir un gato. Dorothy salta para atraparlo y el Mago, incapaz de controlar el globo, se va sin ella. Dorothy se resigna tristemente a pasar el resto de su vida en Oz hasta que Glinda aparece y le dice que puede usar las zapatillas de rubí para regresar a casa con Totó. Glinda le explica que no se lo dijo en un principio porque la niña necesitaba aprender que «Si no puedes encontrar el deseo de tu corazón en tu propio patio, entonces nunca lo perdiste realmente».
Dorothy se despide de sus amigos llena de lágrimas y sigue las instrucciones de Glinda de «golpea tus talones juntos 3 veces y repite las palabras 'No hay lugar como el hogar' (en la versión en español dice 'Se está mejor en casa que en ningún sitio')». Ella se despierta en la habitación de su casa rodeada de su familia y amigos y les cuenta su viaje. Todos se ríen y le dicen que todo fue un mal sueño. Una feliz Dorothy, todavía convencida de que el viaje fue real, abraza a Totó y le dice «Realmente no hay lugar como el hogar».
La guerra de las galaxias (1977)
Título
La guerra de las galaxias (título original español)
Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza (desde 1999)
La nave en la que viaja la princesa Leia es capturada por las tropas imperiales al mando del temible Darth Vader. Antes de ser atrapada, Leia consigue introducir un mensaje en su robot R2-D2, quien acompañado de su inseparable C-3PO logra escapar. Tras aterrizar en el planeta Tattooine son capturados y vendidos al joven Luke Skywalker, quien descubrirá el mensaje oculto que va destinado a Obi Wan Kenobi, maestro Jedi a quien Luke debe encontrar para salvar a la princesa.
Fecha de estreno: 25 de diciembre de 1977 (Colombia)
Director: George Lucas
Star Wars es una película estadounidense de 1977 del subgénero de ciencia ficción space opera, escrita y dirigida por George Lucas; renombrada como Star Wars: Episode IV - A New Hope en 1999. En español se tituló originalmente La guerra de las galaxias y tras ser renombrada se conoce como Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza o La guerra de las galaxias: Episodio IV - Una nueva esperanza.4 Fue la primera película que se estrenó de la saga Star Wars, y se ordena como la cuarta en términos de su cronología interna: dos filmes siguientes continuarían la trama de la trilogía original (The Empire Strikes Back y Return of the Jedi), mientras que otra trilogía (The Phantom Menace, Attack of the Clones y Revenge of the Sith) describiría los eventos previos a La guerra de las galaxias, centrada en torno al antagonista principal Darth Vader. El estreno de esta precuela provocó el cambio en el título original de la primera película, que pasó a incorporar el número de episodio IV (cuatro en numeración romana) y el subtítulo A New Hope («Una nueva esperanza» en español).
A partir de su lanzamiento mundial, el 25 de mayo de 1977, ha sido considerada un hito en la historia del cine, principalmente por el uso de efectos especiales innovadores en la época. Además, es una de las películas más exitosas de todos los tiempos, así como una de las más influyentes en la cinematografía contemporánea. Obtuvo seis premios Óscar de un total de diez nominaciones (incluyendo la de «mejor película», cuyo Óscar correspondiente perdió frente a Annie Hall de Woody Allen).
El guion fue redactado por George Lucas mientras dirigía su primer largometraje, influido principalmente por los cómics de Flash Gordon, las películas sobre samuráis de Akira Kurosawa y la obra El héroe de las mil caras de Joseph Campbell. Al finalizar el Festival de Cannes de 1971, Lucas firmó un acuerdo con la productora Universal Studios para realizar dos películas, que más tarde se convertirían en American Graffiti y Star Wars. El reparto estuvo integrado por Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew y David Prowse; el rodaje fue realizado en la estepa tunecina, Londres y Guatemala. Los efectos especiales corrieron a cargo de Industrial Light & Magic, empresa creada específicamente para esta película.
La trama describe la historia de un grupo de guerrilleros —conocidos como la Alianza Rebelde— cuyo objetivo es destruir la estación espacial Estrella de la Muerte, creada por el opresor Imperio Galáctico. Desde una perspectiva general, la historia se enfoca en un joven granjero llamado Luke Skywalker, quien, de forma repentina, se convertirá en un héroe conforme acompaña al Maestro Jedi Obi-Wan Kenobi en una misión que lo llevará a unirse a la Alianza Rebelde para ayudarles a destruir la estación espacial del Imperio.
Star Wars se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos, alcanzando una cifra superior a 775 millones USD. El récord lo mantuvo hasta 1982, año en que fue superada por E.T., el extraterrestre de Steven Spielberg. En 1989, la filmoteca National Film Registry de la Biblioteca de Estados Unidos añadió el título a la categoría «película cultural, estética o históricamente importante», mientras que el guion de Lucas fue elegido por el gremio Writers Guild of America como uno de los mejores jamás redactados.
Psicosis (1960)
La secretaria de Phoenix, Marion Crane (Janet Leigh), se fuga después de robar $40,000 dólares de su empleador con el fin de huir con su novio, Sam Loomis (John Gavin), es vencida por el agotamiento durante una fuerte tormenta. Viajando por carreteras secundarias para evitar a la policía, ella se detiene una noche en el viejo motel Bates y conoce al cortés, pero nervioso propietario Norman Bates (Anthony Perkins), joven interesado en la taxidermia y con una relación difícil con su madre.
Fecha de estreno: 16 de junio de 1960 (Estados Unidos)
Director: Alfred Hitchcock
Música compuesta por: Bernard Herrmann
Canción destacada: Prelude
Historia de: Robert Bloch
King Kong (1933)
Capturado en la isla de la Calavera un enorme gorila Kong, escapa tomando una dama bella a la cimera del edificio Empire State.
Fecha de estreno inicial: 2 de marzo de 1933
Directores: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
Historia: Merian C. Cooper; Edgar Wallace
Historia de: Merian C. Cooper, Edgar Wallace, Leon Gordon
Guion: Ruth Rose, James Ashmore Creelman
Sinopsis
Un equipo de cine van a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.
2001: Odisea del espacio (1968)
La supercomputadora HAL 9000 guía a un equipo de tres astronautas en un viaje en el que buscan descubrir los orígenes de la humanidad.
Fecha de estreno: 2 de abril de 1968 (Washington D. C.)
Director: Stanley Kubrick
Música: Richard Strauss; Aram Jachaturián; György Ligeti; Johann Strauss
Recaudación: 190 700 000 dólares estadounidenses
Historia de: Stanley Kubrick, Arthur C. Clarke
Guion: Stanley Kubrick, Arthur C. Clarke
Sinopsis
La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad, no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del "homo sapiens", unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada.
Metrópolis (1927)
Un industrialista dirige una ciudad, en donde los ricos vive en la parte superior y los esclavos en la parte inferior.
Fecha de estreno: 10 de enero de 1927 (Alemania)
Director: Fritz Lang
Presupuesto: 5.000.000 marcos
Basada en: Metropolis; de Thea von Harbou
Sinopsis
Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todoperoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.
Críticas
El ciudadano Kane (1941)
Un periodista se obsesiona con el hecho de comprender el significado de la última palabra que Charles Foster Kane dijo antes de morir: Rosebud. Para descubrir el misterio investiga a varias personas del pasado del magnate.
Fecha de estreno: 1 de mayo de 1941 (Nueva York)
Director: Orson Welles
Producción: Orson Welles; George Schaefer
Guion: Orson Welles, Herman J. Mankiewicz, John Houseman, Roger Q. Denny, Mollie Kent
Premios: Premio Óscar al Mejor Guión Original
Sinopsis
Un importante magnate estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar, ”Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio.
Críticas
El nacimiento de una nación (1915)
Los eventos que rodearon la Guerra Civil son dramatizados, en esta película clásica del cine mudo por D.W. Griffith.
Fecha de estreno: 8 de febrero de 1915 (Estados Unidos)
Director: D. W. Griffith
Recaudación: Desconocido; estimado $50–100 millones
Guion: D. W. Griffith, Frank E. Woods
Sinopsis
Clásico del cine mudo que narra los acontecimientos más importantes de la creación de los Estados Unidos de América: la guerra civil, el asesinato de Lincoln, etc; tiene el mérito de ser la primera película que cuenta una historia de modo coherente: hasta ese momento una película era un conjunto de escenas con muy poca relación entre sí. Obtuvo un enorme éxito en su tiempo.
La obra maestra de Giffith sólo puede describirse recurriendo a los superlativos. Es, en gran medida, el origen del lenguaje cinematográfico: apenas veinte años después de la invención del cine, Griffith utiliza con una sabiduría de experto el primer plano, el montaje paralelo, el flash back y la profundidad de campo; y, por si fuera poco, sienta las bases de la narrativa y la tensión dramática del cine clásico de Hollywood. Pero además, “El nacimiento de una nación” tiene, casi noventa años después, interés por sí misma. La historia de los Estados Unidos durante y después de la guerra civil americana está soberbiamente contada a partir de la relación entre dos familias del Norte y del Sur, con escenas memorables que van del intimismo de un paseo de enamorados a la grandiosidad de una batalla a campo abierto.
Frankenstein (1931)
Basada en la historia de Mary Shelley sobre un científico que crea un ser viviente con cadáveres robados.
Fecha de estreno: 21 de noviembre de 1931 (Estados Unidos)
Director: James Whale
Historia: John L. Balderston; Richard Schayer
Historia de: Mary Shelley, John L. Balderston, Peggy Webling, Richard Schayer
Adaptaciones de: Valperga, Frankenstein o el moderno Prometeo
Sinopsis
El doctor Henry Von Frankenstein acomete un experimento tenebroso: construir, a partir de fragmentos de cadáveres, un nuevo ser humano. Con la ayuda de su criado Fritz, se adentra durante la noche en los cementerios de la localidad para arrancar a los cadáveres las partes que necesita. Lo que ignora es que el cerebro que ha utilizado en su experimento había pertenecido a un criminal.
Blancanieves y los siete enanitos (1937)
La malvada madrastra de Blancanieves no puede soportar que la belleza de la joven sea superior a la suya y decide acabar con su vida. La bellísima Blancanieves consigue refugiarse en una minúscula cabaña del bosque en la que habitan siete simpáticos enanitos. A pesar de todo, la cruel madrastra consigue dar con su paradero y la envenena con una manzana. El veneno sumirá a la joven en un sueño eterno del que tan sólo un príncipe azul podrá despertarla.
Fecha de estreno: 21 de diciembre de 1937 (Los Ángeles)
Directores: David Hand, Wilfred Jackson, Larry Morey, Ben Sharpsteen, William Cottrell, Percival C. Pearce
Cuento: Wilhelm Grimm, Jacob Grimm
Sinopsis
La malvada madrastra de Blancanieves decide deshacerse de ella porque no puede soportar que la belleza de la joven sea superior a la suya. Sin embargo, Blancanieves consigue salvarse y se refugia en la cabaña de los siete enanitos. A pesar de todo, su cruel madrastra consigue encontrarla y la envenena con una manzana. Pero la princesa no está muerta, sólo dormida, a la espera de que un Príncipe Azul la rescate.
Casablanca (1942)
En Marruecos, el dueño (Humphrey Bogart) de un café ayuda a su ex novia (Ingrid Bergman) y a su marido (Paul Henreid) a escapar de los nazis.
Fecha de estreno: 26 de noviembre de 1942 (Estados Unidos)
Director: Michael Curtiz
País: Estados Unidos
Historia de: Joan Alison, Murray Burnett
Guion: Howard Koch, Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Casey Robinson
Sinopsis
Años 40. A consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, Casablanca era una ciudad a la que llegaban huyendo del nazismo gente de todas partes: llegar era fácil, pero salir era casi imposible, especialmente si el nombre del fugitivo figuraba en las listas de la Gestapo, que presionaba a la autoridades francesas al mando del corrupto inspector Renault. En este caso, el objetivo de la policía secreta alemana es el líder checo y héroe de la resistencia Victor Laszlo, cuya única esperanza es Rick Blaine, propietario del 'Rick’s Café' y antiguo amante de su mujer, Ilsa Lund. Rick e Ilsa se habían conocido en París, pero la entrada de las tropas alemanas en la capital francesa les separó.
Drácula (1931)
Un agente (Dwight Frye) de bienes inmuebles visita el castillo de un vampiro (Bela Lugosi) que tiene 500 años en Transilvania.
Fecha de estreno: 12 de febrero de 1931 (Nueva York)
Director: Tod Browning
Adaptaciones de: Drácula
Producción: Tod Browning; Carl Laemmle, Jr. para Universal; Productor asociado: E. M. Asher
Guion: Garrett Fort, Dudley Murphy
Sinopsis
Ésta es una de las primeras versiones sobre el mítico vampiro. Fue realizada por la Universal, productora especializada en el cine de terror. El conde Drácula abandona los Cárpatos y se traslada a Occidente, llevándose como sirviente a un contable. Una vez instalado, se enamora de una joven que ya está prometida. Empieza a a visitarla por las noches y va bebiendo su sangre poco a poco para convertirla así en su esposa. Pero el malestar que sufre la joven alerta a su familia, que busca la ayuda del doctor Van Helsing.
El padrino (1972)
Una adaptación ganadora del Premio de la Academia, de la novela de Mario Puzo acerca de la familia Corleone.
Fecha de estreno: 14 de marzo de 1972 (Nueva York)
Director: Francis Ford Coppola
Recaudación: $245, 066, 411 (mundialmente)
Canción destacada: Speak Softly Love
Guion: Mario Puzo, Francis Ford Coppola, Robert Towne
Sinopsis
América, años 40. Don Vito Corleone (Marlon Brando) es el respetado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York. Tiene cuatro hijos: Connie (Talia Shire), el impulsivo Sonny (James Caan), el pusilánime Fredo (John Cazale) y Michael (Al Pacino), que no quiere saber nada de los negocios de su padre. Cuando Corleone, en contra de los consejos de 'Il consigliere' Tom Hagen (Robert Duvall), se niega a participar en el negocio de las drogas, el jefe de otra banda ordena su asesinato. Empieza entonces una violenta y cruenta guerra entre las familias mafiosas.
Tiburón (1975)
Un gigantesco tiburón blanco amenaza a los habitantes y turistas de un pueblo costero. El alcalde encomienda la caza del escualo al jefe de la policía, un pescador y un científico. El grupo se da cuenta de que es un animal inteligente y violento.
Fecha de estreno: 20 de junio de 1975 (Estados Unidos)
Director: Steven Spielberg
Canción destacada: Main Title
Historia de: Peter Benchley
Música compuesta por: John Williams, Michael Small
Sinopsis
En la costa de un pequeño pueblo del Este de los Estados Unidos, un enorme tiburón ataca a varias personas. Por temor a los nefastos efectos que este hecho podría tener sobre el negocio turístico, el alcalde se niega a cerrar las playas y a difundir la noticia. Pero un nuevo ataque del tiburón termina con la vida de un bañista. Cuando el terror se apodera de todos, un veterano cazador de tiburones, un oceanógrafo y el jefe de la policía local se unen para capturar al escualo.
Nosferatu (1922)
Un corredor de bienes raíces necesita vender un castillo cuyo propietario es el excéntrico conde Graf Orlock. El conde, en realidad, es un vampiro milenario que esparce el terror en la región de Bremen, y se interesa en Ellen, la mujer de Hutter.
Fecha de estreno: 17 de febrero de 1922 (La Haya)
Director: Friedrich Wilhelm Murnau
Idioma(s): muda; intertítulos en alemán
País: Alemania
Historia de: Bram Stoker
Sinopsis
Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen.
Un atildado caballero de cejas enarcadas y larga capa negra llama a tu ventana a medianoche y, contra todo pronóstico, no es de la tuna. Sorprendentemente, en lugar de pegarte un susto de muerte, echarle un cubo de agua hirviendo y llamar a la policía, le das permiso para que entre. Porque el gentleman en cuestión tiene estas cosas: es capaz de dar la murga en horas intempestivas pero luego es demasiado educado para entrar si no se siente invitado.
El caso es que el tío se mete en tu cuarto, pone cara de Christopher Lee, abre la boca con una sonrisa picarona… y te hinca el diente. Y tú, en un extraordinario ejercicio de cortesía con los invitados, no le dices nada y dejas que vaya haciendo, que ya se cansará. Visto desde fuera cualquiera diría que estáis para que os encierren, que esa no es manera de conducirse en sociedad, ni el caballero ni tú. Pero tú has visto muchas películas, has leído bastante y tienes muy claro qué está pasando: estás ante un vampiro. Aunque no descartemos tan rápidamente a la tuna.
Y de eso estamos hablando aquí: de una película de vampiros. Otro proyecto más. Un nuevo eslabón en la carrera de un director barbilampiño armado de talento y cargado de fantasmas. Solo una muesca en el joven género de terror de la joven industria cinematográfica de la aún más joven Alemania de Weimar. Nada capaz de conjurar todos los traumas de una generación de postguerra, ni de esconder en cada extremo de sus fotogramas un mundo de códigos esotéricos, ni de despertar las iras de la ley hasta extremos realmente peligrosos. Nada, en definitiva, con vistas a perdurar ni a crear escuela. Nadie se acercó a Friedrich Wilhelm Murnau en una pausa del rodaje y le comentó que podía ser que su nueva película sentara las bases de un género entero, se enraizara en el imaginario común, sufriera la persecución de las fuerzas de orden público, pasara a la clandestinidad… No hubo nadie que interrumpiera el rodaje a gritos y avisara a este joven director alemán de que lo que estaba haciendo podía ser muy, muy grande. Puede que nadie lo hiciera, simplemente, porque él ya sabía que "Nosferatu" (1922) sería una obra maestra. Vampiros hay de todo pelaje, pero pocos como el conde Orlok.
1-Recuerdos de la Gran Guerra: Una noche de invierno de 1916, un grupo de soldados alemanes se acurrucan alrededor de un fuego en una inhóspita granja de Serbia. Hace frío, están lejos de sus casas y la guerra no parece tener fin; ante semejante panorama no es de extrañar que el ambiente no sea para bailar agarrados, ni que, en un momento particularmente lúgubre, se pongan a hablar de vampiros. De repente, una voz surge de entre las sombras: un anciano campesino, de origen rumano, se acerca al fuego y les explica la historia de su padre, un mal hombre que murió en un accidente sin recibir confesión. Tras enterrarlo –cuenta el recién llegado- una plaga de muertes asoló la región, siempre acompañadas de una figura terroríficamente familiar: su padre se había convertido en un vampiro. Una mañana, un destacamento que él mismo encabezaba abrió la tumba de su progenitor y le hundió una estaca en el pecho. El campesino relata el horror que asoló sus corazones al ver cómo el cadáver se retorcía y profería terribles gritos, hasta desaparecer en una nube de polvo. Los soldados alemanes lo escuchan, mudos de la impresión. Siempre recordarán esa historia. Uno de ellos es un joven inquieto, interesado en el mundo del ocultismo, llamado Albin Grau. Años más tarde, el recuerdo de aquella historia lo lleva a idear un proyecto para su joven productora de cine: Nosferatu. Pero Grau no es el único en calarse los huesos en una trinchera de “la guerra que debía acabar con todas las guerras”.
2-Plumpe: Friedrich Wilhelm Plumpe nace en Bielefeld, cerca de Westfalia, en diciembre de 1888. Siendo muy joven entra como actor en la compañía teatral de Max Reinhardt, pero como su padre no quiere saber nada de veleidades artísticas, Plumpedecide adoptar el nombre de una pequeña ciudad, refugio de artistas: Murnau am Staffelsee. Allí tiene una residencia familiar su novio, el poeta Hans Ehrenbaum Degele. Son días de formación, en los que el futuro director conoce a poetas, pintores, estetas de toda clase… Y entonces estalla la I Guerra Mundial. Murnau sufre un grave accidente como piloto del que sobrevive por los pelos y el final de la contienda lo encuentra en Suiza, donde se recupera de las heridas. No todos tendrán su suerte: Ehrenbaum Degele no regresará jamás del frente ruso. Instalado en Berlín, Murnau empieza a trabajar en la poderosísima industria del cine alemán y pronto su talento lo convierte en un prolífico director. Cuando Albin Grau recurre a él en 1922, con el libreto de Nosferatu en la mano, su carrera ya augura grandes cosas. Títulos de la talla dePhantom (1922), El último (1924) o Fausto (1926) supondrán una consagración por todo lo alto. Su desembarco en Hollywood no hace más que confirmar la tendencia, hasta el punto de convertirse en el primer ganador del Oscar al mejor director de toda la historia del cine gracias a Amanecer (1927). Consagrado internacionalmente, instalado en la meca del cine, alejado de una patria a punto de precipitarse en el infierno, a Murnau le espera un futuro brillante… pero el destino le tiene reservada una última jugarreta. En 1931, mientras avanza por la costa de California en un Rolls Royce conducido por su ayudante de solo 14 años, el coche pierde el control y se estrella contra una torre eléctrica. Murnau, el aviador que tuvo la insólita suerte de sobrevivir a ocho accidentes durante la I Guerra Mundial, muere en un choque fortuito, en tiempos de paz, y con los pies en el suelo. Su funeral, celebrado en Alemania, cuenta con un parlamento de Fritz Lang y la asistencia de Greta Garbo y de Emil Jannings, entre otros.
3-Grau el ocultista: Productor, ideólogo, director de arte, publicista y lo que le echen. Albin Grau es el auténtico hombre orquesta de Nosferatu y sin él, por encima incluso de Murnau, la película no sería lo que es. Nacido en 1884 cerca de Leipzig, Grau lucha en el Frente Oriental durante la I Guerra Mundial y al finalizar la contienda se instala en Berlín y empieza a trabajar haciendo publicidad para el cine. Suyos son los carteles de un puñado de clásicos del expresionismo alemán. Por aquellos años, su interés por el ocultismo lo lleva a convertirse en el Gran Maestre de la Logia Lichtsuchenden Brüder y a relacionarse, entre otros, con el mago y alquimista Aleister Crowley. Grau es un hombre inquieto, capaz de fundar logias, editar revistas y pintar cuadros. A nadie debe extrañar, y menos aún trabajando en el mundo del cine, que monte una productora como Prana Films con la que dar cabida a sus intereses. Tras la quiebra de la empresa, Grau trabaja de director de arte en un par de títulos más, entre ellos Sombras (1923) de Murnau. Y entonces llegan los nazis, poco amantes del esoterismo, y el rastro de Grau se pierde. Como no podía ser de otro modo en alguien con su trayectoria, su figura se diluye entre las sombras. Unas versiones dicen que huye a Locarno en 1938, y que regresa a Berlín tras la guerra hasta su muerte en 1971. Otras, en cambio, afirman que es detenido por el asfixiante aparato nazi y muere en 1942 en Buchenwald. Sea como sea, su frenético ritmo de actividades se para en seco en los años treinta, y ya no sabemos nada más de él.
4-El alma del vampiro: El trabajo de Max Schreck es tan perturbador que pronto se extiende la leyenda de que aquello no puede ser una simple interpretación, que ni el más extraordinario de los actores puede componer un personaje tan ponzoñoso. Schreck tiene que ser un vampiro. A esta falsa creencia contribuye el hecho de que el gran público no tenga constancia de que haya participado en otras películas, como si hubiese emergido de ultratumba para aparecer en Nosferatu y acto seguido desaparecer en la noche. Bien, vamos a desmontar el mito: Friedrich Gustav Maximilian Schreck nace en septiembre de 1879 en Berlín. Su interés por el teatro lo lleva a unirse a la compañía de Max Reinhardt, con la que hace giras por Alemania interpretando, entre otras, obras de Bertolt Brecht. Su debut en el cine se produce, curiosamente, con una adaptación de El alcalde de Zalamea (1920). Luego viene Nosferatu, pero su carrera en el mundo del cine no acaba aquí, sigue acumulando títulos e incluso colabora de nuevo con Murnau en Las finanzas del gran duque (1924). Schreck, casado con la actriz Fanny Normann (que aparece en la película como la enfermera que atiende a Hutter), esconde bajo su faceta de actor perfeccionista, a un bromista especializado en parodiar caracteres grotescos, pero también a un místico introvertido que ama la soledad y la naturaleza. Su temprana muerte, víctima de un infarto en 1936, contribuye a engrandecer el mito del actor-vampiro. Otra leyenda dice que, en realidad, el hombre bajo la máscara es el actor Alfred Abel, una de las grandes estrellas del cine alemán de la época. Pero todo es falso, Max Schreck es un actor de carne y hueso, y de tomo y lomo. Por cierto, Schreck, en alemán, significa “terror”.
5-Luciano Berriatúa: A menudo el papel del historiador, del conservador, y del rescatador del cine no se valora como debería. Para el caso que nos ocupa, la reflexión es perfectamente válida. No podemos hablar de Nosferatu tal y como se concibió sin hacer mención a Luciano Berriatúa. Guionista, director de cine y restaurador, en 1977 descubre en los archivos de la Filmoteca Española una copia de la película con una secuencia (la de la partida de cróquet) nunca vista. Aunque más tarde encuentra otra copia similar en la Cinemathèque Française, Berriatúa ya se ha dejado envenenar por la mirada del conde Orlok, a cuya película dedica varios estudios. Con los años, diversos restauradores trabajan para recomponer el film, a veces siguiendo los criterios plasmados por Berriatúa en sus textos, pero el resultado final nunca es óptimo. Un día, leyendo un libro sobre Nosferatu, esta especie de Indiana Jones metacinematográfico descubre una anomalía en las dos copias que se conservan en la cinemateca de París. Una intuición lo lleva a viajar a la capital gala, con la expectativa de encontrar algo nuevo. Una vez allí, Berriatúa coloca el celuloide en la moviola, pone en marcha el aparato… y bingo. En sus manos tiene una copia de la película original, tirada del negativo de rodaje, donde está todo, y todo en perfectas condiciones. Un tesoro digno del doctor Jones. Al salir del recinto no le persigue una bola de piedra gigante, ni una tribu de parisinos con taparrabos y curare, pero el periplo no ha acabado: tienen que pasar los años (y las versiones) hasta que, en 2006, el material de París cae en manos apropiadas y se realiza una restauración fidedigna. Berriatúa escribe libros sobre Murnau, realiza documentales e incluso se desplaza a las localizaciones donde se rodóNosferatu. Es de justicia señalar que una parte de la información volcada en este artículo procede de sus textos. Sin él, la obra maestra de Murnau no tendría la restauración que se merece.
6-Notas sobre guión: El guión de Henrik Galeen (monstruo del cine alemán) está lleno de anotaciones a mano sobre tipos de planos, ángulos y otros criterios de realización. Cualquier director se pondría de los nervios ante lo que representa una flagrante invasión de sus competencias, pero a Murnau ya le conviene: El escaso presupuesto con el que cuentan obliga a rodar con una sola cámara y Galeen tiene las ideas lo suficientemente claras como para que sus indicaciones sean una buena guía de trabajo. Lo que ocurre es que Murnau tiene la costumbre de modificar, recortar y reescribir a su antojo. Y si a eso añadimos las aportaciones de Grau al conjunto, cuesta discernir qué pertenece a uno o a otro.
7-Azul nocturno: Los vampiros prefieren la noche, pero los equipos de rodaje no. Murnau rueda de día muchas de las escenas nocturnas de su película, consciente de que el tintado azul será suficiente para evitar equívocos. El problema es que muchas versiones posteriores no respetan la división de las escenas por colores y condenan el conjunto a un insulso blanco y negro. En consecuencia, lo que ve el espectador es al conde Orlok paseándose por las calles de Wisborg bajo la luz del sol. La copia restaurada corrige esta incoherencia y devuelve a la película sus tintados de origen: amarillo para las escenas con luz (sea natural o artificial) y azul para las nocturnas.
8-El carruaje blanco: Murnau tiene una idea brillante sobre guión, pero de bombero a la hora de realizarla: el viaje en carro de Hutter, conducido por el propio conde, debe tener una cualidad sobrenatural, casi de pesadilla. Vale. Genial. Una gran idea. Ahora, estimado director, ¿cómo se hace eso? Pero Grau es un hombre de recursos: retira las telas negras que cubren el carruaje, el cochero y los caballos, y las sustituye por otras de color blanco. Murnau rueda la escena haciendo girar lentamente la manivela de la cámara. Esto provoca que la acción transcurra a una velocidad anormal, con los personajes y el entorno totalmente acelerados. Acto seguido, se monta la escena utilizando el negativo de la película, y con el cambio de color en los ropajes se consigue el efecto deseado. El carruaje aparece en negro, pero el bosque es de un inquietante color blanco.
9-Corriendo por la playa: Ruth Landshoff, que interpreta a Annie, cuenta que su inexperiencia en el mundo del cine la lleva a arruinar una toma de la película. Están rodando en la playa, y a su personaje lo persigue el conde Orlok. Murnau le pide que corra, y ella lo hace con todas sus fuerzas… hasta que se sale del cuadro. El problema es que si vemos la película constataremos que no hay ninguna escena como la que describe Landshoff. No existe ni rastro de este metraje en ninguna de las copias que se conservan. ¿Dónde demonios fue a parar la escena de la playa?
10-Prana Films: La productora de la película esconde en su nombre la obsesión ocultista de Albin Grau. “Prana” es un término del sánscrito para referirse al “fluido vital”, es decir, a la sangre. El sacrificio de la sangre, su derramamiento, es el único modo de que la luz triunfe sobre la oscuridad y el mal. Este “fluido vital” se convierte en centro de interés para la comunidad ocultista, que ve en él la representación del alma, una parte de la gran vida universal que tomamos todos y cada uno de nosotros, y que podemos transmitir a otros a través de la sangre. Por eso el tema del vampirismo es tan importante. El símbolo de la productora, por cierto, es un yin tumbado encima de un yang. La luz blanca venciendo a la negra oscuridad. Pero la simbología de la película no acaba aquí: en la carta que Hutter entrega a Orlok, en los grabados del laboratorio del profesor Bulwer o en las paredes del manicomio de Knock hay un mapa de signos y señales que demuestran hasta qué punto la dirección artística de Grau no deja nada al azar.
11-Nosferatu: Bram Stoker afirma en su novela que la palabra “Nosferatu” significa “no muerto” en rumano. El carácter canónico de “Drácula” ha contribuido a fijar esta idea en la cultura popular, pero es completamente falsa. En rumano a los no muertos se los llama “strigoi”, nada que ver etimológicamente hablando con el título de la película. De hecho, “Nosferatu” no existe en esa lengua, lo más parecido que encontramos es “nesuferitu”, que significa “el innombrable” y proviene, posiblemente, del griego “nosophoros”: “el portador de la enfermedad”. Eso es precisamente lo que haceNosferatu en la película: extender la peste por Europa.
12-Quemados por el sol: La sabiduría popular nos recuerda que a los vampiros el sol les sienta fatal, con o sin agujero en la capa de ozono, que los puede abrasar por el mero contacto y reducirlos a un montoncito de cenizas. Pues bien, eso es falso. Si nos fijamos en la novela de Stoker, el conde Drácula no tiene remilgos a la hora de pasearse a plena luz del día por las calles de Londres. La supuesta aversión de los vampiros a la luz solar es un invento de Murnau para Nosferatu, casi un desesperado intento de singularizar a su personaje y alejarlo lo máximo posible de las iras de la viuda Stoker. No lo conseguirá, es evidente, pero de manera involuntaria añadirá una nueva cualidad al mito del vampiro que ha sobrevivido hasta nuestros días.
13-Un ataúd lleno de ratas: Wolfgang Heinz interpreta al segundo de a bordo en el barco que transporta los ataúdes de Orlok hasta la ciudad de Visborg. Su papel en la función es simple: habla con el capitán, baja a la bodega, abre el ataúd y… Murnau no le cuenta lo que se va a encontrar, pero sí le dice que se tiene que asustar. Y vaya si se asusta. El director ha colocado doce ratas en el cajón de madera, sobre un doble fondo con una plancha de metal al rojo vivo. Las ratas se están abrasando, aterrorizadas, así que cuando el pobre Heinz abre la tapa le saltan encima y se le suben por las piernas. El marinero de pega empieza a gritar y a agitarse, pero los malditos roedores no se quieren bajar de allí ni muertos. Histérico, corre a cubierta y se tira por la borda, tal como hace su personaje en la película. Murnau busca realismo y realismo es lo que encuentra. El salto al agua que vemos en Nosferatu no se corresponde con ese momento, básicamente porque solo cuentan con una cámara para grabar toda la escena, pero la cara de terror de Heinz es genuina.
14-El Festival de Nosferatu: Albin Grau diseña carteles, escribe artículos, idea eslóganes… todo con el objetivo de lograr con su película un estreno sonado. La gran premier tiene lugar el 4 de marzo de 1922 en Berlín, y la fiesta va a ser de traca. En el zoo de Berlín, en un fastuoso recinto de mármol, se celebra un evento al que se invita a la alta sociedad a asistir vestidos con ropajes de la época de la película. Todo se diseña a lo grande y la respuesta parece entusiasta. Sin duda, asistiremos a uno de los grandes acontecimientos culturales de la época, al estreno de una película que causará furor y permanecerá grabada en la memoria colectiva de generaciones. Y es entonces, en ese momento en el que todas las ensoñaciones parecen posibles, cuando llega la demanda judicial y, con ella, el desastre.
15-La viuda enfadada: ¿Un vampiro de porte aristocrático que compra una casa en la ciudad y se enamora de la esposa del agente de la inmobiliaria? ¿Pretenden que creamos que pueden escurrir el bulto y no pagar derechos de autor solo porque han puesto una cartela diciendo que la película se basa en la novela de Bram Stoker? Venga ya, esos tíos deben pensar que Florence Stoker se chupa el dedo. Ni el cambio de nombre de los personajes, ni las diferencias superficiales entre ambos (además de la aversión al sol, la mordedura del sosias cinematográfico no produce nuevos vampiros, y se refleja en un espejo), ni el detalle de pintar a Orlok como un tipo más feo que pegarle a un padre… Nada impide que les caiga una demanda que los dejará secos, y nunca mejor dicho. El tribunal falla en favor de la iracunda viuda y ordena una medida draconiana: la destrucción de todas las copias de Nosferatu. De todas. De todas y cada una. Imaginaos el triste destino que se le reserva a una de las obres cumbres de los orígenes del cine, reducida a trocitos de celuloide quemado flotando por encima de una pira. La cosa tiene muy mala pinta, porque además Frau Stoker se aplica a ello con persecutoria determinación. Invertirá años, hasta su muerte, con el empeño de que no quede ni rastro del robo perpetrado a su difunto esposo. Teniendo en cuenta que éste frecuentaba también los círculos ocultistas se puede pensar en una disputa entre logias, aunque otra explicación, mucho más prosaica, sugiere que la viuda tiene que comer, y que su único sustento son las obras de su marido. En cualquier caso, Prana Films se va al garete, pero Nosferatu se salva por los pelos. En el momento en que se dicta la sentencia en su contra la película ya se ha distribuido internacionalmente y algunos particulares por todo el mundo esconden copias para evitar su desaparición. Y allí quedan, a la espera de que las encuentre Luciano Berriatúa.
Cabiria (1914)
Cabiria es una película de género colosal o péplum de Giovanni Pastrone, estrenada el 18 de abril de 1914 y ambientada en la Roma de la segunda guerra púnica.
Fecha de estreno: 18 de abril de 1914 (Turín)
Director: Giovanni Pastrone
Productor: Giovanni Pastrone
Productora: Itala Film
Música compuesta por: Ildebrando Pizzetti, Manlio Mazza, Joseph Carl Breil
Título original Cabiria, Visione Storica del Terzo Secolo A.C.
Sinopsis
Durante las Guerras Púnicas, la pequeña Cabiria y su nodriza son raptadas durante la confusión causada por la erupción del Etna. Cabiria es vendida en Cartago para ser sacrificada en el templo de Moloch. Fulvio Axilla, un espía romano, y su esclavo Maciste la rescatan y queda al cuidado de la reina Sophonisba. Diez años después, después de la guerra y la caída de Cartago, Cabiria vuelve con Fulvio.
La película está dividida en cuatro partes:
Primera parte
Cabiria, niña de una familia romana patricia, vive en Sicilia con su padre Batto. Cuando el Etna entra en erupción y su hogar queda bajo escombros, la joven es salvada por su nodriza Croessa, huyendo por mar.
Segunda parte
Cabiria y su aya son raptadas por piratas fenicios y vendidas como esclavas al sumo sacerdote Karthalo en el mercado de Cartago. Por defender a la niña Croessa es azotada brutalmente y dada por muerta. Cabiria espera para ser sacrificada al dios Moloch cuando es rescatada por Fulvio Axila, un noble romano, y su esclavo, el gigante Maciste, tras ser avisados por Croessa, que ha sobrevivido a la agresión.
Tercera parte
Aníbal cruza los Alpes al mando del ejército cartaginés. Mientras tanto, nuestros protagonistas son traicionados por los cartagineses, que logran capturar a Maciste y Cabiria. Esta pasa a servir a la hija de Asdrúbal Giscón, Sofonisba, enamorada del rey de Numidia Masinisa, mientras que Maciste es encadenado a una gigantesca piedra.
Cuarta parte
La flota romana es destruida en Siracusa mediante un ingenio de Arquímedes. Pasan los años y Masinisa ha sido destronado por Sífax, rey de Cirta, lo que le ha llevado a aliarse con Roma. En Cartago, Sofonisba es entregada en matrimonio contra su voluntad a Sífax. Fulvio, que había escapado, entra como espía en Cartago y consigue liberar a Maciste. Masinisa, al frente de tropas romanas, consigue entrar victorioso en Cartago y libera a Cabiria. Sofonisba es reclamada como sierva por Escipión el Africano, pero Masinisa le permite suicidarse ingiriendo un veneno. Por fin, Fulvio y Cabiria logran reunirse, al tiempo que Roma vence definitivamente a los cartagineses.
A la altura de 1914, Italia domina la industria cinematográfica mundial apoyándose en el prestigio del colosal, un tipo de cine de largo metraje y puesta en escena espectacular. El éxito del Quo vadis? (1913), de Enrico Guazzoni, con más de dos horas de largometraje, anima a la productora Itala Film de Giovanni Pastrone (que ya había dirigido La caída de Troya en 1910) a embarcarse en la mayor superproducción cinematográfica rodada hasta la fecha. No se escatiman medios para lograrlo, contrantando incluso al escritor más célebre de Italia, Gabriele D'Annunzio, para redactar los intertítulos. El rodaje se llevó a cabo en exteriores de Túnez, Sicilia y los Alpes. En estudio, se fabricaron inmensos decorados y participaron miles de extras.
Pastrone, que firmó la película como Piero Fosco, utilizó con maestría todos los medios que el lenguaje del cine había desarrollado hasta la fecha, y contó, como operador y director de trucajes, con la participación del turolense Segundo de Chomón. Este montó complicados travellings (llamado en este momento carello), que ponen de manifiesto la majestuosidad de la puesta en escena.
Escenas inolvidables del filme serían la batalla de Siracusa, el paso de los Alpes por parte del ejército de Aníbal y, particularmente, la imagen del Templo de Moloch, con la colosal efigie de bronce donde Cabiria espera ser sacrificada.
El personaje más recordado de esta película es el interpretado por el estibador portuario Bartolomeo Pagano, el forzudo Maciste, que a partir de esta película desarrollará una importante carrera como actor.
A las puertas de la Primera Guerra Mundial, el filme reflejaba el afán de expansionismo italiano del periodo del Imperialismo y Colonialismo. Remitiendo a la victoria de Roma sobre Cartago, se establecía un paralelo con la reciente conquista de posiciones del Imperio otomano en Libia en la Guerra ítalo-turca (1911-1912).
Cabiria influyó decisivamente en la concepción de las obras de largo metraje de David W. Griffith, por su tema histórico, puesta en escena grandilocuente y grandes movimientos de masas. Este «colosal» italiano constituyó un éxito mundial, que llevó al cine de Griffith a emprender proyectos como El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916).
El 27 de mayo de 2006 se presentó una copia restaurada de la película Cabiria en el Festival Internacional de Cine de Cannes, tras su reestreno en marzo de 2006 con orquesta en directo en Turín.
Más corazón que odio / Centauros del desierto (1956)
The Searchers (en Argentina, en Chile y en México, Más corazón que odio; en España, Centauros del desierto) es una película estadounidense de 1956 basada en la novela homónima de Alan Le May, dirigida por John Ford y con John Wayne, Jeffrey Hunter,Vera Miles, Natalie Wood y Ward Bond como actores principales.
Después de que los comanches invadieran su rancho y mataran a su familia, Ethan Edwards y su amigo Martin, un indio Cherokee, salen en busca de su sobrina secuestrada por los invasores.
Fecha de estreno: 13 de marzo de 1956 (Estados Unidos)
Director: John Ford
Música: Max Steiner; Stan Jones (tema musical)
Título: Más corazón que odio (Argentina, Chile y México); Centauros del desierto (España)
Premios: Premio Globo de Oro a la Nueva Estrella del Año - Actor
Sinopsis
Texas. En 1868, tres años después de la guerra de Secesión, Ethan Edwards, un hombre solitario, vuelve derrotado a su hogar. La persecución de los comanches que han raptado a una de sus sobrinas se convertirá en un modo de vida para él y para Martin, un muchacho mestizo adoptado por su familia.
Dr. Insólito / ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964)
Teléfono Rojo Volamos Hacia Moscu, película de de Stanley Kubrick (1964). Protagonizada por Peter Sellers, con: George C Scott y Sterling Hayden.
Un general demente que cree que los comunistas planean dominar el mundo ordena bombardear la Unión Soviética, iniciando una guerra nuclear. Al mismo tiempo, el presidente y sus asesores del Pentágono intentan detener el proceso.
Fecha de estreno: 29 de enero de 1964 (Estados Unidos)
Director: Stanley Kubrick
Música compuesta por: Laurie Johnson
Premios: Premio BAFTA a la Mejor Película, MÁS
Guion: Stanley Kubrick, Peter Sellers, Terry Southern, Peter George
Título original
Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb
Sinopsis
Convencido de que los comunistas están contaminando los Estados Unidos, un general ordena, en un acceso de locura, un ataque aéreo nuclear sorpresa contra la Unión Soviética. Su ayudante, el capitán Mandrake, trata de encontrar la fórmula para impedir el bombardeo. Por su parte, el Presidente de los EE.UU. se pone en contacto con Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error. Mientras tanto, el asesor del Presidente, un antiguo científico nazi, el doctor Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre.
Lo que el viento se llevó (1939)
Este drama épico de la Guerra Civil se centra en la vida de la petulante belleza sureña Scarlett O'Hara. Desde la idílica hospitalidad de su gran plantación, la película narra su supervivencia a través de la historia trágica del Sur durante la Guerra Civil y la Reconstrucción, y sus enredados amorosos con Ashley Wilkes y Rhett Butler.
Fecha de estreno: 15 de diciembre de 1939 (Atlanta)
Director: Victor Fleming
Historia de: Margaret Mitchell
Premios: Premio Óscar a la Mejor Película, MÁS
Guion: Sidney Howard, Ben Hecht, Jo Swerling, John Van Druten, Oliver H.P. Garrett, Barbara Keon
Sinopsis
Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara, vive Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la joven más bella, caprichosa y egoísta de la región. Ella suspira por el amor de Ashley (Leslie Howard), pero él está prometido con su prima, la dulce y bondadosa Melanie (Olivia de Havilland). En la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión (1861-1865), Scarlett conoce al cínico y apuesto Rhett Butler (Clark Gable), un vividor arrogante y aventurero, que sólo piensa en sí mismo y que no tiene ninguna intención de participar en la contienda. Lo único que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett.
El acorazado Potemkin (1925)
Una clásica historia de Sergei Eisenstein a bordo de un buque zarista durante la fallida insurrección de 1905.
Fecha de estreno: 24 de diciembre de 1925 (Unión Soviética)
Director: Sergei Eisenstein
Música: Edmund Meisel (Original), Pet Shop Boys (DVD 2005), Edison Studio (DVD 2017)
Reparto: Sergei Eisenstein, Grigori Aleksandrov, Vladimir Barsky, MÁS
Guion: Sergei Eisenstein, Grigori Aleksandrov, Nina Agadzhánova-Shutkó, Sergei Tretyakov, Nikolai Aseev
https://www.youtube.com/watch?v=u13TMl9pnZA
Sinopsis
Basada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia.