About the Exhibition

이번 전시는 지금까지 발표된 작품을 연표처럼 배치하여 현재까지의 변화를 이해하기 쉽게 구성했다. 시간의 흐름은 오른쪽과 왼쪽 양 끝에서 시작되어 중앙(현재)으로 수렴된다. 크게 두 가지로 나누면, 왼쪽의 입체적인 그림과 오른쪽의 평면적인 그림이다. 표현 방식의 차별화와 변화는 생존 본능이자, 다음 변화를 위한 여지라고 생각한다. 스타일이라는 것은 언젠가 하나의 중심을 형성하기 마련이니까. 오랫동안 그림을 그리는 것, 고정관념에 갇히지 않는 것이 주제일지도 모른다. 요즘은 IP, IP라고 떠들어대지만, 도라에몽의 자이언이 꽤나 착한 아이가 되어버렸구나.

왼쪽. 나의 전시는 디지털 작화를 캔버스나 종이에 프린트하는 것에서 시작되었다. ①②는 이번 전시를 위해 처음으로 출력한 것이다. 이러한 프린트 작품들은 코로나 사태가 가져온 소규모 아트 붐으로 인해 언더그라운드 작가들이 대거 세상에 모습을 드러냈던 시기에 많이 볼 수 있었다. 나를 포함해 SNS가 작품 발표의 장이었던 그들은 디지털로 그린다. 따라서 판매하는 것은 데이터 형태의 NFT가 유행하기 전까지는 프린트물이 될 수밖에 없다. 하지만 그것은 아무리 에디션을 붙여도 양산이 가능하기 때문에 유일무이한 작품은 아니다. NFT(나도 참여해 왼쪽의 헬멧 그림을 3333점 발표했음)도 마찬가지다. 결국 유행은 했지만 소유하는 경험이 부족했다. 이들은 급속도로 가치를 잃는다.
저는 ③을 전시했던 2021년 말 개인전 ‘Enlightenment for easy printing’에서 안일한 인쇄물을 부정했다. 보통 대량 생산되는 실크스크린 프린트를 단 한 점만 인쇄하거나, 사람의 손길이 많이 개입되는 우키요에 판화, 3장의 프린트 작품을 찢어 이어 붙인 ③ 등을 발표했다. 그 이후로는 거의 모든 작품을 유일무이한 한정판으로 만들었다.

오른쪽. 이쪽은 선을 중심으로 한 만화풍 터치다. 왼쪽과 마찬가지로 안일한 프린트의 무미건조함을 피하기 위해, 초기에는 다양한 프린트 기법에 집착했다. 실크스크린, 리소그래피, 우키요에 판화, 금박·은박 그림 프린트 등. 수량을 극도로 줄이거나, 혹은 단 한 점으로 만들어 가치를 높이려 했으나 한계가 있었다. 조만간 이 평면적인 작품들도 모두 손으로 그린 유일무이한 작품으로 만들어 나갈 것이다. 그럼에도 이 평면적인 그림 자체가 인쇄된 것과 별 차이가 없다고 생각하기 시작했다. 인쇄물 같은 그림은 결국 유일무이하지만, 인간다움을 배제한 기성·양산 제품을 연상시킨다. 팩토리 아트가 과연 예술인가 하는 의문. 나는 그렇지 않고 화가라는 사실을 의식했다.

중앙. ④의 콜라주, 몽타주 작품. 현재 진행형. 인식에 대한 의문, 시간이 주제다. 이를 한 인물로 한정한다면 다각적인 시각의 큐비즘과 비슷해지지 않을까. ⑤의 만화적 표현 도입. 이쪽은 너무 지나치면 히치콕에게 ‘말하는 그림’이라고 조롱당할 것 같다.

작품 개별 해설은 이쪽에서 확인하실 수 있습니다. 

This exhibition arranges previously presented works in a chronological order, making it easier to understand the changes that have taken place up to the present. The timeline begins at both the left and right ends and converges toward the center (the present). Broadly speaking, the works can be divided into two categories: the three-dimensional paintings on the left and the two-dimensional paintings on the right. I believe that this distinction in style and the resulting changes are a survival instinct, as well as the margin for the next phase of change. After all, “style” eventually tends to solidify around a central point. Perhaps the theme here is to keep creating for the long haul and to avoid being consumed by stereotypes. Recently, all anyone ever talks about is "IP," but Gian from Doraemon has certainly become quite well-behaved.

On the left. My exhibition began with printing digital artwork onto canvas or paper. Works ① and ② were printed for the first time specifically for this exhibition. These prints were commonly seen during the “mini art boom” brought about by the COVID-19 pandemic, a period when many underground artists emerged onto the scene. These artists—myself included—used social media as a platform to showcase their work and create digitally. Consequently, until NFTs for digital data became popular, the only way to sell their work was through physical prints. However, no matter how many editions are assigned, these can be mass-produced and are therefore not unique works. The same goes for NFTs (I also participated by releasing 3,333 copies of the helmet drawing on the left); while they became a trend, the experience of ownership was ultimately lacking. These works rapidly lose their value.
In my solo exhibition “Enlightenment for easy printing” at the end of 2021, where I exhibited piece ③, I rejected the idea of carelessly produced prints. I presented works such as a silkscreen print—which is typically mass-produced—of which I printed only a single copy; ukiyo-e woodblock prints, which involve significant human intervention; and piece ③, created by tearing apart three prints and piecing them together. Since then, I have made almost all of my works unique and limited editions.

Right. This piece features a comic-style touch centered on lines. As with the piece on the left, I experimented with various printing techniques in the early days to avoid the cold, impersonal feel of mass-produced prints. These included silkscreen, risograph, ukiyo-e woodblock prints, and prints using gold and silver leaf. I tried to increase their value by drastically limiting the print run or creating one-of-a-kind pieces, but there were limits to this approach. Eventually, I will transform all of these “flat” works into hand-drawn, one-of-a-kind pieces as well. Even so, I’ve begun to feel that these flat paintings themselves aren’t all that different from prints. While print-like paintings are, after all, unique, they evoke associations with mass-produced, off-the-shelf products that exclude any sense of humanity. This raises the question: Is “factory art” really art? I became conscious of the fact that I am not that—I am a painter.

Center. The collage and montage works in ④. A work in progress. The themes are questions of perception and time. If I were to limit this to a single figure, wouldn’t it resemble Cubism with its multifaceted perspectives? The incorporation of comic-style expression in ⑤. If I take this too far, Hitchcock might mock it as a “talking picture.”

Detailed commentary on individual works can be found here. 

本展示はこれまで発表された作品を年表の様に配置し現在に至るまでの変化を理解しやすくした展示となっている。時系列は右と左の両端から始まり、中央（現在）へと集約される。大きく2つに分けると、左の立体的な絵と右の平面的な絵。描き分けと変化は生存本能であるし、次の変化のマージンだと思っている。スタイルなんてものはいずれ中心に固まりだすのだから。長く描くこと、ステレオタイプに消費されない事がテーマかもしれない。最近はIP、IPうるさいが、ずいぶんとドラえもんのジャイアンがおりこうさんになってしまったものだ。

左。私の展示はデジタル作画をキャンバスや紙にプリントすることから始まった。①②は今回のために初めて出力した。これらのプリントはコロナ過がもたらしたプチアートブームによって、アンダーグラウンド作家が多く世に出た時期に多く見られた。私を含めSNSが作品発表の場であった彼らはデジタルで描く。故に販売するのはデータのNFTが流行るまでプリント物ということになる。しかし、それはいくらエディションを付けても量産の可能なのでユニーク作品ではない。NFT（私も参画し左のヘルメットの絵を3333体発表した）もしかり、結局のところ流行りはしたが所有する事の体験が乏しかった。これらは急速に価値を失う。
私は③を展示した2021年末の個展「Enlightenment for easy printing」 で安易なプリント物を否定した。普通量産されるシルクスクリーンプリントを1点しか刷らなかったり、人が多く介入する浮世絵版画、3枚のプリント作品を破ってつなぎ合わせた③などを発表した。それ以降、ほとんどすべての作品をユニーク限定にした。

右。こちらは線が中心のコミック風タッチ。左側と同じく安易なプリントのそっけなさを回避するため、初期はいろいろなプリントにこだわった。シルクスクリーン、リソグラフ、浮世絵版画、金箔銀箔絵のプリントなど。数量を極端にすくなくしたり、あるいは1点ものにして価値を高めようとしたが、限界はあった。いずれこれらのフラットな作品もすべて手描きユニークにしていく。それでもこのフラットな絵自体がプリントしたものとあまり差異がないと思い始めた。プリントのような絵は畢竟ユニークではあるが、人間らしさを排他した既成・量産製品を連想させる。ファクトリーアートはアートなのかという問い。私はそうではなく絵描きなのだということを意識した。

中央。④のコラージュ、モンタージュの作品。現在進行形。認識の問い、時間がテーマ。これを一人の人物に限定すれば多面的見方のキュビズムよろしくとはなりはしないか。⑤の漫画的表現の輸入。こちらはあまりやりすぎるとヒッチコックに「喋る絵」だと揶揄されそう。

作品個々の解説はこちらから 

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