Voladoras

La tierra latinoamericana le da la bienvenida a quienes se asoman a ella, algunas de visita, otras para sentirla como propia...

Adrienne Pauline Macaire | 1796

También conocida como Andrea Bacle, fue una artista suiza radicada en Buenos Aires durante el primer tercio del siglo XIX. Junto a su marido, César Hipólito Bacle, estableció la primera empresa litográfica de Argentina, en funcionamiento entre 1828 y 1837. Andrea se convirtió en la primera mujer en desempeñarse como litógrafa en Sudamérica, un medio predominantemente masculino para la época. En lo que concierne a la primera mitad del siglo XIX, no es posible hablar de un circuito artístico pues todavía faltarían unas cuantas décadas para que los primeros museos o salones fueran fundados. A su vez, la cultura visual durante el período virreinal consistía mayormente en imágenes religiosas o retratos de autoridades españolas. Luego de la Revolución de Mayo, este vacío de imágenes fue preocupación de los primeros gobiernos patrios, quienes vieron la urgencia de generar un corpus iconográfico que sirviese a modo de divulgación de los nuevos ideales republicanos, y para que el incipiente pueblo argentino pudiese conocer el rostro de aquellos próceres que habían luchado por su independencia. La litografía fue un medio ideal para la construcción de la nacionalidad, ya que permitía generar imágenes en abundante cantidad, suficiente para ser fácilmente divulgadas. De esta forma, hacia 1829, el gobierno porteño declaró a Bacle & Cía. como “Impresores litográficos del Estado de Buenos Aires”.Andrea Macaire y su marido comenzaron así a retratar a los personajes ilustres de la época como Belgrano, Rivadavia, Alvear, Paz, Dorrego, Guido, Saavedra, Vicente López, Figueredo, Agrelo, Pedriel, Cavia y Arenales, entre otros.

Retrato del General Alejandro Hereia | 1830

La Lechera | 1834

Retrato del General Manuel Belgrano | 1830

La Lavandera | 1834

Clara Filleul de Pétigny | 1822

Nació el 8 de marzo de 1822 en Nogent-Le Rotrou, Francia y se formó en París donde estudió en el taller del pintor Raymond Monvoisin, de quien también fue su ayudante. Posteriormente, hacia mediados del siglo XIX, acompañó al artista a Chile. Respecto a esto, se ha señalado que Filleul habría llegado en 1848, en el segundo viaje de Monvoisin al país; no obstante, según David James, biógrafo de este artista, Filleul ya habría viajado con el pintor a Perú desde Valparaíso a fines de 1845.En Santiago se estableció junto a Monvoisin en su taller ubicado en la calle Monjitas, lugar donde colaboró en la ejecución de innumerables encargos y que además funcionó como espacio para la formación de artistas. En los retratos, destacó por utilizar medios mecánicos como el estampado de encajes impregnados en pintura sobre el cuadro. Asimismo, es posible que la artista haya sido responsable de terminar algunas obras comenzadas por su maestro.Durante los cerca de 10 años que vivió en Chile, Filleul fue una de las principales artistas precursoras del arte en el país. Junto a la realización de importantes cuadros como Una guasa (ca. 1855), fue responsable de iluminar fotografías en el estudio de Víctor Deroche (ca. 1823- 1886).Se cree que regresó a Europa hacia 1860, del mismo modo que vino a Chile, esto es, siguiendo a Monvoisin, quien dejó Valparaíso en 1855. Tras su regreso a Francia, debutó en el Salón de París de 1864, según se registra en la revista La Gazette des Femmes. Revue du progres des femmes (1878).Además de su oficio de pintora, Filleul se hizo conocida por escribir cuentos y fábulas para niños como, por ejemplo, Le Jardin des plantes (1844) y L’Égypte. Son histoire et ses merveilles (1874), entre otras.La artista murió el 7 de agosto de 1878 en París, Francia.

Doña Dolores Urízar del Alcázar de Pando | 1850

Doña Josefa Pinto Díaz de Valledor | 1852

Doña Nieves Vázquez Larenas | 1853

Una Guasa | 1855

Graham Allardice de Witt | 1863

Artista visual radicada en la Argentina y dedicada a la pintura y al grabado. Nació en la India en el seno de una familia escocesa, aunque su itinerario la llevó a Francia, donde se formó.Llegó a Buenos Aires entre finales de 1894 y principios de 1895. Fue una artista moderna y activa que mantuvo su taller a lo largo de su vida y continuó educándose y formando parte de exposiciones individuales y colectivas. La constancia en su trabajo nos permite pensar en ella como una artista que buscó desarrollarse de manera profesional e insertarse comercialmente. Su obra, en parte perdida, fue muy elogiada por la prensa y exploró diferentes técnicas. Encontramos óleos, acuarelas, pasteles y grabados que reflejan la cotidianeidad del mundo burgués del que la artista formó parte.

Autorretrato | 1906

Una carta | 1895

S/T | 1905

S/T | S/F

Léonie Matthis | 1883

Pintora francesa radicada en la Argentina. Desde temprana edad demostró talento en la práctica artística y a los quince años ingresó a la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de París, donde estudió por diez años. Vale mencionar que dicha Escuela admitió a mujeres por primera vez en 1904, siendo Matthis una de las primeras estudiantes. Tras casarse con el pintor asturiano Francisco Villar, Matthis se trasladó a Buenos Aires, donde viviría por varios años y desempeñaría una exitosa carrera artística. En 1919, obtuvo el Primer Premio Único para extranjeros en el Salón Nacional, un reconocimiento que reafirma su talento e igualdad con sus contemporáneos. A la par de exponer en museos nacionales e internacionales, también dio clases de pintura a las mujeres de la alta sociedad porteña. En la década de 1920, comenzó una serie de pinturas históricas, siendo “Historia de la Patria a través de la Plaza de Mayo” la más reconocida. En ella plasmó escenas cotidianas de la vida colonial. Apasionada por la historia, Matthis investigaba archivos, documentos y libros previo a la realización de estas obras. Sin embargo, la artista no las concebía como documentación histórica, sino que buscaba evocar un pasado de ensueño en donde figuras anónimas se pasearan cálidamente por sus escenas.Enamorada de Sudamérica, la artista recorrió el continente y pintó más de 200 cuadros retratando a las ciudades y paisajes (Batalla, 2018).

Descanso | S/F

La Plaza de Mayo en 1890 | S/F

Desfile triunfal de las tropas de Urquiza después de la batalla de Caseros en 1852 | S/F

Arco de cobija en Potosí | S/F

Labibé Zogbé | 1890

Conocida como Bibí Zogbé, fue una pintora de origen libanés nacionalizada argentina. Llegó al país en 1907 a los 16 años, para vivir en la provincia de San Juan. Su interés plástico comenzó ya en el Líbano, en donde recibió instrucción en dibujo en el colegio “La Sainte Famille D’Jounie” en Beirut y luego fue alumna del pintor búlgaro Klin Dimitrof, con quien completó su formación. Zogbé dedicó su vida al arte y realizó numerosos viajes, viviendo en distintas ciudades del mundo y cultivando amistades con escritoras como Alfonsina Storni, Silvina Bullrich y el pintor boquense Quinquela Martin. Si bien en ocasiones trabajó otros motivos, su obra es sobre todo conocida por sus pinturas de especies florales, tanto en forma de naturalezas muertas como en recortes de paisajes. Sus pinturas de flores van más allá de su temática, para adquirir una carga simbólica propia de los lenguajes artísticos de la modernidad. La artista murió en la ciudad de Mar del Plata en 1975.

Manzano japonés | S/F

Mirasoles | 1938

Nenúfar | 1947

Paisaje de Rufisque | 1937

Agustina Morriconi | 1895

Nació en Teramo, Italia, el 29 de mayo de 1895 con el nombre Agostina Giovanna Morriconi. A los pocos meses, su familia se trasladó a Rosario, Argentina, donde se crió y comenzó su formación artística. Allí estudió pintura con Mateo Casella, y luego regresó a Italia en 1910 para formarse en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde se perfeccionó en pintura y arte escénico ateniense (Ramírez, s/f).Finalizados sus estudios, hacia 1918 volvió a Argentina como pintora formada. Presentó un autorretrato en los Salones Nacionales de Bellas Artes de 1919 y 1920. Además, participó del VII Salón Nacional con la obra Alter Ego; y del IX Salón Nacional con Herminia. Entre su corpus de obras también hay retratos de su esposo, el escritor Ezequiel Martínez Estrada. En 1968, Agustina creó la Fundación Martínez Estrada en Bahía Blanca en memoria de su marido: una casa-museo que conserva la obra literaria de Martínez Estrada y algunas de sus propias pinturas. Sin embargo, su carrera artística estuvo postergada durante 50 años: desde su casamiento hasta la muerte de su marido en 1964.Agustina murió en Bahía Blanca el 1 de mayo de 1973; su recuerdo se mantiene a través de su obra.

Autorretrato | 1921

Retrato de Lili | S/F

Herminia | 1918

Ecce Homo | 1922

Ana Sokol | 1902

Ucraniana, llegada a la Argentina después de la Segunda Guerra Mundial desde un pequeño pueblo de nombre cambiante, la peluquera Ana Sokol fue, además de una experta artesana de los cabellos, una pintora rara y mítica que cayó en el olvido. Vivió momentos de gloria durante los años 60 –aunque no un estrellato, nunca tuvo un éxito abrumador– y luego pasó a vivir y finalmente morir sola, olvidada, en un asilo porteño, en 1989. En los años 60 la ucraniana exponía sus obras en el pasillo que iba desde su lugar de trabajo (la peluquería) hasta su casa: ambos estaban separados tan sólo por una cortina. Detrás de ella vivían la pintora y su hija. Al frente, la vidriera del negocio –ubicado en la zona del Bajo, cerca de 25 de Mayo y Alem–, era otro espacio de exposición.Los artistas que en esa época se juntaban a discutir sobre arte en el legendario y cercano bar Bárbaro –Felipe “Yuyo” Noé, Rogelio Polesello, Oscar Smoje y Carlos Bissolino– pasaban usualmente delante de la peluquería de Sokol y solían entrar a ver las pinturas. “Ella era como una especie de Henri Rousseau (el artista francés): una Naif mujer”, comenta Bissolino. “Me quedó marcado su acento”.Si bien actualmente la pintura Naif está dejada de lado en nuestro país, durante los 50-70 tenía su mercado fluido: varios de los artistas cultores de ese género se agrupaban en la galería El Taller, de Niní Gómez Errázuriz, Nina Rivero y Leonor Vassena. De ellas actualmente vive sólo Rivero, de 90 años. “Fue quien me recordó que Leonor Vassena vio los bordaditos y figuras de papel que armaba Ana en su peluquería, y entonces le regaló pinturas, sugiriéndole pintar nuevamente”, dice Vega. La ucraniana había dejado la pintura en 1963.

La Última Cena | S/D

Figuras en el Jardín | S/D

A Caballo | S/D

Niña con Botas | S/D

Alice Rahon | 1904

La poeta, pintora, diseñadora y guionista Alice Rahon nació en Chenecey-Buillon, Francia, el 8 de junio de 1904, naturalizada mexicana hasta 1946. Formó parte del círculo de artistas surrealistas desarrollados en México. En 1931 conoció al pintor Wolfgang Paalen con quien se casaría tres años más tarde. Su relación con el artista posibilitó el contacto con figuras intelectuales como Eva Sulzer, Pául Éluard, Marx Ernst, quienes le introdujeron al surrealismo. En 1939, Alice Rahon conoció también a la pintora Frida Kahlo con quien viajó a México.Su obra fue siempre un ejercicio de ingravidez. Era afecta a las manipulaciones minúsculas de la materia; pegaba plumitas, hojitas secas, papelitos encontrados en la calle, alitas de mariposas y algodoncitos quemados. Su curiosidad por la materia pictórica le acercaba a los cubistas, el misterio de sus imágenes a los surrealistas. Dejó un complejo cuerpo de obra que se caracteriza por su gran libertad y un vínculo indisoluble entre pintura y poesía; entre poesía y vida. Sus creaciones pasan de la abstracción a la figuración, de los sueños a la realidad, de las palabras a las imágenes.

Los Cuatro Hijos del Arco Iris | 1960

Las Luces de la Ciudad | 1949

La Montgolfière | 1949

Las Musas Inconformes | 1959

Remedios Varo | 1908

Remedios Varo fue una pintora y escritora española perteneciente a la generación del 27 y afín al movimiento surrealista. Anglès no sólo fue su lugar de origen, sino también la materia prima y aporte de la substancia enigmática que recorrerá toda su producción artística.La influencia paterna marcará su impronta con las enseñanzas de dibujo técnico, mientras una síntesis entre simbolismo, surrealismo y fantasía, junto a las teorías freudianas acerca de la complejidad del inconsciente, alimentarán la originalidad de una obra rica en detalles y sugestiones. Ya en su país de acogida, México, desarrollaría con plenitud el estilo y la personalidad artística con los que alcanza el reconocimiento al conjunto de su trabajo pictórico tanto en tierra latinoamericana, como estadounidense.Los años cincuenta suponen la consagración y la llegada del éxito artístico y económico, truncados por una muerte prematura en plena madurez. Varo dejó tras de sí una obra de gran narratividad y pureza, con un trabajo minucioso cargado de diversidad temática y logrando con ello llevar el surrealismo a una de sus más elevadas manifestaciones.

Simpatía | 1955

El mundo | 1958

Naturaleza muerta reslicitando | 1963

La llamada | 1961

Gertrud Goldschmidt (Gego) | 1912

Gego nace en la ciudad alemana de Hamburgo en agosto de 1912 y se gradúa en Ingeniería, mención Arquitectura en la Universidad de Stuttgart, Alemania, en 1938. Un año después, emigra a Venezuela y obtiene en 1952 la nacionalidad venezolana.En el año 1940 conoce al empresario alemán Ernst Gunz con quien contrae matrimonio. Con su apoyo crea el Taller Gunz, dedicado al diseño y elaboración de muebles y lámparas. En paralelo realiza varios proyectos para arquitectos. En 1948 diseña y construye dos casas en la urbanización Los Chorros, Quintas El Urape y Tulipán. El Urape fue su residencia por tres años. Entre los años 1953 y 1955 se residencia en el pueblo de Tarma, en el litoral central venezolano, con Gerd Leufert, quien fue su compañero de por vida y apoyo fundamental para el desarrollo de su obra plástica, para entonces, de tipo paisajista, figurativa y expresionista. En 1956 regresan a Caracas, donde Gego comienza su producción de obra tridimensional gracias al estímulo de Alejandro Otero y Jesús Soto y se dedica a la docencia, labor que desarrolló entre los años 1958 y 1977 en instituciones educativas en Venezuela.Variada y cambiante, la obra de Gego se mantiene íntegra y vinculada por las nociones que sobre el espacio la artista se plantea. Acuarelas, dibujos, grabados, tejidos de papel y esculturas son prueba de un proceso creativo y de experimentación constante. En todo su trabajo se percibe el poder inmenso de la línea como elemento generador.

Esfera | 1959

Esfera N°5 | 1977

S/T | 1966

Dibujando sin papel 84/25 y 84/26 | 1984

Leonora Carrington | 1917

Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 1917 – Ciudad de México, 2011) fue una de las artistas más prominentes del movimiento surrealista. Produjo pintura, escultura, grabado, textil, joyería; y escribió dramaturgia, novela, y cuento. Se relacionó con los artistas surrealistas más destacados de su época, entre ellos Max Ernst, Remedios Varo, André Breton y Luis Buñuel.Carrington produjo obras que mezclan la autobiografía y la ficción, lo cotidiano y lo mágico. Sus obras están pobladas por seres fantásticos, a menudo animales intermediarios que nos refieren a la mitología celta, el hermetismo, la cábala y la literatura fantástica.Nacida en 1917 en Lancashire, Inglaterra, Carrington creció rodeada de mitos celtas. Se los contaban su madre Maureen Moorhead, su abuela y su nana, todas ellas irlandesas y proclives a la fabulación. Entre otras cosas, le hablaban de las antiguas razas míticas de Irlanda, con quienes los Moorhead decían haber convivido en los campos y caminos. En México, Carrington desarrolló plenamente su potencial artístico y formó una familia al lado del fotógrafo húngaro Emir ‘Chiki’ Weisz, con quien tuvo dos hijos, Pablo y Gabriel. Con excepción de algunos años en Nueva York y Chicago, Carrington pasó el resto de su vida en México. En los 1970s, Carrington se unió al movimiento feminista en México y produjo el poster ‘Mujeres Conciencia’. En sus últimos años, se dedicó principalmente a la escultura. Murió a los 94 años de edad en 2011.

De la hierba santa | 1975

La gigante | 1950

Retrato de la difunta Sra. Partridge | 1947

Semana | 1956

Bridget Bate Tichenor | 1917

Bridget Pamela Arkwright Bate, su nombre de nacimiento, nació en París, de ascendencia británica, el 22 de noviembre, 1917. Pintora francesa afincada en México.Su madre era la relaciones públicas de Coco Chanel que ejercía como enlace con las casas reales europeas. Vivió sus primeros cinco años en Londres junto a su madre antes de ir a París, donde estudió francés y época de la que datan sus primeros dibujos conocidos. Practicó el surrealismo fantástico, inspirada en los artistas de la Escuela del Realismo Mágico, con una fuerte influencia del Renacimiento italiano. Posteriormente viajó a México alojándose en el Rancho Cotembo, propiedad del fotógrafo Man Ray, amigo íntimo de su padre, que había fotografiado a Bridget en su etapa como modelo en París y Nueva York. Entró en contacto con el grupo de los surrealistas, entre ellos, Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí y Roberto Matta, entre otros. En sus cuadros, trató lo espiritual, reflejos ocultos de las antiguas religiones, la magia, la alquimia, y la mitología mesoamericana, siempre influenciada por el Renacimiento italiano.En 1953 llegó a México y conoció a Luis Barragán y Matías Goeritz, que la convencieron para que se quedara allí a pintar. En 1954 realizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano, de Inés Amor, siendo el inicio de su carrera como artista profesional. En 1960 fijó su residencia en el Rancho Cotembo, en el remoto pueblo de Ario de Rosales, en Michoacán, y donde pintó recluida con su extensa colección de animales salvajes y domésticos hasta 1978. Pronto se uniría al grupo formado por las pintoras Leonora Carrington, Remedios Varo, Alice Rahon y la fotógrafa Kati Horna. En 1978 dejó su rancho de Michoacán para vivir en Ciudad de México. Sus últimos años los pasó en su casa en San Miguel de Allende de Guanajuato.