Colombia

Débora Arango | 1907

El 11 de noviembre de 1907, nació en Medellín la pintora expresionista colombiana Débora Arango. Vivió en un contexto social e histórico extremadamente conservador y católico, al que se vio enfrentada por abordar en sus cuadros temas críticos contra la hipocresía sociocultural de su país. A finales de los años 30 comenzó a exponer en su ciudad natal y pronto su obra fue despreciada por los intelectuales de la época y por el público, que percibían sus cuadros como sórdidos y obscenos. Débora Arango se atrevió a representar en su pintura mujeres desnudas, prostitutas, y mendigos. También compuso metáforas sobre la corrupción política colombiana y sobre los convencionalismo morales de la iglesia. Por esta razón, durante medio siglo su trabajo tan radical e irreverente fue marginado y descartado de cualquier museo o galería. Murió a los 98 años en 2005. Diez años más tarde, el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) abrió varias salas permanentes dedicadas a ella, gracias una donación de 233 obras realizada por la artista en 1986.

Esquizofrenia en el manicomio | 1940

La Procesión | 1941

Justicia | 1944

Junta militar | 1957

Beatriz González | 1932

Artista colombiana. Su obra expresada a través del dibujo, la gráfica y la escultura, trata asuntos relacionados con el entorno histórico y cultural colombiano.Basándose en muchos casos en el trabajo fotográfico de los reporteros gráficos, la artista desarrolla una obra en la que expresa el dolor causado por la violencia y la muerte, así mismo se ha interesado en la representación de los iconos de la cultura popular, pasando por los ídolos del deporte, los políticos, los líderes religiosos y las representaciones de las culturas aborígenes y el arte precolombino.Después de estudiar arquitectura dos años, ingresa a la Facultad de Artes de la Universidad de los Andes. Luego estudiaría en la academia de artes visuales (Rijksakademie van Beeldende Kunsten) de Ámsterdam.Es Crítica de arte. Ha sido curadora de exposiciones para la Biblioteca Luis Ángel Arango, el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte Religioso de Bogotá.

Los papagayos | 1986

Empalizada | 2001

Feliza Bursztyn | 1933

La escultora colombiana Feliza Bursztyn nació en Bogotá en 1933 de inmigrantes judíos polacos. Su padre era propietario de una pequeña fábrica textil, lo que le permitió a Bursztyn realizar estudios primero en Bogotá, luego en la Art Students League de Nueva York y, por último, en la Académie de la Grande Chaumière de París. En 1960 convirtió una sección de la fábrica de su padre en un estudio de arte. Su temprana decisión de trabajar con chatarra y otras piezas de material de desecho se debió a una combinación de accesibilidad y de haber conocido al escultor nouveau réalisme César (1921-1998). Cuando Bursztyn presentó la primera de once chatarras (esculturas hechas con chatarra) en 1961, recibió una dura crítica de Walter Engel, uno de los principales críticos de arte de Colombia. Sin embargo, en 1964 y con motivo de su segunda exposición individual, Engel y otros habían reconsiderado las posibilidades de la chatarra como medio artístico. En 1965 Bursztyn obtuvo el primer premio de escultura en el XVII Salón Nacional, y en 1967 dio a conocer un nuevo cuerpo de obra, realizado en acero inoxidable y con un componente cinético, al que tituló Las histéricas. Estas esculturas motorizadas se presentaban ocasionalmente en ambientes inmersivos que incluían no solo un fuerte sonido mecánico sino también un cortometraje titulado Hoy Feliza (Today Feliza) del cineasta experimental Luis Ernesto Arocha.En la década de 1970, dos obras importantes, la serie Las camas (1974) y La baila mecánica (La danza mecánica, 1979), abrazaron por completo las posibilidades del arte cinético en un entorno multimedia. Debutando en 1974 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Las camas consistía en trece camas motorizadas con formas extrañas que se movían sugerentemente debajo de sábanas de satén con una banda sonora compuesta por la música experimental Jacqueline Nova. Asimismo, para La baila mecánica, Bursztyn construyó siete grandes esculturas verticales cubiertas a modo de cuerpos. Al igual que con las camas, las figuras "bailaban" al ritmo de la música con una iluminación espectacular para completar la presentación escénica. Algunos vieron estos trabajos como comentarios políticos contra el estado y la iglesia, lo que no presagiaba nada bueno para Bursztyn. En 1981, luego de dos viajes a Cuba, fue detenida e interrogada durante dos días por militares. Poco después de su liberación pidió asilo político en México y luego se instaló en París, donde en 1982 murió de un infarto a la edad de cuarenta y nueve años. Su obra ha sido coleccionada de forma privada y también por instituciones públicas, como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Colombia y el Banco de la República, todos en Bogotá, y la Tate Modern, Londres.

La cama del obispo | 1970

Cama | 1974

La histérica | 1967–69

S/T | 1979

Nirma Zárate | 1936

Artista, profesora e investigadora colombiana. Creció en Colombia durante la Segunda Guerra Mundial. La guerra tuvo muchas implicaciones en el estilo de vida y la política colombianos en ese momento.Colombia finalmente pasó a apoyar a los aliados después del ataque japonés a Pearl Harbor. Durante este tiempo, Colombia se encontraba en un severo estado de pobreza donde los niños deambulaban por las calles en gran número y eran llamados gamines. Durante este tiempo, la alta discriminación y la violencia de la policía hacia los niños empobrecidos fueron extremadamente altas. Con estas influencias en su vida, comenzó con el arte abstracto en su ciudad natal de Bogotá, donde su trabajo retrató estas horrendas condiciones; luego pasó al arte pop.Nirma estudió arte desde la década de 1950 hasta la de 1960. Inició sus estudios de arte en la Universidad de Los Andes en 1955. Luego se graduó de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia. En 1969, se trasladó a Londres para estudiar grabado en la Royal Academy of Arts de Londres gracias a una beca del British Council.Su primera exposición fue como estudiante en Bogotá y luego, se mudó a los Estados Unidos, se instaló en Washington donde fue elegida por Unión Panamericana De Washington para participar en una muestra de gran arte colombiano.

A nosotros | 1971

Ocho intoxicados | 1971

Una niña muere por inanición | 1971

A la huelga 100, a la huelga 1000 | 1978

María Isabel Salazar de Lince | 1939

Pintora colombiana. Estudió Arte y Diseño Arquitectónico en la Pontificia Universidad Javeriana. Posteriormente estudió Dibujo y pintura en Cooperartes y con los maestros David Manzur, Fernando Dávila y Miguel Moyano.En las décadas de los setentas y los ochentas desarrolló una importante labor en programas de televisión como: El ABC de la Mujer, El Enemigo Oculto, y Amigos. En 1975 creó la Fundación Prometeo, dedicada a la prevención, tratamiento y rehabilitación de la drogodependencia, la cual dirigió durante más de dos décadas.En lo referente a las artes plásticas, comenzó a exhibir profesionalmente su obra en 1963 y desde entonces ha venido exponiendo regularmente en importantes espacios en Colombia, Estados Unidos, Europa y Asia.Su pintura empezó en la figuración y con el tiempo derivó hacia la abstracción, destacándose por la fuerza de sus colores y una permanente alusión a elementos de la naturaleza.Ha recibido reconocimientos como: El Premio Corporación Expreso del Arte en 1997,5 menciones de honor Women in the Arts del Museo de las Américas en 2014 y 2016, mención de Honor Rotary Club en 2014, mención de honor en el International Print Festival en Bérgamo (Italia) en 2015, y primer premio en el homenaje a Xavier Carbonell en el Museo de las Américas en Houston en 2016.En 2014 recibió el Premio a Toda una Vida de la revista Momentos.

Alegría en la pradera | S/D

Creación | S/D

Explosión | S/D

Devoción | S/D

Delfina Bernal | 1941

Pintora colombiana que trabaja el arte conceptual. Sus primeros acercamientos al arte estuvieron ligados con la música, la lectura y la escritura. En su infancia soñaba con ser pianista o trapecista, no obstante, en 1959, con una carta de recomendación de la poeta Meira del Mar, fue aceptada en la Escuela de Bellas Artes del Atlántico.Una vez entró a la universidad, Bernal se convirtió en una estudiante muy activa. Tomó clases de pintura con Alejandro Obregón, Freda Sargent y Ángel Lockhart y de historia del arte con la artista Marie Claire de Andeis.En 1963 hizo su primera exposición individual en la Galería Arte Contemporáneo y al año siguiente obtuvo el tercer premio en el Salón Intercol de Artistas Jóvenes.En 1970, se graduó en la maestría del Parsons School of Design en Nueva York. Allí permaneció hasta 1973 cuando regresó a Barranquilla. Durante esos años nació su primera hija, con lo cual buscó trabajo como restauradora. De la mano con su actividad artística Bernal ejerció como docente de artes en la Escuela de Bellas Artes y en los colegios Hebreo y Pestalozzi. Además colaboró con el Diario del Caribe escribiendo notas sobre arte, feminismo y exposiciones, además de ilustrar algunos artículos.En 1974 junto con Álvaro Herazo fundó el Grupo 44, colectivo interesado por el arte conceptual.

Variaciones alrededor de un florero | 1964

Variaciones alrededor de un florero II | 1964

S/T | 1964

S/T | 1965

Sonia Gutiérrez | 1947

La pintora y grabadora colombiana Sonia Gutiérrez nació en 1947 en Cúcuta, capital del departamento de Norte de Santander de Colombia, fronterizo con Venezuela. Gutiérrez participó en su primera exposición colectiva en 1962, el mismo año en que ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional. Eventualmente continuaría sus estudios en París asistiendo al Atelier 17, fundado por el artista inglés Stanley William Hayter (1901–1988). Conocida solo localmente a principios de la década de 1960, en 1967 Gutiérrez se convertiría en una de las artistas jóvenes más prometedoras de Colombia después de participar en varias exposiciones en la capital, Bogotá. Una exposición clave para Gutiérrez fue Los que son (1968), curada por la influyente crítica de arte argentina Marta Traba, quien afirmó que el joven artista colombiano "revela una nueva visión de Colombia, similar a la que tenían los Beatles [y] los hippies". hecho en el resto del mundo.# El trabajo de Gutiérrez durante este tiempo consistió principalmente en pinturas de género en las que personajes sin rostro se relacionan entre sí en ambientes casuales pintados sobre planos de fondo de colores vivos. Los contornos gruesos de sus figuras, combinados con el uso de patrones y texturas para modelar ropa, accesorios y muebles, se convirtieron durante un tiempo en su estilo característico. Esta estética pop llevó a Gloria Valencia Diago, otra crítica de arte, a llamarla "go-go de pies a cabeza".#En la década de 1970 Gutiérrez cambió de tono y asumió una actitud abiertamente política que culminó con su repentino exilio de la escena artística de Colombia. En sus pinturas y grabados de la década de 1970 y principios de la de 1980, mientras conservaba una estética de arte pop, denunció actos de tortura y persecución mediante la utilización de cuerdas y lazos de tela en cuerpos no identificados. Su obra representa así una versión del arte pop que se opone a la banalidad del mensaje, optando más bien por comunicar un sentido social y político. Durante sus años más activos, en las décadas de 1960 y 1970, Gutiérrez realizó exposiciones individuales en las ciudades colombianas de Bogotá, Cúcuta, Medellín y Bucaramanga. También fue invitada a participar en exposiciones colectivas en Colombia e internacionalmente, incluso en Caracas, Lima, La Habana, París y Praga. Durante este tiempo recibió distinciones como el Premio Pintura en el 3er Salón 10 de mayo (1965) y Primer Premio Dibujo en el 10º Salón Cano (1966) y honores en la 1ra Bienal Iberoamericana de Pintura Coltejer en Medellín (1968) con su pintura Pintura Pop (1968).

Y con unos lazos me izaron | 1977

Cimitarra: Vivo o muerto al aeropuerto | 1976

Más allá del estado de sitio | 1976

Seguiremos diciendo patria | 1972

Alicia Barney | 1952

La escultora Alicia Barney nació en Cali, Colombia, en 1952. Estudió en el College of New Rochelle, Nueva York (BA 1974) y en el Pratt Institute, Brooklyn (MFA 1977). Durante su estadía en Nueva York, se encontró con el trabajo de Claes Oldenburg (n. 1929), quien ha permanecido entre sus principales influencias artísticas. La comprensión de Oldenburg de los objetos cotidianos y la delgada línea que los separa de las obras de arte de los museos fue la ideología de las primeras esculturas de Barney, Diario objeto I y Diario objeto II (Object diary I, 1977, y Object diary II, 1978–79), hechas a partir de objetos aleatorios. objetos encontrados en Nueva York y Colombia. Dos obras de principios de la década de 1980, cuando Barney estaba en Colombia, la marcaron como pionera del arte ecológico y defensora de las acciones ambientales que protegen a la comunidad. En Yumbo (1980), Barney recogió el aire contaminado del pueblo de Yumbo en veintinueve cajas, y en Río Cauca (Cauca River, 1981), realizó una acción similar, recolectando agua contaminada del río Cauca. Este último lo concibió como una colaboración entre un fotógrafo, un biólogo y estudiantes de la Universidad del Cauca. La naturaleza interdisciplinaria y cooperativa de este trabajo fue una noción tan radical a principios de la década de 1980 que Barney se enfrentó a medidas disciplinarias después de que los estudiantes la acusaran de instruirlos en métodos subversivos. A lo largo de las décadas de 1990 y 2000 continuó trabajando, aunque con cierta distancia de los circuitos de arte mayoritarios.Un artista que rechaza las etiquetas, especialmente las estilísticas, Barney continúa realizando trabajos que crean conciencia sobre el capitalismo desenfrenado y su impacto perjudicial en el medio ambiente. Si bien sus esculturas e instalaciones fueron bien recibidas por un puñado de críticos, incluido Miguel González, también han sido criticadas por un público colombiano que no estaba preparado para su enfoque experimental y activista del arte, especialmente a fines de los años setenta y ochenta. A pesar de la reacción negativa de algunos, Barney ha recibido elogios a lo largo de su carrera. En 1980 obtuvo el primer lugar en el tercer Salón Regional de Artes Visuales de Colombia, y su obra ha sido presentada en importantes muestras colectivas, como la 32 Bienal de São Paulo (2016). Como artista y educador, Barney ha influido en las generaciones más jóvenes de artistas colombianos interesados en incorporar temas ambientales en su práctica. Vive y trabaja en Bogotá.

Pratt I | 1978-1979

Pratt II | 1978-1979

Un día en la montaña | 1978-1979

Objeto precolombino | 1989

Maria Teresa Cano | 1960

La artista conceptual María Teresa Cano nació en Medellín, Colombia, en 1960. Estudió arte en la Universidad de Antioquia, sede Medellín, graduándose en 1989. Atrajo la atención del público y la crítica con su obra Yo servida a la mesa. una comida, 1981), para la que preparó una comida utilizando un molde con sus rasgos faciales. Mientras caminaba modestamente entre los visitantes del museo que reían nerviosamente, se acercó a la mesa del banquete y comenzó a comer los platos moldeados de atún, gelatina y pastel que se parecían mucho a su rostro. Cano fue así sujeto y objeto de su propia obra. Después de Yo servida a la mesa, el cuerpo o la ausencia de él se convirtió en un tropo recurrente en su obra. Por ejemplo, el vago recuerdo de un cuerpo es evidente en la huella sepia que deja una plancha candente sobre lino blanco en Calor de hogar (Warmth of home, 1984) o en las huellas dejadas sobre un suelo empolvado en Distancias ( Distancias, 1990). Una versión más lúdica de su trabajo corporal, así como del uso de la comida en su práctica, surge con su performance Un sueño para niños (1982). Cano hizo realidad el sueño de todo niño cuando llenó la galería de algodón de azúcar e invitó a los niños del barrio a disfrutar del regalo.Su trabajo bidimensional de principios y mediados de la década de 2000 exploró avatares e iconografía de animales. Imágenes de lobos, ovejas, hormigas y ouroboroses (serpientes que se muerden la cola) aparecieron en la obra de Cano debido a su rico simbolismo, mitología y conexión con el arte, la literatura y lo onírico. En otros trabajos de principios de la década de 2000, continuó investigando el papel que puede jugar el arte fuera de la tradicional galería de cubos blancos. Con la ayuda de estudiantes y profesores de arte, Cano realizó una manifestación titulada Cada paso cuenta (Cada paso cuenta, 2000), que centró la atención en una comunidad de personas con discapacidades del desarrollo en Medellín. Del mismo modo, con Mi vida es privada, pública mi educación (My life is private, public is my education, 2002), el artista buscaba crear un nuevo modelo de activismo político y artístico. En 1981 Cano obtuvo el primer premio en el Primer Salón Arturo y Rebecca Rabinovich por Yo servida a la mesa, que reestrenó en 2009 para la inauguración del Museo de Arte Moderno de Medellín. En 1992 recibió otro premio en la 3ra Bienal de Arte Efímero, otorgada en el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar, Venezuela. Cano vive y trabaja en Medellín.