Buenos Aires

María Obligado de Soto y Calvo | 1857

Pintora argentina que creció en el seno de una familia porteña acomodada. Estudió arte en el país con el profesor italiano Giuseppe Agujari, pero su ambición la motivó a trasladarse a Europa para perfeccionarse. Tras casarse con el escritor Francisco Soto y Calvo, se dirigió a París para profundizar su formación artística y su conocimiento de la historia del arte. La pareja viviría entre Argentina y Europa desde 1888 hasta 1910.María Obligado estudió en la Académie Julian, institución parisina destacada por brindar a las mujeres una educación artística similar a la de los varones, en tiempos en que muchas otras escuelas de arte no permitían su ingreso o les prohibían tomar clases de desnudos con modelo vivo.Durante su estadía en París, María Obligado expuso en el Salon de la Société des Artistes Français en 1900, 1901, 1902 y 1909. Si bien sus exposiciones recibieron abundantes y generosas coberturas en la prensa argentina, como bien señala Gluzman (2016): “A pesar de haber expuesto en este prestigioso espacio, la artista permaneció marginada de la historia de los argentinos que “conquistaron” París” (p.161).

Autorretrato | S/F

Angoisse | 1900

Viejo marinero normando | S/F

En Normandie | 1902

Sofía Posadas | 1859

Pintora argentina nacida en Buenos Aires. Se formó como artista con Reinaldo Guidici y José Agujari, y complementó sus estudios en Europa, como muchos de sus contemporáneos (Malosetti Costa, 2010). Perteneció al grupo de artistas del Salón del Ateneo, donde expuso sus obras desde 1891 hasta 1895 y recibió una Mención Honrosa de Primera Clase. Unos años más tarde, en la exposición de La Colmena Artística de 1898, obtuvo la medalla de bronce. Posadas exploró una amplitud de géneros, como el desnudo, el retrato, la naturaleza muerta, la pintura de género y también pintura histórica. En noviembre de 1891, la artista fue protagonista de un escándalo al presentar un pastel de un desnudo femenino de espaldas en la exposición de beneficencia organizada por la Sociedad de Damas de Nuestra Señora del Carmen. La obra se llamó Idilio. Entre sus obras, se conoce el Retrato del General D. Emilio Mitre, del año 1894, expuesto actualmente en el hall principal del Museo Mitre en la Ciudad de Buenos Aires. Asimismo, las obras El sueño de San Martín y el Retrato del Doctor Manuel Augusto Montes de Oca, pertenecen al acervo del Museo Histórico Nacional. La primera representa al General José de San Martín en el ocaso de su vida, dormido sentado en un sillón. Está soñando con las grandes batallas y días gloriosos de la Independencia, representados en la parte superior izquierda de la pintura (catálogo interno del Museo Histórico Nacional, consultado en julio de 2020). La segunda, revela el retrato en blanco y negro de un hombre vestido de traje. Un corpus más extensivo de obras fue localizado en el Complejo Museográfico Provincial «Enrique Udaondo». Por último, se localizaron tres obras de la artista en el Museo Isaac Fernandez Blanco: las acuarelas La antigua estación Retiro y El antiguo correo de Buenos Aires,y el óleo En un rincón en la casa de la Virreyna (sic) Vieja.Sofia Posadas es considerada una de las más talentosas artistas argentinas, pero poco se conoce de su vida y de su obra. Tal como afirma Malosetti Costa, “su memoria fue borrada de la historia del arte argentino” (2000, p. 8).

El sueño de San Martín | 1900

Retrato del Doctor Manuel Augusto Montes de Oca

Quinton del Gral. Pueyrredón

Paisaje rural | 1895

Julia Wernicke | 1860

Julia Federica Herminia Wernicke Beltz von Hagen (1860 – 1932), también conocida como Julia Wernicke, fue una pintora y grabadora argentina. Desde temprana edad demostró tal interés por el dibujo, que a los 25 años de edad viajó a Múnich, Alemania, donde estudió por cuatro años con el pintor animalista Heinrich von Zügel. Esta experiencia dejó una huella en Wernicke, quien dedicaría su carrera casi exclusivamente a la pintura animalista, elección inusual para una mujer (Gluzman, 2016).De vuelta en Buenos Aires, y contra el mandato de la época, que reservaba para pintoras mujeres temas como naturalezas muertas, retratos de niños, o animales domésticos, Wernicke pintó al óleo animales salvajes y por ello hoy es considerada la primera animalista argentina. Gracias a su amistad con el director del Zoológico de Buenos Aires, Eduardo Holmberg, la artista pudo pintar in situ leones, tigres y gorilas.Años después, regresó a Alemania pero no se detuvo en Munich, sino que visitó Leipzig, Berlín y Dresden. Junto a la artista Catalina Mórtola de Bianchi, abarcaron los procedimientos técnicos más variados: el aguafuerte, la xilografía, el aguatinta, el barniz blando, la aguada, la punta seca, la monocopia, y la litografía.Vale destacar que Julia Wernicke fue, junto a Elina González Acha, una de las dos únicas artistas de la generación del Ateneo que lograron ingresar al Museo Nacional de Bellas Artes.

El león | 1901

Toros | 1897

Estudio de tigre | c.1900

Gatitos | S/F

Diana Cid García de Dampt | 1861

Artista plástica argentina que participó en el escenario cultural del siglo XIX. Según Malosetti Costa (2000), Diana transgredió los límites impuestos para las mujeres en materia artística. Sus obras, que participaron del Salón del Ateneo de 1895, entre otras exposiciones, estuvieron cargadas de rasgos propios del simbolismo, que para aquella época se presentaba como un movimiento innovador parisino. Malosetti Costa agrega que aquellos rasgos innovadores, y en parte polémicos, que en el caso de sus contrapartes masculinas resultaron en mayor o menor medida consagradores, a artistas mujeres como Diana Cid García le ganaron, en cambio, el olvido. Entre los motivos de las obras de Diana Cid García, se repiten los retratos de figuras femeninas, pero también se sabe que la artista pintó desnudos, un género considerado poco adecuado para artistas mujeres de su época. Diana se radicó en París donde fue discípula de Jean Aman, quien pintó su retrato y el de su esposo, el escultor francés Jean Auguste Dampt.

Joven en silla de cuerda | 1915

Retrato de mujer | S/F

Fantasía en rosa | 1894

Joven con moño | S/F

Delfina François | 1864

Pintora y miniaturista nacida en Buenos Aires y especializada en retratos, que participó activamente de la escena artística del siglo XIX.Si bien la información sobre la vida de Delfina François es escasa, los aportes de Gluzman (2015) y Fabrici (2014) sobre el retrato-miniatura en la Argentina nos ayudan a recuperar algunos datos sobre su reconocida trayectoria. La artista se formó en París durante 18 años con Madeleine Lemaire y el maestro Charles Joshua Chaplin. Se sabe que comenzó con la pintura de flores, pero que luego se dedicó al retrato y la miniatura.Al regresar a la Argentina, François comenzó a involucrarse en el círculo artístico nacional, participando de algunas exposiciones organizadas por el Ateneo. Su destacada técnica la llevó a ser distinguida como “profesora” por sus miniaturas exhibidas en la sección femenina de la Exposición Nacional de 1898.

Encarnación de Chavarría de Zavaleta | S/F

Don Andrés Lamas | S/F

Telésfora Somellera de Lamas | S/F

Don Ventura Zavaleta | S/F

Josefina Oliver | 1875

Artista argentina, hija de inmigrantes mallorquines. El marcado anticlericalismo de su padre lo llevó a elegir, para ella y sus hermanas, a la escuela pública como ámbito de educación. Sin embargo, a los 14 años, Josefina debió abandonarla para ocuparse del hogar, en reemplazo de su madre, quien sufría enfermedades psiquiátricas. Un poco a modo de entretenimiento, y un poco a modo de catarsis, a los 16 años comenzó a escribir un diario personal que la acompañó toda su vida. Josefina dejó un total de 20 tomos que comprenden desde 1892 hasta el día antes de su muerte. De manera autodidacta, Josefina aprendió fotografía y detalló su progreso en sus diarios. Fanatizada con dicha práctica artística, comenzó a experimentar con distintas técnicas, géneros y expresiones. A partir de 1899, se dedicó plenamente a la fotografía y comenzó, además, a colorearlas. Habilitó su habitación como estudio para realizar retratos de sus amigos y familiares, e incluso de ella misma. Josefina indagó sobre el “yo” de la mujer en una época en donde parecía que la mujer solo podía ser una mera figura decorativa. Josefina se dedicó intensivamente a la fotografía y no solo retrató todos los eventos de su vida y de sus conocidos, sino que también experimentó ideando escenografías para numerosas tomas, realizó collages, y creó postales y estampillas.

Hnas Oliver y Juan Ripoll | 1900

Josefina con amigas | 1903

Pepe Salas en Chacra Santa Ana | 1902

Josefina con amigas | 1904

Luisa Isella | 1876

Artista ítalo-argentina que se dedicó a la pintura y la escultura. Luisa comenzó su formación en Italia, de donde provenía su familia, y luego desarrolló su carrera como artista en Chile, Argentina y Francia. A pesar de tratarse de una artista premiada que participó de varios de los Salones Nacionales de Chile y de Argentina y cuyo nombre figura en catálogos y publicaciones, lo cierto es que, según Cortés Aliaga, Luisa aparece marcada por una “integración marginal” (s/f, p. 8) en tanto se la ha incluido siempre en referencia a un otro masculino protagónico. La autora también señala que al tratarse de una escultora, fue común que se la asocie a una cierta masculinidad, ya sea por rasgos de su personalidad o temáticas de su obra, y porque en ocasiones vestía de forma distinta a lo que era costumbre en su época, para poder trabajar con comodidad.En 1908, mientras residía en Argentina, Luisa viajó a Francia a perfeccionarse como artista, becada por el gobierno y respaldada por Carlos Pellegrini. Tras su regreso a la Argentina, Luisa Isella se radicó en Buenos Aires donde se dedicó a la docencia en la Escuela de Artes Decorativas (Gluzman, 2015). Si bien de su obra se conoce principalmente el trabajo con figuras femeninas, también se dedicó al retrato de modelos masculinos y a encargos privados, como se observa en el retrato en su estudio en Chile, lo que también es indicio de su profesionalización como artista.

Busto femenino | S/F

S/D

Busto femenino | S/F

Meditación | S/F

Lía Gismondi | 1879

Artista argentina reconocida por ser la primera pintora mujer en realizar una exposición individual en el país. En 1907, presentó su obra en la Galería Witcomb de la calle Florida y, según un artículo periodístico de ese mismo año, “a los dos y tres días vendió todos sus cuadros” (Gutiérrez Viñuales, 1998, p. 50). Sus exposiciones individuales continuaron en 1907, 1909, 1910, 1911, 1912 y 1913 (Gluzman, 2015), abriendo el camino para otras notables artistas como Julia Wernicke, Andrée Moch y Léonie Matthis. Sin embargo, también participó de exposiciones colectivas, como la Exposición Internacional del Centenario en 1910 y del Salón Nacional de Artes Plásticas de 1911. Su óleo Oropa, exhibido allí, fue adquirido por el Museo Nacional de Bellas Artes e ingresado al Museo ese mismo año, donde permanece hasta hoy. De acuerdo a los registros del museo, sus paisajes posimpresionistas le valieron el reconocimiento de la crítica.Pintó paisajes de Argentina, Brasil, Holanda, Francia e Italia, donde se formó en las escuelas de Giacomo Grosso como figurista y de Lorenzo Delleani como paisajista (Arte de la Argentina, s/f). En Buenos Aires, estudiaba con el artista ítalo-argentino Eliseo Coppini.En una ocasión aparecieron publicados en la prensa “su retrato, tres de sus obras y una extensa nota acerca de su formación en Buenos Aires con Eliseo Coppini” y, anteriormente, “una fotografía a página completa de la artista con el pintor Delleani en su villa de Pollone” (Weber, 2016, p. 192).De todos modos, las obras que hoy se conocen de la artista son escasas.

Oropa | 1911

Paisaje | 1920

Paisaje de campo | S/F

Versalles | S/F

Elvira Paulina Mayol Crámer | 1883

Artista argentina activa entre fines del siglo XIX y principios del XX. Como otras artistas sudamericanas, viajó a París y concurrió intermitentemente a la Académie Julian, una academia de alto prestigio en el mundo del arte, entre 1899 y 1907. Su habilidad y talento fueron reconocidos cuando su pintura de una mujer desnuda de espaldas fue premiada en un concurso organizado por la Academia. La obra actualmente permanece en una colección privada en París. Gluzman destaca su “factura cuidada”, que “sitúa a Mayol entre las artistas de nivel técnico más elevado de su tiempo” (2015, p. 222). Una artista con notables capacidades pictóricas, gran formación artística, y un taller en la capital francesa no logró trascender en la historia argentina del arte. Tras casarse con el hijo del conde Bernard de La Fosse en París en 1911, no hay registros de otras participaciones artísticas en Buenos Aires.

Estudio | 1907

Retrato de Lucio V. Mansilla | 1908

Delia del Carril | 1885

Delia del Carril Iraeta conocida como «La Hormiguita», fue una destacada grabadora, pintora y dibujante chileno-argentina. Nace en Polvaredas, Argentina, 27 de septiembre de 1885, y muere en Santiago de Chile el 26 de julio de 1989. Contemporánea de importantes movimientos en la pintura, a comienzos del siglo XX con largas residencias en París y otros lugares de Europa, Delia del Carril se incorpora a la vida chilena acompañada de Pablo Neruda, de quien fuera su segunda esposa. Su dedicación a las artes plásticas en forma integral ocurre hacia 1950. Estudia grabado con el destacado artista Stanley W. Hayter en París, pero su espíritu de búsqueda la lleva a producir una obra marcada por su sello personal, donde destaca el aparecimiento de sus caballos dibujados, obras espectaculares por sus enormes dimensiones y vigoroso tratamiento.Tras su separación con Neruda en 1954, Delia hizo un intento de regresar a Buenos Aires, pero al cabo de un año decidió que su mundo afectivo estaba en Chile, regresando a nuestro país en 1959, momento en que Delia tomó la decisión de dedicarse por completo al dibujo y al grabado. En la década de 1960 la artista comenzaría a formar parte del Taller 99, dirigido por Nemesio Antúnez, luego de haber adquirido experiencia al trabajar con William Hater en el Atelier 17 de París. En el Taller 99 Delia pudo continuar perfeccionando y desarrollando nuevas técnicas en torno al grabado. De igual manera, realizó obras al óleo, destreza que no pudo continuar producto a las secuelas de un accidente que limitó su motricidad, por ende, fue su desempeño gráfico lo que la llevó a destacarse tanto en el campo visual chileno, como en el extranjero. Además, fundó en esta misma década, la Galería Sol de Bronce junto a Guillermo Núñez y Delia Barahona con el motivo de incrementar y dinamizar el campo de galerías existentes en Santiago de Chile. Asimismo, Delia del Carril realizó numerosas exposiciones individuales en Chile, Latinoamérica, y Europa, y su legado artístico se acrecienta con el paso del tiempo.

La lavandera | 1954

Parto con dolor (La señora yegua) | 1959

Madre y niño | 1958

La última costura | 1959

Catalina Mórtola de Bianchi | 1889

Artista argentina que nació en el barrio de La Boca, Buenos Aires. Fue una pintora y aguafuertista con gran formación académica, cuyo recorrido incluye el paso por salones nacionales, galerías y exposiciones internacionales. Catalina se formó en la Academia Nacional de Bellas Artes, de donde egresó en 1913; fue profesora en la Escuela Nacional de Bellas Artes; y una de las fundadoras de la Escuela Taller Argentina de Arte y del primer Museo Argentino de Grabadores. Expuso en el Salón Nacional, en la Asociación Amigos del Arte (1925, 1930, 1933), y en la Dirección Nacional de Bellas Artes (1937) (Colección MOSE, s/f). Todas estas actividades dan cuenta de su prolífica carrera como profesional en la escena artística nacional. En gran parte de sus obras, Catalina plasmó escenas y panoramas típicos del barrio de La Boca, realizó oleos de paisajes de intenso color y jugosos empastes. Pero el cuerpo y el desnudo femenino también estuvieron presentes en sus obras.

Triunfadora | 1933

Paseo Colón | 1948

Cautiva | 1937

Casas de La Boca | S/F

Ana Weiss de Rossi | 1892

Artista argentina nacida el 30 de noviembre de 1892 en el seno de una familia dedicada a las artes gráficas. Su familia dirigía la Imprenta Weiss & Preusche, en la cual ella realizó, durante su adolescencia, las portadas para la revista “Ilustración Histórica Argentina”. Aquel ambiente fue propicio para el cultivo de sus intereses y el desarrollo de sus actividades artísticas, pues le permitió insertarse en el mercado de las artes gráficas a una temprana edad. En 1910 ingresó a la Academia Nacional de Bellas Artes, pero la abandonó tan solo tres meses después para continuar su formación de modo particular con Alberto María Rossi, con quien contrajo matrimonio en 1915. En 1912 envió una obra al Salón Nacional, que luego fue adquirida por la Comisión de Bellas Artes, símbolo de su inmediato éxito en la escena artística nacional. La obra de Ana Weiss de Rossi se caracteriza por un amplio rango temático, y un atento uso del color y la composición. Sus retratos, de carácter intimista, con pinceladas vigorosas y con abundante materia, la distinguieron del canon de su época para lo que sus contemporáneos —injustamente— clasificaban como “pintura femenina”. Ana Weiss de Rossi falleció en Los Ángeles el 13 de septiembre de 1953.

Retrato | S/F

Autorretrato | 1932

Desnudo | 1926

Figuras | 1929

Lía Correa Morales | 1893

Nació en un hogar de ferviente actividad artística e intelectual. Hija del escultor Lucio Correa Morales y la geógrafa, pintora y escritora Elina González Acha, desde temprana edad estuvo rodeada de figuras del incipiente feminismo porteño, como Cecilia Grierson, la primera médica argentina. Lía demostró aptitudes artísticas desde pequeña, y a los 19 años envió obras al Salón Nacional, en un tiempo en el cual solo se seleccionaban obras de varones (Museo Casa de Yrurtia, s/f).Luego de una breve estadía en Puerto Deseado, Santa Cruz, regresó a Buenos Aires tras la muerte de su marido, Abel Espinosa Viale, y retomó sus estudios de pintura. En 1924 obtuvo el Primer Premio en el Salón Nacional, y en 1926 se trasladó a Europa para perfeccionar sus conocimientos. Allí llegó a exponer sus obras en los salones parisinos y se convirtió en miembro de la “Societé Nationale des Beaux Arts” de París. En su tiempo libre, visitaba a la pintora animalista Julia Wernicke, amiga de su madre.

Estudio de una obra de Hans Holbein | 1931

Despertar | S/F

Femme de Belleville | 1928

Autorretrato | 1929

Stella Morra de Cárcano | 1893

Pintora argentina nacida dentro de unas de las familias más eminentes de su tiempo. Era bisnieta de Justo José de Urquiza por su lado materno, y su madre, Inés del Carmen Victorica Urquiza, se casó con Carlos Morra Manhes, el Marqués de Monterochetta e hijo de Camilo Morra, VII Príncipe de Morra, Italia. Por su parte, Stella se casó con el Dr. Don Miguel Ángel Cárcano Saenz de Zumarán, quien fue ministro de relaciones exteriores bajo la presidencia de Arturo Frondizi. El matrimonio tuvo tres hijos: Miguel, Ana Inés “Chiquita”, y Stella “Baby”. Sus hijas continuaron la tradición familiar de casarse con miembros de la realeza europea: Ana Inés contrajo matrimonio con Sir John Jacob Astor VII, y Stella “Baby” con William Humble David Ward, 4º conde de Dudley. Sin embargo, es escaso lo que se conoce de la carrera artística de Stella. Su vida y obras han sido desplazadas y olvidadas de la historia del arte. Solo sabemos que en 1936 expuso un desnudo femenino, Baigneuses, en el Salón Nacional, pues el catálogo de dicho año incluye una ilustración de la obra.

Bañistas | 1936

Anita Payró | 1897

Pintora argentina nacida en el seno de una familia de intelectuales que desde temprana edad la rodeó de estímulos artísticos y creativos. Su padre fue el escritor y periodista Roberto J. Payró, y su hermano mayor el reconocido crítico de arte, Julio E. Payró. Dentro de quienes frecuentaban amistosas veladas en casa de los Payró se destacan Oliverio Girondo, Norah Lange y Emilio Pettoruti, entre otros. En su adolescencia, su familia se trasladó a Europa, en donde viviría en diversas ciudades hasta los 28 años de edad. En 1919, estudió artes visuales, literatura y poesía en la Academia de Bellas Artes de Bischoffsheim en Bruselas. Luego su familia se mudó a Barcelona, donde Anita conoció al pintor uruguayo Joaquín Torres García, quien era amigo de su padre. Con él compartiría sus ideas sobre la geometría, estructura y el simbolismo de las formas (Galería Louis Stern Fine Arts, 2018). Sus cuadros, repletos de equilibrios inesperados, se definen plásticamente a través del rigor de la composición y de la delicada armonía tonal de sus colores, que la acercan a un terreno similar al de la música. Al reflexionar sobre su propia obra, Payró explicó: “Usé las formas geométricas como signos, las usé de la misma forma en que un músico usa las notas musicales, con mi pentagrama siendo del tamaño de mi lienzo” (Vera Ocampo, 1989, catálogo interno de la Galería Louis Stern Fine Arts, consultado en enero de 2021).

Composición | 1963

Untilted abstract composition | 1950

Untilted abstract composition | 1965

Untilted abstract composition | 1958

Carlota Stein | 1897

Artista plástica nacida en Buenos Aires y dedicada al dibujo y la pintura.Carlota era hija de Adela Picard y Enrique Stein, dibujante y caricaturista francés, director del periódico satírico El Mosquito. La artista “estudió dibujo con Emilio Artigue, y pintura con Moretti. Su trabajo Añoranzas obtuvo el Premio Municipal en 1944. Tuvo también distinciones en Córdoba y en el Salón de Pinturas Femenino” (Zancada, 2016, s/p). Con sus obras, participó del XXI Salón Nacional. Stein estuvo casada con el ilustrador Alejandro Sirio, con quien en 1938 tuvo a su hijo, Alejandro Sirio Álvarez Stein. La artista se dedicó a promocionar la obra de su marido en el país y en España tras su muerte en 1953. Según Sosa de Newton, “por curiosa coincidencia, ella murió el mismo día en que se inauguró la exposición póstuma de Sirio realizada con motivo de cumplirse el septuagésimo cumpleaños: el 18 de octubre de 1960” (1986, p. 618).A pesar de la poca información que se encuentra de su vida y obra, sus pinturas integran diferentes colecciones, entre ellas la del Museo Nacional de Bellas Artes, en Buenos Aires y la del Museo Provincial Rosa Galisteo, en Santa Fé.

Crisálida | S/F

Retrato de Luis León de los Santos | S/F

Paz | 1951

Naturaleza muerta | S/F

Eileen Agar | 1899

Nació en Buenos Aires (Argentina) en 1899, hija de un escocés y una estadounidense, su familia se trasladó a Londres en 1911. A los seis años, Agar fue enviada a Inglaterra a una escuela privada en Canford Cliffs. Y en 1914, al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Agar fue enviada a Tudor Hall desde su casa en Londres para evitar las dificultades de la guerra.Agar fue pintora y escultora. Asociada al movimiento surrealista, con quien expuso, a menudo explotó la inesperada conjunción de formas y objetos en su obra. Sin embargo, al igual que otros surrealistas británicos, se interesó poco por las conexiones literarias, políticas y psicológicas de ese movimiento. También se la vinculó al Tachismo y al Cubismo, en obras posteriores.Eileen Agar expuso frecuentemente con compañeros surrealistas y era amiga cercana de André Breton (fundador del surrealismo). Además, creía firmemente que las mujeres son las verdaderas surrealistas. Una vez afirmó: “La importancia del inconsciente en todas las formas de literatura y arte establece el dominio de un tipo de imaginación femenina sobre el orden clásico y más masculino”.

Mujer Pájaro | 1936

Una Ocurrencia Excepcional | 1950

El Baño | 1937

Sombrero Surrealista | 1956

Norah Borges | 1901

El 4 de marzo de 1901, nació en Buenos Aires la pintora e ilustradora argentina Norah Borges. Vivió toda su vida bajo la sombra de su célebre hermano, el escritor Jorge Luis Borges, a quien estuvo estrechamente unida. La figura de Norah Borges ha permanecido en un discreto segundo plano durante décadas, no obstante en los últimos años está recibiendo la reivindicación y visibilidad que merece. Su universo plástico es genuinamente poético y en él destaca una estética diáfana con un cierto carácter neoclásico. Sus cuadros y dibujos proyectan siempre un estado de luminosidad cargado de ligereza y quietud, cualidades que son fácilmente identificables con los rasgos de su propia personalidad, extremadamente modesta. Inició sus estudios artísticos en Suiza, donde aprendió la técnica del grabado y la xilografía. Hacia 1918, la familia se trasladó a España y entró en contacto con el movimiento ultraísta. Allí conoció a su marido, el escritor español y crítico literario Guillermo de Torre, perteneciente a la Generación del 27. Desde muy joven estuvo vinculada y colaboró como artista gráfica en numerosas revistas de la vanguardia, así como en editoriales y otras publicaciones, primero en España y mas tarde en Argentina. Ilustró libros de muchos autores españoles emigrados a la Argentina como Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti o León Felipe; además de los libros de su hermano y otros escritores argentinos como Bioy Casares, Norah Lange o Julio Cortázar.Falleció en Buenos Aires a los 97 años el 20 de julio de 1998.

El diván amarillo | 1961

Vieja quinta | 1966

Dibujos para el libro de Bioy Casares "La Invencion de Morel" | 1940

Raquel Forner | 1902

Artista argentina nacida en Buenos Aires, hija de Manuel Forner, de origen español, y Josefa Escudero, de origen argentino y descendiente de vascos. A los 12 años, Forner viajó con sus padres a España, donde despertó su inquietud por el arte: sus primeros dibujos datan de esa época. Su trayectoria, sobre todo en el género pictórico, ha sido reconocida en la coyuntura artística tanto a nivel nacional como internacional. La obra de Forner abarca un gran abanico de estilos y temáticas, por lo que resulta complejo categorizar su trabajo dentro de un movimiento en particular: “de una primera postura referida a temas sociales, fue creando su propio imaginario, hasta desembocar en un expresionismo simbólico centrado en una original mitología del espacio” (Fundación Forner-Bigatti, s/f). Su obra se caracteriza sobre todo por un desarrollo dividido en series a partir de la serie “España”. En toda su obra el eje central es el hombre y lo más profundo de su esencia: el amor, el odio, el temor, la esperanza. Según la Fundación Forner-Bigatti, la obra de la artista, a grandes rasgos, se puede dividir en cuatro momentos o períodos. El primer período (1922-1938), del que la artista destruyó muchas obras, puede denominarse de “búsqueda”, en tanto no existe en él un estilo aún definido, aunque sí una concepción moderna en su pintura. El segundo período (1938-1950), cuyas piezas funcionan como un alegato contra la guerra, puede llamarse “dramático” y corresponde a la serie sobre la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. En aquellas obras se percibe un sentimiento de angustia con el que convivirá la artista, relacionado a la muerte de sus parientes paternos españoles en la guerra civil. El tercer período que puede reconocerse (1950-1960) es uno de transición, en el que la artista se acerca a la abstracción sin dejar del todo la representación figurativa. Finalmente, el cuarto período (1960-1988), su etapa “espacial”, nace a partir del envío de la perra Laika al espacio en 1958. En este momento, Forner comenzó a vislumbrar el futuro del hombre en el espacio y su transformación. Este último período podría también denominarse de “esperanza” o “esperanzado”.

El juicio | 1946

Ícaro | 1944

Mujeres del mundo | 1938

Todos somos testigos | 1969

Aurora de Pietro de Torras | 1906

Artista argentina boquense dedicada al dibujo, la pintura y el grabado. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes de donde egresó en 1926. Aurora “estudió pintura con Raúl Mazza, posteriormente grabado con Catalina Mórtola y desde 1959 con Adolfo Bellocq.” (Colección MOSE, s/f, s/p) Concurrió de forma sucesiva a los Salones Nacionales desde 1927 en adelante, así como también a muchos Salones provinciales en diferentes ciudades del país, en los que recibió diversos premios y reconocimientos. Su frecuente participación en la escena del arte a lo largo del tiempo evidencia que se trató de una artista verdaderamente profesionalizada, que buscó ocupar un lugar en el campo artístico argentino.Pintó escenas tradicionales y personajes urbanos de Buenos Aires, en particular del barrio de la Boca. Su trabajo es principalmente reconocido por sus ilustraciones de danzas folklóricas y de tradiciones argentinas, que figuran en libros y publicaciones, entre ellos Danzas Argentinas un libro ilustrado por ella y del que fue co-autora junto a Carlos Vega, en 1947. Se la considera “la primera artista argentina en dedicarse de forma integral y documentada a la representación plástica de las danzas criollas, realizándose en series de dibujos, aguafuertes, litografías y óleos.” (Colección MOSE, s/f, s/p) Sobre su obra, José León Pagano señaló: “Su arte espontáneo, directo, es una glosa de la vida popular. Lo pintoresco de extrarradio -tipos y costumbres- tiene en ella una comentarista de mano pronta y visión rápida”. (Arte de la Argentina, s/f, s/p)

Paraguayas | 1930

Desolación | 1935

Diarieros | 1950

Escena callejera de La Boca | 1927

Leonor Fini | 1907

Leonor Fini fue una artista y pintora argentina referente del surrealismo; irrumpió en la esfera artística con una mirada rupturista, ajena a los cánones sociales y de género.Nacida en Buenos Aries, Leonor se formó artísticamente a través de bibliotecas y visitas a museos. En la década de 1930 se mudó a Francia, lugar en el que entabló amistad con artistas del surrealismo. Fini se adentró en esta vanguardia, pero jamás se sumó formalmente al movimiento. Al cabo de unos años comenzaría a exponer sus obras, siempre siendo considerada una artista rebelde. Buscó su propio estilo y creatividad más allá de la mirada masculina que primaba en el grupo.La artista dio vuelco a la figura de la mujer dentro del surrealismo, llevándola más allá de su rol de musa. Así, buscó terminar con el paradigma y la imagen social atribuida al género, desarrollando elementos como el erotismo, posicionándolas como dominantes, sabias y lujuriosas. Al contrario, las figuras masculinas eran asociadas con el proteccionismo o la mirada objetualizada.Además, la identidad de género y la androginia fue un elemento protagónico en sus obras, las que sentaban sus bases en las estéticas surrealistas, pero incluían elementos del mundo onírico y el arte figurativo, con presencia de figura mitológicas con las que buscó empoderar a la mujer. La artista desarrolló una carrera multifacética y transversal materializado en pinturas, ilustraciones para libros (entre ellas “La Tempestad” de Shakespeare, y “Julieta” de Sade), escenografías para teatro, ballet y cine, dibujos, vestuarios y máscaras, y objetos decorativos.Con una vida versátil, caracterizada por su vestimenta excéntrica y un apartamento lleno de gatos persas, la artista mantuvo una relación poliamorosa la mayor parte de su vida, siendo fiel a este sentido libertario que tomó como principio de vida y que plasmó en sus obras.

Mujer sentada sobre un hombre desnudo | 1942

La pasajera | 1964

Deidad observando a un joven durmiente | 1946

Autorretrato con sombrero rojo | 1968

Hermi Baglietto de Alio | 1908

Herminia Baglietto de Alio, escultora, nació en Buenos Aires el 21 de setiembre de 1908 y falleció en La Lucila, provincia de Buenos Aires el 16 de abril de 1954. Estudió Literatura, Historia del Arte y Filosofía con Gisberta S de Kurt. Entre 1948 y 1950 realizó un viaje con propósitos de estudio por Italia, Francia y España recorriendo sus principales centros artísticos. Escultora de estilo clásico, trabajó la figura humana en especial la de mujeres y niños. Concurrió al Salón Nacional a partir del año 1937 en varias ocasiones; al Salón de Mar del Plata en 1942 y 1948; al Salón de Tandil en 1943, 1945, 1948 y 1949; al Salón de Entre Ríos; al Salón de Córdoba; al Salón de Bahía Blanca en 1945; al Salón de Santa Fe en 1948, 1949, 1951 y 1952; al Salón de Rosario en 1944, al Salón de Otoño de Rosario en 1938 y al Salón Anual de Artes Plásticas de Rosario en 1952. Participó en muestras colectivas en la Escuela República de México, Salón Tout Petit, Salón para Becarios y Artistas Premiados por la Comisión Nacional de Cultura, Galería Peuser, Amigos de las Artes, Letras y Ciencias y en el Salón del Poema Ilustrado de Galería Peuser, entre otros. Realizó exposiciones individuales en galerías Witcomb en 1936, Palace Hotel por la Asociación de Artistas Plásticos Brasileños de Río de Janeiro en 1937, Museo Provincial de Corrientes en 1942, en el Museo Colonial e Histórico de Buenos Aires, y en Galería Van Riel en 1942, entre otras. Obtuvo Premio Estímulo en el Salón Nacional de 1941. Tercer Premio en el Salón de Tandil en 1943 y Primer Premio en el mismo salón en 1948, Tercer Premio Comisión Nacional de Cultura en el Salón Nacional en 1946. Premio Adquisición Ministerio de Industria y Comercio en el Salón Nacional en 1953. Premio Gobierno de Buenos Aires en el Salón de Bahía Blanca en 1945. Segundo Premio en el Salón de Mar del Plata en 1947. Premio Worms en el Salón de Santa Fe en 1948.

Pacto | 1976

Actitud | S/D

Degage en Avant | S/D

Autorretrato | S/D

Elba Villafañe | 1908

Nació en Buenos Aires el 3 de febrero de 1908 y falleció en la misma ciudad en 1976. Egresó de la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova con el título de Profesora Superior de Pintura en 1937. Realizó viajes de estudios por el interior de la Argentina. Ilustró libros. Ejerció la docencia. Concurrió al Salón Nacional en pintura y grabado desde 1932 y expuso enSan Pablo, San Francisco, Viña del Mar, Chicago, París y en el Museo Metropolitano de Nueva York. Expuso individualmente en galerías Clayton, Nordiska, Amigos del Arte de Buenos Aires, Müller, Witcomb, Asociación Estímulo de Bellas Artes y en el Círculo Aeronáutico. Obtuvo el Premio Ernesto de la Cárcova del Instituto Mitre en 1937, el Premio Estímulo en el Salón Nacional de 1938 y 1953, la Medalla de Oro en el Salón de Santa Fe de 1946, el Premio Amigos del Arte en 1950, el Premio Comisión Nacional de Cultura en el Salón Nacional de Artistas Decoradores en 1940, el Primer Premio de Pintura en el Salón de Otoño de Buenos Aires en 1948, el Tercer Premio de Pintura en el Salón de la Sociedad Rural en 1949, el Segundo Premio en el Salón de La Plata en 1957, y el Premio Adquisición en el Salón Municipal Manuel Belgrano en 1954, entre otras importantes distinciones.Dedicó muchas de sus obras a reflejar el paisaje y los hombres del noroeste argentino. Según María Laura San Martín “la talla en sus xilografías es rústica, lo que sumado a texturas como rayaduras, punteados y la natural, del trabajo de la gubia, confiere un aspecto pictórico a sus grabados”.

La pensante | 1938

Mujer con dos chicos a sus espaldas | 1943

Calesita | S/F

Anchorena y Guido | 1946

María Catalina Otero Lamas | 1909

Nació en Pergamino, Buenos Aires, en 1909. Pintora y dibujante, grabadora e ilustradora. Inició sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes aprendiendo dibujo con Ceferino Carnacini, Cayetano Donnis, Joaquín Luque, Alfredo Torecelli y Antonio Alice, egresando en 1928. Al año siguiente inició los cursos de la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova” realizando estudios de perfeccionamiento con Emilio Centurión y Carlos Ripamonte en pintura y Alfredo Guido en grabado.En 1933 realizó las primeras presentaciones en los salones oficiales, figurando en casi todos los salones anuales de Santa Fe desde 1935; también asistió de manera regular a los certámenes de Rosario desde 1936 y a los de La Plata, Tandil y Córdoba. Obtuvo importantes reconocimientos tanto en la Argentina como en Chile y Brasil, lo que le impulsó a abrir en 1934 su propio taller por un periodo de cuatro años. Con la intención de especializarse en el arte del grabado retomó los cursos en la Escuela “Ernesto de la Cárcova” para estudiar con Adolfo Bellocq, egresando en 1940. También concurrió a los talleres de cerámica que dictaba José de Bikandi en la misma institución. Desde 1942 comenzó a realizar ilustraciones para cuentos infantiles que publicó en distintas editoriales. Fue Profesora de dibujo y grabado, pintura y cerámica en la Academia de Santa Teresita del Bajo Belgrano y en la Escuela Primaria del Instituto “Bernasconi” de Buenos Aires.

La merienda | 1938

Rosina, Sira y Giannina | 1936

Amalia | S/F

Hermanitos | 1946

Alicia Penalba | 1913

Nació en San Pedro, provincia de Buenos Aires, Argentina, pero pasó su infancia en la Patagonia, sitio que tuvo gran importancia en el desarrollo de sus obras.Penalba inició su formación en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y, en 1948, se radicó en Francia, donde comenzó su carrera como escultora. Penalba realizó diferentes series, experimentando con la forma y variando los materiales, las texturas y la escala. Sus esculturas abstractas abarcan tanto tamaños pequeños como estructuras colosales. Por otro lado, el camino escultórico de Alicia fue exitoso y de proyección internacional, con participaciones en la Documenta de Kassel, en el Gran Premio de la Bienal de San Pablo y con esculturas en espacios públicos de Francia, Suiza, Japón y Estados Unidos. Sus obras forman parte de colecciones tanto argentinas como internacionales. Penalba murió en noviembre de 1982 en Francia tras un accidente de tránsito junto con su pareja, Michel Chilo. El Centro de Estudios de la Colección Espigas alberga su fondo documental.

Boceto nº 6 | 1981-1982

Lunar III | 1965-1970

Gran infancia apocalíptica | 1962-1964

Gran liturgia vegetal | 1957

Dora de la Torre | 1924

Nació en Buenos Aires el 14 de febrero de 1924 y falleciò en la misma ciudad en 1992. Pintora y dibujante, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón egresando en 1944 con el título de Profesora Nacional de Dibujo. Obtuvo en los años 1946 y 1947 la beca estímulo de la Comisión Nacional de Cultura para realizar estudios y perfeccionamiento artístico por el norte Argentino y otra en 1949 de la Universidad de Chile. Viajó y visitó centros artísticos en Italia en 1952. Ejerció la docencia artística y se desempeñó como Dibujante Técnico para el Teatro Colón de Buenos Aires. Actuó como jurado artístico y fue ilustradora de libros, diarios y revistas. Viajó a Brasil, Chile, Uruguay, Perú, México, Francia, España, Italia, Norte de Àfrica e Inglaterra. Fue socia fundadora y ocupó el cargo de Presidente de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos. Escribió varios libros de poemas y dos libros de novelas. Expuso individualmente, entre otras, en las galerías Callao y Witcomb. Obtuvo el Premio Atilio Larco en el Salón de Otoño de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos en 1962, el Premio Cecilia Grierson en el Salón Nacional de 1969 y la Mención de Honor en la Bienal Città del Sole de Roma Italia en 1970. En su primera etapa su producción su producción pictórica fue de estilo surrealista. Luego se aproximó al realismo figurativo. Trató sus telas con colores graves y muy trabajados. Cultivó tanto la figura como el paisaje, y es en éste último en donde alcanza sus mejores logros.

Figura | S/D

Las minifaldas | S/D

Arlequín | S/D

Homenaje al art deco | 1974

Martha Boto | 1925

Martha Boto (1925-2004) nació en Buenos Aires, Argentina. Pintora y escultora, centró sus trabajos en torno a la investigación sobre las variaciones ópticas de la luz y el color, así como del movimiento. Fue miembro de la Asociación Arte Nuevo creada en 1955 por el poeta Aldo Pellegrini y por el artista Carmelo Arden Quin. En 1956 formó parte del grupo Artistas No Figurativos Argentinos. En 1959 se instaló definitivamente en París donde tomó contacto con el Movimiento Op-art y Arte Cinético. Sus obras cinéticas y ópticas se orientaron a la yuxtaposición de relieves estáticos o móviles, experimentando con el azar, el juego y el movimiento. En 1960 participó de la primera Bienal de París. En 1969 realizó su primera exposición individual en la galería Denise René. Sus obras participaron de exposiciones en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid en 2007, en el Museo de Bellas Artes de Houston en 2009 y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 2012, entre muchas otras.Su obra está incluida en colecciones públicas y privadas como el Centre Georges Pompidou, Fondo Nacional de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Moderno de París, Francia; el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), la Fundación Torcuato Di Tella y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia; el Museo de Arte de Tel Aviv, Israel; el Museo de Bellas artes de Houston (MFAH), Texas, USA; entre muchas otras.

Optique Helicoidal | 1967

No10A | 1969

Delatation mercurial | 1969-70

Tri-obtique chromatique | 1970

Marie Orensanz | 1936

Artista argentina nacida en la ciudad de Mar del Plata, el 12 de septiembre de 1936. Su formación plástica comenzó con Emilio Pettoruti y continuó en el taller de Antonio Seguí. Posteriormente estudió en Europa, México y EE.UU, para luego radicarse en Milán, Italia, en 1972. Se destaca, en 1987, el emplazamiento de la escultura Liceo Blanc-Mesnil y la publicación del libro Communiquer de Marie Orensanz por Guy Scharaenen. Fue galardonada con el Tercer Premio de la Fundación Fortabat Maison de l’Amerique Latine, París, en 1994. Expone en Europa, América y Argentina, donde realizó exhibiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires, en la Galería Ruth Benzacar y M. O. Retrospectiva. En el 2010 participó de la exposición colectiva Elles en el Centro Pompidou (París) y, en 2010, emplazó la obra “Pensar es un hecho revolucionario”, una escultura ubicada en el en el Parque de la Memoria Buenos Aires.

Limitada | 1978

Fraternidad

Tocar fondo

Pensar es un hecho revolucionario | 1999

Delia Cancela | 1940

Nacida en 1940 en Buenos Aires, Delia Cancela es una figura clave del arte pop argentino. Instalada en la intersección entre la cultura popular, las bellas artes y la moda, el trabajo de Cancela busca romper con las convenciones al lidiar con símbolos de los medios de comunicación, especialmente aquellos relacionados con la feminidad y la condición de mujer. Cancela, graduada de la Escuela Superior de Bellas Artes de Buenos Aires, comenzó a exhibir poco después de graduarse. Entre 1962 y 1964 mostró su trabajo en las prestigiosas exposiciones de arte por invitación Ver y Estimar organizadas por el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y contribuyó en 1964 a New Art of Argentina, una exposición organizada por el Walker Art Center en Minneapolis y el Instituto Torcuato Di Tella en Buenos Aires, bajo la dirección de Jorge Romero Brest.En 1965 comenzó a trabajar con Pablo Mesejean (1937-1991), a quien conoció cuando ambos eran estudiantes de arte y con quien colaboró hasta mediados de la década de 1980. Para su primera exposición individual, Amor y vida (1965), en la Galería Lirolay de Buenos Aires, la pareja decoró el espacio con flores y figuras de astronautas y azafatas con vestidos de vinilo dieron la bienvenida a los visitantes obsequiándoles anteojos de sol y apliques de flores. En 1966 el dúo presentó como candidatura al Premio Di Tella el manifiesto Nosotros amamos, en el que declaraban su amor por la cultura pop. En 1967, luego de recibir el Premio Braque (auspiciado por la embajada de Francia en Argentina), Cancela y Mesejean viajaron a París, donde vivieron durante un año. Luego, la pareja se mudó a varias ciudades, como Nueva York y Londres. En Nueva York, su trabajo apareció en las revistas de moda Vogue y Harper's Bazaar, y en Londres, donde vivieron de 1970 a 1975, lanzaron la marca Pablo & Delia y trabajaron como directores de arte para Vogue.Así como las revistas de moda sirvieron como plataforma para su arte, su trabajo también se presentó en eventos completos con modelos, actores y bailarines. De vuelta en París, en 1979, el dúo anunció el final de su colaboración con una colección de moda, Think Sharp, en blanco y negro, con accesorios de cuchillo y daga. Mientras conservaba la iconografía floral y los colores llamativos y los organizaba en patrones, Cancela volvió a pintar y comenzó a exhibir sus obras en solitario en las décadas de 1980 y 1990. En 2000 fue nominada al Premio Jorge Romero Brest, premio a la trayectoria, de la Asociación Argentina de Críticos de Arte, y en 2001 recibió el Premio Directorio a la Trayectoria Artística, otorgado por el Fondo Nacional de las Artes de Argentina. Las obras de Cancela se encuentran en colecciones privadas y las piezas de su colaboración con Mesejean se encuentran en el Victoria and Albert Museum de Londres.

Boleto para viajar | 1965

Mujer y nubes | 1965

Corazón destrozado | 1964

Chicas pop | 1966

Liliana Porter | 1941

El 6 de octbre de 1941, nació en Buenos Aires la artista multidisciplinar Liliana Porter. Es una de las figuras latinoamericanas con más prestigio internacional. A lo largo de una trayectoria profesional de seis décadas, ha inaugurado más de 400 exposiciones en más de 30 países. Desde el año 1964 reside en Nueva York. En su obra despliega una amplia versatilidad de medios, utilizando disciplinas como el grabado, el dibujo, la fotografía, la instalación, el vídeo, el collage, la pintura, el arte público o el teatro alternativo. Todos sus trabajos comparten un tipo de narrativa meta-ficcional protagonizada por ciertos objetos familiares o cotidianos dotados de una vida interior imaginada. Desde una actitud lúdica y con una ironía distante, las obras de Liliana Porter plantean un diálogo poético que conecta con nuestra intuición, nuestra memoria y nuestra mente inconsciente.Con tan sólo 12 años ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en Buenos Aires y más tarde continuó su formación en la Universidad Iberoamericana de Ciudad de México. En 1965 fundó en Nueva York un laboratorio de grabado experimental llamado “The New York Graphic Workshop”, junto al artista uruguayo Luis Camnitzer (1937) y el venezolano José Guillermo Castillo (1938-1999).Sus muestras más destacadas se han celebrado en el MOMA, el Whitney y el New Museum de NY, el Getty Museum en Los Angeles, el Pérez Art Museum en Miami, el Museo Tamayo en Ciudad de México o el MALBA de Buenos Aires. En el año 2017 participó en la 57ª Bienal de Venecia. Entre sus galardones más destacados se encuentra la Beca Guggenheim recibida en 1980, los Premios Konex de Argentina de 1992 y 2002, y las Ayudas de la New York Foundation for the Arts obtenidas en 1985, 1996 y 1999.También ha desarrollado una actividad docente desde los años 70, trabajando durante 15 años en el Departamento de Arte del Queens College, en la Universidad de la Ciudad de Nueva York. Desde el año 2009 realiza proyectos en co-autoría con la artista uruguaya Ana Tiscornia (1951).

Dialogo con pingüino | 1998

Diálogos y desobediencias | 2017

Diana Dowek | 1942

Nacida en 1942, la pintora argentina Diana Dowek tenía trece años cuando ingresó a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano de Buenos Aires; Posteriormente estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires. Desde muy joven participó en grupos juveniles activistas, como el Movimiento Estudiantil de Unidad Reformista, al que perteneció de 1956 a 1957. Durante la década de 1960, el tenor político de sus pinturas se hizo cada vez más evidente. En una de sus primeras series, centrada en la Guerra de Vietnam, denunció los abusos e injusticias perpetrados por los gobiernos nacionales. Influenciada por las pinturas realistas del artista argentino Antonio Berni (1905-1981) y sus estudios de cine, que inició en Italia en 1964, Dowek comenzó a abordar la pintura como una puesta en escena cargada de significado metafórico.De la convulsa década de los setenta destacan tres de sus series: Retrovisores, Paisajes y Alambrados. Por ejemplo, los lienzos de Paisajes fueron pintados como si estuvieran dentro de un automóvil, con el espejo retrovisor reflejando algún detalle siniestro que hace referencia al uso militar de secuestros y asesinatos. En 1977 Dowek recurrió al simbolismo del alambre de púas en su serie Alambrados para connotar la desaparición sistemática de miles de argentinos por parte del régimen militar. El alambre de púas aludía al empeoramiento de las condiciones, pero ofrecía un atisbo de esperanza a través de las aberturas en el alambre para sugerir un escape a la libertad. A mediados de la década de 1980, luego del fin de la dictadura, Dowek centró su atención en representar heridas suturadas con hilo quirúrgico, que se parecía mucho al alambre utilizado en sus pinturas de la década de 1970. En la serie Una larga marcha (A long march, 2002–6), Dowek ofrece una meditación sobre otro tipo de ausentismo: el sueño. Situados en el contexto del colapso de la economía argentina en 2001, estos son retratos de manifestantes durmiendo en las calles de Buenos Aires. Más recientemente, ha recibido el Premio a la Trayectoria en Pintura (2013), otorgado por el Fondo Nacional de las Artes, y el Primer Premio de Pintura (2011), otorgado por el Banco Central de la República Argentina, entre varios otros premios. En dos ocasiones ha recibido becas de la Fundación Pollock-Krasner de Estados Unidos (1995, 2001). Dowek vive y trabaja en Buenos Aires, donde continúa pintando y está profundamente comprometida con los temas de derechos humanos.

Procedimiento | 1974

Paisaje con retrovisor II | 1975

Alambrado | 1977

Autorretrato | 1978

Gabriela Aberastury | 1943

El 1 de febrero del año 1943, nació en la ciudad de Buenos Aires la artista grabadora, pintora, dibujante y docente Gabriela Aberastury. Es hija de la pedagoga Fedora Aberastury, quien fue la creadora del “Sistema consciente para la técnica del movimiento” y de Marcelo Aberastury.Hasta los diez años vivió en Nueva York y entre 1967 y 1970 residió en la ciudad de Kassel, Alemania. Es profesora de Bellas Artes, egresada de la Escuela Prilidiano Pueyrredón. Ha recibido numerosas becas, entre otras, en 1966, la de Fondo Nacional de las Artes. Sus primeras exposiciones datan de 1955 (Galería Galatea) continuando en 1965 y 1975 en la Galería Van Riel y en 1987 (dibujo y grabado) en Münich. En 1990 presenta una retrospectiva en la Fundación Banco Mercantil Argentino y desde 1992 expone por varios años en la galería Wagner de la ciudad de Kassel. Desde 1993 dirige el Taller Aberastury en Buenos Aires. Desde 1998 a 2003 es invitada a enseñar técnicas de grabado no tóxico a Kunstation Kleinsassen, en Alemania. Su obra ha sido tomada como parte del programa de estudio de arte abstracto de las Universidades de Talca, Chile y la Escuela Montessori, E.E.U.U. A partir de 2002 expone en las galerías Palatina y Coppa Oliver. Ha recibido premios en diversos salones y entidades, destacándose el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en dibujo, el Tercer Premio del Salón Municipal en grabado y el Primer Premio de la Sociedad Hebraica Argentina en grabado. Es la directora de Espacio Camargo, galería virtual dedicada a la producción de exposiciones y eventos en Argentina y el exterior. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

Carta a Hache | 2002

Entreacto | 2010

El amanecer | 2008

La memoria del fuego | 2008

Julie Méndez Ezcurra | 1949

Fotógrafa argentina que se destacó en el retrato y en la fotografía documental. Tras graduarse del secundario, se inició en el Profesorado de Teología en el Instituto de Cultura Religiosa Superior, pero en 1969 viaja con una beca del Instituto de Cultura Hispánica a España, para estudiar Literatura Española Contemporánea. De allí va a Inglaterra, donde estudia Literatura Inglesa y asiste a cursos de arte en el British Museum, la Tate Gallery y la National Gallery de Londres. La carrera fotográfica de Julie Méndez Ezcurra no se limitó únicamente al fotoperiodismo. En simultáneo se presentó en varias exposiciones mostrando una refinada sensibilidad, y fue una asidua participante de las convocatorias del Consejo Argentino de Fotografía. Julie Méndez Ezcurra murió a los 42 años en Buenos Aires, el 2 de septiembre de 1991. Sara Facio la recuerda con las siguientes palabras: “su vida se vio trucada en plena evolución artística luego de una corta enfermedad. Podemos afirmar que pedimos mucho con su ausencia” (Museo Nacional de Bellas Artes, sin fecha).