Brasil

Tarsila do Amaral | 1886

El 1 de septiembre de 1886, nació la célebre pintora brasileña Tarsila do Amaral en la localidad de Capivari (Estado de Saõ Paulo), en el seno de una familia de ricos hacendados. Está considerada la figura más representativa de la primera etapa del Modernismo brasileño. En 1920 viajó a París para formarse en la Académie Julien, donde conoció al pintor Fernand Léger (1881-1955), cuyas técnicas cubistas influyeron en su pintura. Tras volver a Brasil, se unió al llamado “Grupo dos Cinco”, integrado por un conjunto escritores y artistas que participaron activamente en la renovación del mundo intelectual y cultural en Brasil. A partir de entonces, sus cuadros comienzan a mostrar un enfoque primitivista, separándose de las tendencias vanguardistas occidentales. En 1928, realiza su icónico cuadro “Abaporu” (“Antropófago” en lengua tupí-guaraní), que fue tomado como objeto inspirador para desarrollar el “Manifiesto Antropófago”, ideado por el poeta y ensayista Oswald de Andrade (1890-1954), quien entonces era su pareja. Esta pintura inauguró el Movimiento Antropofágico, una corriente multidisciplinar que buscaba “engullir” el indigenismo autóctono junto con las vanguardias europeas para digerirlo todo en una nueva modernidad e identidad local. Tarsila do Amaral participó en las dos primeras ediciones de la Bienal de Saõ Paulo, en 1951 y en 1953. En 1960 le dedicaron una gran exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Saõ Paulo (MAM) y en 1964 representó a su país en la 32ª Bienal de Venecia. Murió en 1973 a la edad de 86 años.

Abaporu | 1928

The Moon | 1928

An Angler | c. 1920

A Negra | 1923

Anita Malfatti | 1889

Artista y pintora brasileña reconocida por ser pionera en desarrollar las vanguardias europeas y norteamericanas en América Latina, agregándoles su cultural local, y rompiendo los planteamientos artísticos establecidos hasta ese momento en su país.Nacida en Brasil de padres con orígenes italianos y norteamericanos, Malfatti siempre estuvo ligada al mundo del arte, pues su madre era maestra de esta disciplina y de lenguas. Desde pequeña fue instruida en la esfera artística, y pese a la dificultad motriz que tenía en su brazo derecho, comenzó a pintar.Se aventuró en escultura plástica, y con el apoyo de su familia, en 1910 viajó a Berlín para estudiar arte en la Real Academia de Bellas Artes. En Alemania trabajó junto a pintores como Lovis Corinth y conoció nuevas técnicas como el expresionismo. Cinco años más tarde, la joven partiría rumbo a Nueva York para complementar su desarrollo artístico a través del estudio de dibujo y grabado, este último bajo la enseñanza de Homer Boss.Al regresar a Brasil, la artista comenzó a desarrollar las técnicas aprendidas en su viaje, introduciendo nuevas corrientes que impactaron en el mundo del arte establecido de su país. En un principio existió un disgusto compartido y poca comprensión en torno a las pinturas de Anita. Unos años más tarde la pintora realizó su segunda exposición con más de 50 obras. Pese a eso las diversas críticas y apreciaciones persistieron. Sin embargo, Malfatti continúo desarrollando pinturas vanguardistas y modernas, e incluso fue uno de los miembros del Grupo de los Cinco, compuesto por pintores y artistas de la misma corriente. Además, participó activamente en la Semana de Arte Moderno de Sao Paulo, encuentro que promovió el modernismo brasileño.Años más tarde, Malfatti viajó a París gracias a una beca, y de regreso a su país siguió pintando. Pasados los años, la artista también dictó clases de pintura y finalmente murió en 1964. Anita Malfatti es hoy reconocida como introductora de las nuevas vanguardias artísticas en su país.

El hombre amarillo | 1917

Paisaje de Santo Amaro | 1920

La estudiante | 1916

El faro | 1915

Zina Aita | 1900

Tereza Aita (Belo Horizonte, 1900 - Nápoles, Italia, 1967). Pintora, ceramista y dibujante. Viajó a Florencia, donde permaneció entre 1914 y 1918, y estudió con el artista Galileo Chini (1873 - 1956) en la Academia de Bellas Artes de Florencia. De regreso a Brasil, entró en contacto con los modernistas Manuel Bandeira (1886 - 1968) y Ronald de Carvalho (1893 - 1935). Se hizo amiga de la pintora Anita Malfatti (1889 - 1964) y del escritor Mário de Andrade (1893 - 1945). Realiza la primera exposición individual en Belo Horizonte, en 1920, siendo considerada una precursora del modernismo en Minas Gerais. Participó de la Semana de Arte Moderno, en São Paulo, en 1922. En esa época, realizaba ilustraciones para la revista Klaxon, publicación de los modernistas de São Paulo. Su producción sigue siendo poco conocida y la mayoría de sus obras no tienen fecha. Para algunos estudiosos, su pintura de este período es cercana al movimiento art nouveau y al postimpresionismo. Realizó una exposición individual en la librería O Livro, en São Paulo, en marzo de 1922 y, al año siguiente, participó en el 1er Salão da Primavera, en Río de Janeiro. En 1924 se trasladó a Italia, residiendo en Nápoles, donde regentaba una fábrica de cerámica. En los siguientes seis años, estudió en Roma, Florencia, Milán y Venecia. En Italia se dio a conocer como ceramista, participando en varias exposiciones. En 1990, se realiza la exposición Jeanne Milde, Zina Aita: 90 años en el Museu de Arte da Pampulha - MAP.

Hombres trabajando | 1922

S/T | 1923

Friso | 1928

Jardinero | 1945

Rosina Becker do Valle | 1914

El 4 de abril de 1914, nació en Río de Janeiro la pintora naif brasileña Rosina Becker do Valle. Durante la mitad de su vida se dedicó a las labores de ama de casa hasta que comenzó a pintar en 1955 cuando tenía ya 39 años. Se matriculó entonces en la escuela del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, donde fue alumna del pintor brasileño Ivan Serpa (1923-1973). Su primera exposición individual la celebró en el año 1963.Su pintura se inspira en el folclore tradicional de su país y en ella representó danzas, fiestas y dioses procedentes de la cultura popular de Brasil.En 1967 y 1969 participó en el Salão Nacional de Belas Artes. También expuso su obra en la Bienal de Sao Paulo de 1959 y 1963.Celebró 110 exposiciones en todo el mundo. Una de las más relevantes fue una muestra individual en Washington DC en el año 1966 que fue patrocinada por la OAS Organization of American States. También inauguró una exposición individual en el Palacio Foz de Lisboa invitada en 1969 por el Gobierno de Portugal.

Bumba meu boi (Brazilian folklore dance) | 1976

Índio na floresta (Caboclo) | 1963

Afoxé, Brazilian folklore | 1966

Oxalá o Grande, Orixá | 1980

Maria Leontina Franco Da Costa | 1917

Pintora, grabadora, dibujante, vitralista y azulejista brasileña. En 1942 frecuentó el taller de Waldemar da Costa y estableció contactos con artistas como Clóvis Graciano y Lothar Charoux, entre otros. En 1947 conoció al pintor Milton Da Costa, y se casaron. La unión duró 37 años, hasta la muerte de Maria Leontina. Milton Da Costa murió cuatro años después.En 1952, gracias a una bolsa de estudios concedida por el gobierno francés, viajó a Francia junto a su esposo, y allí permanecieron por dos años.Participó en diversas bienales de São Paulo, varias exposiciones en Brasil y en otros países, en donde realizaba exposiciones individuales prácticamente todos los años.En la década de 1950 y principios de 1960, pasó por el cubismo sintético y por el constructivismo.

Composición | 1956

S/T | 1958

S/T | 1952

Composición constructiva | 1958

Lygia Clark | 1920

Nacida en 1920 en Belo Horizonte, Brasil, Lygia Clark comenzó estudios formales de pintura en 1947, primero con Roberto Burle Marx (1909–1994) y Zélia Ferreira Salgado (1904–2009) y luego en París con Fernand Léger (1881–1955). , Isaac Dobrinsky (1891–1973) y Árpád Szenes (1897–1985). En 1952, Clark regresó a Río de Janeiro y abrió su primera exposición individual en el Salão Nacional de Arte Moderna. Durante los años siguientes, se asoció estrechamente con el Grupo Frente concreto y neoconcreto junto con otros artistas brasileños, incluidos Hélio Oiticica (1937-1980) y Lygia Pape (1927-2004). A lo largo de la década de 1950, Clark produjo pinturas abstractas con arreglos geométricos en una variedad de colores. A fines de la década de 1950, había reducido sus composiciones a una paleta exclusivamente en blanco y negro. Al mismo tiempo, pasó de las dos a las tres dimensiones, un viaje realizado plenamente por las esculturas interactivas de metal plegable de la artista, los Bichos (Criaturas), que le valieron el premio de escultura en la 6ª Bienal de São Paulo (1961). En 1964, el año del golpe militar en Brasil, Clark se fue a París y permaneció en gran parte en el extranjero hasta 1976. Durante este período, su reputación creció a través de exposiciones internacionales, incluida una retrospectiva de mitad de carrera en Signals Gallery en Londres y presentaciones grupales en la Galería de Arte de la Universidad de Yale, Whitechapel. Galería y Galería Arnolfini, entre otros.Centrando cada vez más su atención en el compromiso, Clark enseñó comunicación gestual en la Sorbona de París en 1972, comenzó a estudiar psicoanálisis con Pierre Fédida (1934-2002) y tomó lecciones sobre tratamientos de relajación terapéutica. Cuando regresó a Río de Janeiro en 1976, su enfoque principal fue crear lo que llamó objetos relacionais (objetos relacionales) para fomentar experiencias terapéuticas. A fines de la década de 1970 cesó su producción artística, enfocándose exclusivamente en la práctica terapéutica privada. Murió en Río de Janeiro en 1988. Pilar de exposiciones colectivas internacionales, Clark exhibió su trabajo en la Bienal de Venecia (1954, 1960, 1962, 1968) y en todas las Bienales de São Paulo entre 1953 y 1967. Recibió numerosos premios y becas. , incluido el Premio Internacional Guggenheim (1958, 1960). Su trabajo ha sido adquirido por colecciones públicas, incluidas Arts Council Collection y Tate Modern, Londres; Centro Pompidou, París; Museo de Bellas Artes, Houston; y Museu de Arte Moderna de São Paulo.

S/T | 1960

Trepante | 1965

El yo y el tú: Ropa-cuerpo-ropa | 1967

Yara Tupynambá | 1932

Artista brasileña. Yara se formó en artes plásticas, y realizó sus estudios artísticos con Guignard y Goeldi, habiendo también estudiado en el Pratt Institute de Nueva York.Sus obras son reconocidas por todo el Brasil, habiendo sido tema de una Sala Especial en la Bienal Internacional de Arte de São Paulo.Fue profesora y luego directora de la "Escuela de Bellas Artes de la UFMG, y también fue profesora en la Escuela Guignard, en Belo Horizonte.Entre sus obras más famosas están el panel A Árvore da Vida, que retrata a Adán desnudo, y a Eva semidesnuda, en la Iglesia Matriz de Ferros, que aparece descripto en el libro Hilda Furacão, de Roberto Drummond. Dicha obra causó polémica entre los moralistas, siendo entonces noticia de los medios nacionales e internacionales.Desde 1987, la artista fundó, y mantiene el "Instituto Yara Tupynambá", una sociedad civil que desarrolla trabajos de incentivación a las artes plásticas, además del impulso a las actividades culturales y educacionales, en Minas Gerais.

S/T | 1987

Nuestra señora de las violetas | 1978

Siderurgia | 1984

Josely Carvalho | 1942

Nacida en 1942 en São Paulo, Josely Carvalho comenzó su educación artística formal en la Fundação Armando Álvares Penteado, donde estudió con Marcelo Grassmann (1925–2013) y Darel Valença Lins (n. 1924). Una serie de becas le permitieron viajar a América del Norte, donde continúa residiendo. En 1967, Carvalho obtuvo una licenciatura en la Universidad de Washington, donde estudió con los grabadores Leslie Laskey (n. 1921) y Shiko Munakata (1903–1976). Entre 1971 y 1974 Carvalho enseñó en la Universidad Nacional Autónoma de México, y desde 1976 vive y trabaja principalmente en Nueva York. Sobre la base de su trabajo inicial como grabadora, Carvalho ha desarrollado una práctica de medios mixtos que incluye serigrafía, video, performance, instalación, poesía, creación de libros y, más recientemente, net art. Ella describe estas diversas actividades como capítulos de una serie en curso, Diario de imágenes, que aborda de manera constante los problemas de la memoria y el cuerpo.La práctica de Carvalho es profundamente social y ha tomado regularmente formas políticamente activistas. En 1976 fundó Silkscreen Project en St. Mark's Church-in-the-Bowery, que producía materiales para mítines políticos y manifestaciones públicas. Fue colaboradora habitual de Herejías: una publicación feminista sobre arte y política y participó activamente en movimientos políticos, incluido el Llamado de artistas contra la intervención estadounidense en América Central y la Coalición de Acción de Mujeres. Carvalho coorganizó Choice Works (1985), una exposición sobre derechos reproductivos, y Connections Project / Conexus (1987), una colaboración entre mujeres artistas de Brasil y Estados Unidos.El artista ha recibido numerosas becas, incluidos premios del National Endowment for the Arts (1975, 1991, 1995–96), New York Foundation for the Arts (1986–87, 1999–2000), Creative Time (1988), Creative Capital (2000), y la Fundación Rockefeller (2000). Sus obras de arte públicas incluyen encargos del Fondo de Arte Público de Nueva York (1988) y São Paulo Metrô (1995). La obra de Carvalho también se ha presentado en exposiciones individuales y colectivas en espacios como la 2ª Bienal de La Habana (1986); Museo de Arte Moderno, Nueva York (1988); y Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela (1989). El trabajo de Carvalho se encuentra en numerosas colecciones públicas, en particular el Museo de las Artes del Bronx, Nueva York; Museo de Brooklyn; y Pinacoteca do Estado de São Paulo.

El nacimiento | 1981

Espera | 1982

Aroma a pescado (Serie) | 1985

Martha Araújo | 1943

Nacida en Maceió en 1943, la artista brasileña Martha Araújo estudió educación en la Universidade Federal do Rio de Janeiro, graduándose en 1970. En 1977 obtuvo una maestría en educación de la Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro. Entre 1984 y 1987 trabajó bajo la dirección del escultor Haroldo Barroso (1935-1989) en el Museu do Ingá de Niterói, y en 1986 estudió en la Escola de Artes Visuais do Parque Lage de Río de Janeiro. Aunque se educó principalmente en Río de Janeiro, Araújo pasó la mayor parte de su vida en Maceió, una ciudad alejada de las principales instituciones artísticas de Brasil. Esta posición marginal hizo que su trabajo haya permanecido en gran parte bajo el radar, aunque participa en exposiciones desde la década de 1980 y recibió un premio en el 10º Salão Carioca de Artes de Río de Janeiro (1986).A principios de la década de 1980, Araújo comenzó a crear lo que ella llamó "objetos performáticos". Se trataba de piezas textiles vestibles que invitaban a la participación del público y combinaban performance y escultura, como en las obras Hábito/Habitante (Hábito/habitante, 1985) y Para um corpo nas suas impossibilidades (Por un cuerpo en sus imposibilidades, 1985). Estas obras se centran en temas centrales de la investigación artística de Araújo: los límites del cuerpo, el juego entre la represión y la libertad, y la relación entre el yo y el otro. El artista ha seguido creando esculturas e instalaciones participativas en una amplia variedad de medios. En los últimos años ha explorado la fotografía y el video en una investigación sobre la construcción de la subjetividad. La producción de Araújo ha atraído la atención del mundo del arte en Brasil y en el extranjero durante la última década. En 2014 piezas de la serie Hábito/Habitante fueron incluidas en la exposición colectiva Artevida, organizada por Adriano Pedrosa y Rodrigo Moura en la Escola de Artes Visuais do Parque Lage. En el mismo año, Araújo se presentó en la 12ª Bienal de Cuenca en Ecuador y en la 3ª Bienal de Bahía en Salvador, Brasil. En 2014 fue invitada a contribuir a la 3ra Mostra do Programa de Exposições en el Centro Cultural Banco do Brasil en São Paulo y participó en la exposición colectiva Ultrapassado en Gallery Broadway 1602 en Nueva York. En 2015 Araújo tuvo su primera exposición individual en Europa.

Para un cuerpo en sus imposibilidades | 1985

Hábito/Habitante | 1985

Carmela Gross | 1946

Carmela Gross, nacida en São Paulo en 1946, estudió bellas artes en la Fundação Armando Álvares Penteado —con Flávio Império (1935–1985), Ruy Ohtake (n. 1938) y Flávio Motta (1923–2016)— y en la Universidade de São Paulo (MFA 1981, PhD 1987). A lo largo de su carrera, Gross ha explorado una amplia variedad de formatos de producción, incluidos el dibujo, el grabado, la escultura, las instalaciones y el videoarte. Su práctica se basa en un profundo pensamiento conceptual sobre los límites de los medios y las relaciones entre sus obras y su entorno, así como cuestiones sociales y políticas.Los primeros trabajos del artista estuvieron influenciados por el arte pop y el vocabulario visual de los niños, como en la escultura de 1967 Nuvens (Nubes). Durante la década siguiente su producción se centró en representaciones bidimensionales en dibujos, fotocopias, arte postal y sellos, como en la serie Carimbos (Sellos) de 1978. En la década de 1980, Gross creó obras de pintura y video, aunque nunca abandonó el dibujo. A partir de mediados de la década de 1990 los temas relacionados con la arquitectura y el paisaje urbano cobraron mayor relevancia. Un ejemplo, de 1994, es la instalación Buracos (Agujeros), en la que Gross cavó agujeros en el suelo de un antiguo matadero municipal de São Paulo para la exposición Arte cidade. La inquietante A negra (La mujer negra), una escultura originalmente instalada en la Avenida Paulista en el corazón de São Paulo, también es de la década de 1990. Una estructura metálica de diez pies cubierta por capas de tul negro, la pieza alude a la invisibilidad de ciertos cuerpos en el paisaje urbano y ejemplifica las preocupaciones sociales y políticas del artista. En la década de 2000, las obras de Gross comenzaron a activar nuevas relaciones espaciales con la inclusión de la luz, por ejemplo, en Aurora (2003) y Escadas (Ladders, 2013).Además de su producción en artes visuales, ha creado vestuario y escenografías para teatro, y desde 1972 es profesora en la Universidade de São Paulo. La obra de Gross ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y también ha aparecido en importantes muestras colectivas como la Bienal de São Paulo (1967, 1968, 1981, 1990, 1998, 2002); 2da Bienal del Barro de América, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Venezuela (1994); y Contingent Beauty: Contemporary Art from Latin America en el Museo de Bellas Artes de Houston (2015). Entre otros reconocimientos, Gross recibió premios de adquisición en la cuarta Jovem Arte Contemporânea, organizada por el Museu de Arte Contemporânea, Universidade de São Paulo (1970), y la primera Mostra do Desenho Brasileiro, Curitiba (1979). En 1991 obtuvo la prestigiosa beca Fundação Vitae.

Nubes | 1967

Presunto | 1968

Objeto de Mica | 1989

Peces | 1990

Mara Álvares | 1948

Nacida en 1948 en Porto Alegre, Brasil, Mara Alvares se graduó en 1973 en el Instituto de Artes de la Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), en Porto Alegre, donde estudió grabado en metal con Iberê Camargo (1914–1994). De 1976 a 1978, Alvares participó en el grupo de artistas Nervo Óptico, que organizaba debates y exposiciones que incluían las piezas de Alvares y también producía un cartel mensual con el trabajo de un artista que había sido invitado a contribuir. Con una tirada promedio de dos mil ejemplares, los afiches tuvieron una amplia difusión, promoviendo así la producción de los artistas. Alvares contribuyó al segundo cartel de la serie (1977) con una secuencia de fotografías que documentan la performance Adansônia, en la que se mueve casi imperceptiblemente en un paisaje abierto. La pieza ilustra la exploración temprana del artista de las interacciones del cuerpo en la fotografía y la performance.Entre 1979 y 1982 Alvares y otras ocho mujeres artistas fundaron y dirigieron el centro cultural alternativo Espaço N.O. en Porto Alegre, un lugar de experimentación y exposiciones de arte. En 1980, Alvares estudió artes escénicas y fotografía en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC), donde participó en una actuación dirigida por Carolee Schneemann (n. 1939). En 1991, luego de recibir una beca del gobierno brasileño, Alvares regresó a SAIC para completar su maestría en pintura, un medio que se ha convertido en el centro de su producción. De regreso a Brasil en 1993, se convirtió en profesora de pintura en la UFRGS. Entre las colecciones públicas con fondos de su obra se encuentran el Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional en Río de Janeiro y la Fundação Vera Chaves Barcellos en Porto Alegre. En 1984 recibió el premio de adquisición en el 7º Salão Nacional de Artes Plásticas, organizado por la Fundação Nacional de Arte en Río de Janeiro.

Adansônia II | 1976–78

Adansônia III | 1976–78

Las cuatro estaciones | 1978-94

S/T | 1996

Nelé Azevedo | 1950

Néle Azevedo es una escultora, artista visual e investigadora independiente brasileña. Azevedo nació en Santos Dumont , un municipio del estado de Minas Gerais , en el sureste de Brasil, en 1950.Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes de Santa Marcelina College en 1997 y obtuvo una maestría en Artes Visuales del Instituto de Artes de la Universidad Estatal de São Paulo (UNESP) en 2003. En 1998, Azevedo lanzó una exposición individual con una instalación de esculturas de hierro en el Centro Poscultural Brasileño en Río de Janeiro y ganó el premio de adquisición en el Salón de Arte Santo André en São Paulo. En 2001, Azevedo comenzó a trabajar en el Proyecto Monumento Mínimo realizando intervenciones en el espacio urbano que discuten los monumentos públicos contemporáneos en países como Brasil, Cuba, Japón, Francia, Alemania, Portugal e Italia. Estas intervenciones se han dado a conocer en todo el mundo como el "Ejército de hombres derretidos" o simplemente "Hombres derretidos".Para las instalaciones de Melting Men, Azevedo coloca cientos, a veces miles, de figuras de hielo cortadas a mano en lugares públicos. La instalación completa generalmente se derrite en los próximos 30 minutos, dependiendo de las condiciones locales, y atrae a una multitud para ver los eventos que se desarrollan. En ocasiones, sus instalaciones también incorporan elementos adicionales como fotografía o pintura.Los "Hombres que se derriten" han presentado temas como la Primera Guerra Mundial o el Cambio climático.El proyecto del Monumento Mínimo, junto con otras intervenciones urbanas desarrolladas por Azevedo, incluyendo "Gloria a las peleas sin gloria" y "Anhangabau: Un río para los ausentes", tienen su génesis en la historia local. Las intervenciones se han traducido en videos, fotografías y dibujos y han llamado la atención en diferentes medios locales, nacionales e internacionales.