2ªEvaluación:RECURSOS EXPRESIVOS EN EL CINE


CUADERNILLO  CULTURA  AUDIOVISUAL    2ª  EVALUACIÓN

             Breves reflexiones sobre la universalización cinematográfica final que conlleva Sora, en su aspecto metodológico y en su aspecto creativo, al ser capaz de generar videos de 60 segundos con un elevado nivel de detalle y colores intensos.   Los FX, VFX y CGI, pasan a fusionarse en los requerimientos de un solo prompt.

Para François Truffaut (1932-1984) "el cine del mañana será un acto de amor" 

                 Situación de aprendizaje 2: Cortometraje de autor.


                Los cortometrajes pueden hacerse para otras asignaturas, ya que en esta se valoran más los aspectos técnicos de grabación y edición, que la temática.  Incorporará imágenes, sonido y secuencias generadas por IA , según la disponibilidad de aplicaciones en el momento de la edición final.

            Para las cartelas de la intro, además de Microsoft Designer (ya que deben integrar imagen y texto), podéis usar Copilot  o la aplicación de vídeo de Canva, que también permite vídeo incrustado, etalonaje y superposición de audio e imágenes.  Y para personalizar las fuentes, lo mas recomendable es Firefly de Adobe.  

       Alan Warburton  dice que  la IA generativa tendrá un efecto profundo y permanente en las industrias culturales (curadores, instituciones de arte, escuelas de arte, empresas de diseño, etc.). Es un cambio tectónico que no podemos reducir a 'deepfakes' o 'posverdad' sino a una relación entre humanos e imágenes.  Es el autor de un ensayo crítico audiovisual (19 minutos 19 segundos] encargado por la Data as Culture,   generado al 99% por IA,  en el que utilizó cientos de imágenes a partir de las miles generadas con Midjourney, DALL-E 3, Stable Diffusion, Runway, Pika y HeyGen, entre otros. 

         Nuestro cortometraje comenzará de manera similar al de "Wizard of AI", es decir emulando con la intro, lo que fue la película de Blake Edwards. Para ello utilizaremos preferentemente Genmo, donde además de la animación 3D a partir de prompts, podemos aplicarla a imágenes fijas, limitado a rotaciones y zoom,  o con prompts concretando los cambios para un resultado más específico. El mismo resultado comparado con Pika.art, o con Runway. También de Discord, para pruebas en red, podemos unirnos a este servidor de Discord, Moonvalley, y obtener rápidas animaciones aceptables.  

     Tal y como se especifica en el currículo, deberán ser presentadas en público, por lo que los cortometrajes que cumplan los requisitos básicos, se subirán al canal de YouTube del Instituto, por lo que es esencial que no incluyan elementos protegidos por derechos de autor, especialmente música, así que se recurrirá a generarla por IA.

         La exposición final incluirá el making of,  que es un registro documental que muestra el trabajo y esfuerzo que se pone en cada detalle de la producción.  Debe incluir además de las capturas de video y pantallazos durante la edición, entrevistas con los miembros del equipo y colaboradores, imágenes sobre el rodaje y tomas falsas. Podéis hacerlo en PowerPoint como el anterior de Sara y Paulo, aunque es más recomendable en un solo vídeo.

     Se entregará el 26 de febrero, en classroom mediante enlace de drive, o cualquier servicio de transferencia de archivos. El nombre del archivo será el de sus autores, antecedido de la palabra "corto".  los La duración se ajustará al contenido que queramos narrar, el cual a su vez deberá incorporar el máximo posible de recursos expresivos bien aplicados. La nota será sobre 6 puntos, siendo 1 para la presentación, 2 para la grabación y edición (incluida la intro generada por IA, así como las cartelas, también por IA), y los otros 3 para los recursos (20 son solo 1 punto, 30 son 2, y 40 los 3 puntos). Los recursos que aparezcan en imágenes prestadas (las mínimas imprescindibles), no puntúan más que en la edición. Se valorará la originalidad e interés del tema desarrollado, pero solo como ajuste final de la nota en la presentación. En caso de suspender la evaluación, la nota del cortometraje se preservará, salvo que se decida repetirlo. 

         El guion técnico de recursos especificará la minutación y deberá presentarse simultáneamente siguiendo el modelo explicado, o superponiéndolo en una copia:   OPCIÓN DE PRESENTACIÓN MEDIANTE INTERTÍTULOS.

Bajar al final para ver en el capítulo 7, los editores de vídeo recomendados.

       La temática es libre, como p.ej. el acoso escolar, o un documental sobre la violencia de género en el cine. Para este último podríamos tomar como referencia el "Doctor Zhivago", ganadora de 5 Óscar en 1966, o artículos con películas sobre la temática, y en general del maltrato de género.

       Y recordad que estamos aplicando la competencia específica 2.3:

      "Realizar producciones audiovisuales creativas que representen las ideas, opiniones y sentimientos propios a partir de un tema o motivo previos, utilizando la propia presencia en la imagen y la banda de sonido y empleando el lenguaje y los medios de producción con rigor ético y formal." 

      Podemos intentar que subyazca un leitmotiv (motivo central o asunto que se repite), como por ejemplo en la serie Missions (2017-2022), que es la gratificación aplazada (básico en la inteligencia emocional por su vínculo con el autocontrol).  De esa misma serie, extraemos otro ejemplo de como se pueden integrar conceptos culturales o científicos que nos interesen, en este caso la proporción áurea (basada en el número phi).

          Extractos de la ORDEN ECD/1173/2022, de 3 de agosto, que regula el currículo del Bachillerato:

           La materia de Cultura Audiovisual presta especial atención a la búsqueda de la originalidad, a la espontaneidad en la expresión de ideas, sentimientos y emociones a través de un lenguaje inclusivo y respetuoso, y a la innovación y el pensamiento crı́tico y autocrı́tico.   

          El análisis y la evaluación de este proceso le permitirá tomar conciencia del audiovisual como medio de conocimiento y de resolución de problemas,  facilitando además una aproximación critica a su naturaleza como el principal transmisor de ideas y contenidos en el mundo contemporáneo.     

           Con el guion literario suficientemente resuelto se puede poner en marcha el trabajo, que comienza con la búsqueda de financiación y creando un equipo creativo. En este equipo, el miembro más importante será el director, quien dará su visión personal a la historia, por lo que

reescribirá el guion y supervisará todos los cambios y correcciones hasta lograr que encaje en la producción de acuerdo al diseño que tiene proyectado.

          Dado que toda producción audiovisual adquiere verdadero sentido cuando es mostrada, apreciada, analizada y compartida en público,  así deberá hacerse con los proyectos que se emprendan en la materia, facilitando que el alumnado no solo sea espectador de las producciones ajenas, sino que lo sea también de las suyas propias, lo que contribuirá a su formación integral y al desarrollo de la inteligencia emocional, la humildad, la autoconfianza, la socialización, y la madurez emocional, personal y académica.   

 La IA también ha llegado a los editores de vídeo, y encontramos que Adobe Premiere ya permite la edición siguiendo la transcripción dinámica de la locución.       Entre los creadores de contenidos, es habitual generar algunos de menor duración para TikTok, Youtube Shorts,o Instagram Reels, y así atraer la atención hacia sus canales de YouTube.  Para ello podemos recurrir a herramientas que automatizan el proceso e incluyen un autoreframe.

           Mención aparte merecen los video-clips de Michael Jackson que llegaron a batir récords de audiencia como los 500 millones de espectadores simultáneos en 28 países (1991) de Black or White, con rango de cortometraje de mensaje antixenófobo dirigido por John Landis. Además de su espectacular travelling de acercamiento inicial, vemos el incipiente uso del programa Morphos, o el metalenguaje al cine de la época, básicamente Solo en casa, pero también Terminator. 

                                               TEMARIO  2ªEVALUACIÓN

    RECURSOS EXPRESIVOS EN EL LENGUAJE DEL CINE


          En un rodaje, todo lo que sucede desde que empieza una grabación hasta que se corta, es una toma. Una escena (también numerada en la claqueta) está formada por distintos planos cinematográficos, con unidad de tiempo y normalmente de espacio, y de ella se suelen hacer varias tomas o intentos, de los que durante la postproducción se elige una para montarla junto a otros fragmentos narrativos. Un plano fotográfico (o pictórico) solo captura un instante y una zona concreta, pero un plano cinematográfico (o plano audiovisual) puede tener movimientos de cámara, cambios de iluminación, ralentizaciones del tiempo, y otros recursos narrativos, como el time-lapse.  Y también hay un plano sonoro que se extiende más allá del visual, como en los casos del fuera de campo o la voz en off.  

         En una película o serie, el conjunto de escenas además genera secuencias, planos que cierran una unidad argumental (vídeo con resumen de varios conceptos). En el mundo anglosajón se identifica la palabra escena con el concepto de secuencia mecánica, que ya no supone necesariamente una unidad de espacio, aunque sí de tiempo.   Se llama plano secuencia (long take) cuando la escena o secuencia mecánica, alcanza una gran complejidad de planos tanto en espacio como en tiempo, ver solo hasta "Gear".  En resumen, la escena está formada por diferentes planos, que son la unidad mínima en el rodaje. Por otra parte, una secuencia tiene un principio y un fin hasta completar la narración, y se compone de escenas (también llamadas secuencias mecánicas). 


                La verdadera esencia del cine es el montaje, la herramienta fundamental que utiliza el cineasta para construir sentidos, transmitir emociones e hilvanar un relato.  Los pioneros del cine comenzaron con planos fijos que contenían toda la acción, se filmaba todo lo que ocurría en el campo visual, a modo de «teatro filmado», eran imágenes muertas. Pero ya pronto los directores partieron de un guion detallado, en el que se convierten las palabras de la obra en sonidos e imágenes en movimiento, exprimiendo las posibilidades creativas: combinando las escalas de cada personaje, los ángulos, los puntos de vista, los diferentes fondos, trabajando la luz y el movimiento… Cada plano nos lleva al siguiente de forma natural y fluida, consiguiendo que no seamos conscientes de estar viendo una película, y de manera opuesta, que reflexionemos y extraigamos conclusiones. El lenguaje cinematográfico se estructura mediante el montaje, que relaciona cada plano individual con todos los demás. Esa es la gramática del cine, montar no es pegar un plano detrás de otro, sino establecer conexiones entre los planos para construir sentidos por asociación o contraste.  El arte se basa en la creatividad, y la creatividad es establecer conexiones entre ideas. 


              Como vemos tanto en la filmación como en el montaje, surge con fuerza el concepto de elipsis, que es una omisión en la secuencia del discurso narrativo (de segmentos de la historia que se narra), cuyo contenido se puede recuperar por el contexto; por ejemplo, en gramática diríamos "Juan estudia biología y María (estudia) matemáticas". También gramaticalmente cuando es una cita, la elipsis se suele señalar con tres puntos entre corchetes, y que cinematográficamente equivaldría al fundido entre imágenes. Es un recurso compartido con el cómic, donde resulta esencial.


       Los planos insertos y planos recurso entran en lo que en inglés se llama B-Roll, planos que se ruedan para poder usar luego en el montaje como transiciones, recursos para unir algunas partes, para darle ritmo a la narración, o entre secuencia y secuencia, para indicar el paso del tiempo. También pueden servir para disimular errores de rácord (ver el sketch de José Mota) en la acción, y evitar que entre dos tomas el espectador aprecie algún fallo de continuidad. Un continuista (script en el cine) verifica esa continuidad en la película, haciendo el seguimiento de la historia en sus aspectos visuales y argumentales. De igual forma, estos recursos o insertos nos pueden servir para pasar de un lado al otro del eje de acción, pero evitando el desconcertante "salto de eje", aunque a veces puede ser utilizado como un recurso expresivo más. 

       Similares funciones cumple el llamado plano máster que consiste en rodar en plano fijo toda la acción de una escena completa, como si fuese una obra de teatro. 

Plano conjunto con Charles en plano medio corto y el otro personaje en plano americano.

 Esquema de la filmación por retroproyección.

Grabación de un plano maestro, imprescindible en el plano contraplano.

Cada vez es menos necesaria una gran inversión en los equipos de grabación....(ejercicio al final, para ir apuntando las diferencias que se aprecien entre A y B).  Algunos canales de televisión, para sus grabaciones ya utilizan plataformas en las que montan smartphones, junto con los dispositivos de audio e iluminación, a costes muy reducidos.  Además muchos cineastas utilizan cámaras de bajo coste, como las Blackmagic Pocket.


1.DURANTE LA FILMACIÓN 

     La composición es ordenar un mundo tridimensional en un plano bidimensional, básicamente encuadre y angulación.  El encuadre es el fragmento del espacio, hasta 7'30'', que capta el objetivo de una cámara, siendo la angulación su ubicación respecto a dicho espacio.             

     Veamos a continuación la clasificación habitual de los tipos de plano, como en la de este resumen ilustrado, también con los ejemplos en gift:

                  -El tamaño de los elementos encuadrados, o «escala de planos».

                  -Los ángulos de cámara, llamados también tipos de plano según su angulación.

                  -El punto de vista desde el que miramos a una persona o personaje.

                  -Otros tipos de plano que se refieren a la forma de rodaje, o la función que cumplen.

 Es importante por la permeabilidad con el inglés, conocer la terminología asentada por Hollywood.

Pensemos que la cámara no es como nuestro cerebro, que discrimina la información que visualizamos, es decir, elimina elementos del encuadre que hacen que por ejemplo, no sea consciente de que constantemente estoy viendo la punta de mi nariz...

     Y no nos olvidemos nunca de cuidar la iluminación, que aunque en un estudio suele ser directa, en el exterior, un día nublado puede ser difusa. El contraste luminoso determina también la composición, algo que debemos seleccionar mediante la sensibilidad ISO de nuestra cámara.

La misma toma, pero ajustando la ISO al tema: o bien el amanecer entre nubes, o bien el paisaje urbano. 

             TIPOS DE RECURSOS CINEMATOGRÁFICOS



                             1 -ESCALA DE PLANOS: 

           El referente básico para determinar la escala en un encuadre, es la figura humana (terminología en inglés),  Los planos largos buscan una experiencia inmersiva (a destacar su uso por Emmanuel Lubezki), mientras que los cortos van al sentimiento. Podemos hablar de primeros planos (planos cortos o expresivos), planos medios (narrativos o intermedios) quedando en el límite el plano medio corto (medium close shot), y planos generales (planos abiertos o descriptivos) con mucha profundidad de campo (todo está enfocado) ya que se suelen hacer con un objetivo de gran angular (que exagera la perspectiva), terminando en el Gran Plano General (GPG),  Suelen resultar confusos el plano de conjunto, en el que hay más de una persona, no importando si es un primer plano, o incluso un plano entero, porque pueden estar además en diferente encuadre; y el plano detalle de ambos ojos, aunque los anglosajones con este no tienen problema, porque tanto al primerísimo primer plano como al plano detalle, lo llaman extreme close up.


                             2 -ÁNGULOS DE CÁMARA Y PUNTOS DE VISTA:

            Aproximadamente se pueden establecer unos 16 tipos de angulación y puntos de vista. Centrándonos en una angulación normal (sin inclinación), entre los puntos de vista frontal (el habitual), y el de perfil (side shot), encontramos uno intermedio muy usado para mostrar conversaciones, poniendo la cámara en un ángulo de 45°: el plano de escorzo o semiperfil (three quarter view). Otra denominación algo confusa, ya que en términos artísticos el escorzo se utiliza para generar sensación de profundidad, utilizando un punto de vista oblicuo. Para referirse al intermedio entre el plano de perfil y el dorsal, se utiliza el término semidorsal.  El plano cenital puede ser muy espectacular cuando se realiza "a vista de pájaro", asociándose en ese caso al punto de vista llamado plano aéreo, que también incluye angulaciones en picado. En ocasiones es indiferente del nadir o incluso del frontal. La angulación que se ha utilizado puede resultar engañosa o difícil de discernir: véase este ejemplo de como una aparente vista de gusano, resulta ser un marcado picado, cuando se abre el plano.

        Entre los puntos de vista, el más sugerente es el ángulo o plano indirecto. Cuando encuadramos desde el punto de vista del protagonista, pero incluyéndole (muy habitual en videojuegos), será un plano semisubjetivo, el cual normalmente toma la referencia de la cabeza y el hombro, por ello en inglés se llama over the shoulder. Es un recurso que vincula a personajes en contraplano. 

            Poco habitual, pero llamativo, es el denominado dutch angle, (plano holandés) o aberrante.  El plano flip over genera desestabilidad intentando implicar al espectador, aunque básicamente es grabar boca abajo, remitiéndonos a nuestra fisiología visual. Es habitual que el plano holandés se asocie a un flip over, e incluso a planos subjetivos o de carácter psicológico.

          La perspectiva forzada, aplicada en fotografías cotidianas, juega con el engaño en el ángulo de visión.

   Selección de ejemplos:


                           3  -MOVIMIENTOS DE CÁMARA:

           Existen dos categorías principales de movimientos de cámara: movimientos físicos de la cámara y movimiento óptico. Entre los primeros aparecen las panorámicas horizontales, para dar una visión general de un lugar (Pan de descubrimiento o reconocimiento), o seguir el recorrido de sujetos u objetos en movimiento (Pan de seguimiento), y las panorámicas verticales (Tilt up o Tilt down) con las mismas funciones. Esenciales también los travellings: seguimiento avant y retro, acercamiento, alejamiento, lateral, pedestal y circular. Este último también genera el "parallax effect", al moverse los planos alejados a mayor velocidad, y que actualmente se aplica en diseño de páginas web.  Antes de la aparición de los drones, este tipo de filmaciones podían alcanzar gran complejidad. 

       Resulta muy útil disponer de un gimbal, o estabilizador, basado en un sistema de aros concéntricos con ejes a 90º, ya utilizado en China alrededor del siglo II a. C. y que es el origen de los giroscopios.   Incluso se puede hacer con un cojinete de manera artesanal. 

       Actualmente hay sitios web que nos pueden procesar el vídeo on line, para conseguir una estabilización a posteriori.

El Zoom es el movimiento óptico por excelencia, producido por los mecanismos de las lentes que permiten variar la distancia focal del objetivo (Zoom in o Zoom out) sin mover la cámara de posición. 

OPPO anunció un prototipo con zoom progresivo, pero que no se implementó  y lo más parecido es la doble distancia focal en el teleobjetivo del Xiaomi 13 Pro +.

Aunque en los años 60 y 70 se usó mucho el zoom, se suele preferir el travelling, que se ajusta a nuestra visión en perspectiva, mientras que el zoom mantiene las proporciones reales, por lo que permanece inalterable  la relación figura-fondo. Por tanto, el efecto visual que se produce en el acercamiento o alejamiento mediante zoom, es  distinto al de un travelling, donde aumenta el tamaño de los elementos cercanos, al regirse por las leyes de la perspectiva. 

Cuando el movimiento de zoom in o zoom out es muy rápido se llama crash zoom, y es más llamativo que el equivalente en montaje, el zoom por planos.   Existe una combinación entre las dos categorías, travelling y zoom, que sí altera la relación figura-fondo, al mantener la primera, pero variando el fondo: el back zoom travelling, también llamado efecto vértigo, creado por Irmin E. Roberts, cameraman de Hitchcock en la película de 1958, y que consiste en desplazar la cámara de cine hacia adelante o hacia atrás a la vez que se ajusta el zoom para abrir o cerrar el plano, normalmente desde una dolly. La dolly es una plataforma de rodaje, normalmente sobre railes, que pertenece a las herramientas denominadas grip, de apoyo a la cámara, término que se aplica también al Key Grip, o profesional encargado del equipo de apoyo a la cámara. 

 Finalmente podemos crear movimiento sin modificar el encuadre mediante el trasfoco o rack focus, al permitirnos, sin necesidad de mover la cámara, cambiar el punto de atención.


           Concepto de PROFUNDIDAD DE CAMPO       

         Es elemento esencial del anterior recurso, donde se produce un cambio, que puede ser brusco, de la longitud focal efectiva al desplazar la lente (para enfocar) a diferentes distancias con un mismo objetivo. Aunque el campo visual también se altera ligeramente, generando este fenómeno (el "focus breathing") un ligero cambio de encuadre.  

          Como se explica en este vídeo, la profundidad de campo es la parte de la imagen que está bien enfocada, y centrará la atención del espectador, al quedar el resto desenfocado (bokeh). Asimismo, como también nos desglosan, depende de tres factores:

          La profundidad de campo máxima es necesaria para conseguir una perspectiva forzada.

       El artista sudafricano Philip Barlow, representa el desenfoque selectivo (el efecto bokeh) abarcando todo el campo visual, al convertir en pintura la completa desaparición de la profundidad de campo.

         Selección de ejemplos: 

                       Ejemplificaciones didácticas de los recursos de filmación:  

          Finalizamos este apartado con la filmación que comienza en el 2022...sin cámara. Es decir, ya están desarrollados generadores de imagen en movimiento por IA a partir de texto, aunque como el IMAGEN VIDEO de Google o el PHENAKI  todavía solo son accesibles los ejemplos.  Recordemos que los modelos de difusión son modelos generativos, es decir, generan nuevos datos a partir de los datos con los que han sido entrenados.  

 También ha habido pruebas iniciales en canales de TV de sustituir a los presentadores, como ya podemos hacer cualquier usuario para promociones sencillas (video tutorial). Muchas empresas para explicar la idea que se tiene, ya utilizan vídeos animados generados íntegramente por programas de IA, incluido el presentador. Algunas ofrecen prueba gratuita tras inscribirse, como INVIDEO.     Ha comenzado el camino hacia el cine creado por inteligencia artificial. 

Muchas veces el operador (Boom Op) que lleva el micrófono (Boom mic) tiene que ir andando de espaldas, lo cual requiere que tenga un asistente para evitar caerse o que con el tambaleo el micrófono aparezca en la escena.  

Para los movimientos complejos se hacen necesarias grúas con lo que se ha dado en llamar "cabeza caliente" (de una marca anglosajona), o mecanismo omnidireccional de sujección de la cámara, normalmente teledirigido.

Fundamento del gimbal o estabilizador, que simplifica la profesional steadycam, Muchas cámaras y smartphones ya lo llevan integrado.  La estabilización ya se puede hacer por IA, aunque profesionalmente no es lo habitual.            Su ausencia genera el recurso llamado shaky camera, o cámara a mano.

                               2. DURANTE LA POSTPRODUCCIÓN                    

              La técnica del montaje cinematográfico (1'30'') se basa en el corte y la transición, que aportan dinamismo e intención a la narración, y es la selección y ensamblaje de las tomas definitivas. El montador conviene que sea una persona ajena al rodaje que ayude a tener una nueva visión al director, descartando tomas y reflexionando constantemente sobre lo editado. Mayoritariamente nuestros directores españoles premiados en los Goya 2022, coincidían en que es la fase que más disfrutan.


           Los VFX, efectos visuales digitales (hasta minuto 5) se realizan durante esta fase de posproducción, mientras que los efectos especiales (FX) durante el rodaje, recurriendo normalmente a especialistas. Un ejemplo de VFX, es el vídeo incrustado, que es la técnica sucesoria de las transparencias o superposiciones, imprescindibles en escenas como la de Moisés abriendo un paso en el mar Rojo en Los diez mandamientos (1956), que fue ganadora del Óscar a los mejores efectos especiales, y forma parte del Top 10 en la categoría de "Películas épicas" de la AFI.​  El chroma key (creado por Petro Vlahos a petición de la Metro-Goldwin-Mayer, y aplicado en 1959 con Ben-Hur), supuso la mejora de la retroproyección, muy habitual en filmaciones de vehículos en movimiento. A su vez, ambos son una evolución de las primeras filmaciones de George Méliès, con su técnica del plano mate o matte shot, que consistía en tapar parcialmente el objetivo de la cámara con cristales pintados de negro, evitando así que la película quedara impresa por la luz en esa zona concretamente que también se llama máscara. Después, rebobinando la cinta e invirtiendo la máscara, impresionaba el resto de la película.  En Un homme de têtes además utiliza sencillos trucos como la bolsa negra cubriendo su cabeza sustituida por la escultura que lleva en sus manos. 

Los CGI (Computer Generated Imagery) son imágenes generadas por ordenador, de forma parcial o total. Aquí es donde la figura del diseñador alcanza su máxima relevancia, y por ello citaremos a Colin Cantwell, creador de los bocetos de las icónicas naves estelares de Star Wars (Ala-X, destructores imperiales y cazas estelares) así como en la propia Estrella de la Muerte Imperial. Previamente había trabajado con Stanley Kubrick en 2001: Una odisea del espacio, a quien convenció para incorporar la mítica apertura del hueso volando.

            Resulta interesante cómo la luz parásita, un artefacto óptico conocido como lens flare, ha ascendido a categoría de elemento estético, llegando a ser añadido en la edición digital. Puede manifestarse a modo de velo (veiling flare), reflejo múltiple del foco de luz (ghosting flare), destellos, halos (a veces generados por las bruscas diferencias en el contraste del HDR) o incluso el colorista reflejo del sensor (red dot flare). Su uso cinematográfico es habitual dada su capacidad para generar un ambiente onírico. 

          Y a un nivel más técnico, podemos intercalar rejillas de difracción, para obtener destellos como en estas imágenes con rejilla de 500 líneas por mm (gentileza de nuestro fotógrafo Joaquín Chueca), donde además de todo el espectro visible, el sensor genera el magenta, 

Ghosting Flare, o efecto de imagen duplicada por reflejo en la propia lente.

Ghosting flare mostrando la forma hexagonal del diafragma.

Además del ghosting flare, blooming, y moiré.

Difracción por las palas del diafragma.

 El director de fotografía es uno de los principales colaboradores del director, al gestionar la parte visual de la película, coordinando al equipo de fotografía (cámara e iluminación), junto a él, decide los emplazamientos de cámara, y la estética de la película en cuanto a colores y contraste. Desde el cine negro americano no se había visto un manejo de las sombras como el que conseguirá Gordon Willis (1931-2014), sin ningún temor a la subexposición. En el montaje resulta necesario de nuevo la aportación del director de fotografía, para la corrección de color y el etalonaje. Primero se igualan los planos en luminosidad y colorimetría (colores limpios y reales, como en el mundo real), y otras correcciones secundarias. El objetivo del etalonaje ya será creativo e incluso antinatural, intensificando las emociones para transmitir sensaciones al espectador, alterando los parámetros de luminosidad, contraste, saturación y ajuste de colores dominantes (modificación de colores y su temperatura). A nivel de aficionados podemos practicar con nuestros programas de edición:  Vídeo Pad, Ajustes de color y luminancia (Efectos de vídeo).


              TIPOS DE RECURSOS CINEMATOGRÁFICOS EN EL MONTAJE:

          

En publicidad institucional.   Conectivo en TikTok

Se puede llegar a la imitación directa con instrumentos: Los pájaros. Carros de fuego.El "mickeymousing" (6') del cine de animación, representó uno de los peores excesos de la banda sonora (soundtrack) en las películas de Hollywood. 

El actual concepto digital de textura musical integrada, domina sobre la melodía y sobre todo destacar la idea de The wall of sound, como el utilizado por Hans Zimmer en la película Interstellar.

            En el cine es imprescindible la planificación mediante el GUIÓN TÉCNICO.     Muchos directores lo preparan ya con dibujos de los diferentes planos, creando un guion gráfico como este de "EL BUEN PATRÓN" (2021).

   Ejemplo de índice de recursos utilizados en un cortometraje. Deben presentarse ordenados cronológicamente, y solo la primera vez que aparece cada uno de ellos.             

  Modelo de Guion Técnico simplificado, adaptado para la parte práctica del examen.  


 3.SELECCIÓN DE PRINCIPALES RECURSOS EN TRABAJOS DE ALUMNOS: 

La lista de Schindler. 

Titanic.  

El septimo sello.

El maquinista de la general.

La vida de Brian.

El Paciente Inglés.

Los Intocables de Elliot Ness.          


4. EJEMPLOS EN SECUENCIAS SELECCIONADAS:



Recursos en anuncios: Anuncio 2016 de Sanitas (Subjetivo, conectivo y superposición, elipsis constante especialmente clara en13'', y frecuentativo). Anuncio Navidul 2016(fuera de campo y flashback). Anuncio de RENFE (panorámica vertical flip over, montaje frecuentativo y conectivos).  Europeo de baloncesto (metalenguaje, fuera de campo).  


Videojuegos "de película", mostrados en sus cinemáticas (o full motion video) : Dragones y mazmorras, Far Cry Primal. Muy prácticos para diferenciar panorámica de trávelin, y el uso del plano subjetivo.   

                                                                                     


 5. EJERCICIOS:

                    

Práctica en clase: Ejercicios 1 y 2.    Autocorrección.




6.  OTROS CONCEPTOS EN EL RODAJE CINEMATOGRÁFICO:


       En el rodaje de una película influyen multitud de elementos que hay que tener muy medidos y cuidados. Hay complicados montajes o escenas tan largas que pueden llevar multitud de días o meses, como la secuencia que abre Gravity (de Alfonso Cuarón, ganadora de siete Óscar 2013). Pero también el montaje puede resultar de alta dificultad, como en Memento de Christopher Nolan. Ello provoca que pese al trabajo del secretario de rodaje (script), muchas veces haya fallos de racord o de continuidad, la relación que existe entre los diferentes planos de una filmación, y eso hace surgir entre los cinéfilos, a los cazadores de gazapos. Otras veces es algo intencionado, como en los easter-eggs, donde ya toma sentido como metalenguaje.

      

       La ESCENOGRAFÍA: La puesta en escena (mise en scène) es un concepto ambiguo, responsabilidad del director, que abarca desde la escenografía propiamente dicha, a la interpretación, y caracterización, hasta la iluminación, sonido y todos los elementos de la realización. 

        Todo pasa por el productor, cuya figura histórica más representativa fue Irving Grant Thalberg (Brooklyn,1899-Santa Mónica, 1936) que consiguió seleccionar a los actores adecuados, contratar al mejor equipo y, sobre todo, hacer rentables todas las películas en las que participó. A él se atribuye la frase 'Con un buen guión se puede hacer una mala película… Pero con un mal guión, será imposible hacer una buena película' .

    

             El escritor Niccolò Ammaniti declaró tras su debut en televisión con la serie El milagro (en SKY desde enero 2019): “Era una historia de amplio recorrido, con muchos personajes, no valdría para el cine. Y luego estaba la imagen inicial, bellísima, que la literatura no lograría contar en todos sus colores”.



Cortometraje: Del francés court-métrage, Película de corta e imprecisa duración, pero inferior a 30', La normalización de los carretes (que se agrupan en bobinas cuando se proyectan), hizo que lo habitual fueran de 305 m (11 min en 35 mm a 24 fps)  por lo que se hablaba de películas de uno, dos o tres carretes, para los cortometrajes. Los largometrajes serían 1600 metros en 35 mm a 24 imágenes por segundo  En las salas se utilizaban dos proyectores para alternar las bobinas, aunque excepcionalmente había proyectores con bobinas sobredimensionadas de 3.658 m de capacidad o aproximadamente 133 minutos a 24 f/s. Thomas Edison recomendó una velocidad de 46 fotogramas por segundo, "Para evitar el parpadeo de la luz blanca  proyectada", pero se descartó pronto, al disparar costes y la complejidad en los motores de las cámaras, manteniéndose el movimiento manual de la manivela. Durante la era del cine mudo, las películas se deberían proyectar a velocidades adaptadas a las de la filmación (los 24 fps no se consensuaron hasta el Vitaphone de 1926), pero acababa siendo a conveniencia de los horarios de la sala. Por ello en aquellas primeras carteleras de cine, se obligaba a los exhibidores a anunciar las películas por su metraje, en lugar de su duración (aunque en los carteles algunos la ocultarían con una tira), como en este anuncio de 2017, donde la película debería durar sobre una hora a 16 fps.

             Paradójicamente ahora hacemos en nuestras casas, lo mismo que aquellos exhibidores sin escrúpulos, cuando una película nos aburre....

           La ‎‎Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (organizadora de los Óscares),‎‎ el American Film ‎‎Institute‎‎,‎ y el ‎‎British Film Institute definen un largometraje como una película con un tiempo de ejecución de 2.400 segundos (es decir, 40 minutos) o más. El ‎‎Centre National de la Cinématographie‎‎ en Francia lo define como una película de ‎‎35 mm‎‎ más de 1.600 metros, que es exactamente 58 minutos y 29 segundos para ‎‎películas sonoras,‎‎ y el extinto Sindicato de ‎‎Actores‎‎ de la Pantalla consideraba necesario un mínimo de 75 minutos‎.

  


7. VIDEO REALIZACIÓN (EDITORES RECOMENDADOS)


OTROS EDITORES MÁS ESPECÍFICOS

Stop Motion: ejemplos realizados con la aplicación:

                              Cut-out animation.  Y animación de material moldeable (clay animation) combinada con muñecos (puppet animation).

                               Flipbooks que Miguel pasó a película con la app Stop Motion Studio: FB 1,  FB 2, FB 3 y FB 4.