corsi e ricorsi storici

L’uomo ha sempre dovuto confrontarsi con eventi catastrofici e lo ha fatto con paura, cedendo alla superstizione. Le malattie cambiano, ma il modo con cui l’uomo le affronta è pressoché lo stesso.  

La solitudine 

Come scrivono Paolo Diacono nell’opera Historia Langobardorum e Boccaccio nel Decameron, la solitudine è la parte caratterizzante di ogni morbo: oggi, non vediamo gente in giro, nei mezzi pubblici, nelle scuole e al tempo degli autori sopracitati non avremmo visto mercanti e folle riversarsi nelle taverne. La solitudine ha  tante conseguenze: crollo di visite turistiche con conseguente crollo dell’economia; incrementa sempre più la paura e costringe allo sconforto che, come scrive Lucrezio nel De rerum natura, è una condanna a morte per le persone che morte non sono. 

La preghiera 

Un altro aspetto che accomuna tutti i morbi è la fede. Manzoni ne I promessi sposi scrive: “una campana del duomo dava il segno di recitar certe preci” riferendosi alla campana che tre volte al giorno richiamava le diocesi circostanti alla preghiera. Anche oggi, per alcuni, la preghiera è uno strumento per far fronte alla solitudine: al tempo del Manzoni i fedeli si affacciavano alle finestre, mentre oggi i fedeli si collegano via internet per pregare. Manzoni continua “avreste sentito un bisbiglio di voci e di gemiti, che spirava una tristezza mista pure di qualche conforto”: il conforto della peste di cui narra Manzoni è il conforto che i fedeli provano nel recitare un rosario o una preghiera, nell'assistere a una celebrazione liturgica. Lo storico Tucidide, invece, pensa che tutte le suppliche e le preghiere siano vane e scrive che anche la popolazione durante la peste di Atene (430 a.C.) capì che tutto ciò alimentava false speranze: si fece strada la rassegnazione. 

I medici  

Tucidide ricorda che i medici erano nella condizione di curare il morbo per la prima volta e molto spesso erano i primi a subire il contagio. Anche oggi i medici, i nostri soldati, combattono, non sanno di preciso cosa sia questa malattia, ma la combattono anche a costo della propria vita, come i medici descritti dallo storico ateniese. 

La paura e la superstizione 

Oggi gli strumenti di protezione individuale sono mascherine e guanti, ma al tempo di Manzoni, per esempio, le persone portavano al collo una boccetta con dell’argento vivo “persuasi che avesse la virtù d’assorbire e di ritenere ogni esalazione pestilenziale”. E poi la paura di incontrare qualcuno: oggi la paura porta a cambiare strada, ma a quel tempo portava a camminare con un bastone.  Poi, la superstizione: Tucidide narra che il popolo parlava di un avvelenamento dei pozzi come possibile inizio dell’epidemia. Ai tempi del COVID-19, si afferma che il popolo cinese, inconsapevolmente, abbia dato inizio all'epidemia mangiando dei pipistrelli.  

Gli annunci 

Tutti i giorni aspettiamo le 18:00 per “il bollettino”: ascoltiamo i numeri che esprimono sempre più la situazione drammatica. Intanto ci si prepara alla fase successiva, l’Europa è pronta per la “fase 2” durante la quale, come ha espresso la cancelliera Merkel, “non bisogna abbassare la guardia”. Ciò vuol dire che dobbiamo abituarci a vivere diversamente e che anche per fare uno sciopero, come quello organizzato a Tel Aviv, bisognerà rispettare le norme di distanziamento sociale e accettare anche ciò che ora sembra insormontabile. 

I camion dell'Esercito e i monatti

L’immagine che qualche settimana fa veniva proposta era quella dei camion dell'Esercito che portavano via le bare dei morti a causa del COVID-19. Questa immagine può essere paragonata a quella che fornisce Manzoni: i monatti si fermavano presso le case dove vi era “una croce fatta col carbone”, cioè presso le case ove vi era un defunto. L’immagine agghiacciante dei camion è, quindi, incredibilmente simile a quella dei monatti del 1600 descritti da Manzoni. 

L'assenza di cure uccide più del morbo

Lucrezio ricorda che i malati erano privi di cure ed è “l’assenza di cure che uccide” più del morbo. L’immagine delle fosse comuni scorre sui nostri schermi, fosse comuni simili a quelle descritte dall'autore latino che spiega come i corpi venissero ammassati. A quel tempo, tuttavia, vi era una possibilità: i famigliari potevano almeno seppellire i propri cari; oggi non ci è concesso per “evitare assembramenti”. I nostri cari muoiono, e noi possiamo solo limitarci ad aspettare che qualcuno li seppellisca al posto nostro. 

Le conseguenze 

Il crollo del sistema alberghiero e dell’economia è inevitabile: l’Italia, che prima di tutti gli altri, ha sperimentato gli effetti della pandemia, è un po’ diventata “l’untrice d’Europa” e le prenotazioni nell'ambito alberghiero e turistico sono in calo.  Ai tempi della peste di Atene, la conseguenza fu la crescita della criminalità. Oggi, se la conseguenza non sarà la crescita della criminalità, il “dopo pandemia” sarà la povertà. 

Una riflessione ... 

Questa situazione può cambiare la società. Possiamo scoprire alcuni valori: lo stare insieme, l’importanza di un abbraccio e dei rapporti umani; può anche cambiare il nostro modo di vedere il mondo: non più come un ambiente indistruttibile, ma come un ambiente fragile, che può essere turbato e che merita il nostro rispetto. 

Fonti:

Petrarca, Yeats, De André

Amore ieri Amore oggi

Dalle corti di Provenza al dolce stil novo, da Francesco Petrarca a Yeats, il tema dell’amore anima e strugge i cuori di poeti e lettori di ieri e di oggi.

Vi invito a leggere il sonetto di Francesco Petrarca Se la mia vita da l'aspro tormento. In esso la figura femminile diventa umana a causa del trascorrere inesorabile del tempo, che è evidente nel grigio dei capelli e nell'assenza della luce (de’ be’ vostr’occhi il lume spento) che una volta illuminava lo sguardo della donna; con l'avanzare degli anni la donna cambia interiormente, diventa più saggia e misericordiosa, tanto che proverà pietà per il dolore che ha causato all'amante. L’autore del Canzoniere prende le distanze dalla concezione dello stil novo e ci consegna una grande rivelazione: l’amore è un’illusione. Già Guido Cavalcanti si era reso conto dell'inesattezza della corrente letteraria a cui apparteneva, perché l'amore inizialmente benefico si rivela poi forza oscura, dunque un'illusione. 

Echi del sonetto Se la mia vita da l’aspro tormento, si trovano nel poeta irlandese William Yeats (1865-1939). Ne è prova la poesia Quando tu sarai vecchia, scritta per l’attrice Maud Gonne. Quest’ultima viene immaginata nel futuro, intenta a leggere un libro, la donna si ritrova a pensare al passato “Quando tu sarai vecchia e grigia / Prenderai questo libro”. L’amata non ricambia il sentimento dell’autore, ma egli le suggerisce di ripensarci perché se ne pentirà, perché sarà l’unico ad amarla in tutti i suoi aspetti. La poesia è stata ripresa, nel 1986, da Angelo Branduardi che con perfetti accordi di chitarra le dona una musicalità tale da renderla indimenticabile. 

L’azione del tempo sulla figura femminile è presente anche in Valzer per un amore di Fabrizio De André, brano del 1964. Il testo è rivolto a una innamorata reticente, invitata ad accettare l’amore che le viene offerto perché il tempo vola e raggiunta la vecchiaia lei si pentirà del suo rifiuto: “che per piangere il tuo rifiuto / Del mio amore che non tornerà”. A differenza di Petrarca, Yeats e De André hanno in comune il rimpianto della donna, ormai anziana, per aver rifiutato l’amore in gioventù.

Donne e scienza: tre modelli esemplari

8 marzo 2020 - L’intera umanità sta vivendo un periodo di grande paura, causato dalla diffusione del coronavirus, virus Sars-CoV-2, che causa una grave infezione respiratoria. In questo momento così difficile, la ricorrenza dell’8 marzo è occasione per ricordare le tante donne che nel lavoro e nella ricerca sono impegnate a contrastare la diffusione del virus. Costanza e bravura hanno condotto il team, composto da Maria Rosaria Capobianchi, direttore del Laboratorio di Virologia dello Spallanzani di Roma, da Concetta Castilletti (dottoressa di Ragusa) e da Francesca Colavita (ricercatrice precaria molisana),  a isolare il virus; il risultato ottenuto è fondamentale per poter studiare il virus, capire i meccanismi della malattia e identificare i farmaci in grado di attaccare il virus. 

Notevole è stato nel corso del Novecento il contributo delle donne alla ricerca scientifica e in occasione della Giornata internazionale della donna vogliamo ricordare, delineandone un breve ritratto, tre donne la cui determinazione ha consentito loro di affermarsi in epoche e settori in cui essere donne di scienza non era e non è semplice.  È  il caso di Rita Levi Montalcini, Margherita Hack e Samantha Cristoforetti.

Rita Levi Montalcini nacque a Torino il il 22 aprile 1909 da Adamo Levi, ingegnere elettrotecnico e matematico, e da Adele Montalcini, pittrice. L’infanzia e l’adolescenza della Montalcini si collocano in un periodo in cui le donne non potevano votare, citare qualcuno in giudizio, né possedere alcuna proprietà, né esercitare una professione; il loro ruolo si riduceva a procreare e occuparsi della casa. Nel 1930, nonostante il parere contrario del padre, la Montalcini si iscrisse alla facoltà di medicina all'Università di Torino, dove si laureò con il massimo dei voti nel 1936. Specializzatasi in seguito in neurologia e psichiatria, a seguito dell’emanazione delle leggi razziali nel 1938 la Montalcini fu costretta a emigrare in Belgio, dove, ospite dell’Istituto di Neurologia dell’Università di Bruxelles,  ebbe la possibilità di continuare gli studi sul differenziamento del sistema nervoso. Medico nelle forze alleate (1944), accettò poi un incarico alla Washington University. Nel 1951-52, scoprì una proteina che gioca un ruolo essenziale nella crescita e differenziazione delle cellule nervose sensoriali e simpatiche, scoperta che nel 1986 la portò a ottenere il Premio Nobel per la Medicina con la seguente motivazione: «La scoperta del NGF all'inizio degli anni Cinquanta è un esempio affascinante di come un osservatore acuto possa estrarre ipotesi valide da un apparente caos». Nominata senatrice a vita senatrice a vita nel 2001 “per aver illustrato la patria con altissimi meriti nel campo scientifico e sociale”,  Rita Levi Montalcini morì il 30 dicembre 2012, all'età di 103 anni. 

Tredici anni dopo la nascita della Montalcini, a Firenze  nacque Margherita Hack. Conseguita la laurea in Fisica, con una tesi di astrofisica sulle Cefeidi, nel 1954 si trasferì all'Osservatorio di Merate, poi nel 1964 a Trieste, dove iniziò a lavorare alla radioastronomia. Numerose le collaborazioni con università straniere, dalla l’Università di Berkeley (California), all’Institut d’Astrophysique di Parigi (Francia), agli Osservatori di Utrecht e Groningen (Olanda), arrivando a pubblicare oltre 250 lavori originali su riviste internazionali: il trattato Stellar Spectroscopy, scritto a Berkeley nel 1959 assieme a Otto Struve, è considerato ancora oggi un testo fondamentale. A Trieste, dove diede vita nel 1980 ad un “Istituto di Astronomia” che fu poi sostituito nel 1985 da un “Dipartimento di Astronomia”: la scienziata ne fu direttore fino al 1990, diventando così la prima donna in Italia a dirigere un osservatorio astronomico. Margherita Hack si è spenta il 29 giugno 2013 a Trieste. 

L’ultimo breve ritratto è dedicato a Samantha Cristoforetti, classe 1977. Maturità scientifica a Trento nel 1996, laurea magistrale in ingegneria meccanica all'Università Tecnica di Monaco di Baviera nel 2001, Samantha Cristoforetti nel 2009 è stata selezionata come astronauta ESA e nel 2012 è stata assegnata alla spedizione 42/43 sulla Stazione Spaziale Internazionale, così il 23 novembre 2014 Samantha è partita per lo spazio dal cosmodromo di Baikonur, in Kazakhistan ed è tornata sulla Terra l'11 giugno 2015, dopo aver trascorso 200 giorni nello spazio. 

Queste donne sono la dimostrazione che con forza, passione, sacrificio e studio si possono realizzare grandi sogni.

Dalì e la psicoanalisi

L’influenza di Freud sull’arte daliniana

Per l’intero anno di “Matera Capitale Europea della Cultura 2019” è stata allestita nella città  di Matera la mostra d’arte La Persistenza degli Opposti, dedicata all’artista catalano Salvador Dalì. Oltre 200 opere originali  sono state esposte tra le mura delle chiese rupestri di San Nicola dei Greci e Madonna delle Virtù. Il movimento artistico del Surrealismo, sviluppatosi fra le due guerre mondiali, a cui Dalì aderisce si caratterizza per il singolare accostamento di oggetti apparentemente senza un ordine logico, distribuiti in scenari normali, con lo scopo di testare l’immaginazione dello spettatore. Sono questi gli anni in cui il neurologo e psicologo Sigmund Freud fonda la psicoanalisi, teoria inerente il procedimento di indagine di processi psichici inconsci. Il pensiero freudiano influisce profondamente sull’arte di Dalì, il quale cerca di inglobare all’interno del proprio mondo il nuovo, rivoluzionario, concetto di inconscio. La scultura in bronzo Donna in Fiamme, realizzata nel 1980, è un eccezionale esempio dell’interiorizzazione che Dalì fa, attraverso la propria arte, delle scoperte freudiane. L’opera occupa un posto di rilievo nella produzione scultorea daliniana e sintetizza efficacemente la sua fase surrealista .

Donna in Fiamme presenta due delle tematiche più care a Dalì: il fuoco e l’immagine della figura femminile scomposta in cassetti. Ad esse si aggiungono numerosi oggetti-feticcio caratteristici del simbolismo daliniano (protuberanze, stampelle). Lo stile dell’artista è ricco di simboli e immagini ricorrenti, per lo più tratti dalla vita quotidiana, per mezzo dei quali egli elabora le sue paure e ripropone i suoi oggetti preferiti, divenuti simboli eterni dell’essenza stessa del suo pensiero surrealista. I cassetti del corpo umano sono simbolo della memoria inconscia ed è così che Dalì dimostra apprezzamento e ammirazione per l’opera di Freud, il quale affermava che “il corpo umano è pieno di cassetti segreti che solo la psicanalisi è in grado di aprire”. La figura femminile dal corpo arcuato all’indietro è avvolta dalle fiamme che rappresentano una passione ardente che si diffonde dai piedi verso l'alto a dare l’impressione che l’intera figura sia consumata dal fuoco. In tal modo, le fiamme simboleggiano la parte latente del desiderio femminile. La scultura è compartimentata in nove cassetti semi-aperti, disseminati lungo il corpo femminile. I cassetti sono un’allegoria dell’inconscio in quanto fungono da ingresso in quel mondo interiore femminile, popolato di sentimenti, desideri, misteri, manie, fobie, e rappresentano la sessualità nascosta delle donne. Esprimono, inoltre, la naturale tendenza umana a esplorare quanto vi è di chiuso. Rappresentati leggermente aperti, i cassetti suggeriscono che i segreti custoditi sono ormai noti e non vi è più bisogno di temerli. Alcune parti del corpo sono prolungate a formare protuberanze sostenute da stampelle che appaiono quasi come scettri, così da metterne in rilievo l’autorità e l’importanza; sono simbolo di morte e di resurrezione ed infondono un senso di sicurezza e di sostegno, di forza e di stabilità.  Priva di volto, la figura rappresenta simbolicamente tutte le donne e la sua bellezza deriva non solo dalla forma sensuale, ma da un senso di mistero interiore che sembra scaturire da ciò che sceglie di nascondere piuttosto che da quanto desidera rivelare.

Opere degli Uffizi in mostra a Matera

La città del pane ospita una selezione di opere custodite a Firenze

La mostra “Il Pane e i Sassi”, allestita in una casa palaziata, tipica del Sasso Barisano è stata promossa dalla Galleria degli Uffizi e dalla Fondazione Sassi.  L’evento rientra nel progetto “La Terra del Pane” che ha previsto una serie di attività attinenti alla tematica del pane visto sotto il punto di vista artistico; ciò ha portato a contatti con le realtà artistiche più prestigiose d’Italia e in particolar modo con la galleria degli Uffizi, alla quale è stato richiesto un prestito di 14 opere, degli anni d’oro dell’arte italiana (1500-1700), che avessero attinenza con il pane da un punto di vista delle nature morte, delle nature di genere e delle pitture a carattere sacro. 

La mostra figurativa è allestita in quattro sale delle quali la prima è dedicata alle nature morte, soggetti a carattere pittorico che da Caravaggio in poi diventano dei veri e propri generi. Punto di diamante della mostra l’opera Natura morta con pane, formaggio, porri e fiasco di Velasquez,  con riferimenti alla pittura di Caravaggio, grazie al gioco di luci e ombre, la presenza del fondo nero e la centralità di ogni singolo elemento nella scena. Gli elementi visti nel loro insieme rappresentano due tipi differenti di storia: da un lato una storia di tipo cristologica di rimando al martirio di Cristo, dall'altro lato diversi elementi che rimandano alla religione dell’orfismo. Sono presenti il pane e il vino come rimando al corpo e al sangue di Cristo, il coltello come rimando al martirio, il formaggio come rimando alla morte poiché si realizza dalla scissione tra latte e caglio come la morte si realizza dalla la scissione tra corpo e anima. Il canovaccio sul tavolo rappresenta il sudario e la sindone e il piatto d’argento con il riflesso del formaggio al suo interno rappresenta la resurrezione. Fuori dal tavolo gli elementi di rimando all'orfismo: il contenitore aperto come corpo che è morto e lascia liberare l’anima, i porri rappresentano l’anima vera e propria perché sono ancorati alla terra finché qualcuno non li raccoglie esattamente come l’anima è ancorata alla terra finché il corpo non muore, così lo slancio verso l’alto è simile allo slancio che ha l’anima quando si libera. Le interiora rappresentano il corpo come contenitore, Velasquez mette in primo piano il cuore; all'interno delle interiora dell’animale si possono osservare due differenti autoritratti dell’autore: uno frontale e uno di profilo. 

Altre opere riprendono episodi dell’Antico e del Nuovo Testamento: Riposo dalla fuga in Egitto di Francesco Albani (1659-1660), modello della pittura paesaggistica (o pittura di paesaggio) del Seicento; Ultima cena di Leandro Bassano (circa 1590), uno dei capolavori della pittura italiana del XVI secolo, in cui la drammaticità della scena è caratterizzata dallo stato d’animo degli apostoli - pescatori scalzi - che appaiono sconcertati all'annuncio del tradimento di uno di loro; La raccolta della manna di Fabrizio Boschi (circa 1594-1597), che reinterpreta uno dei temi più significativi dell’arte cristiana; La messe di Arturo Tosi (1926), opera capace di esprimere armonia e quiete della natura; Il mulino di Filippo Napoletano (1620-1621), che mette in luce la verità del lavoro quotidiano. 

La mostra, dunque, come ha chiarito il direttore della Galleria degli Uffizi, Eike Schmidt, “è un’opportunità unica per gli appassionati d’arte di ammirare la bellezza originale di queste opere che raccontano un alimento singolo nella città capitale Europea della Cultura 2019”.