Pablo Picasso

Período creativo

Los primeros trabajosLayman a menudo tiraba hacia los artistas de vanguardia señales que supuestamente no sabian cómo dibujar, que representan los cubos y cuadrados. Picasso puede servir para ilustrar la falsedad de dichas acusaciones y primitivismo. Desde muy joven fue capaz de reflexionar sobre la naturaleza del papel con la mayor similitud con el original. Talento, conseguido con éxito un cumpleaños en un ambiente creativo (las figuras más brillantes del padre en la pintura del siglo XX fue un profesor de arte y diseñador), desarrollado a gran velocidad. El niño empezó a dibujar no se limite antes de hablar.

Su primera pintura al óleo - "Picador" (1889) de Pablo escribió la edad de ocho años, y lo mantuvo con él durante toda su vida. Dibujó constantemente, mantiene un gran número de bocetos sobre el tema de las corridas de toros (un español no le gustan los toros!), Apuntes de la vida de la población local. Padre comenzó a atraer a su hijo a la pintura de interiores, que lo acusa de escribir las patas de las palomas. Luego fue mi padre insistió en que entra Pablo en la Academia de las Artes de Barcelona "La Concha". 13 años de edad, prodigio realizó desnuda figura del dibujo cuidador de examen por un día, pero para crearlo tendrá un mes.

Incluso en las primeras obras de Picasso se puede ver que en la corriente principal del arte académico, que se siente como pez en el agua . Sin embargo, vaciados de yeso shtudirovanie no podían tardar mucho tiempo que ya posea el artista joven y salido de la Academia. En "San Fernando" Madrid Real Academia, un prestigioso, Picasso también estudió durante un breve periodo de tiempo. Masters pintor de 16 años de edad, estaba pintando maestros en museos de la capital: Velázquez, Goya, El Greco.

El tema de Picasso sigue siendo la realidad circundante: que los transeúntes, pescadores, nadadores, muchos vecinos, amigos, padre, como Don Quijote, madre y hermana. Hermana Lola aparece en la pintura de género "primera comunión" (1896) , una imagen brillantemente ejecutada de la madre en el retrato del mismo año. Al mismo tiempo se creó uno de los primeros autorretratos de la artista.

En 15 años, Picasso pintó el cuadro grande "El conocimiento y la Misericordia" (1897) , que se puede interpretar como género y como muestra. El médico (una cifra que Pablo escribió a su padre) se siente el pulso de una mujer tumbada en la cama, en el otro lado de una monja con un niño trae un vaso de agua. Por lo tanto, la ciencia médica y la compasión se oponen el uno al otro. La exposición en Madrid en 1897, la pintura provocó la hostilidad de los críticos: la mano del paciente les parecía suficientemente realista en escrito, llamaron a su guante. Y fue increíblemente largos dedos lánguida mano - anticipar el futuro estilo "período azul" .

Tener profesionalismo alcanzado en una transferencia realista de la naturaleza, Picasso era capaz de rechazar esta variante arcaica para él pintar etapa como pasado. Las muestras joven maestro "para hablar con diferentes lenguajes estilísticos" incluyen hermanas retrato , evoca las pinturas de los impresionistas, y la galería completa de las primeras obras obras como "La pareja española en frente del hotel" (1900) . Los puntos brillantes de color de llevar esta imagen para protofovizmu y una clara delimitación de los contornos - un homenaje al Art Nouveau. Ese año Picasso visitó por primera vez París - La Meca de todos los individuos creativos, desde donde los talentos "mezcla infernal" de todas las naciones para crear arte moderno. En 1904, el artista se trasladó a París de forma permanente.

Picador de 1889

Palomas , 1890

Autorretrato de 1896

Matador de 1897

pareja de hispanos en frente del hotel , 1900

Período "azul""Período azul", tal vez el primer paso en la obra de Picasso, en relación con el cual podemos hablar de la principal individual, a pesar de las notas que suenan influye todavía. El primer despegue fue provocada por una depresión a largo creativo en febrero de 1901 en Madrid, Picasso supo de la muerte de su gran amigo Carlos Kasagemasom . 5 de mayo de, 1901, la artista por segunda vez en su vida llegó a París, donde todo lo recordó Kasagemasom, con quien recientemente descubrir la capital francesa. Pablo se instaló en la sala, donde pasó sus últimos días Carlos, comenzó un romance con Germaine, debido a lo cual se suicidó, habló con el mismo círculo de personas. Se puede imaginar lo que un nudo difícil para él entrelaza amargura de la pérdida, la culpa, sintiendo la proximidad de la muerte ... Todo esto de muchas maneras servido como la "basura" de la que creció "período azul". Más tarde, Picasso dijo: "Me sumergí en la nada, cuando me di cuenta de que Kasagemasom muertos."

Sin embargo, en junio de 1901 en la primera exposición de París Picasso Vollard abierta, sin embargo, no hay ninguna especificidad "azul" de 64 obras presentadas viva, sensual, influyen de manera significativa los impresionistas. En sus derechos "período azul" entró poco a poco, en las obras eran bastante estrictos contornos de las figuras, el maestro ya no se esfuerzan por imágenes "tridimensionales" comenzaron a alejarse de la perspectiva clásica. Poco a poco, su paleta cada vez menos diversa, más y más detalles en azul de sonido. El comienzo del "período azul" real, se considera que se establezcan en el mismo 1901 "Retrato de Jaime Sabartesa" . Sabartes mismo dijo de esta obra: "En cuanto a mí mismo en el lienzo, me di cuenta que fue inspirado por un amigo mío - que era todo un espectro de mi soledad, visto desde el exterior."

Las palabras clave para este Picasso realmente es el período de la "soledad", "dolor", "miedo", "vino", un ejemplo de esto es el "Autorretrato" asistente crea un par de días antes de la salida a Barcelona. En enero de 1902 regresó a España, pero no será capaz de permanecer - demasiado estrecho para él círculo español, también le hace señas a París, viajar a Francia otra vez y mantenga allí durante unos meses desesperados. Las obras no se han vendido, la vida era muy dura.

Tuvo que volver a Barcelona y última vez para permanecer más de un año. La capital de Cataluña, Picasso conoció a la alta tensión en todos los lados estaba rodeado por la pobreza y la injusticia. El malestar social que se apoderó de Europa a comienzos del siglo, las capturas y España. Esta es, probablemente, también afectó a los pensamientos y sentimientos de la artista, que trabajaba en su casa muy fructífera. Esto creó muchas obras de "período azul" como "Rendezvous (Dos Hermanas)" , "tragedia" , "Judio vieja con un niño" . Imagen Kasagemasom aparece una vez más en la película "La vida" : fue escrito en la parte superior de la obra "últimos momentos", se exhibió en la Exposición Universal de París en 1900 y se convirtió en una ocasión para el primer viaje Kasagemasom Picasso y la capital francesa. En los períodos de falta de dinero que el artista no es sólo escribir sobre las imágenes, pero en este, caso, es posible la "barbarie" y tenía algún significado simbólico - como una señal de despedida al viejo arte y Carlos, también, permanecerá siempre en el pasado.

En la primavera de 1904 la oportunidad de volver a París, Picasso y no lo dudó. Fue en París, a la espera de su nueva experiencia, nuevas personas, intereses, y un nuevo período - "rosa" , que comienza en el otoño de 1904.

Gourmet de 1901

Ajenjo de 1901

Cabeza de una mujer , Año 1902 - 1903 año

Vida de 1903

La tragedia de 1903

El asceta de 1903

Pasillo de 1904

Celestine , 1904

Período de 'Pink'"Período Rosa" en las obras de Picasso, fue relativamente corta (en el otoño de 1904 hasta finales de 1906) y no es totalmente uniforme. Sin embargo, un gran número de fotografías marcadas con el color de la luz, la aparición de una perla de color gris, ocre y rosa-rojo tonos; aparecerá y se convierten en nuevos temas dominantes - actores, acróbatas, atletas. Circo Medrano, que se encuentra al pie de la colina de Montmartre, sin duda dio mucho material para el artista. Teatralidad en sus diversas manifestaciones (trajes, gestos acentuados), una variedad de tipos de personas, bellos y feos, jóvenes y adultos, si es devuelto al artista en un mundo transformado por unos pocos, pero reales, formas, volúmenes, espacios; otra vez las imágenes llenas de vida en comparación con los caracteres del "período azul".

Ya en la exposición en la galería Serrurier (25 febrero-6 marzo 1905) se mostraron imágenes, marca el comienzo de una nueva fase del maestro: "Actor" y "Desnudo sentado". Es también el principio de la "época rosa" son notables , "Mujer en una camisa" , "Acróbatas. Madre e hijo" . Una de las obras maestras reconocidas de este periodo es la pintura "de la familia de cómicos" , que también cuenta y un tamaño considerable (más de dos metros de altura y anchura) y el ambicioso plan correspondiente.

El interés en la forma clásica apareció en "desnudo" en 1906. Las imágenes de personas jóvenes, las mujeres (por ejemplo, "El niño con caballo" o "baño" ) demuestran la belleza y tranquilidad poco común en las obras de Picasso, que está bien dentro de la estética tradicional de lo bello.

Sin embargo, en el mismo 1906 viaje a España en Gósol - un pequeño pueblo del Pirineo Catalán - dio un nuevo impulso a la búsqueda de un nuevo artista. Una persona que busca convertirse en una máscara ya se da a conocer acerca de estos impulsos.

Mujer en una camisa , el año 1904 - 1905

Actor de 1904

Aseo de 1906

Peinar de 1906

Autorretrato con paleta de 1906

Período de "África"La primera obra, Picasso volvió en la dirección de la nueva figuración, se convirtió en un retrato de Gertrude Stein en 1906. Reescribirlo unas 80 veces, el artista se desesperó traducir escritor en el estilo clásico. El artista es claramente favorable a un nuevo período creativo y siguientes de la naturaleza ha dejado de interesarle. Esta pintura puede ser considerado el primer paso en la dirección de deformación de la forma.

En 1907 Picasso encontró por primera vez el arte africano arcaico en la exposición etnográfica Trocadero en el museo. primitivos ídolos, estatuas y máscaras, en donde la forma generalizada liberado de las partes parpadeantes, encarna las poderosas fuerzas de la naturaleza, de la que el hombre primitivo no se distancia. Picasso ideología siempre que colocó el arte por encima de todo, ha coincidido con una poderosa promesa, consagrado en estas imágenes: para el antiguo arte de personas atendidas no está decorando la casa, que era la magia, domesticado espíritus incomprensibles y hostiles, que controlaban el peligro llena de vida en la tierra.

Picasso pasó en el camino, la intuición le dijo salvajes. Se hizo simplemente monumentalizirovat y simplificar la forma, por lo que sus personajes de la talla de ídolos de madera o de piedra. Esos personajes se han convertido en una máscara ritual. sombreado áspero en los planos pintorescos, reproducir muescas de la escultura africana - otro préstamo del arsenal de los antiguos maestros. Y, básicamente, lo que Picasso aprendió de los africanos "encantadores espíritus" - una fusión de caracteres con espacio, ya que el hombre primitivo no se separan de la naturaleza. Antecedentes sobre los lienzos de Picasso se ve tan tangible como la figura. Las telas africanas del periodo impresión torpe de bajorrelieves, toscamente tallados a partir de materiales naturales.

El famoso "Las señoritas de Avignon" en 1907 - un ejemplo notable de estilo africano. Composición vuelve a dibujar varias veces (en una pintura del artista trabajó durante aproximadamente un año), y las mujeres, al final se convirtió en una estatuilla gruesa con personas salvajemente deformados de los dioses africanos, sobre todo en las dos figuras de la derecha. El amor a la imagen de la belleza del cuerpo femenino inherente a los artistas de épocas anteriores, fue sustituido por un radical distorsión de la arquitectura de carrocería. La deformación de las figuras y representación esquemática de las personas que consideran el acto de la misoginia, provocó un fuerte rechazo en los primeros espectadores de la imagen.

En las siguientes obras de periodo africano de Picasso de experimentar con el método encontrado. Él apunta a un plano bidimensional del lienzo para crear la ilusión de espacio tridimensional, poblado de criaturas deformes. La segunda mitad de 1907 - el nacimiento de una cadena de caracteres distorsionados, donde el papel de los individuos - más o menos horribles máscaras africanas "Tres figuras debajo de un árbol", "La danza de los velos" , "Dryad" , "Tres mujeres" , "Cabeza de mujer" , "baño", "Autorretrato" , "cabeza de un hombre", "agricultor" .

Debido a que el comerciante y filántropo S. Shchukin, recoge los mejores de Europa, la colección de pintura francesa del siglo XX, ya en 1914, Picasso fue 51 en Rusia, incluyendo la "amistad" y "Baile de los velos." No siempre es la comprensión de las nuevas direcciones de vanguardia búsquedas de Picasso, Shchukin sabiamente observó: "... tal vez tenía razón, y yo no ..."

Autorretrato de 1907

Amistad de 1908

Farmer , 1908

Farmer , 1908

Dryad de 1908

Busto apoyado contra la mujer de 1908

Cubismo Antes de cubismo en el arte europeo es siempre un problema importante se mantuvo lifelikeness. Varios siglos de arte ha evolucionado, no teniendo este problema en cuestión. Incluso impresionistas abrieron en la historia de la pintura de un nuevo capítulo de la luz, fijar las impresiones fugaces, también, resolvieron el problema: cómo plasmar en el lienzo el mundo.

El impulso para el desarrollo de un nuevo lenguaje del arte, tal vez, fue la pregunta: ¿qué dibujar? A principios del siglo XX. los conceptos básicos del dibujo "correcta" puede enseñar a casi cualquier persona. activa el desarrollo de la fotografía, y se hizo evidente que la fijación de la imagen, el plan técnico será su patrimonio. Ante la pregunta surgió artistas: cómo el arte se mantiene viva y relevante en un mundo donde las imágenes visuales son cada vez más accesibles y fáciles replicado? Un Picasso es extremadamente simple: en el arsenal del arte tiene sólo sus propios fondos específicos - el plano de la tela, la línea, el color, la luz, y no es necesario poner al servicio de la naturaleza. El mundo exterior sólo da lugar a expresar la individualidad del creador. Exención de responsabilidad imitación plausible del mundo objetivo ofrece increíbles oportunidades para los artistas. Fue este proceso de varias maneras. En la "liberación" del color del LED, quizá, Matisse y Braque y Picasso - los fundadores del Cubismo - estaban más interesados en la forma.

Inicialmente influenciado por Picasso parte del arte ibérico y africano, en parte, las ideas se convierten en Cezanne coarsen y simplificar los contornos de las figuras y los objetos (este es el período del cubismo temprano 1906 / 07-1909 gg.). Un ejemplo es el producto de 1908 Las cifras en "agricultor" , "Dryad" , "Tres Mujeres" y "amistad" es fácil distinguir en el contexto de la web, pero que se reduce a una determinada combinación de color volumen transmitida. Cézanne dijo: "Todas las formas naturales se pueden reducir a esferas, conos y cilindros que comienzan con estos elementos básicos simples, puede hacer lo que quiera.". Se trata de "Cézanne" en este sentido es la obra de "Dos desnudos" , donde los cuerpos humanos se asemejan a las formas del mundo, prácticamente se fusionó con él. Cézanne dijo: "No es reproducir la naturaleza, sino que la representa, pero lo que los medios gráficos por la formación de los equivalentes de color?". Picasso le hizo eco: "cubismo nunca fue otra cosa que el arte por el bien de la pintura, que excluye todos los conceptos de la realidad inmaterial del color es importante solamente en la medida en que ayuda a retratar a los volúmenes.".

Muchos naturalezas muertas en 1909 pueden verse jugando con un punto de vista sobre las cosas: por ejemplo, en la web "pan y un plato de fruta en la mesa" en el jarrón y frutas mirada se dirige desde arriba, y una copa invertida - lado y ligeramente por debajo, porque no podemos ver su fondo . Toda la manipula con mayor libertad al maestro por medio del bien, ahora lo que realmente es libre de hacer con ellos ", lo que sea."

El período del cubismo "analítica" (1909 / 10-1912). Este estilo puede ser considerado en un retrato de Ambroise Vollard , en la que Picasso trabajó en 1910. La persona Marchand dan un color natural, por lo que se distingue fácilmente de una mezcla de caras, formas fragmentarias, líneas (en el retrato de Daniel Henry Kahnweiler color de la cara apenas se destacó y el trabajo parece más formal y fría). El color en las obras de este período, sólo hace hincapié en los volúmenes y permite revelar la esencia de la imagen plástica del objeto. En la expansión de las formas de tema totalmente en pequeñas partes heterogéneas Picasso dijo: "El espectador ve una imagen sólo en partes; siempre sólo un fragmento del tiempo: por ejemplo, la cabeza, pero no el cuerpo, si se trata de un retrato, o el ojo, pero no la nariz o la boca ahí. todo lo que siempre tiene la razón ".

En las obras de cubismo sintético, que data de los años 1912-1914 se utilizan a menudo la técnica del collage , que incluyen la hasta ahora elementos "extraños" arte (papel, tela, granos de arena, tierra) y convertido en algunos de los objetos de arte que conforman que solamente algunas coincidencia de similitud , mirando a la imagen dada una cierta dirección, pero no se presentó el tema en sus "condiciones" (como ejemplo, la obra "Guitarra" en 1913 y "composición con las uvas y las peras cortadas" 1914).

Sin embargo, el aumento de la corrupción y la distorsión de las formas (sobre todo el período del cubismo analítico) condujeron al hecho de que el público comenzó a percibir como resumen de obras cubistas, que Picasso no traje. Para él era importante que el público, en primer lugar, se hace reaccionar emocionalmente a la lona, y en segundo lugar - llamó la promesa de autor inherentes al producto, y - de preferencia - a obedecerle. Con la abstracción pura ya que no siempre es posible. Por lo tanto el cubismo, abre muchas nuevas oportunidades para las bellas artes, dejó gradualmente de estar interesado en el maestro que lo creó.

Baño de 1908

Desnudo de 1909

La joven de 1909

Desnudo de 1910

Violín de 1912

Guitarra de 1913

Gambler , año 1913 - 1914

Harlequin de 1915

Naturaleza muerta con guitarra de 1921

Período "Clásico"1910 resultó ser bastante complejo para Picasso. En 1911 se puso de manifiesto la historia de la adquisición y posesión de robado de las estatuillas Louvre, que mostraron limitaciones Picasso de su propio poder moral, humana: él también era incapaz de resistir directamente la presión de las autoridades, y para mantener la lealtad a la amistad (en el primer interrogatorio que estaba tratando de negar incluso el hecho de explorar Appolinaire, "gracias" a la que se vio involucrado en este desafortunado incidente). En 1914 la Primera Guerra Mundial y se hizo evidente que Picasso no está listo para luchar por Francia, que se convirtió en su segunda casa. También crían sus muchos amigos. En 1915 murió Marcel Humbert .

Quizás es en este período de Picasso a entender verdaderamente a sí mismo (y su apertura no siempre se resultó ser agradable) y se dio cuenta de que él era en gran parte interesada sólo en la pintura, pero que está dispuesto a hacer sacrificios, sino para servir a ella: "El arte nunca es aburrido mí, y yo no podría vivir sin darle todo el tiempo. lo amo como el único objetivo de su vida ".

El cubismo se convirtió gradualmente en Picasso ya vivió la experiencia interna, para liberar a su pincel. Más tarde, dijo. "Si se piensa en ello, probablemente pintor sin estilo" estilo "es a menudo sólo se une al artista, lo que le obligó a un punto de vista sobre las cosas, las mismas técnicas, la misma fórmula, y así año tras año, veces de por vida ". Esto, por supuesto, no era el caso de Picasso, el arte temerario desesperada.

En el regreso a la pintura sea más legible, figurativa influenciada por la lógica de la evolución artística de Picasso, y factores externos: la relación con la compañía de ballet de Sergei Diaghilev, un viaje a Roma, donde todo está literalmente sobresaturado de la antigüedad, con su interés en la carne, el cuerpo humano, toda la monumental y financieramente. Olga Khokhlova , una bailarina de ballet ruso, y pronto se convirtió en la esposa de Picasso y la madre de su primer hijo, también quiso reconocerse a sí mismos en sus propios retratos. El deseo de la persona amada, por supuesto, de ninguna manera afectaría el maestro, si no hubiera coincidido con su espíritu interior. Pero a finales de los años 1910, todos estos factores se juntaron y se identificaron una nueva etapa en la obra del artista. Por lo tanto Picasso, creando una muy realista, al parecer, la imagen continúa sus experimentos. Por ejemplo, el famoso "Retrato de Olga en un sillón" 1917 es también una especie de Picasso experimental muy interesado activamente en la fotografía y su típica forma aplanada y la distorsión del espacio, y esto se refleja en estas obras.

A este período pertenecen también los retratos gráficos overact y notables del círculo de figuras de Diaghilev, como "Retrato de Igor Stravinsky" .

En los 1920-30s de aire. interés, por una parte, al arte monumental, por el otro - a la "nueva objetividad" en la obra de Picasso se materializa, por ejemplo, "la mujer que se ejecutan en la playa" de 1922 en el que rinde homenaje a estas tendencias, y al mismo tiempo expone sus burlas.

Cabeza Piero de 1917

Mujer 1 de 1917

Pierrot , 1918

Harlequin de 1918

Tres bailarines , año 1919 - 1920

baile país , el año 1922 - 1923

Amantes , 1923

Las tres gracias , 1925

SurrealismoLa división en períodos de creatividad - una forma estándar para meterse en el marco de la técnica y ordenar a través. En el caso de Pablo Picasso, un pintor sin estilo o, más bien, un artista de muchos estilos, este enfoque es arbitraria, sino que se utiliza tradicionalmente. Período de Picasso proximidad al surrealismo encaja cronológicamente en el marco de 1925 - de 1932. Por regla general, a lo largo de cada etapa estilística en cierta suprema musa del artista. Estar casada con un ex bailarina Olga Khokhlova, anhelado "de reconocerse en las pinturas" de Picasso los inventó, junto con Georges Braque cubista se volvió hacia el neoclasicismo.

Cuando, en la vida del artista se convirtió en una joven rubia Marie Thérèse Walter , el artista tuvo un giro hacia el surrealismo. Preparado y que se estaba comunicando con la obtención de fuerza, mientras que los surrealistas. Dos factores: "persona interesante" Mademoiselle Walter, escriben que el artista se incendió, informar inmediatamente de nuevo amigo que "juntos vamos a hacer grandes cosas", y la proximidad al círculo de Henri Breton trabajado de forma simultánea. Es en la Galería Pierre en 1925 de Picasso por primera vez participó en una exposición colectiva de los surrealistas (se "iluminó" sólo en las exposiciones personales).

Ya en el primer número de la "revolución surrealista" aparecido diseño Foto por Picasso en 1914, el segundo número es dos páginas dedicadas a los dibujos del artista, y en el cuarto (de 15.07.1925) se publicó la reproducción escandalosa "Las señoritas de Avignon" , escrito 18 años antes. De hecho, fue gracias a Bretón rollo de tela se desplegó, recuperado de un rincón oscuro del taller y vendido colector Jacques Doucet. En un artículo sobre Picasso desde el mismo número de cuatro Andre Breton analiza las causas de la propia admiración del maestro y habló, que la realidad no es sólo lo que vemos, y el pintor tiene que penetrar en el modelo, que es un "concepto nacional". La comprensión en el modelo, y puede ser llamado numerosos retratos de María Teresa, que pertenece a la herencia surrealista de Picasso.

Las pinturas "La mujer con una flor" (1932) , "dormir en el espejo (Marie Thérèse Walter)" (1932) , "Desnudo sobre un cojín rojo (María Teresa)" (1932) y otra Picasso explora su último modelo como un niño, desarme parte de un juguete nuevo para ver lo que estaba dentro de su hilado y chillidos. El cuerpo como una forma para el estudio de separar en trozos, fragmentos de torcido y doblado de una manera nueva. Artista como averiguar qué pasaría si Circuitos Diseñador plegado? Y si - de esa manera?

Sin embargo, las líneas fluidas y Retrato "casa comodidad" de María Teresa no descarta la aparición de otros documentos, que pueden clasificarse como una firma Breton credo: "La belleza será convulsiva o no será". La primera obra en la que los artista experimenta con la clasificación de órganos humanos en pedazos y doblarlos en nuevas combinaciones - "Tres bailarines" (1925) . En 1930, Picasso pintó otro cuadro de la plena expresión - "Crucifixión" , que se considera un paso histórico en el camino de los "Tres bailarines" al "Guernica" (1937) .

En el mismo período creó numerosos bañistas - algunos de ellos único par designado de parches de color ( "bañista, la apertura de la parada" (1928) ), en otras pinturas hay otra vivisección del cuerpo femenino y la estructura de sus monstruos componentes: "Bañista con los brazos en alto ' (1929) , "los bañistas, sentada frente al mar" (1930) , "Girl, lanzamiento de piedras" (1931) , "las cifras en la playa" (1931) .

Las relaciones entre Picasso y María Teresa se reflejan en los ciclos de gráficos, donde el surrealismo entrelaza con motivos clásicos antiguos. En 1930, una serie de grabados "Júpiter y Semele Love" fue una demostración de la identidad principal favorecedor, a asociarse con Júpiter, que en el amor con un simple mortal, y luego quemó su brillantez. En 1933 seguido por una serie de 11 grabados del Minotauro - ilustraciones de las "Metamorfosis" de Ovidio con el culto de la masculinidad desenfrenada, predicado por el artista.

Un enfoque constructivo a la naturaleza traído a la vida y los experimentos de plástico - esculturas y bustos de joven amante, tallada en el castillo Buazhelu en el que Picasso "esconder" su "Lolita": Cabeza de mujer "(1932) ," Reclining Woman "(1932), así como diseños abstractos y figuras ( "un hombre con un ramo de flores", 1934). El monumento en la tumba de Picasso - también un producto del período objeto de examen: esta escultura "Mujer con un florero", que sirvió de modelo para todos la misma, María Teresa. La figura fue esculpida en 1933 en bronce, y en 1937 se consolidó una copia en exhibición en la Exposición Internacional de París, así como la pintura "Guernica" (1937).

Resumir el deambular de siete años en la selva de surrealista de Picasso puede ser sus propias palabras: "Me imagino a los objetos como las pienso, no como lo veo."

Cara de 1926

Figura de 1927

Besar de 1929

Acrobat , 1930

Hijo de 1932

Cabeza de mujer , 1932

La guerra de España y la Segunda Guerra Mundial

Guernica de 1937

Pidiendo , en 1937

Peinar de 1938

Serenata de 1942

Café 1 de 1943

El hombre con el cordero , el año 1943 - 1944

Bacanal de 1944

Aún así , en 1945

La cripta de 1945