L’autunno rap del panorama musicale americano

Dopo una primavera pop, caratterizzata da una pioggia di album come Brat di Charli XCX, The Rise And Fall Of A Midwest Princess di Chappell Roan, Hit Me Hard And Soft di Billie Eilish e Short n’ Sweet di Sabrina Carpenter, il nuovo continente ci offre nuova musica. Questa volta, però, non sono le voci delle cantanti statunitensi a dominare la stagione, ma due album rap e hip hop usciti recentemente. Stiamo parlando di Chromakopia di Tyler, The Creator e Alligator Bites Never Heal di Doechii. I due artisti statunitensi hanno molte differenze: uno viene dalla West Coast Californiana, l’altra dalla East Coast di Tampa, uno mescola rap e musica alternativa, l’altra R&B e pop. Ma i due hanno anche molte similarità, come la trasgressività, il tema dell’identità e dell'auto espressione e lo stile eclettico.

                                              Chromakopia di Tyler, the Creator

   “You are the light / It's not on you, it's in you / Don't you ever in your life / Dim your light for nobody”

Tyler the Creator (o Tyler Gregory Okonma) è un rapper statunitense cresciuto nel West side, in California, precisamente a Ladera Heights, un posto che Frank Ocean (suo amico e collaboratore) definirebbe come ”The black Beverly Hills” ovvero la Beverly Hills nera. Ladera Heights è infatti nota per essere la patria di molte persone ricche e benestanti di discendenza afroamericana – da qui il paragone con Beverly Hills, luogo dove risiedono molte star del cinema e dell’industria musicale. Non c’è da stupirsi, quindi, se il giovane Tyler crescendo abbia avuto molti riferimenti culturali e musicali a portata di mano (basti pensare all’amicizia con Pharrell Williams). Già da giovanissimo inizia a suonare il pianoforte e a scrivere i primi pezzi, poi escono Goblin e Wolf, due album che avvieranno la sua carriera rap. 

Il cantante ha recentemente avuto molto successo grazie ad alcuni suoi pezzi come See You Again con Kali Uchis, Earfquake e New Magic Wand, entrambi appartenenti a IGOR.

Chromakopia è uscito lunedì 28 ottobre, una cosa anticonvenzionale nel mondo della musica. A questo riguardo, l’anno scorso Tyler, The Creator ha rilasciato un’intervista:

«I think we should put music out again on Tuesdays instead of Fridays for some reason. I know people think ‘cause of the weekend they can listen to stuff and streams go up. And stream people are like :“Oh, streams go up on the weekend” but I think there’s a lot of passive listening. (For example) at parties, or people get the time to go to the gym, but they’re not really listening. And people on the weekend, they want to chill and hang out so they’re not really listening. But I think if you put it out during the week, man that commute to work, or that commute to school, or just whatever that is (...) you really have that hour or that 30 minutes to really dive in and really listen. ‘Cause you know, once it’s over, you got to get to work»

«Credo che dovremmo rilasciare la musica di nuovo nei martedì invece dei venerdì, per svariati motivi. So che [i produttori delle case discografiche] pensano che durante il weekend [le persone] ascoltano [la nuova musica] e gli stream salgono. E i produttori pensano “Oh, gli stream salgono durante il fine settimana”, ma credo che ci sia molto ascolto passivo. [Ad esempio] alle feste, o la gente riesce ad andare in palestra, ma non stanno davvero ascoltando. E le persone nei weekend vogliono rilassarsi e uscire, quindi non stanno davvero ascoltando. Ma credo che se la pubblichi durante la settimana, Dio, quel tragitto casa-lavoro, o quel tragitto casa-scuola, o qualsiasi cosa sia [...] hai davvero quell’ora o quei 30 minuti per immergerti davvero (nell’ascolto) e ascoltare. Perché sai che, una volta finito, devi iniziare a lavorare.»

Nardwuar vs. Tyler, The Creator (2023)

In questo caso, quindi, Tyler ha fatto di testa sua, essendo il produttore ufficiale del suo album. Trasgressive sono le premesse dell’album, trasgressivo è il primo singolo uscito, ovvero St. Chroma. Tutto della prima canzone del nuovo album è anticonvenzionale. 

Ad esempio, i colori utilizzati nel video musicale di St. Chroma, il primo singolo pubblicato, sono una metafora visuale del messaggio che l’artista vuole comunicare. L’ampio uso del bianco e nero all’inizio del video indica momenti di riflessione silenziosa e monotonia, mentre i colori accesi e saturi rappresentano la rottura con il vecchio modo di pensare e un’attenzione particolare alle emozioni più fondamentali. L’utilizzo del bianco e nero si ricollega al ritmo di marcia che sentiamo nella prima canzone, che scandisce in modo meccanico e costante la parte iniziale del brano. Questo concetto si ricollega ai versi:

P said I could do it too, and boy, did I believe him

I built a path of freedom ‘cause them words that he said 

Give a f***k about tradition, stop impressin’ the dead

P ha detto che potevo farlo anch’io, e caspita, se ci ho creduto

Ho costruito un percorso di libertà grazie a quelle parole (che ha detto)

Non me ne frega un c***o delle tradizioni, smettiamola di stupire i morti

Il “P” a cui Tyler si riferisce è Pharrell Williams, e, in particolare, al suo brano “You Can Do It Too” (puoi farlo anche tu) del 2006, dove incitava i giovani ragazzi appassionati di musica a intraprendere una carriera musicale. Pharrell è stato una figura di riferimento per Tyler, The Creator, e gli ha comunicato uno slancio innovativo che lo ha portato ad autodefinirsi una persona a cui non piace seguire le regole (ad esempio, nel suo brano DEATHCAMP).

Oltre alla sua intraprendenza, in Chromakopia troviamo anche un forte sperimentalismo musicale e molte features (come, per citarne alcuni, Daniel Caesar e la stessa Doechii). Infatti, a questo riguardo, potremmo dire che il cantante indossa i panni di una specie di direttore d’orchestra che coordina gli altri artisti, specialmente in brani con molte collaborazioni. A questo proposito è interessante ricordare che l’album è stato interamente scritto, arrangiato e prodotto da Tyler, the Creator. Alcuni fan, poi, hanno notato la somiglianza tra l’estetica di Chromakopia e quella di Chroma il Grande, un personaggio del libro per bambini Il casello magico (The Phantom Tollbooth). Nel libro, Chroma è il direttore dell’orchestra dei colori, e il suo compito è dirigerli nell’alba e nel tramonto – questi gli ennesimi riferimenti ai colori e al bianco e nero ampiamente utilizzati nei video musicali.

Oltre alle tante collaborazioni, in Chromakopia troviamo anche molti sample con la voce di Louise Anna Bolton, la madre del cantante. In un’intervista, Tyler, parlando dell’album, dice:

«(...) ora l'album si è trasformato in me che riprendevo un mucchio di cose che mia madre mi diceva da bambino. Ora che ho 33 anni tutte queste cose hanno un senso. Mi dico :"Oh, ecco di cosa stava parlando. Oh, non sono più il ragazzo che ero a 20 anni. Tipo, oh, la gente sta invecchiando... La gente ha figli e famiglie e tutto quello che ho è una nuova Ferrari". E mi sembra un po' strano. Sto ingrassando, ho i peli grigi sul petto (...). Non lo so, volevo solo scrivere di cose a cui penso quando sto male.»

Tyler The Creator durante un suo concerto, in una registrazione di Complex Music (2024)

I temi dominanti di questo album, infatti, sono il passaggio dall’adolescenza all’età adulta, la relazione con la figura paterna, le pressioni sociali e la libertà personale, l’amore e l’ambizione.

Vediamo in particolare alcune tracce:

• In Tomorrow vediamo un Tyler spaventato dal futuro e dalle responsabilità che esso comporta. In particolare l’artista parla delle pressioni esercitate da sua madre, desiderosa di avere dei nipoti, e che lo incita a mettere su famiglia. Nel brano, inoltre, l’artista si concentra sulla vecchiaia di sua madre (che è la sua principale sostenitrice) e sul suo stesso invecchiamento (“few wrinkles on my spirit” – “un po’ di rughe nel mio spirito”)

• Mettere su famiglia implica, in molti casi, trovare un compagno o una compagna con cui impegnarsi. L’artista parla anche di questo, in un brano molto personale e introspettivo come il primo, ovvero Darling, I. Nella quarta traccia di Chromakopia, Tyler esplora il suo modo di approcciarsi alle relazioni sentimentali, ammettendo di essere spaventato dall’idea di passare tutta la sua vita con la stessa persona e di avere dei figli. Inoltre confessa, sulle stesse note di Tomorrow, di essere intimorito dall’avanzare del tempo e dal suo stesso invecchiamento. Verso la fine della prima strofa, però, dice che la musica lo soddisfa più di quanto ogni relazione romantica possa fare.

• I dubbi e le incertezze che il cantante ha sul suo mondo emotivo potrebbero essere un bagaglio che porta avanti sin dall’infanzia. Infatti, nel brano Like him (forse quello più famoso dell’intero lavoro) viene trattato il tema dell’abbandono da parte del padre. Questo è uno degli argomenti più toccati nella storia musicale del cantante, infatti vi troviamo molto spesso riferimenti, specialmente in Answer, un brano del 2013. La canzone parla del fatto che l’assenza paterna non l’abbia influenzato direttamente, ma indirettamente, attraverso la mancanza di spiegazioni precise da parte della madre su che tipo di persona fosse il padre. Il brano, infatti, si apre con un sample con la voce di Louisa (la madre) che dice a Tyler che, fisicamente, il cantante assomiglia in tutto e per tutto al padre, e si chiude con la stessa Louisa che chiede al figlio di non incolpare il padre per essersene andato, ma di incolpare lei perchè è stata troppo avventata nel desiderare un bambino. Nonostante ciò, però, Tyler, in qualità di figlio, ammette che ha avuto tutto ciò di cui aveva bisogno dalla madre “You gave me love / And affection, attention – Mi hai dato amore / E affetto, attenzioni ” e per questo esprime gratitudine verso di lei.

• Ed è con questo approccio positivo e pieno di speranza che, dopo Like Him, Tyler inserisce nella sequenza di canzoni Balloon, una collaborazione con la rapper Doechii. In questo penultimo brano, vengono toccati temi che i due cantanti hanno in comune: il successo, l’ambizione, l’etica del lavoro e il disprezzo per la superficialità altrui. Da un punto di vista musicale, il ritmo del pezzo è molto più veloce; non una ballata riflessiva, scandita dalle note di un pianoforte malinconico, bensì un pezzo puramente hip hop, quasi pop. Il brano si concentra sulle prospettive lavorative dei due.  Da una parte Tyler dice di lavorare senza sosta per “il profitto della sua stessa anima” (...Why I work so hard? My soul profit), un verso in cui molti fan hanno visto un riferimento al lavoro di altri cantanti, spesso rapper, che ignorano questo aspetto della loro carriera. Dall’altra parte, invece, troviamo Doechii, che, sulla stessa lunghezza d’onda del collega, evidenzia i traguardi ottenuti e il consolidamento della sua personalità a livello musicale, che, nell’ultimo decennio, è emersa sempre di più. 

                                          Alligator Bites Never Heal di Doechii

                                                   “Let's start the story backwards”

Queste ultime considerazioni  ci portano a una domanda: chi è Doechii? 

Doechii, pseudonimo di Jaylah Hickman, è una cantante e rapper statunitense nata e cresciuta a Tampa, in Florida. Questo aspetto della sua personalità, ovvero la sua forte identità floridana, è di rilievo nella sua musica, specialmente nell’ultimo album. Già negli anni passati, però, la giovane rapper si è fatta strada nel mondo della musica con il successo di What it is del 2020, un brano che le è valso un posto nella top 30 della Billboard Hot 100 e una certificazione platino dalla Recording Industry Association of America. Nello stesso anno, Doechii ha pubblicato Oh The Places You’ll Go, album da lei citato in un brano del disco più recente, ovvero Alligator Bites Never Heal. Pubblicato il 30 agosto del 2024, la nuova uscita ha già garantito alla rapper tre candidature ai Grammy Awards del 2025, nelle categorie miglior album rap, miglior interpretazione rap e miglior artista esordiente. Si deduce subito, quindi, che l’ultimo album abbia avuto un grandissimo successo negli Stati Uniti: infatti si può dire che questa uscita abbia rappresentato un punto di svolta nella carriera della cantante, portandola ad ottenere un maggior riconoscimento sia dal pubblico che dalla critica. Alcuni dei temi esplorati nelle tracce dell’album sono la resilienza, la lotta personale interiore e l'auto esplorazione. Per quanto riguarda il tema della  lotta, la rapper mette in evidenza l’analogia tra il suo approccio alle sfide personali e il comportamento di un alligatore che, se minacciato, esegue una manovra chiamata death roll.

«The alligator performs a spinning maneuver known as the "death roll" to submerge and dismember its prey underwater. This past year I've grappled with what felt like a relentless death roll in my life: a dance of drowning in my own vices, battling differences with my label and a creative numbness that broke me. (...) in my research about alligator attacks, I found that a common thread in each survivor was that the main reason they survived is because they fought back. This mixtape is my fight back. I am nobody's prey; I was born to be the predator.»

«L'alligatore esegue una manovra di rotazione nota come "death roll” per immergere e smembrare la sua preda sott'acqua. L'anno scorso sono stata alle prese con quello che sembrava un implacabile death roll nella mia vita: una danza di annegamento nei miei stessi vizi, lottando contro le incomprensioni con la mia etichetta e un blocco creativo che mi ha distrutto. [...] Nella mia ricerca sugli attacchi degli alligatori, ho scoperto che un filo conduttore in ogni sopravvissuto era che il motivo principale per cui sono sopravvissuti è perché hanno reagito. Questo mixtape è la mia rimonta. Non sono la preda di nessuno; sono nata per essere il predatore.»

Doechii dal suo profilo Instagram (2024)

C'è un brano, tra tutte le straordinarie tracce di Alligator Bites Never Heal, che ha colpito il pubblico in modo particolare: stiamo parlando di DENIAL IS A RIVER. In questa canzone la cantante, in un dialogo con un’interlocutrice immaginaria, racconta la sua carriera musicale e la sua vita personale da dopo il suo ultimo successo, Oh The Places You'll Go. La narrazione va di anno in anno, ed è scandita dalle risposte dell’interlocutrice, probabilmente una sua vecchia amica con cui non aveva rapporti ormai da molto tempo, come fa intendere il verso iniziale “Hey, I thought it was all over!” (Hey, pensavo fosse tutto finito!)

• (2019-2021) Dopo la domanda iniziale dell’amica “So, why don't you tell me what's going on?” (Quindi, perché non mi dici come sta andando?), la cantante parla del tradimento del suo ex compagno, che si è rivelato essere queer. Questo ha avuto ovviamente delle ripercussioni negative sul suo stato emotivo, ma, nel proseguimento della sua vita, ha pubblicato un paio di altre canzoni ed è riuscita ad andare avanti positivamente con la sua carriera.

• (2021-2022)  Con il lavoro arriva anche il successo: infatti la cantante parla della reazione che ha avuto la sua etichetta discografica al successo con What It Is, un brano che è diventato molto famoso su internet, specialmente su Tik Tok. La rapper racconta, parlando direttamente con l’amica, della sorpresa che ha provato e del fatto che l’etichetta volesse più musica del genere da lei. In un’intervista a Genius la cantante parla di questo aspetto, contestando l’idea che chi vende è un buon cantante o un buon artista, sottolineando che per lei la priorità assoluta è fare musica, a prescindere da quanto possa vendere.

• (2023) Parlando del 2023, Doechii valuta sia aspetti negativi che positivi. La cantante osserva che in quel periodo ha guadagnato molto e la sua vita lavorativa stava andando a gonfie vele. Ma, allo stesso tempo, è anche in uno dei momenti più bui della sua vita: a livello personale, parla di un blocco creativo e di un circolo vizioso di dipendenze, dall'alcool alla droga. Nella stessa intervista citata sopra, Doechii dice di essere una rockstar, e che le piace fare festa e divertirsi. Nonostante questo, riconosce la gravità del suo problema, ammettendo che la sua vita si stava concentrando  solo su quell’aspetto nocivo. La rapper racconta che, per uscire da quel periodo buio, è stato fondamentale riconoscere il problema e farsi aiutare.

• Nei versi finali, Doechii racconta un episodio molto triste, definendolo “il picco del suo periodo più buio”. Il suo ex compagno, una persona a cui ha voluto tanto bene, distrugge tutto ciò che ha – non specificando se intendesse qualcosa di materiale o astratto. Inizialmente la sentiamo commentare questo episodio in un tono ironico (“Whoopsie, made a oopsie”). Ma, negli ultimi due versi la sua voce cambia totalmente intonazione, diventando un borbottio rabbioso che la cantante confessa di aver ereditato dalla tradizione del rap classico, da cantanti come Eminem o Nicki Minaj, che modulano la loro voce esprimendo, seppur in modo palesemente forzato, la loro frustrazione.

L’autunno dell’anno scorso si è concluso con la pubblicazione di un album a sorpresa di Kendrick Lamar il 22 novembre 2024, GNX, che, con 12 tracce inedite, ha stupito tutti i suoi fan. Il disco vanta, inoltre, due collaborazioni con la cantante Sza.

È un lavoro all’altezza della precedente uscita, Mr. Morale & the Big Steppers?...

Se volete scoprirlo, ci vediamo alla prossima puntata!

Sitografia:

Tyler The Creator: 

https://youtu.be/JGY71JdCny4?si=VdcTM2HxhhREHqR- 

https://www.instagram.com/reel/DBqQFR1xSmB/?igsh=NXB4dzB5cGZ5OXdx 

Doechii:

https://youtu.be/J53Z9WPc9fE?si=o-diYUNGq-t2XSUA

Sofia Defendenti

Nata il 20 Febbraio del 2003, Olivia Rodrigo è diventata celebre per aver interpretato il ruolo da protagonista nella serie TV “High School Musical: The musical - La serie”. Come musicista, la sua fama comincia nel 2021, quando esce il suo singolo Driver License, seguito da brani come Deja Vu e Good 4 U, tutti compresi nel suo album Sour.

Successivamente, l’8 settembre dell’anno scorso esce il suo album più recente, Guts, che pochi giorni dopo finisce al primo posto in classifica della Billboard 200, e per cui riceve sei nomination per i Grammy Awards. Due mesi dopo esce il singolo protagonista di questo articolo, Can’t Catch me now.

Il Testo

There's blood on the side of the mountain

There's writing all over the wall

Shadows of us are still dancin'

In every room and every hall

There's snow fallin' over the city

You thought that it would wash away

The bitter taste of my fury

And all of the messes you made

Yeah, you think that you got away

C’è del sangue sul fianco della montagna

Ci sono cattivi presagi ovunque

Le nostre ombre stanno ancora danzando

In ogni stanza e in ogni sala

Cade neve sulla città

Credevi che avrebbe lavato via 

L’aspro sapore del mio rancore

E tutto lo scompiglio che hai creato

Sì, credi di averla scampata

But I'm in the trees, I'm in the breeze

My footsteps on the ground

You'll see my face in every place

But you can't catch me now

Through wading grass, the months will pass

You'll feel it all around

I'm here, I'm there, I'm everywhere

But you can't catch me now

No, you can't catch me now

Ma sono negli alberi, sono nella brezza

Le mie impronte nel terreno

Vedrai il mio viso ovunque

Ma ora non mi puoi afferrare

Attraverso i prati, i mesi passeranno

Lo sentirai attorno a te

Sono qui, sono là, sono ovunque

Ma non puoi afferrarmi ora,

No non puoi avermi ora

Bet you thought I'd never do it

Thought it'd go over my head

I bet you figured I'd pass with the winter

Be something' easy to forget

Oh, you think I'm gone 'cause I left

Scommetto che credevi che non l’avrei mai fatto

Pensavi che l’avrei lasciato passare

Scommetto che credevi che sarei passata come l’inverno

Che sarei stata qualcosa di facile da dimenticare

Credi che io sia scomparsa solo perchè me ne sono andata 

But I'm in the trees, I'm in the breeze

My footsteps on the ground

You'll see my face in every place

But you can't catch me now

Through wading grass, the months will pass

You'll feel it all around

I'm here, I'm there, I'm everywhere

But you can't catch me now

No, you can't catch me now

Ma sono negli alberi, sono nella brezza

Le mie impronte nel terreno

Vedrai il mio viso ovunque

Ma ora non mi puoi afferrare

Attraverso i prati, i mesi passeranno

Lo sentirai attorno a te

Sono qui, sono là, sono ovunque

Ma non puoi afferrarmi ora,

No non puoi avermi ora

You can't, you can't catch me now

I'm coming' like a storm into your town

You can't, you can't catch me now

I'm higher than the hopes that you brought down

You can't, you can't catch me now

I'm coming' like a storm into your town

You can't, you can't catch me now

I'm higher than the hopes that you brought down

You can't, you can't catch me now

I'm coming' like a storm into your town

You can't, you can't catch me now

You can't, you can't, you can't

Non puoi, non puoi afferrarmi ora

Sto arrivando come una tempesta nella tua città

Non puoi, non puoi afferrarmi ora

Sono più grande delle speranze che hai demolito

Non puoi, non puoi afferrarmi ora

Sto arrivando come una tempesta nella tua città

Non puoi, non puoi afferrarmi ora

Sono più grande delle speranze che hai demolito

Non puoi, non puoi afferrarmi ora

Sto arrivando come una tempesta nella tua città

Non puoi, non puoi avermi ora

Non puoi, non puoi, non puoi

There's blood on the side of the mountain

It's turning a new shade of red

Yeah, sometimes the fire you founded

Don't burn the way you'd expect

Yeah, you thought that this was the end

C’è del sangue sul fianco della montagna

Sta diventando di una nuova sfumatura di rosso

A volte il fuoco che appicchi

Non brucia nel modo che ti aspettavi

Credevi che questa fosse la fine

(Attenzione: questo testo è pieno di riferimenti ai film della saga Hunger Games e Hunger Games: La ballata dell’usignolo e del serpente, perciò ci sono alcuni spoiler!)

Prima di iniziare con l’analisi è necessario fare una premessa. Nella prima saga, ambientata 65 anni prima, Coriolanus Snow è l’antagonista, feroce dittatore che governa la nazione di Panem (che coincide con il Nord America). La ballata dell’usignolo e del Serpente esplora, appunto, il personaggio di Coriolanus, cercando di spiegare come e perché sia diventato il mostro che governa una nazione che ogni anno esige due tributi (un uomo e una donna) da ogni distretto, e che manda a combattere all’ultimo sangue in un’arena, facendo sì che sopravviva un solo vincitore. Questo massacro diventa un tetro spettacolo televisivo per i cittadini dello Stato che sottomette tutti i distretti – Capitol City.

Il film mira, appunto, a far scoprire al pubblico a cosa servano gli Hunger Games e chi sia Snow. 

All’ultima domanda risponde in questa canzone il personaggio di Lucy Gray Baird, tributo femminile del dodicesimo distretto ai decimi Hunger Games. La sua è, appunto, la voce narrante di questa canzone, che si apre con i versi in rosso, che fanno intuire un cattivo presagio, menzionando il sangue, simbolo del personaggio di Snow. Il rosso sangue, infatti, è un colore che Coriolanus continua ad indossare nel corso del film e che aumenta d’intensità man mano che il suo personaggio si evolve, fino a diventare il futuro e spietato dittatore, antagonista della prima saga, che indossa molto spesso (se non sempre) abiti di un colore rosso livido.3

Nei versi in verde, invece, troviamo un tono più gentile, diverso da quello cupo e profetico dei primi due. Questo ci fa intuire il legame che lega (o meglio, legava) i due personaggi. Coriolanus, infatti, è stato il mentore di Lucy Gray nel corso dei giochi, perciò il suo ruolo era quello di prendersi cura della sua immagine e far sì che vincesse gli Hunger Games. Questo rapporto  ha avuto un ruolo rilevante sull’emotività di Lucy Gray, che, come tutti i tributi, era in condizioni pessime, sia fisiche che psicologiche. Per questo, Snow è riuscito a sfruttare questa condizione per stabilire un legame tra di loro, al limite della manipolazione, allo scopo di influenzare al massimo il suo comportamento negli Hunger Games. Questo rapporto (prima di amicizia, poi amoroso) riuscirà a realizzare l’intento di Snow, perciò Lucy Gray vincerà i giochi. Più avanti nel film, i due personaggi si ricongiungeranno, e vivranno alcuni attimi di felicità e tranquillità prima di separarsi di nuovo, a causa di un evento tragico. I versi in verde parlano proprio di questo, dei ricordi dei bei momenti che Lucy Gray ha avuto, legati ad un Coriolanus (o Corio, così amorevolmente chiamato dalla cugina Tigris) diverso da quello che vediamo nella prima saga.

I versi in giallo, però, ci fanno accorgere del fatto che Lucy Gray non è semplicemente stata un burattino nelle mani di Snow: infatti, non si è fatta manipolare tutto il tempo, senza rendersi conto di che persona fosse Coriolanus, ma sperava che lui riuscisse a cambiare. Anche lo stesso Coriolanus aveva la medesima speranza: infatti, verso la fine del film, lo vediamo sempre più tenebroso, sempre più maniacale, sempre più intento a nascondersi e nascondere i segni di quello che sarebbe diventato. A questo fanno riferimento gli ultimi versi prima del ritornello: la neve che cade è, infatti, il simbolo della repressione forzata di Snow - due immagini il cui accostamento stona, ma che sono ugualmente rappresentative del modo di agire del protagonista. La repressione, molto spesso paranoica, infatti, è una delle caratteristiche principali di Snow: prima la vediamo nella saga del 2013, in cui lo scopo è quello di contenere la ribellione dei distretti, guidata da Katniss Everdeen. Nell’ultimo film, però, la repressione si riflette maggiormente sul piano personale: Coriolanus lotta contro la sua parte peggiore, cercando di soffocarla, come la neve che avrebbe dovuto lavare via tutto ciò che aveva fatto. Una parte di questo odio per sé stesso lo trasmette alla figura di Lucy Gray, il cui fantasma, come vedremo più avanti nella canzone, continuerà a perseguitarlo.

Questo ultimo concetto si riflette nei versi in blu, in cui troviamo un tono insistente, quasi persecutorio, che tormenta l’ascoltatore. Questo tono potrebbe far riferimento alla ghiandaia imitatrice, figura sempre presente (sia nella prima saga, che nel film più recente) e protagonista della copertina della versione originale del libro La ballata dell’usignolo e del serpente, da cui è tratto il film. La ghiandaia imitatrice è una specie di volatile che abita le foreste che frequentano i protagonisti: la caratteristica principale degli stormi delle ghiandaie è quella di ripetere un suono più e più volte. Nella saga del 2013 è il simbolo della rivolta, che Katniss Everdeen - tributo femminile del distretto 12, come Lucy Gray - utilizzerà più volte per incitare i distretti a ribellarsi contro Capitol. É interessante osservare come Katniss, all’inizio della saga, non conosca la ghiandaia imitatrice che abitava le foreste del distretto 12 solo sessant'anni prima. Molti hanno teorizzato che Snow, terrorizzato dal fantasma di Lucy Gray, abbia deciso di sterminare tutte le ghiandaie che abitavano quei boschi. Coriolanus incontrerà più volte le ghiandaie nel corso del film: verso la fine, in un momento d’ira, arriverà anche a sparare ai poveri uccelli, che lo stavano tormentando, continuando a imitare il suono della voce di Lucy Gray. Non è chiaro se il suono che Snow sentiva in quel momento fosse reale o fosse una sorta di allucinazione paranoica. Come la ghiandaia imitatrice, prima Lucy Gray, poi Katniss, perseguiteranno la già fragile psiche di Snow, diventando il simbolo della ribellione che terminerà il suo terribile governo e la sua vita. Nel ritornello e nel bridge, troviamo questo concetto, ripetuto più volte con la frase che è diventata il titolo della canzone stessa: You can’t catch me now - non puoi afferrarmi ora.

L’ultima parte della canzone si concentra sul futuro di Panem, su ciò che succederà più avanti negli anni (precisamente 65 anni dopo) con la ribellione guidata da Katniss. Per questo motivo, il tono e il ritmo dei versi viola diventano prima più aggressivi, poi più lenti e quasi rancorosi. Sempre nella disperata cantilena del bridge (che rappresenta il canto delle ghiandaie) troviamo una frase molto rappresentativa  – I’m higher than the hopes that you brought down: sono più grande delle speranze che hai demolito. Questa frase è un riferimento a ciò che dice Snow nel primo film della saga, al capo del gruppo di strateghi che organizzano e regolano i giochi, Seneca Crane. Nel dialogo che ha con lui, gli domanda perché gli Hunger Games abbiano un vincitore, e perché Capitol non si limita a prendere ventiquattro persone a caso e ucciderle tutte. Al termine della scena si risponde da solo: “Speranza. È l'unica cosa più forte della paura. Un po’ di speranza è efficace. Troppa speranza è pericolosa.”. Forse era proprio questo che temeva il dittatore: la speranza. La speranza del popolo dei distretti di liberarsi dalla vita vissuta nella paura della mietitura o - peggio - di una morte dopo una vita vissuta tra miserie e continua povertà.

La canzone finisce con un freddo avvertimento, una promessa che agita il cuore di Coriolanus: A volte il fuoco che appicchi / Non brucia nel modo come ti aspettavi / Credevi che questa fosse la fine.

Dalla musica alla vita di tutti i giorni

Come ho già detto, in questo numero la rubrica Lo scheletro di una canzone si unisce alla nostra sezione dedicata a serie TV e film, Schermi e Palchi. Le mie considerazioni sul film riguardano la canzone, e sono solamente in funzione dell’analisi del suo testo, ma una saga come Hunger Games merita sicuramente più spazio, non solamente dal punto di vista della musica, ma anche sul piano della critica cinematografica: per questo motivo invito il lettore ad andare a leggere A Ballad of Songbirds and Snakes – la recensione fatta in lingua inglese da Elisa Frigerio, che offre spunti interessanti nella lingua originale della saga.

Sofia Defendenti

Lo scheletro di una canzone 

Don’t let the kids win di Julia Jacklin 

Per cominciare

– Il cantante e il brano –

Negli ultimi numeri ho raccontato storie di ragazze dai capelli blu, feste sfrenate, dipinti “scandalosi” e problemi con la propria immagine: per questo numero ci si potrebbe aspettare di tutto! E invece il mio articolo per il numero 19 tratterà di una cosa molto comune: problemi famigliari. La canzone che verrà analizzata è di Julia Jacklin, cantautrice indie australiana che produce musica dal 2013. Il suo primo ingresso nel mondo della musica avviene con la band Salta, composta da Liz Hughes – chitarra e voce – , la stessa Julia Jacklin – chitarra e voce – e Rosie Mckay – basso –. Facendosi notare dal pubblico e dalla critica con i singoli Pool Party e Coming of Age, la Jacklin decide di abbandonare i Salta e di andare in tournée. Dopo questa esperienza decide di firmare un contratto con una casa discografica e annuncia un nuovo album da cantante solista. Concentrandoci sul suo album di debutto, Don't Let the Kids Win (Non lasciar vincere i ragazzi) – che prende il nome dall’ultima traccia dell’album stesso –, osserviamo la presenza di uno stile sonoro decisamente country-folk, mentre l’atmosfera dei testi può essere definita come minimale e malinconica.

Ed è proprio la traccia numero 11,  intitolata Don’t let the kids win, che ora tratteremo. Il brano è sicuramente rappresentativo di tutto l’album : con il suo tono malinconico e i testi di un considerevole spessore emotivo, tratta di problematiche famigliari (come già anticipavo) e di come il protagonista della canzone le affronti, ricevendo dei consigli dalla cantante stessa. I temi principali che emergono sono questi: come affrontare quelle persone che durante tutta la nostra infanzia ci sono state vicine e hanno cercato di proteggerci ma che ora – come anche noi stessi – si trovano a dover fare i conti che le persone crescono?, di come le cose cambiano in famiglia – e fuori da essa? – e di come andare avanti nonostante questo ciò?

Attraverso i versi in rosso viene descritto un fenomeno molto triste e purtroppo, inevitabile: la perdita di un famigliare anziano o fragile (che nel testo è la nonna. In questo caso specifico, l’artista riporta il comportamento del protagonista con chiare connotazioni negative. Egli, infatti, ha come il riflesso di scappare da questa situazione problematica e spiacevole, allontanando il dolore causato dal lutto con la distanza fisica. Ma questo evidentemente non basta, poiché, pochi versi dopo, viene esplicitata la previsione della narratrice: Cheap trip to Thailand's not gonna make up for never getting to say goodbye  («Un economico viaggio in Thailandia non compenserà il fatto che non le hai mai detto addio»). Il suggerimento che la Jacklin dà al protagonista e al pubblico è quello di non perdere gli ultimi momenti con le persone anziane o fragili della propria famiglia, perché potremmo trovarci a non avere avuto più l’occasione di dire loro addio.

La relazione con gli amici viene descritta nei versi in azzurro. Questa strofa è inizialmente introdotta con una metafora implicita: Don't let your friends turn cold while you burn to green («Non lasciare che i tuoi amici diventino freddi mentre tu bruci di verde»). Il verde, in questo caso, potrebbe simboleggiare il denaro o il lavoro, che portano il protagonista a non prestare attenzione ai suoi amici e a non apprezzarli più, i quali, di conseguenza, si allontanano sempre di più da lui, fino a diventare freddi e distaccati. Il consiglio della narratrice è quello di godersi i momenti con gli amici, esprimendo il più chiaramente possibile l’affetto che proviamo per loro, così da mantenere il legame stabile.

Con i versi blu, l’artista parla di come sia difficile, invece, allontanarsi dai propri fratelli o sorelle, e di come sia complicato accettare che anche loro si faranno una vita diversa da quella che avevano prima. In questo caso il protagonista non accetta la relazione di sua sorella e non approva il suo matrimonio. La cantante, invece, lo incoraggia a elaborare il fatto che sarà lontana da lui per molto tempo, e a darle comunque il suo “benestare”.

La situazione si fa più complicata quando si parla dei versi evidenziati con il colore verde, dove troviamo la relazione madre-figlio: in questo caso, le strofe evidenziate sono due, le più importanti della canzone, quelle che ne costituiscono il cuore della canzone e che ne esprimono il messaggio fondamentale. La prima, (quella che introduce il brano e che contiene il titolo della canzone), parla di come sia molto più costruttivo lasciare i propri figli sbagliare e fallire, piuttosto che farli sempre “vincere” e non prepararli emotivamente alla vita da adulti. Per esempio, i ragazzi di cui parla la canzone potrebbero ritenere di essere bravi a giocare a pallacanestro e sperare di avere un futuro nel campo dello sport; la loro ingenuità, dal punto di vista dei genitori, è enfatizzata diminuendo la loro età Don't want them growing up thinking two year olds are good at playing basketball (Non vuoi che crescano pensando che a due anni sono bravi nella pallacanestro).

Questa strofa anticipa la seconda, dove il protagonista, attraverso i consigli dell’ artista, viene incoraggiato a parlare con sua madre e dirle di mettere sé stessa al primo posto, senza cercare di proteggere i suoi bambini, ormai cresciuti e in grado di badare a loro stessi, incoraggiando, quindi, anche la madre a prendersi cura della sua persona, senza aver bisogno di sacrificarsi e cercare di non deludere mai i figli.

Dalla musica alla vita di tutti i giorni

Crescendo, la situazione che ciascuno vive con il mondo esterno cambia, è naturale. Ma se ciò accadesse anche in famiglia, nel senso proprio della nostra, della mia e della tua, cioè nel posto dove siamo nati e cresciuti? La stessa Jacklin, in un’intervista a The skinny, un periodico britannico, ha parlato della sua canzone, dicendo che forse le canzoni tristi più intelligenti cercano una via d'uscita dalla tristezza. «Immagino che quello che esploro nella title track», prosegue la Jacklin spiegando il concetto, «è l'idea che man mano che cresci e le cose intorno a te cambiano, va bene che ti sembri strano: sembra strano. E devi riconoscerlo e andare avanti. Sì, il titolo che ho scelto mi piace. Le persone sembrano avere idee molto diverse su cosa significhi e anche questo mi piace». 

Analizzando i versi in verde troviamo un meccanismo molto frequente nelle famiglie, attuato spesso dalla figura materna: l’“educazione negativa”. Questo termine, coniato nel 1762 dal filosofo e pedagogo Jean-Jacques Rousseau nella sua opera interamente dedicata a questioni pedagogiche (L’Emilio), definisce un tipo di educazione molto particolare. Il termine sta ad indicare un tipo di comportamento, nocivo per il bambino, che consiste nella rimozione degli ostacoli che la società, con i suoi condizionamenti, può opporre al suo sviluppo spontaneo, a quello della sua personalità e, soprattutto, della sua capacità di affrontare i problemi che la vita gli presenterà in futuro. Questo potrebbe riassumere il messaggio della title- track dell’album di Julia Jacklin, Don’t Let the Kids Win. Crescere non significa che il processo stesso della crescita non procurerà disagio. Ma mentre lo viviamo dobbiamo tenere a mente una cosa: il cambiamento non è sempre nocivo, come potrebbe sembrare quando ci causa – appunto – disagio, fatica o dolore. Anzi: è proprio attraverso il cambiamento che le persone possono imparare e migliorare.

Don't Let the Kids Win - YouTube 

https://www.theskinny.co.uk/music/interviews/julia-jacklin-interview – Julia Jacklin on Don't Let The Kids Win

Sofia Defendenti

Per cominciare

Per terminare l’ultimo anno scolastico ho deciso di iniziare la rubrica “Lo scheletro di una canzone” con la canzone God must hate me di Catie Turner.

Per cominciare questo nuovo anno scolastico e continuare la rubrica, invece, il brano che ho scelto di analizzare è una canzone di Maya Hawke, attrice e cantante statunitense famosa per il suo ruolo come Robin, nella serie Stranger Things.

Ma non è di questo che mi occuperò, bensì della sua canzone Thérèse, uscita proprio quest’estate (il 29 giugno 2022); in questo brano, la cantante parla di un quadro esposto recentemente al Metropolitan Museum of Art, Thérèse dreaming (1938), del pittore francese Balthus, che, subito dopo l’inaugurazione del museo, è stato viene ricoperto da critiche negative e indignazione. Perché? Cosa c’è di così tanto sconvolgente in questo quadro da non poter essere esposto al pubblico? 

Il dipinto ritrae una giovane ragazza che, seduta su una sedia, si stiracchia stanca, occhi chiusi ed espressione sognante; la ragazza si trova in una stanza e ai suoi piedi c’è un gatto bianco che beve del latte. Quindi, perché già più di novemila firme sono state raccolte per rimuovere il quadro? La risposta sta in un piccolo particolare, che di certo non è sfuggito all’osservazione attenta della critica: la gonna della giovane è alzata e, sotto la sottogonna, si intravede una macchia di sangue. 

Ken Weine, il responsabile della comunicazione del Met, precisa che non rimuoverà il dipinto raffigurante la Thérèse sognante. La motivazione è che l’opera in questione «"appartiene alla storia della pittura europea»" e il ruolo del museo è proprio quello di «"studiare, preservare e mostrare»" le opere di tutte le epoche e di tutte le culture. «"Momenti come questo offrono l'opportunità di confronto e di riflessione sul passato e sul presente»", ha aggiunto Weine. Insomma, se ne parla, ma per ora nessuna rimozione.

Proprio come dice Weine, quindi, il mio ruolo ora sarà proprio quello di analizzare e studiare l’arte — in questo caso sotto forma di brano musicale — allo scopo di illustrare il ruolo delle giovani ragazze nella società moderna.

Il brano

I go see Thérèse dreaming

She's stretching out her sore shoulder

Leaning back, eyes closed, reaching up

Sono andata a vedere Thérèse sognante

Sta allungando la spalla dolorante

Si sdraia , occhi chiusi, protendendosi verso l’alto

Come già spiegato, il dipinto è stato oggetto di controversie a causa della sua protagonista, una bambina di undici anni in posa, incustodita e inconsapevole, persa nei suoi pensieri e sogni. In questi versi, la cantante descrive la posizione di Thérèse in modo molto suggestivo, senza però lasciar trasparire nessun segno di scandalo o indignazione, come se fosse una ragazza normale che si sta solo rilassando.

Dreaming of an Appaloosa

Saddled up, riding out of town

Dreaming of a Shelby Cobra

Digging her tires in the ground

Sogna di un Appaloosa

Di cavalcarlo fino fuori città

Sogna di una Shelby Cobra

Le gomme che solcano il terreno

Con queste parole Hawke lascia trasparire l’anima di Thérèse, come se la cosa più importante di una persona — maschio o femmina che sia, adulto o ragazzo che sia — siano le sue idee e i suoi sogni. In questo caso, Thérèse è appassionata di macchine di lusso (-Shelby Cobra)- e di cavalli (-Appaloosa)-.

White kitten in the corner

Obscene really says it all

Milk matches her underwear

Get her down , take her off the wall

Gatto bianco nell’angolo

La parola “osceno” dice davvero tutto

Il latte che riprende la sua biancheria

Portatela via, toglietela dalla parete

In questo caso la cantante sta cercando di esprimere la sua perplessità nei confronti dell'indignazione del pubblico dopo l’esposizione del quadro. Con le sue parole mette in contrasto fatti semplici e delicati , come un gattino che beve del latte, con le pesanti critiche alternate ad essi nei versi (“portatela via, toglietela dalla parete”; oppure, “la parola “osceno” dice davvero tutto”).

Thérèse does not belong to you

The horses, cars, and cowboys do

Thérèse non appartiene a voi

Lei appartiene a sogni di cavalli macchine e cowboy

Con queste due semplici frasi si riesce a capire il messaggio principale dietro a questa canzone: Thérèse non apparterrà mai ad altri, ma solo a se stessa, alla sua personalità, ai suoi sogni e ai suoi obiettivi.

It's tactless, it's a test

It's just Thérèse

It's just Thérèse

È indiscreta, è una prova

È solo Thérèse

È solo Thérèse

Ho personalmente deciso di interpretare l’aggettivo tactless — indiscreto — con la forma femminile perché ritengo che , con le sue parole, l’artista stia parlando dell’oggetto del quadro — Thérèse — e non del quadro stesso. Queste frasi costituiscono il ritornello del brano e sono le più ripetute nella durata della canzone, e ritengo sia . Questo perchè hanno una rilevanza considerevole per capire che cosa vuole dire la cantante. 

Quando il pubblico definisce il quadro “indiscreto” si giudica negativamente una situazione che è, più in generale, quella crea un parallelismo con la situazione di ogni giovane ragazza, leggendovi un atteggiamento non vero: Thérèse non è provocatoria o provocante, Thérèse non vuole mettere alla prova nessuno. Thérèse è semplicemente Thérèse, una ragazza che cerca di vivere la sua vita , continuamente influenzata da stereotipi e dalla visione negativa che ha di lei la società. di lei.

Dalla musica alla vita di tutti i giorni

La condizione della donna nel corso dei secoli ha subito svariati cambiamenti: in quasi tutti i tempi e Paesi essa è stata sottoposta all’autorità maschile e a un trattamento meno favorevole di quello riservato all’uomo dal punto di vista giuridico, economico e civile, tanto da rimanere esclusa da tutta una serie di diritti e di attività sociali. Molte battaglie sono state fatte, molte sono in corso e molte si combatteranno in futuro per la parità dei diritti. Ma, oltre a questo, c’è qualcos'altro che, nelle società moderne — anche Occidentali —, manca alla figura femminile. A causa degli stereotipi perpetuati nel tempo, di generazione in generazione in tutto il mondo, la donna, anche nelle società più evolute dal punto di vista della parità, è sempre stata in svantaggio.

Dalla nascita le bambine vengono trattate diversamente dai loro coetanei. Queste differenze di trattamento vengono accentuate quando le bambine iniziano a svilupparsi e, quindi, a diventare ragazze e giovani donne. Di questo parla Thérèse, di una ragazza che si stava semplicemente stiracchiando, ma viene ugualmente ricoperta di critiche.

«"Thérèse parla degli spazi segreti che costruiamo dove siamo liberi di essere noi stessi, in un mondo che ci fraintende sempre intenzionalmente o sistematicamente»", ha detto Hawke in un comunicato stampa. «“Quanto duramente dobbiamo combattere contro le forze interne ed esterne solo per amarci l'un l'altro, amare noi stessi, amare i nostri corpi. Thérèse è un invito a tornare alla mente del principiante, quando tu eri te stessa e nient’altro»”

Maya Hawke - Thérèse (Official Audio)

Sofia Defendenti 

Epilogo

È impossibile rimanere indifferenti al fenomeno dei Daft Punk: che piacciano o meno, hanno scritto un pezzo della storia della musica. Al duo parigino è attribuito più spesso il genere di EDM (electronic dance music), ma la loro discografia attraversa – e soprattutto influenza – un’ampia varietà di generi. Quindi, in occasione del loro scioglimento annunciato lo scorso 22 febbraio, ripercorriamo la loro avventura seguendo alcune tappe fondamentali, distinte da diverso carattere musicale.

«A daft punky trash»

Compagni di liceo, Thomas Bangalter e Guy-Manuel de Homem-Christo (ecco i nomi dei due geni nascosti dietro agli iconici caschi robotici) formano una rock band assieme a Laurent Brancowitz. Non ottengono molto successo, tanto che Brancowitz abbandona il progetto (per diventare poi chitarra del gruppo indie rock francese Phoenix). Ma l’ispirazione arriva da una recensione del Melody Maker – il più antico settimanale musicale al mondo – in cui vengono definiti un gruppo di stupidi teppisti, in inglese «a daft punky trash». Da qui è storia.

Homework

A questo punto i superstiti Thomas e Guy-Manuel si chiudono in camera e si mettono a fare i compiti. Sì, solo che a quaderni e libri hanno preferito sintetizzatori e drum machine. È così che nel ’97 rilasciano il loro primo album intitolato, appunto, Homework. Queste 16 tracce, sviluppate in maniera lineare secondo sonorità techno piuttosto rigide (e forse anche un po’ cupe), aprono al duo le porte sulla scena internazionale: già nello stesso anno avviene il loro primo tour mondiale.

Ascolta: Around the World e Da Funk

Discovery

Quattro anni dopo è il turno di Discovery. Come dice il titolo, questo album è ispirato alla fase dell’infanzia attribuita alla scoperta. I brani presentano sonorità più dance e melodie più tranquille, che  generano ottimismo, ma la cosa curiosa è che anticipano una tecnica parecchio sfruttata nelle canzoni odierne: l’auto-tune. Ecco, i Daft Punk non hanno mai registrato canzoni trap, ma sono stati forse i primi ad aggiungere un’aura robotica alla voce.

Ascolta: One More Time con Romanthony e Harder, Better, Faster, Stronger, brano con cui i Daft Punk si guadagnano il loro primo Grammy.

Human After All

Nel 2005 cambia la modalità: in sole sei settimane viene sfornato un album di 10 tracce improntato più sul rock. Il tema è la visione dei media come forza oppressiva; il gruppo, perciò, probabilmente in coerenza con questa convinzione, non rilascia alcuna intervista. Tempo dopo però, i Daft Punk si pentirono di questa decisione e – forse per questo? – non è il loro album più riuscito. Sarà che ci sono delle incertezze sulle idee del disco da parte degli stessi creatori, sarà che le sonorità sono un po’ monotone, ma una cosa è certa: Human After All non ha raggiunto lo stesso successo dei suoi fratelli maggiori.

Ascolta: Technologic  e Robot Rock

Random Access Memories

RAM (2013) è la fine di un viaggio che testimonia la crescita dei suoi creatori: ormai i Daft Punk sono adulti, possono dire addio ai campionamenti e abbracciare nuovi generi quali il funk, la disco dance, il soul e il pop, senza però dimenticare la componente “robotica”. Il titolo deriva da questo concetto, su cui si sviluppa l’album: il parallelismo tra un cervello umano e un hard drive e il modo in cui i ricordi vengono conservati. Per mezzo di un’ampia varietà di stili musicali, collaborazioni strepitose ma soprattutto le emozioni espresse dalla componente umana dei due DJ, quest’ultimo album è ricordato, secondo molte classifiche, come uno dei migliori di tutti i tempi. Non a caso ha procurato ai nostri 5 Grammy nel 2014, tra cui quello per il miglior album dell’anno.

Ascolta: Get Lucky con Pharrell Williams e Nile Rodgers e Instant Crush con Julian Casablancas

Epilogue

Dopo una solenne attesa di 8 anni dal loro ultimo album e 5 dalla loro ultima apparizione, i Daft Punk rilasciano su YouTube un video intitolato Epilogue. Nel video possiamo osservare lo spezzone del loro film Electroma (2006), in cui uno dei due DJ si fa innestare una bomba ad orologeria dall’altro, per poi allontanarsi ed esplodere. Quindi, sulle note di Touch (RAM), viene mostrata una grafica raffigurante la scritta «1993 - 2021», si suppone le date d’inizio e di fine di questa magnifica avventura.

In 28 anni di carriera i Daft Punk hanno plasmato e distorto la linea temporale che segue l’evoluzione della musica, hanno ripreso generi precedenti a loro per anticiparne altri, ampliando i confini del mercato musicale; e, inoltre, nello specifico, sono padri di molti artisti di musica elettronica (come per esempio Skrillex, Calvin Harris o David Guetta), ma anche di R&B (basti pensare a the Weeknd, molto influenzato da dance e dubstep e che, tra l’altro, ha collaborato due volte proprio con loro all’interno del proprio album Starboy, uscito nel  2016). 

Si può quindi accettare – anche se tristemente – il fatto che il duo si sia sciolto. Di sicuro, però, possiamo affermare che il loro progetto e la loro musica vivrà per sempre: sia per quanto riguarda il modello di business diffuso nella musica di oggi (furono i primi ad avere una certa indipendenza rispetto alla casa discografica), sia per – e forse ancor di più – l’utilizzo dei campionamenti sfruttati da gran parte dei generi musicali moderni. 

Filippo Ciaccia

Melanie Martinez: Cry Baby, K-12, After School EP

I don't give a f*** about you anyways

Whoever said I gave a s*** 'bout you?

You never share your toys or communicate

I guess I'm just a play date to you

Se qualcuno tra di voi ha TikTok, ha capito di che cosa sto parlando, visto che la canzone appena citata è diventata virale quest’anno tramite quel social.

Penso quindi che – visto che il suo nome è nel titolo dell’articolo e ho inserito una sua foto – abbiate capito che sto parlando di Melanie Martinez.

Ma partiamo dall’inizio. Chi è Melanie Martinez?

Melanie Martinez debutta nel 2014 con l’EP Dollhouse, e l’anno successivo esce il suo primo album, Cry Baby. Tra le canzoni dell’album è nota Carousel, colonna sonora della serie American Horror Story: Freak Show. Melanie si distingue nella scena pop per il sound quasi infantile e non radiofonico delle sue canzoni (nei brani strumentali, infatti, si trovano spesso i suoni di carillon e campanelle), che si scontra invece con testi che riguardano l’alcolismo, l’omicidio, le violenze sessuali e il tradimento. La stessa cantante, oltretutto, interpreta i propri videoclip e ne dirige la sceneggiatura e la regia, anche questi molto particolari, con costumi in stile “lolita” e ambientazioni che rimandano alle case delle bambole, ma sempre con un lato creepy – come i giganteschi costumi da coniglio (che mi turbano un po’), che appaiono in buona parte dei video, interpretando ruoli differenti, come medici o pasticceri. Le sue canzoni, oltre ad essere facilmente distinguibili, hanno dietro una storia: raccontano dell’infanzia di una bambina, chiamata Cry Baby (ovviamente da qui viene il nome dell’album) per la sua emotività.

Dopo Cry Baby ha pubblicato un secondo EP, contenente il brano Gingerbread Man e le tre tracce bonus del suo album (Play Date, Teddy Bear e Cake). 

Arriviamo ora al suo secondo album, K-12, che tutti i fan hanno atteso per tanto tempo: e l'attesa ne è valsa la pena. L’album è uscito nel 2019 anche come film. K-12 continua la storia di Cry Baby e della scuola che frequenta – appunto, l’accademia K-12. I testi delle canzoni di questo album sono più maturi rispetto a quelli di Cry Baby, è più matura, dopotutto, la protagonista della storia. Anche in questo caso i testi affrontano temi seri, quali la bulimia, il bullismo e le molestie, criticando il fatto che le vittime arrivino colpevolizzare se stesse. Nonostante le scenografie siano giocate su colori pastello, si avverte che l’atmosfera non è tranquilla come la si vuole far apparire, in parte perché la protagonista è dotata di poteri paranormali, ma anche il modo in cui i personaggi reagiscono fa intendere che succederà qualcosa.

Alcuni testi contengono dei doppi significati, o meglio, delle vere e proprie allegorie. Come nella canzone The Principal, dove la figura del preside suggerisce quella di Donald Trump; e la cantante non risparmia insulti a questo personaggio. Stessa situazione ritroviamo nel singolo Copy Cat, dove utilizza la metafora dei compiti in classe, e del fatto che a volte gli alunni copino, per riferirsi all’industria musicale.

Infine, c’è il suo ultimo lavoro, l’EP After School, che è il motivo che mi ha spinta a scrivere questo articolo. The Bakery è l’unica canzone uscita con un videoclip, neanche a dirlo, inquietante. Il testo parla del lavoro senza interesse, e riprende una parte della vita della cantante. Quando era alle superiori ha lavorato per poter guadagnare soldi da investire nella sua musica.

Come ho detto in precedenza, i suoi video hanno sempre uno stampo un po' horror. In questo caso all’inizio si vede un'adorabile pasticceria rosa e azzurra, ma nel video la cantante viene impastata con farina e zucchero, per poi diventare un biscotto che verrà, inevitabilmente, mangiato. Carino, no?

Spero che sia stato interessante leggere questo articolo e che vi abbia spinto ad ascoltare qualcosa di questa artista.

Bye!

Iris Bertelli Pecere

Concerti e Covid-19… andranno d’accordo?

Avete presente quando il vostro cantante preferito viene nella vostra città e non vedete l’ora di comprare il biglietto per il suo concerto?

Ecco, da quasi un anno, ormai, questa esperienza non è più possibile: molti concerti sono stati spostati, alcuni addirittura cancellati senza possibilità di rimborso. La domanda che ci stiamo facendo quasi tutti noi che dovevamo essere ad uno di questi è: quando torneremo alla normalità?

Le direttive date dal governo non promettono troppo bene; infatti, è stato comunicato che, probabilmente, fino a marzo 2021 non sentiremo parlare di concerti, o almeno non quelli ai quali eravamo abituati fino anche solo a due anni fa.

Gli artisti non sanno cosa fare, non sanno che informazioni dare ai propri fan, anche per il semplice motivo che, molto spesso, neanche a loro è stato detto niente. Io, per esempio, dovevo essere al concerto dei Green Day il 10 giugno di quest’anno ma, ovviamente, il concerto non è stato fatto; il problema è che pare che nessuno abbia detto alla stessa rock-band californiana la data nuova per l’evento (che è stato rimandato all’anno prossimo). Stesso discorso, per esempio, per il concerto di Ultimo, al quale hanno detto che sarebbe stato rimandato, ma – a quanto pare – senza dirgli quando.

Il punto più discusso dai fan della musica ruota però attorno ad una semplice domanda: “perché vengono aperti gli stadi per le partite di calcio ma non per i concerti?”.

Rispetto a questa decisione del governo, sorgono osservazioni contrastanti: da una parte, c’è da dire che le partite sono state a lungo disputate senza pubblico o, come adesso, con un pubblico ridottissimo e quindi, in linea di massima, senza rischio di assembramenti (cosa che, forse, sarebbe più difficile da evitare per certi tipi di concerto); ma, come altro lato della medaglia, ci si chiede perché anche i concerti non possano essere trasmessi live, senza pubblico, in televisione o via internet, così da dare la possibilità agli artisti di esibirsi e ai loro fan di poterli ascoltare.

Uno dei primi artisti italiani che ha provato a trasmettere un proprio concerto online senza pubblico, proprio durante la quarantena, è stato Giorgio Vanni, con il suo Live in Room del 19/06/2020. In questo modo, ha permesso ai suoi fan di poterlo ascoltare di nuovo in una situazione che, al momento, non prometteva troppo bene; e ha permesso a Giorgio di rassicurare e appagare i suoi fan, presi da un momento di sconforto – principalmente causato da quel lockdown dal quale siamo da non molto usciti.

Se volete assistere a uno dei momenti più emozionanti vi rimando al rifacimento in chiave acustica di “oltre i cieli dell’avventura”, ascoltatela, non ve ne pentirete: 

https://www.youtube.com/watch?v=PKkPuSOc6Jc

E voi? Avete per caso assistito a questo Live In Room o a qualche altro concerto online? E, soprattutto, cosa ne pensate dei concerti trasmessi online? Secondo voi è una buona idea? O potrebbe rappresentare una svolta negativa per il mondo musicale contemporaneo? Fateci sapere la vostra!

Se volete tra l’’altro conoscere magari qualche data nuova per i concerti visitate il sito:

https://www.rockol.it/news-711682/coronavirus-concerti-annullati-sospesi-elenco

Troverete molte date, magari anche quella del concerto al quale avreste dovuto partecipare anche voi!

A proposito, invece, di concerti saltati, brutte notizie per i fan dei Guns ‘N’ Roses, che hanno deciso di cancellare definitivamente l’unica data che avevano in Italia. Per quanto riguarda il resto della scena musicale, la maggior parte degli artisti (italiani e non), ha ricevuto comunicazioni di rinvio dei concerti fissati in Italia per il 2020 a date che li ricollocherebbero in un periodo che va da marzo a novembre 2021.

Personalmente, spero che si opti per trasmetterli online, così da ricominciare, seppur parzialmente, a partecipare a questi eventi. Certo è che la soluzione migliore sarebbe, ovviamente, di poterli vedere di persona; parlando anche come giovane musicista, dico che avere un pubblico che ti acclama e canta le canzoni insieme a te è davvero un’emozione unica, un’emozione di cui tutti abbiamo bisogno, sia chi suona che chi ascolta!

Luciano Ligabue la descrive così: “Suonare in uno stadio è puro godimento. È una festa bellissima in cui tanta gente balla, salta, tiene il tempo, piange, urla, si diverte, si abbraccia cantando assieme a me. È per questo che faccio questo mestiere, per salire su un palco, che sia uno stadio o il palazzetto di una piccola città.” 

L’ultimo concerto live che ho avuto modo di vedere è stato il concerto dei Dream Theater, a Milano, e l’emozione che c’era tra il pubblico, le urla che si sono sollevate quando è partito il brano “Another Day” e i pianti durante l’assolo del mitico chitarrista John Petrucci... Ecco, queste sono emozioni che, secondo me, un concerto online non potrà mai restituire al cento per cento.

Come sottolinea Kurt Cobain, suonare dal vivo “è la forma più primordiale possibile di scambio di energia con altri.” E io non posso che essere d’accordo con lui. 

Siamo curiosi di sapere le vostre idee riguardo a questi temi o di avere qualche racconto su come state vivendo la musica in questi tempi così strani. Alla prossima!

Nicolò Sordelli

Rivoluzione musicale (?) 

Ehi tu! Sì, proprio tu: quando ascolti la musica, sai di preciso che cosa stai ascoltando? Non so se sai, ma, negli ultimi otto anni circa, c’è stata una grande rivoluzione musicale; per esser chiari, si è inserito un nuovo genere che ha spopolato in pochissimo tempo e che oggi ascoltano la maggior parte dei ragazzi… la TRAP. 

Che cos’è? Molto semplice: è un genere musicale caratterizzato da alcuni particolari inconfondibili, quali un’elevata presenza di Auto-Tune, un programma che permette ai produttori di correggere l’intonazione della voce nel caso in cui il cantante fosse stonato, e una base totalmente elettronica formata da sintetizzatori, glockenspiel, drum machine e bassi. 

Ultimamente sono uscite due nuove hit del mondo della trap: “Bando”, di Anna, e “Auto blu”, di Shiva. Parliamo della prima: ha fatto un record di visualizzazioni, e ha raggiunto il milione nella prima settimana; a distanza di due mesi ha totalizzato sei milioni di visualizzazioni. La base prende molto, ha l’immancabile cassa in quattro quarti – che tiene il tempo dando un ritmo dance inconfondibile incitando la gente a ballare nei modi più disparati – nonostante il testo, a parer mio, non dica assolutamente nulla di sensato. Per citare il ritornello: “Ci beccavamo nel bando, sopra il booster, Anna fattura e no non parlo di buste, mando tutto io, svuota il freezer, c’ho il passaggio assicurato sopra questo diesel”. Se qualcuno ci avesse capito qualcosa me lo faccia sapere, io ormai ci ho rinunciato… anche se bisogna dire che il linguaggio usato dall’autrice non è altro che uno slang moderno che molti dei ragazzi di oggi capiscono, anche la famosissima “stairway to heaven” non dice assolutamente nulla di troppo sensato ma è una hit mondiale che ha fatto la storia del rock. 

Come già detto prima posso capire perché ha spopolato, essendo la base molto coinvolgente; peccato per l’uso pervasivo di uno slang che si spalma sempre sugli stessi due o tre temi (delinquenza droga e sesso)e taglia fuori dall’ascolto una gran fetta di pubblico che spesso non capisce il significato delle parole. La canzone che però proprio non capisco è “Auto blu”, di Shiva, un nuovo trapper emergente che, a soli 20 anni, poteva essere una promessa del panorama italiano della trap, perché, a parer mio, era uno dei pochi che ancora non era ricaduto nel solito cliché per cui rapper e i trapper si devono esprimere per forza in modo brutale. La canzone ha una base familiare, molto familiare, infatti non è altro che la famosissima “Blue (Da Ba Dee)” degli Eiffel 65. Quello che non mi permette di comprendere tutto il successo di questa canzone – che ha totalizzato 1 milione di visualizzazioni in un giorno – viene fuori ad una veloce analisi del pezzo: innanzitutto perdonatemi i tecnicismi, so che qualcuno potrebbe non capire alcune delle cose che sto per scrivere, però proviamo a capire DAVVERO di cos’è fatta la musica; notiamo subito che la canzone presenta più Auto-Tune che note musicali, per di più dell’Auto-Tune… stonato, dal momento che, durante il ritornello che dice “Auto blu corro con il mio fra, l’hai messa lì o messa là”, la frase “l’hai messa lì o messa là” è calante di circa un semitono, il che fa risultare la parte cantata estremamente stonata. Nonostante questo, ha totalizzato 6 milioni di visualizzazioni in una settimana, quelle che “Bando” ha totalizzato in due mesi. Oltre alla voce, però, “Auto blu” presenta una base strumentale che è del tutto fuori posto, una tastiera troppo “riverberata”, quasi da sembrare distorta, il beat è incompleto, la voce è troppo saturata e il basso non si amalgama per niente alla base… Insomma, ha tutte le caratteristiche per essere un disastro improponibile; ma, a quanto pare, non solo Shiva ne va fiero avendola pubblicata comunque, ma ha anche fatto tantissimo successo fra i giovani, quasi come se Shiva avesse già previsto tutte le visualizzazioni che avrebbe fatto.

Detto in tutta sincerità, non sono molto a favore di questa rivoluzione musicale; sono d’accordo sul fatto che ogni tanto ci voglia un cambiamento, ma, secondo me, passare da Bon Jovi a Sfera Ebbasta è una caduta di stile. Ho cercato di fare un’analisi completa dei due brani e, per quanto possibile, oggettiva; ovviamente, qualcuno potrebbe non ritrovarsi. L’unica cosa, però, che mi sento di dire è che siamo troppo abituati a sentir parlare in modo banale di droga, sesso e successo alla TV o al telegiornale: il mondo è anche più buio e cupo di come ci raccontano al telegiornale, ma se cerchiamo bene troviamo comunque uno spiraglio di luce, soprattutto nel mondo della trap, è inutile dire a un trapper “fai schifo” perché si difenderà dicendo che lui è un artista incompreso, proviamo invece a guardare oltre, evitando così di generare i soliti cliché per la quale i trapper siano criminali o comunque se la facciano con i delinquenti. 

Nicolò Sordelli

Sigla a tre chitarre (GOT)

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Cantando “Rozzi”

Tu per la coca hai fatto i fossi 

C’hai i fossi in faccia

(da “Rozzi” di Paky)

Noi ragazzi, spesso, nel quotidiano, non ci rendiamo conto di quanto siamo fortunati a vivere la nostra situazione famigliare ed economica. Questo si nota molto nelle generazioni dei ragazzi tra i 12 e i 18 anni, i quali, forse influenzati da ciò che li circonda – come i cantanti o i media –, tendono a cercare qualcosa fuori dalla loro quotidianità, volendo provare quello che altri ragazzi, purtroppo, invece, si trovano  a vivere e che cercano di abbandonare. Un esempio è l’uso di droghe: dalle più leggere, come la cannabis, alle più pesanti, come la cocaina (sempre più diffusa tra i giovani). È all’ordine del giorno vedere ragazzi, non abituati a queste sostanze e al loro utilizzo, voler emulare questo mondo che hanno avuto la fortuna di evitare. 

È paradossale conoscere di persona ragazzi che sentono la loro situazione degradata come una sfortuna da cui sfuggire e, dall’altra parte, ragazzi che hanno avuto la possibilità di crescere in situazioni agiate e che vogliono, invece, entrare in quel tipo di realtà. 

Questo, molto spesso, crea divisioni nelle classi a scuola: per esempio, c’è il gruppo di quelli che cercano di emulare ciò che sentono nelle canzoni di cantanti che provengono da situazioni difficoltose; e il gruppo che, invece, usando di più la testa, si accorge di più del valore di quello che ha. Un esempio di musica ascoltata dalle persone che appartengono al primo gruppo è la canzone “Rozzi” di Paky, che sta spopolando al momento: molti la cantano senza neanche sapere che cosa voglia dire vivere in quel contesto urbano, e cioè i quartieri più disagiati di Rozzano. 

Nel riquadro sottostante trovate alcune citazioni che sembrano criticare chi si pensa in un modo ma in realtà è in un altro. Io però vorrei concludere l’articolo ponendo una domanda: perché molti ragazzi cercano di vivere situazioni che non appartengono loro e che, per di più, potrebbero avere delle conseguenze anche pesanti nella loro vita? Che cosa li spinge a far questo?

N.N.