PROCESO CREATIVO
MÓDULO #6
El proceso creativo de una obra coreográfica
El proceso creativo contiene un mensaje donde el artista es el comunicador a quien le toca la tarea de expresar. Es durante el proceso creativo que intervienen en la creación de la obra de arte.
Este proceso creativo inicia con el artista, quien tiene la responsabilidad y de quien nace, en su pensamiento, el primer original de la obra de arte.
El proceso creativo inicia desde el primer momento donde el artista es impulsado a crear, es dónde siente el impulso de crear.
Este impulso en su pensamiento, en sus emoiciones son los que desembocan en la imaginación del artista donde puede hacerse una visión de su obra.
Es en su mente dónde visualiza su obra terminada, y para que esta se dé ha pasado el proceso en que ha intervenida la mente y las emociones.
Es aquí donde el gusto del artista va a delinear como se va a comunicar esta idea. Ahí está su alma, por eso que este proceso es muy individual y personal.
El proceso creativo estará condicionado a voluntad del artista, su creador. ES su gusto, su voluntad propias quienes van a mostrar la personalidad del artista. Ya que su creación responderá a su impulso anímico creador en su yo, consciente y firme en su deseo de crear.
Su punto de vista, su motivación, su inspiracion, lo que lo motiva a voluntad a crear que determinará la originalidad de la obra de arte.
Esta relación entre el yo artista y el yo creador será una relación que condicionará la originalidad que ayudará a definir lo que es la obra artística.
Es entonces que crear se entiende como capacidad, proceso, llubvia de ideas, representación del pensamiento, rasgos de personalidad, innovación, descubrimiento, estilo, observación, inteligencia, espíritu, expresión que abordarán todo el proceso de creción de la obra.
Dónde esta obra contará con la fluidez, flexibilidad, originalidad, pensamiento divergente, paradoja, apertura, espontaneidad, libertad, y un largo etcétera creativo no limitado.
Con estas palabras Einstein explicó brevemente el proceso creativo. "Todo empieza con el papel en blanco".
Pasos del proceso creativo
Para desarrollar o concretar una idea esta no será una tarea inmediata y fácil como se cree; esta se llegrá a materializar en un proceso en el que intervienen distintos pasos que permitirán desarrollar la creatividad:
Preparación
Se inicia reflexionando para que la idea nazca, y para ello deben existir primero una serie de inquietudes sobre las cuales nace una motivación para crear, ya que conforma el primer momento en donde por medio de la investigación, pueden surgir opciones y rutas de creación.
Incubación y desarrollo
Para eso es muy importante tomar un tiempo adecuado para escuchar y reflexionar acerca de los antecedentes que motivan la idea. Puede ser un momento confuso por la cantidad de imágenes que pueden surgir en nuestra mente que establecen unas prioridades y unos conceptos claves para el proceso. Por ello se evalúan distintas opciones, por medio de la investigación y el análisis se trata de encontrar un hilo conductor que permita partir de un punto fijo y empezar a crear algo concreto. Y para esta parte del proceso requiere paciencia, una buena idea puede tardar cierto tiempo para ser desarrollada, la etapa de incubación puede tardar días. Lo importante es tener claro que resultado esperamos y trabajar en sintetizar y concretar los conceptos, necesidades y motivaciones que se tienen claros y de los que se parte.
Concreción
Al final de un proceso de incubación surge la luz, la idea ya toma forma y se adapta a las necesidades del proyecto en cuestión. Es el momento cumbre del desarrollo de una idea creativa, es una especie de éxtasis, donde se consigue el resultado al que se quería llegar; pero el proceso aún no está terminado, requiere una última y definitiva fase que concreta el proceso creativo.
Planificación y verificación
Al tener una idea creativa clara, es necesario bajarla a tierra y evaluar sus propósitos finales y ver como puede ser implementada de forma práctica y consistente. Igualmente debe ser posible establecer unas estrategias de seguimiento y análisis de resultados. Se debe pensar en los costos, los tiempos, los medios para llevarla a cabo. De la planeación correcta depende el éxito inicial de la idea creativa.
Elaboración de la Composición Coreográfica
Para hacer una coreografía tenemos que tener claro que esté será un acto de crear un discurso específico (idea), con una intención personal (originalidad) en el que de una u otra forma se cumple una interacción con el público, siendo su destino final la exposición.
Hacer una Coreografía es una elaboración del mundo interno del coreógrafo que se esfuerza por traducir y mostrar a través del movimiento (corporal, espacial), música, argumento, texto, narración, experiencias e interpretaciones reale o irreales, sean de orden puramente sensorial, emotivo, psíquico, físico o cualquier otros elementos.
Para lograr coreografiar implica la apropiación de la idea y el conocimiento de una o varias técnicas del movimiento, lenguaje corporal, composición coreográfica, dominio espacial.
Para componer una coreografía cada coreografó le tiene su propia forma de crear y esta varía considerablemente de un coreógrafo a otro. pero en definitiva todos deben tener claro los siguientes elementos:
Idea Coreográfica: es la que guía el proceso de creativo, es decir, un coreógrafo no puede simplemente crear sin tener un camino que seguir. El primer paso, dirían los expertos es delimitar el fin de la composición coreográfica. El montaje debe ser coherente con la idea general que se pretende expresar, por ello, clarificarla es parte determinante de la construcción.
Energía del Movimiento: inicia o produce cambios en el movimiento o posición del cuerpo. Todas las acciones motrices están ligadas a la energía, dado que es necesaria para iniciar, controlar y parar el movimiento. El conocimiento del grado de energía permite transformar el movimiento, logrando que sea más expresivo, eficaz y estético. La cualidad del movimiento está determinada por la manera en que es utilizada la energía, cuando se mueven distintas partes del cuerpo en el tiempo y el espacio. Generalmente se habla de pares opuestos: fuerte-débil.
Forma del Movimiento: es la imagen que el bailarín describe con su cuerpo. También es el formato que un grupo de bailarines compone en una agrupación. Eemplo: Círculo, rombo, triángulo, media luna, etc. Se debe cuidar que en estos dibujos, los bailarines se adapten unos a otros sin que se tapen los de atrás, a menos de que la intención visual así lo requiera.
Tiempo: esta se marca estableciendo la velocidad, el acento, el pulso y el ritmo.
Espacio: el espacio es de los principales elementos de la danza, junto con el cuerpo. Puede clasificarse en personal, parcial, total y social.
Diseño Coreográfico: ayuda para entrar o salir del escenario y para concretar ubicaciones y formas. Los desplazamientos deben ser claros en su desarrollo. Las líneas como desplazamientos o recorridos. Diagonales, horizontales y verticales. Las líneas más dinámicas son las diagonales, en especial las que se acercan al proscenio, por recorrer todo el espacio, posteriormente en fuerza le siguen las que van del foro al frente y las menos dinámicas son las horizontales. También las formaciones. El diseño grupal es una parte fundamental en la producción coreográfica; según se agrupen los bailarines en el espacio escénico se producirá determinado efecto en el espectador. El sentido o efecto que se quiere comunicar está dado en cierta medida por la manera en que se presenten las formaciones y las formas coreográficas.
Elementos de la Coreografía
Una Coreografía se compone de diversos elementos, los cuales se interrelacionan y logran transmitir emociones al público y también para el mismo bailarín.
Utilizar en una coreografúa uno u otro elementos del movimiento no es siempre parejo. En ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del espacio y así cada coreografía tendrá su elemento predominante.
Movimiento: teniendo claro que el movimiento en la danza es todo, eto es la forma en la que expresas tus sentimientos por medio de tu cuerpo, tu rostro, porque a través del movimiento podemos aprender cosas sobre nuestro cuerpo, el espacio que nos rodea y ayuda a conocernos mejor nosotros mismos.
Ritmo: es un flujo de movimiento controlado o medido, sonoro o visual, generalmente producido por una ordenación de elementos diferentes del medio en cuestión. El ritmo es una característica básica de todas las artes.
Espacio: Puede ser Parcial (un espacio reducido alrededor tuyo) o Total (todo el espacio donde puedas desplazarte y moverte). También se manejan términos como los planos: derecha, izquierda, delante, detrás, arriba, abajo y diagonales.
Tiempo: Es el lapso de tiempo que utilizas al realizar un movimiento con o sin acompañamiento de sonidos. Puede ser corto, largo, adagio, piano, allegro, etc. Y no puedes olvidar la música como acompañamiento, y su uso en los movimientos, ritmo, acento y melodía a través de un instrumento, objetos o partes del cuerpo.
Color: El color que es difícil de definir pero que resulta el conjunto de sensaciones que hacen de una danza algo particular. Ejemplo el color es lo que hace diferente a un “tango” interpretado por una persona experta que el interpretado por alguien que apenas es un conocedor.
Iluminación: es un proceso que consta de un aspecto artístico y otro técnico que permite administrar todas las posibilidades de la luz según una concepción estética determinada ajustándose a las peculiaridades del espacio. La iluminación también responde a la necesidad de aportar visibilidad sobre la acción al espectador, dar volumen a las formas de los objetos y elementos, ofrecer una sensación temporal, emocional y todo ello a través de la composición. Todo ello podrá alcanzarse a través del uso de los colores, las intensidades, la distribución y el uso de los efectos. En la actualidad, existen sofisticados aparatos de iluminación, controlados por programas informáticos, para de éste modo ajustar la intensidad, el brillo, el color, la posición y el movimiento de la luz.
Sonorización : las coreografías no son meramente visuales, el canal auditivo juega un papel importante en la transmisión de la información. Por ello es necesario diseñar la concepción, articulación y elaboración de la parcela sonora. Por eso es necesario seleccionar y analizar los sonidos que aparecen en la escena, estructurar temporalmente y espacialmente la aparición de los sonidos, seleccionar los equipos de sonidos que se adecuan a las peculiaridades de los sonidos aparentes porque el sonido jugará un papel importante en la toma de decisiones teniendo en cuenta que se pueden clasificar en la voz, la música, los efectos de sonido y el silencio. Para proceder a sus análisis se tendrá en cuenta el tono, el volumen, el timbre, el tempo-ritmo y la dinámica o envoltura del sonido. El condicionante de la amplificación del sonido jugará un papel importante en la selección de los materiales necesarios para su ejecución.
Escenografía: ambienta y contextualiza la obra ofreciendo información social, ambiental y temporal. Juntos a otros elementos presentes en las obras como la iluminación, la indumentaria, la caracterización y el sonido, se complementa el trabajo del intérprete. La escenografía abarca los elementos como las estructuras arquitectónicas, muebles, telones pintados y accesorios siempre que no formen parte del vestuario y que serán desplazados o alterados desde la tramoya. Para facilitar el montaje coreográfico los decorados o ecenografía deben ser preferentemente ligeros y fáciles de montar y desmontar. Podrán estar suspendidos de las varas y /o apoyados y fijados en el suelo, de ahí que este sea de madera. Una vez emplazados los decorados, es aconsejable hacer pequeñas marcas de la localización de éstos si son desplazados para el montaje de otro equipos técnicos.
La Utilería: son el conjunto de objetos y enseres que aparecen en escena. Son accesorios utilizados por los intérpretes para interactuar durante la coreografía. Junto con el vestuario y los decorados, la utilería forma parte de los recursos necesarios para una puesta en escena. Dependiendo de la dramaturgia y la estética de la puesta en escena, la utilería se basa en el ambiente del texto y/ o del lenguaje corporal en la ambientación escogida por el coreógrafo para su puesta en escena. La utilería puede ser real o si se precisa su realización puede ser confeccionado por los utileros, el figurinista o el escenógrafo. Según la utilización de los objetos, la utilería puede ser enfática e indispensable, puede formar parte del uso personal de una intérprete o puede formar parte de la escena. Los elementos de utiliería que pueden ser utilizados por los intérpretes como en una acción real se califican de practicables.
El vestuario es el conjunto de prendas, trajes, vestidos, complementos, calzados, accesorios, utilizados en una puesta escénica para definir y caracterizar denotando su status social, su contexto socio-histórico del personaje y/o intérprete realzando en ocasiones su apariencia física. No se trata solo de leer, analizar y plasmar a través de una imagen el diseño de vestuario, sino que el estilista y diseñador deberán estudiar y analizar las necesidades de cada intérprete en relación a los movimientos ajustándose además al aspecto estético y funcional de las necesidades reales. El vestuario además puede ayudar a concretizar el ritmo de la pieza produciéndose cambios en escena. En ocasiones un elemento puede dar información sobre la trama.