Tradizioni natalizie islandesi 

Caterina Maffei 5A e Alice Fontana 5EL | 24 Dicembre 2025

Il Natale è ormai alle porte e in tutte le case d’Italia non possono mancare alberi, decorazioni e panettoni in attesa del grande arrivo di Babbo Natale: ma cosa accade invece in Islanda, terra famosa per i freddi inverni e le grandi nevicate?

Grazie all'Erasmus trascorso a Reykjavik, capitale del Paese dei folletti, abbiamo avuto l’opportunità di scoprire come viene celebrata questa festa dagli islandesi.

COME SI FESTEGGIA IL NATALE?

Natale in islandese si dice Jól, un termine che assomiglia molto a Yule, la festa del solstizio d’inverno il 21 dicembre, il giorno più corto dell’anno per gli islandesi. Questa festività veniva celebrata da molto prima che il Paese si convertisse al cristianesimo, da qui la somiglianza tra i due nomi. In epoca pagana venne soprannominata la “festa della luce”, per

celebrare l’inizio del lento allungarsi delle giornate. Il Natale in Islanda dura ben 26 giorni, dall’11 Dicembre fino al 6

Gennaio. Tuttavia, questa non è l’unica grande differenza con la nostra tradizionale celebrazione. In Islanda, la figura di Babbo Natale come la conosciamo noi, l’uomo paffutello dalla lunga barba bianca e dal completo rosso, è stata introdotta solamente qualche anno fa.

La tradizione islandese infatti, conta ben 13 Babbi Natale chiamati jólasveinar. Il periodo natalizio inizia quando arriva il primo jólasveinn, 13 giorni prima della Vigilia di Natale, e termina quando l’ultimo se ne va la notte dell’Epifania.

Anche il 25 Dicembre ha un significato completamente diverso in Islanda. Il Natale infatti, si festeggia il 24 Dicembre alle 18.00. La sera della Vigilia di Natale, Aðfangadagur in islandese, ci si riunisce con le rispettive famiglie, si organizza il cenone e si aprono i regali, un po’ come facciamo noi. Dopo aver aperto i regali, i più credenti si recano alla messa di mezzanotte, mentre il resto della famiglia preferisce restare a casa con i propri parenti per continuare la celebrazione.

La Vigilia è anche il momento per ricordare i propri cari defunti, recandosi al cimitero per lasciare una candela sulla loro tomba. Il giorno di Natale, Jóladagur, invece lo si trascorre con la famiglia ristretta, con pochi parenti, in maniera più intima, rilassandosie mangiando il cibo avanzato dalla sera prima. La sera di Santo Stefano invece, Annar í jólum, ci si ritrova tutti insieme per ammirare lo spettacolo pirotecnico.

GLI YULE LADS

Abbiamo già menzionato Jòlasveinar, i 13 Babbi Natale islandesi, ma chi sono e cosa fanno esattamente? Gli Yule Lads (tradotto in inglese), sono “folletti di Natale”, tredici fratelli troll che ogni anno, a partire dal 12 dicembre, scendono dalle

montagne, uno per notte, per visitare i bambini fargli qualche scherzo o dispetto. A seconda di come si sono comportati durante l’anno, infatti, i bambini ricevono dei doni o dei dolcetti se si sono comportati bene, mentre una patata se si sono comportati male. Ogni Yule Lad è specializzato in un dispetto, già intuibile dal nome. Il primo ad arrivare è

Stekkjastaur, in italiano “il disturba pecore”, che si diverte a dare fastidio alle pecore nelle stalle anche se è goffo nei suoi movimenti a causa delle sue gambe di legno. Il secondo è Giljagaur, “il ladro di latte”, che si introduce nelle stalle per

rubare il latte disponibile. Poi arriva Stúfur, “il ladro di padelle”, che ruba le pentole per leccarne l’unto rimasto sul fondo. Il quarto è Þvörusleikir, “il lecca-cucchiai”, che ruba i cucchiai di legno per leccarli. Il quinto è Pottaskefill, “il gratta-pentole”,

che entra nelle case e finisce tutti gli avanzi di cibo. Successivamente arriva Askasleikir, “il lecca-scodelle”, che si nasconde sotto il letto in attesa che qualcuno posi per terra la sua scodella (askur) per poi rubargliela. Il settimo è Hurðaskellir, “lo sbattitore di porte”, che si diverte a sbattere le porte delle case mentre le persone dormono. L’ottavo è Skyrgámur, “il mangiatore di skyr”, che va alla ricerca dello skyr, un prodotto islandese simile allo yogurt greco.

Segue Bjúgnakrækir, “il ladro di salsicce”, che si nasconde in mezzo alle travi dei tetti, per rubare le salsicce che devono essere affumicate. Il decimo è Gluggagægir, “la spia delle finestre”, che spia dalle finestre delle case per cercare qualcosa da rubare. L’undicesimo è Gáttaþefur, “l’annusatore delle porte”, che usa il suo grosso naso e il suo olfatto finissimo per trovare il laufabrauð, un tradizionale dolce natalizio islandese. Il dodicesimo è Ketkrókur, “l’uncina-carne”, che sta in agguato nelle cucine per rubare la carne con il suo uncino. Infine, l’ultimo è Kertasníkir, “il ladro di candele”, che si diverte a rubare e mangiare le candele fatte di lardo. Così come sono arrivati a partire dal 25 dicembre ritornano, sempre uno

alla volta, sulle montagne.

FOLKLORE ISLANDESE

Le figure degli Yule Lads affondano le loro radici nel folklore nordico, in particolare nella mitologia islandese. I Jòlasveinar risalgono, infatti, a molto prima che il Natale assumesse i connotati cristiani di oggi; i folleti di Natale islandesi rappresentano insieme alla loro madre Grýla, una troll che rapisce e mangia i bambini disobbedienti, e al loro padre Leppalúði le forze oscure e misteriose dell’inverno. Nell’ambito del folklore natalizio si aggiunge anche Jólaköttur, il gatto domestico di Grýla e Leppalúði, esso, durante la notte di Natale rapisce i bambini e gli adulti che non indossano un abito nuovo.

In passato queste leggende servivano ai genitori per diversi scopi; non erano solo favole, ma rimedi per far restare in casa i figli durante il rigido inverno, per non fargli sprecare cibo e per farli comportare bene. I bambini erano così tanto terrorizzati che nel 1746 il Governo islandese fu costretto ad emanare un decreto che vietasse ai genitori di utilizzare

le leggende islandesi per intimidire i propri figli. Con il tempo, però, questi personaggi sono stati resi più giocosi e amichevoli, mantenendo, tuttavia, il loro lato scherzoso; ciò ha contribuito alla loro integrazione all’interno delle celebrazioni natalizie islandesi, conservando il legame con le tradizioni antiche.

TRADIZIONE CULINARIA NATALIZIA

Durante il periodo natalizio, passeggiando per le vie dei paesini si viene inebriati da mille profumi, uno più buono dell’altro. Nelle case non mancano mai i biscotti di pan di zenzero (Piparkökur), dolci tipici alla liquirizia (lakkrís toppar), biscotti al cioccolato, mömmukökur (biscotti allo zenzero con glassa bianca) e tante altre prelibatezze che rendono la cucina natalizia islandese unica. La tradizione vuole che si inizi già dai primi di Dicembre a sfornare i biscotti, ma per i più pigri anche una corsa al supermercato il giorno prima della Vigilia può salvare la festa. Un dolce tipico e molto lungo e difficile da preparare è una specie di macaron alle mandorle, che prende il nome da Sarah Bernhardt, una famosa attrice francese. La base di questo dolce è una pasta biscotto, è ripieno di crema al cioccolato e ricoperto di cioccolato. Questo dolce f  creato nel 1911 da un pasticcere danese, Johannes Steen, per celebrare l’arrivo dell’attrice in Danimarca per la pubblicazione della sua autobiografia scritta in danese. Un’altra pietanza che non può assolutamente mancare sulla tavola degli islandesi è il Laufabrauð (che significa pane con le foglie), un sottile disco di pane sul quale vengono intagliate delle decorazioni geometriche. Il suo nome deriva proprio da queste decorazioni, simili a delle foglie. Dopo essere stati decorati, i dischetti di pane vengono fritti in padella e serviti con un po’ di burro. È un piatto tipico dell’Islanda del Nord e si consuma durante il periodo natalizio come accompagnamento

ai piatti principali.

Tra le portate principali troviamo l’hangikjöt, agnello affumicato e salato, servito alla Vigilia di Natale. Si serve sia freddo che caldo e di solito è accompagnato dal laufabraud, da una salsa di patate bianche chiamata uppstúfur e da altre verdure. Troviamo poi l’hamborgarhryggur, un arrosto di maiale salato, servito con una glassa e una salsa dolci preparate con la Coca Cola. Come contorno vengono servite delle patate caramellate, cipolle rosse sottaceto e verdure.

Anche in Islanda, come in Lapponia, le portate sono accompagnate da una bevanda natalizia non alcolica chiamata

jólaöl. Un’altra pietanza simile tra i due paesi è il porridge di riso (möndlu grautur), servito con panna montata e

mandorle tritate. Gli islandesi hanno tradizioni diverse riguardanti questo piatto. Alcuni lo mangiano come colazione

di Natale, mentre altri lo mangiano come dessert. Altri ancora mettono una mandorla intera nella porzione grande e quando la porzione viene servita in parti più piccole, bisogna indovinare chi ha la mandorla.

Recensione "Frankenstein (film 2025)"

Sofia El Khattabi 4B,Lucia idrato 4B, Sofia Mohamed alì 3B | 10 Dicembre 2025

Il nuovo adattamento cinematografico di Frankenstein porta una reinterpretazione moderna del celebre romanzo di Mary Shelley. Il film racconta la vicenda di Victor Frankenstein ,un brillante ma tormentato scienziato, ossessionato dallo sfidare la morte dopo la perdita della madre. Per questo motivo decide di assemblare una nuova creatura dall’unione di cadaveri e riportarla in vita. Questa nuova creatura non è però mostruosa come la tradizione bensì un essere perfetto che porta dentro di sé tanto dolore, causato principalmente dalle ambizioni del suo creatore (Victor).Il film esplora le conseguenze morali e psicologiche dell’atto di sfidare Dio e la natura che ricadono non solo sull'inventore ,ma anche sulla creatura.Accanto a loro emergono figure come Elisabeth, la quale dimostra molto interesse e reciprocità nei confronti dell'ossessione scientifica di Victor.

L'adattamento cinematografico prodotto da Guillermo del Toro è composto da attori conosciuti da tutto il mondo come Jacob Elordi che interpreta la creatura,Mia Goth che interpreta lady Elisabeth detta anche Claire Frankenstein;Felix Kammerer,William Frankenstein,David Bradley che interpreta l’uomo cieco,Charles Dance ,Leopold Frankenstein;Christoph Waltz da Harlander. Infine, i due attori che interpretano Victor Frankenstein,sia la versione del personaggio da giovane che da adulto,sono Christian Convery insieme a Jacob Elordi e tra gli attori troviamo anche Oscar Isaac, attore di fama mondiale conosciuto dalle varie pellicole in cui ha recitato che gli hanno permesso di essere conosciuto a livello mondiale. 

Il film tratto dall’omonimo libro di Mary Shelley è diverso dagli altri adattamenti perché è stata compiuta una trasformazione estetica, infatti vengono evitati bulloni o cuciture rendendo la creatura quasi statuaria. Il regista sembra allontanare lo spettatore dalla natura mostruosa della creatura, poiché vuole ricondurre le colpe della sua malvagità al rifiuto e all’abbandono del creatore. Nel film vengono sottolineati i temi della solitudine e dell'inadeguatezza che provoca la creazione di Victor, essendo maltrattata e sminuita, che la porta alla nascita di un complesso di inferiorità nei confronti del creatore e che la porta anche ad una crisi di identità. Nel momento in cui scopre di essere stato assemblato con pezzi di altri corpi, capisce di non essere uomo ma non vuole neanche essere un mostro destinato alla malvagità e alla violenza.

Questo smarrimento si presenta a causa dell’abbandono di Victor che non curante ha deciso di ripudiarlo; nonostante queste difficoltà la creatura trovò altri punti di riferimento come la stessa Elizabeth oppure l’uomo ceco che riesce a vedere la sua bontà ed innocenza e che decidono di insegnargli i sentimenti, cosa che Victor non ha mai fatto. Quando inseguito questi punti fermi vengono scardinati ormai la creatura è cosciente della propria umanità e capisce di avere il diritto di essere furioso con Victor, tutto ciò' di cui gli interessa è la vendetta perché ha sradicato ciò con cui era riuscito a colmare il vuoto lasciato dal creatore.

 La morte di quei due punti di riferimento lo riconduce alla prospettiva di una vita da immortale in solitudine che lo distrugge, ed è il secondo fattore che lo spinge a compiere quei gesti crudeli nei confronti di Victor. Alla fine del film Victor, esausto, si scusa e lo riconosce come suo “figlio” prima di morire tra le sue braccia, mentre la creatura in un gesto di perdono libera la nave dal ghiaccio e si perde nell’aurora boreale. La frase finale di Lord Byron sembra suggerire l’accettazione del proprio destino da parte della creatura: “il cuore si spezzerà, e tuttavia, spezzato, vivrà ancora”

Modena Patrimonio Mondiale in Festa

Riccardo Laronca 4B | 16 Ottobre 2025

Tra Giovedì 9 e Domenica 12 Ottobre la città di Modena ha dato vita, per ben quattro giornate, ad una serie di iniziative nell’ambito dell’ottava edizione dell’evento “Modena Patrimonio Mondiale in Festa”, con l’obiettivo di celebrare i tre siti cittadini che, dal 1997, sono Patrimonio Unesco, ossia il Duomo, Piazza Grande e la Ghirlandina.

Il Duomo di Modena, Cattedrale di San Geminiano secondo il nome ufficiale, principale luogo di culto cittadino, chiesa madre dell’Arcidiocesi di Modena-Nonantola, è annoverato tra i meglio conservati esempi di stile architettonico romanico in Italia e custodisce le spoglie del santo patrono della città. 

In occasione delle serate del 10 e dell’11 Ottobre l’attore, regista e doppiatore Giancarlo Giannini ha letto poesie, proprio all’interno del Duomo, partendo dal Cantico delle Creature di San Francesco per poi terminare con quelle di poeti e scrittori contemporanei come Pier Paolo Pasolini e Alda Merini.

Oltre a ciò sono state organizzate anche visite turistiche, tour alla scoperta dei monumenti del patrimonio culturale cittadino e iniziative per tutte le età, compresi i più piccoli.

La Ghirlandina, Ghirlandèina in dialetto modenese, è la torre civica e campanaria del Duomo di Modena ed è anche l’edificio più alto della città. Venne inizialmente edificata nel 1130 per poi subire modifiche di tipo strutturale e artistico che terminarono nel 1319. Un tempo sede dei trofei e dei forzieri comunali, oggi ospita sulla sua facciata settentrionale un sacrario partigiano che riporta 1’106 nomi e foto di caduti durante la Resistenza Italiana.

Attraverso lo spettacolo “Ghirlandina. Luce e Memoria”, svoltosi nel corso delle quattro serate, la torre civica ha incantato i cittadini modenesi attraverso giochi di luci, immagini artistiche e suggestive, affiancate da una voce narrante dal linguaggio profondo e poetico che hanno rivestito e trasformato la torre in un mosaico di storia e cultura. Ciò è stato organizzato per celebrare il tema scelto per questa edizione dell’evento, ossia “L’Ultima pietra e l’inizio della memoria”, in ricordo proprio del momento in cui la torre campanaria cittadina fu terminata nel 1319. 

Queste iniziative hanno avuto lo scopo di far conoscere e apprezzare i beni culturali, simboli della nostra storia e identità cittadina, a tutta la collettività e, in particolare, alle nuove generazioni, per sviluppare la consapevolezza dell’importanza del patrimonio culturale. Sono i giovani, infatti, a dover raccogliere il testimone per trasmettere a loro volta il valore della tutela dei beni artistici e culturali, in conformità al disposto dell’articolo 9 della Costituzione.

Recensione Wanderstop - Tanto tè e tanto relax

Maria Rosaria Cozzolino | 20 maggio 2025

Quante volte, nella nostra vita, ci siamo ritrovati a spingerci al massimo per conseguire un obiettivo? Per fare del nostro meglio, abbiamo messo ogni cosa da parte, focalizzandoci solo su quello e mai su di noi o su ciò che ci circondava. Anche al raggiungimento dell’obiettivo, e nonostante la felicità che può donarci, arrivare al burnout è praticamente inevitabile.Per sopperire a questo, arrivano in nostro aiuto i videogiochi, da sempre in grado di trasportarci in mondi alternativi, lontani dal nostro, così da farci dimenticare problemi, dolori e preoccupazioni. Questo è l’obiettivo di Wanderstop: così come l’omonimo negozietto, il titolo vuole essere un piccolo e tranquillo avamposto che ci permette, assieme alla sua protagonista, di rilassarci e, soprattutto, di fermarci, senza essere schiacciati dalle grandi aspettative della società. Sarà riuscito il titolo di Ivy Road a farci mettere da parte le nostre ansie quotidiane e ad abbracciare il dolce far niente? Scopriamolo insieme!

Trama

Alta è un’incredibile guerriera rimasta imbattuta per cinque anni, finché, dopo una singola sconfitta, inizia ad accumulare sempre più fallimenti. Stanca della sua situazione e con la sua arma alla mano, decide di addentrarsi in una fitta foresta dove risiede la signora Winters, la miglior allenatrice della regione. Tutto cambia quando, improvvisamente, Alta crolla, incapace perfino di alzare la sua amata spada. Svenuta, si risveglia in una piccola e accogliente radura accanto a un grosso uomo, Boro, che le affida un compito: trattenersi nella foresta per aiutarlo nella gestione di una sala da tè, almeno fino a quando non si sentirà meglio. Per quanto cerchi di fuggire e tornare sui suoi passi, Alta non riesce mai ad allontanarsi senza crollare immediatamente, dando così inizio alla sua nuova avventura come gestore del Wanderstop.Questo piccolo avamposto nel cuore della foresta accoglie tutti gli avventurieri bisognosi di un luogo dove riposare e di una tazza di tè. Durante la nostra permanenza, incontreremo persone di ogni tipo, dai padri di famiglia in crisi fino a signore anziane con una spiccata passione per l’economia, ognuno con i propri problemi e le proprie storie.

Il nostro compito sarà non solo esaudire le loro richieste, ma anche ascoltarli e aiutarli nelle loro questioni personali, volenti o nolenti. Grazie alla grande varietà di personaggi e alle loro storie, la scrittura di Wanderstop si mantiene sempre fresca e ricca di spunti interessanti, anche quando non del tutto originali. Ogni dialogo è colmo di intermezzi divertenti e piacevoli da seguire e, grazie a questi, molti dei personaggi entreranno inevitabilmente nel nostro cuore.

Ad ogni modo, il fulcro della trama si concentra sulla sua protagonista, Alta, e sulla sua lotta per tornare a combattere nell’arena. Il suo sconforto e il suo conflitto interiore sono trasposti magnificamente, riuscendo a portare sui nostri schermi una storia matura e realistica, pur adornata da momenti comici molto apprezzabili. La storia di Alta e la natura stessa del titolo ci portano a riflettere, abbracciando il dolce far niente e la gioia di apprezzare le piccole cose.

Gameplay 

Il gameplay di Wanderstop è l’apoteosi della formula dei chill game, racchiudendo tutte le caratteristiche essenziali del genere e arricchendole con un tocco di creatività. Come accennato, il nostro obiettivo principale sarà preparare il tè per i viaggiatori che giungeranno al nostro negozio. Per farlo, dovremo utilizzare un grande e all’apparenza complesso macchinario che, poco alla volta, impareremo a padroneggiare. Ogni personaggio avrà richieste differenti e non sempre ci dirà esplicitamente cosa desidera, portandoci ad approfondire gli effetti dei vari frutti per adattarci alle loro esigenze.

Per preparare il tè, avremo bisogno di specifici ingredienti: frutti, palline di tè e, ovviamente, tazze. Per ottenerli, dovremo esplorare a fondo il grande giardino che circonda la sala da tè, dove potremo anche ritagliarci un piccolo spazio per coltivare gli alberi da frutto necessari.Un elemento chiave del gameplay è l’ibridazione degli ingredienti: ogni ordine richiede un ingrediente specifico, e per ottenerlo dovremo sperimentare diverse combinazioni di piante. Il libro delle istruzioni fornitoci da Boro ci darà solo suggerimenti di base, lasciando a noi il compito di scoprire le ricette migliori, favorendo una progressione lenta e meditativa. Questo è uno dei punti di forza di Wanderstop; il gioco non ci spinge mai a fare le cose in fretta, ma ci invita a prenderci il nostro tempo, riflettere e sorseggiare in tranquillità una tazza di tè, proprio come Alta.

Tuttavia, il gameplay può risultare ripetitivo; il funzionamento della macchina del tè resta invariato e le ricette non sono particolarmente variegate. Ciò viene però bilanciato dalla qualità della narrazione, che arricchisce l’esperienza con dialoghi profondi e ben scritti.Un aspetto opzionale, ma comunque rilevante, è la cura del nostro giardino. Passeggiando per la radura, ci imbatteremo in radici che danneggiano il panorama. Seppur non obbligatorio, potremo sradicarle, ottenendo in cambio oggetti utili, tra cui decorazioni per il negozio o tazze appariscenti con cui servire il tè ai clienti.Potremo anche abbellire il giardino con piante da vaso e altri oggetti, ma questi scompariranno al cambio di scenario tra un capitolo e l’altro. Se inizialmente può sembrare deludente perdere il nostro lavoro, il gioco ci spinge ad accettarlo, ricordandoci che non ha senso smettere di creare cose belle per paura di perderle.Nel corso della storia, riceveremo libri per posta o da alcuni personaggi, e ciò che colpisce è che questi siano interamente leggibili. Sebbene consistano in poche pagine, sono curati e piacevoli da sfogliare.

Comparto artistico e tecnico

Il comparto artistico è il fiore all’occhiello del titolo: nonostante sia ambientato in un unico luogo, il cambio di stagione dona sempre un volto nuovo al nostro negozio, rendendo piacevole l’esplorazione dei suoi dintorni. Particolare attenzione è stata data al design dei personaggi, tutti diversi e con tratti distintivi ben caratterizzati.

Non è affatto un caso notare come i colori vibranti e rilassanti contribuiscono a creare un’atmosfera accogliente e immersiva.Ottima anche la colonna sonora, che ci accompagna con brani di generi differenti, ma sempre con toni tranquilli e rilassanti.

Piccola nota a margine, il compositore è lo stesso C418 che tanti anni fa ci portò la magia delle OST di Minecraft, e non è invecchiato affatto in quest’ultima release. Sul piano tecnico, il gioco si è dimostrato stabile e privo di problemi rilevanti, se non qualche piccolo bug di poco conto.

In conclusione...

Wanderstop è un ottimo titolo che riesce a immergerci in una storia matura e ben sviluppata sotto ogni punto di vista, e allo stesso tempo a farci rilassare e gioire della semplicità del suo gameplay. Grazie anche all'ottima scrittura dei dialoghi e della protagonista, Alta, riusciremo a immedesimarci facilmente nella sua situazione, guardando anche dentro noi stessi.

Invivavoce- Echi d'ansia

Aurora Vanacore| 17 aprile 2025

Uno specchio in frantumi, una corda stretta e aggrovigliata, un vortice senza fine, un peso opprimente, una stanza buia e sigillata, un nascondiglio ma anche un posto sicuro, un nemico ma anche una presenza così costante da non riuscire a vivere senza: queste sono solo alcune delle mille apparenze che l’Ansia, protagonista della seconda edizione di Invivavoce, ha assunto grazie alle abilità e al coraggio che attori, cantanti, artisti, musicisti e ballerini hanno dimostrato nel mettersi in gioco e nel condividere con tutto il pubblico le loro emozioni. Durante le varie performance il limite costituito dal palcoscenico scompare e ci si ritrova tutti insieme, accomunati dalla ovvia ma sostanziale condizione di essere umani: tutti sappiamo cosa significa provare l’ansia, anche se in modi diversi e in contesti diversi, e riconoscere la sua presenza è l’unico modo per evitare che questa si trasformi in una vera e propria patologia.

Specialmente la nostra generazione, che spesso viene proprio identificata con questa emozione, ne è in un certo senso un’esperta: dai social media al sistema scolastico, dallo sport al fenomeno degli hikikomori, fino a culminare nel grande dilemma esistenziale del Futuro. Se per le generazioni precedenti è solamente uno dei tanti problemi astratti che affliggono il mondo di oggi, troppo grande per essere affrontato e argomento ideale per i tipici discorsi da bar, per noi giovani si tratta invece di una questione fondamentale, della nostra stessa vita. “Ci penserete voi a sistemare questo mondo, siete la nostra speranza”, espressione frequente e accompagnata da un sorriso bonario che evita di ammettere come effettivamente si sia arrivati a questo punto.

E così ci si ritrova tra mille fragilità, sotto lo sguardo giudicante di tutti, a doversi improvvisare supereroi quando fino al giorno prima la preoccupazione più grande era quale giocattolo chiedere a Babbo Natale, inaspettatamente passando da bambini a giovani adulti responsabili: responsabili del proprio aspetto fisico, di quanti like si hanno, di quanto è alta la propria media scolastica, di quante medaglie d’oro sono appese al muro, di quanti amici reali e virtuali si hanno, senza mai raggiungere effettivamente un risultato che porti ad una soddisfazione definitiva.

“L’adolescenza non è solo una stagione della vita, ma una modalità ricorsiva della psiche dove i tratti dell’incertezza, l’ansia per il futuro, l’irruzione delle istanze pulsionali, il bisogno di rassicurazione e insieme di libertà si danno talvolta convegno per celebrare, in una stagione, tutte le possibili espressioni in cui può cadenzarsi la vita.”: con queste parole il filosofo e psicoanalista Umberto Galimberti descrive la realtà dei giovani volti che si sono ritrovati a guardarsi  negli occhi e a riconoscersi durante la giornata del 16 aprile, chi seduto tra gli spalti del Teatro Storchi, chi illuminato dai riflettori sul palco.

Qui appare l’ansia, e diventa una compagnia costante, una presenza abituale: “un salice, che tende verso il basso, che mi schiaccia e che mi nasconde, ma che mi tiene anche al sicuro”, così la definisce una delle ragazze che si sono esibite durante lo spettacolo.

L’arte, in tutte le sue forme, diventa un mezzo di espressione e in qualche modo anche una cura contro questa che nei casi più estremi si sviluppa in una malattia grave e difficile da estirpare: è grazie al dialogo, alla compagnia, alla comprensione e all’aiuto degli altri che è possibile rompere questo circolo vizioso verso la chiusura in sé stessi, ma è anche qualcosa che deve partire dall’interno, “ci si aiuta da soli”, per fare in modo che la paura di morire diventi maggiore della paura di vivere.

E’ complicato, è contraddittorio, sicuramente non privo di dolori, ma l’ansia rimane comunque parte della nostra psiche, un’alternativa migliore all’apatia, una sensazione amplificata ma pur sempre un sintomo dell’essere vivi.

Recensione Mickey 17 - Doppio Pattinson, doppio problema 

Maria Rosaria Cozzolino | 29 marzo 2025

L’ultima fatica del cineasta Bong Joon-ho (Parasite, Memories Of a Murder) è proprio un adattamento di Mickey 7, con Robert Pattinson nel ruolo del protagonista Mickey. 

L’opera ci porta in un futuro lontano in cui l’umanità si sta spingendo alla colonizzazione di nuovi pianeti, guidata da un politico fallito e decisamente eccentrico. 

Mickey è un povero ragazzo che, per sfuggire a dei mafiosi che lo cercano per via di un grosso debito che ha con loro, finisce per accettare un lavoro rischioso all'interno di una stazione spaziale impegnata nella colonizzazione di un altro pianeta. Questo consiste nell’essere una vittima sacrificale, un lavoratore al quale è possibile affidare le mansioni più rischiose perché, in caso muoia, potrà essere immediatamente clonato.

Dopo qualche mese di operazioni pericolose ed esperimenti finiti bene (Non per il nostro Mickey), tutto andrà storto quando il diciassettesimo clone di Mickey, finito in una fossa nei ghiacci, finirà per incontrare delle creature aliene che lo risparmieranno riportandolo in superficie e, quindi, permettendogli di rimanere in vita.

Quando tornerà, scoprirà che un suo rimpiazzo era già stato realizzato e che è venuto a crearsi un doppio.

Mickey 17 è un’ottima opera che in tutta la sua durata non esiterà mai a porre dinanzi allo spettatore temi anche di notevole importanza, come il razzismo o l’animalismo. 

Il titolo approda nei nostri cinema nel momento più adatto, essendo che Kenneth Marshall, la figura politica alla guida (si fa per dire, la vera guida è ovviamente sua moglie) della spedizione è una perfetta caricatura dell’ora presidente americano Donald Trump e, quasi involontariamente, ne riprende alla perfezione i discorsi sconnessi e colmi di lacune ma anche il carisma, tanto utile a domare una massa disperata e accecata dal volto di un uomo comune. 

Tuttavia, proprio nella satira politica propostaci da Bong Joon-ho si vede la più grande lacuna dell’opera. Questa infatti viene mostrata in modo palese e troppo forzatamente comico, riprendendo un modo di fare tipico della televisione e del cinema asiatico. In questo modo, non vi è spazio per la costruzione di un buon villain, riducendo quest’ultimo ad essere una mera macchietta capace solo di farci sorridere, ma forse anche di far riflettere lo spettatore americano medio, per quanto quest’ultimo sia ancora in grado di farlo. 

Inoltre, più e più momenti, anche di notevole importanza per lo svolgimento della storia, sono colmi di buchi di trama. Tra traduttori di lingue aliene e congegni estremamente specifici sviluppati nel corso di un week end e personaggi che ci vengono introdotti ma poi buttati in disparte subito dopo, è difficile prendere alcune scene seriamente.

Tuttavia, questi problemi non ci rendono impossibile il godimento dell’opera, che comunque risulta colma di idee interessanti magistralmente eseguite sia dal regista che dall’ottimo cast.

20 anni di "Socialismo Tascabile"

L'album simbolo del Neosensibilismo

Mattia Piva 4B | 19 marzo 2025

Alle orecchie di molti, il nome Offlaga Disco Pax suonerà totalmente nuovo. Pochi altri, invece, assoceranno a questo gruppo un aggettivo apparentemente insensato: “neosensibilista”. Il termine, coniato dalla band stessa, fa riferimento alle figure di Francesca Mambro e Giusva Fioravanti, una coppia di terroristi e attentatori neofascisti protagonisti dell’eversione nera degli anni ‘80, almeno stando alle loro parole. Molto più probabilmente, le azioni estremiste dei due erano figlie del semplice gusto della crudeltà e della follia, piuttosto che da un qualche credo politico. Mambro, durante un interrogatorio, definì il compagno, colpevole di molteplici omicidi caratterizzati da insensata e non necessaria violenza, come “il ragazzo più sensibile che avesse mai incontrato”. Per stabilire dei limiti, come riportato dal gruppo stesso nella canzone “Sensibile”, il trio decise di definirsi Neosensibilista, distinguendo nettamente il loro modo di essere sensibili da quello dei due attentatori, oggi a piede libero. 

   Dopo undici anni di inattività, complice anche la morte estremamente precoce del bassista e tastierista Enrico Fontanelli, con Max Collini alla voce e Daniele Carretti alla chitarra e al basso, accompagnati dal polistrumentista Mattia Ferrarini, gli Offlaga tornano sul palco con un tour iniziato il 7 marzo e destinato a protrarsi per un mese. La prima data coincide con il ventesimo compleanno del primo album del trio, “Socialismo Tascabile - Prove tecniche di trasmissione”. Nonostante le evidenti influenze politiche, che oltre che nel nome del disco saranno presenti in ogni brano dell’album, questo lavoro è un ritratto perfetto di un’epoca complessa, instabile, di cambiamenti e in continuo mutamento. Gli anni di piombo, l’eversione nera, la prima repubblica. Tutti temi che si intrecciano, a volte troppo fitti per poterli vedere chiaramente, mai del tutto limpidi e puliti, ma che per una generazione intera sono state speranza, amore e lotta politica. 

   Il sound della band non è certamente dei più tipici: con basi elettroniche e coinvolgenti, a tratti psichedeliche, ricercate e studiate in ogni dettaglio, i musicisti accompagnano la voce di Max Collini, che però non canta mai. Ogni canzone, infatti, è parlata. L’album si apre con “Kappler”, batteria incalzante e un riff di chitarra coinvolgente che strizza l’occhio al funk. La storia non è quella del poliziotto a capo dei servizi segreti delle SS, Kappler, bensì quella del docente di agraria delle superiori di Collini, un omone che, per l’atteggiamento e i vestiti, ricordava molto il criminale di guerra tedesco, e fu pertanto così soprannominato. Fin dall’inizio, il disco accoglie l'ascoltatore in un clima di calda intimità, con scene di vita comuni, quasi banali, raccontate con parallelismi storici e fugaci immagini dello scenario dell'epoca. Lo scontro tra Collini e Kappler sembra quello di un ribelle che sfida l’autorità, un partigiano, che però sul finale della canzone sembra venire messo a nudo dal cantante stesso, che riconosce l’infantilità e la sfacciataggine dei suoi atteggiamenti.

   Tipico degli Offlaga è anche l’ermetismo, l’ambiguità e il mistero affascinante di ogni testo. “Enver”, seconda traccia del disco, ne è la prova più evidente: il richiamo più chiaro è sicuramente quello a Enver Hoxha, leader comunista albanese dal 1944, uno dei maggiori responsabili del progresso e dello sviluppo albanese di quegli anni. Rifiutando però la destalinizzazione, a differenza degli altri stati dell’est-Europa, il governo di Enver si trasformò in una feroce dittatura. La delusione, il vuoto provocato nel paese dopo la trasformazione di Hoxha in un dittatore spietato, sono paragonati dal cantante alla sensazione provata al termine di una relazione. 

Inoltre, dopo qualche ascolto, è evidente, ma non chiaro, il collegamento, con la cantante Anna Hoxha, che condivide il cognome con il dittatore e che ha scritto la canzone “Un’emozione da poco”, citata dal trio nel pezzo. 

   Il parallelismo con una relazione sentimentale è anche il fulcro della canzone “Khmer Rossa”, inquietante soprannome affibbiato dal cantante a un suo grande amore in gioventù. Una ragazza senza il senso del limite, sfrenata ed eccentrica, con cui condivideva una passione per il socialismo. La canzone è un tripudio di metafore, riferimenti storici, che si conclude con un amaro velo ironico finale. Il brano è accompagnato dalla traduzione simultanea in rumeno.

   Uno dei più grandi successi della band, “Cinnamon”, prende il testo da un passo di un libro di Arturo Bertoldi, anche autore della canzone ispiratrice del nome del gruppo “Disco Pax”, e prende ampiamente spunto per il giro di basso da “Allarme”, dei CCCP. 

Il cinnamon era il più ambito di una varietà incredibile di gusti di gomme da masticare degli anni ‘80. Attraverso un graduale cambiamento, con sempre più globalizzazione e sempre meno varietà di scelta, il brano analizza come i cambiamenti più grandi e vasti possano influenzare anche le minime cose, attraverso esempi esagerati ma non inverosimili: “La sinistra calava, ed ecco comparire le chewingum del capo che mangia pesante”. Bertoldi accompagna l’ascoltatore (o il lettore) attraverso un’ascesa delle gomme “da maggioranza silenziosa”, fino a quando un giorno, preso dallo sconforto per l’esistenza di un ossimoro come “Le Big Babol Revolution”, si accorse del ritorno delle cinnamon. “Strano che l’Unità non avesse detto niente”. 

   La musica diventa protagonista assoluta nella chiusa della prima metà dell'album, “Tono Metallico Standard”. La storia intreccia i fili dell’invidia, della competitività e di quella stizzosa superiorità tra coloro che si ritengono esperti di musica sotto forma del rapporto di silenziosa tensione tra Max Collini e il giovane commesso di un nuovo negozio di dischi, che ostenta una certa conoscenza in materia e se ne vanta con disprezzo nei confronti del cliente. Collini ricambia il sentimento, ritenendolo un ragazzino presuntuoso, fino a quando, quella sera, non lo vede in televisione: è un cantante di una band abbastanza famosa. “Brutta bestia, l’invidia”.

   La seconda parte dell’album si apre con l’amara riflessione di “Tatranky”. Il nome si rifà a un pacchetto di wafer, comprati da Collini dopo una serata a Praga, trascorsa in discoteca, nel corso della quale era stato preso dallo sconforto per una scaletta di canzoni insipide, false, di plastica. Fino al culmine: “Felicità” di Albano e Romina. Tornato a casa, si accorge che anche i Tatranky sono ora prodotti non più dalla Repubblica Ceca ma da una multinazionale francese. Tutta la delusione per il totale appiattimento del mondo, la sua monotonia, la sua globalizzazione, si sprigiona con l’urlo finale: “Ci hanno preso tutto”.

   Il disco si avvia alla sua conclusione tirando fuori il vero carico da novanta dell’intera discografia degli Offlaga. “Robespierre”, con il suo ritmo frenetico e i riff che si imprimono subito in testa. Un ritratto vividissimo, una serie di flash di un’epoca per i più giovani lontanissima, ma malinconicamente vicina per chi l’ha vissuta. Scorci di vita quotidiana, ma non solo: la canzone è un po’ l’inno del gruppo, un riassunto di tanti riferimenti dei loro pezzi, una sorta di punto di riferimento che sembra rimandare in qualche modo a ciascuna delle tracce di questo e degli altri due album del trio. 

   “Piccola Pietroburgo” sembra opporsi radicalmente a “Tatranky”, eppure esserci indissolubilmente legata: nella prima, il tempo sembra essersi fermato, mentre nella seconda esso è stato cancellato, spazzato via dalle grandi multinazionali. Sì, perché la penultima canzone di “Socialismo Tascabile”, parla della città natale di Orietta Berti. Cavriago, vicino a Reggio Emilia. Per un’assurda coincidenza, un ossimoro piuttosto divertente, il piccolo paese di nascita della cantante ha come sindaco onorario Lenin. Un suo busto, in onore di ciò, fu donato dall’URSS alla città e successivamente posto al centro dell’omonima piazza. In questo borgo di novemila anime, sembra di essere ancora all’epoca d’oro del PCI, con eventi sempre più in crescita gestiti solo da volontari. 

   L’ultima traccia è “De Fonseca”, una triste e malinconica ballata sulla fine di una relazione dal punto di vista delle piccole cose, come il doversi restituire a vicenda gli effetti personali. Tra questi, Collini ritrova le ciabatte De Fonseca che aveva comprato per l’ex compagna, che lei non portava mai. I ricordi agrodolci e le riflessioni di evidente maturità e rispetto reciproco emergono da quelle semplici ciabatte. Interi minuti dello stesso riff, senza neanche una parola, infine, chiudono questo album, senza tradire affatto lo stile degli Offlaga: per quanto entrambi siano importanti, il contenuto e il messaggio sovrastano sempre la forma delle loro canzoni. 

“Socialismo Tascabile” è indubbiamente un album controverso, ma che, al di là delle bandiere, è in grado di insegnare attraverso le sue canzoni e offrire una visione nuova e inedita di un periodo agitato, vivo e pulsante di moti, idee e rivoluzioni.

Recensione The Brutalist - L'eterno straniero 

Maria Rosaria Cozzolino 5B | 15 marzo 2025

Sin dall’alba dei tempi, uno dei più grandi temi affrontati da ogni tipo di medium è quello del viaggio. Dall’iliade e l’odissea passando per il signore degli anelli, ci troviamo sempre ad assistere alle vicende di personaggi alle prese con un mondo completamente nuovo abitato da persone diverse.
Questi aspetti si riversano anche sul tema dell’immigrazione, ora più che mai un tema caldo che tocca ognuno di noi in un modo o nell’altro.
The Brutalist ci mostra il viaggio di Laszlo Toth, un architetto ebreo ed ungherese, reduce dell’olocausto, che decide di trasferirsi in America per trovare fortuna, e ci rende partecipi anche di tutti i problemi che ciò comporta.

Sin dal suo arrivo negli Stati Uniti, il nostro protagonista vive una serie di sventure, mantenendo però un tono speranzoso, questo fin quando Harrison Lee Van Buren, importante imprenditore della Pennsylvania, nota il suo grande talento assegnandogli un importante lavoro.

Nel seconda parte dell'opera, vedremo un netto distacco dalla prima metà, introdotta dall’arrivo della moglie e della figlia di Laszlo, Erzsebet e Zsofia, sotto ogni punto di vista, soprattutto da quello dei toni. La rabbia che nasce progressivamente dentro il protagonista, dovuta a tutto ciò che lo affligge all’interno della storia, e la crescente depressione della moglie spostano completamente il focus della storia, rendendola molto più cupa e pesante.

L’anima della storia e del vissuto di Laszlo viene può essere racchiusa in una singola frase:

Noi ti tolleriamo.

Pronunciata da Harrison Van Buren, questa riesce a rappresentare una delle tante facce della migrazione. L’idea che, per quanto ci si impegni e si diventi a tutti gli effetti membri di una società, agli occhi di molti rimarremo sempre e unicamente la stessa cosa: degli estranei. 

La cinematografia di Brady Corbet (Vox Lux) riesce perfettamente a trasporre il disagio dei suoi protagonisti e la sensazione di soffocamento che traspare dagli ambienti.

[Spoiler] L'unico problema che affligge il film si può ritrovare in alcune idee che appaiono forzate e non realizzate al meglio. Primo esempio fra tutti è lo stupro di Laszlo condotto da Harrison. Questo non viene approfondito a dovere e non gli viene data la profondità necessaria, finendo per renderlo un mero presupposto per impressionare lo spettatore.

Anche il finale è reso in maniera confusionaria senza una motivazione precisa, scambiando i ruoli dell’attrice della moglie e della figlia di Laszlo.

La produzione della pellicola è stata anche segnata da uno scandalo legato all’utilizzo dell’intelligenza artificiale. Questa è stata utilizzata sia per rendere più realistico l’accento ungherese che il protagonista, Interpretato da Adrien Brody, avrebbe dovuto avere sia per realizzare dei bozzetti di alcune ipotetiche strutture dell’architetto.

L'uso di AI generativa sta a poco a poco prendendo sempre più piede nel cinema in sempre più campi, facendo arrivare alcuni registi, come ad esempio James Cameron, ad affermare nei crediti della sua opera che questa non usa Intelligenza artificiale. L'uso di intelligenza artificiale nell’arte, soprattutto vedendo quanto questa stia danneggiando posti di lavoro e veri artisti, deve essere sempre condannata, perché se per ora non ha grande spazio nel cinema, arriverà ad averne sempre di più, mandando sempre più creatori di valore a casa.

Recensione "Aracoeli" - Elsa Morante

Francesca Chilò 5AL | 14 marzo 2025

"Aracoeli" è l'ultimo, enigmatico romanzo di Elsa Morante, pubblicato nel 1982. Il tema centrale del libro, ovvero quello della relazione madre-figlio, emerge dal racconto del protagonista Manuele. Egli, ormai adulto, racconta i tempi d'oro dell'infanzia passata con la madre. È da lei che il romanzo prende il nome: Aracoeli è una giovane donna andalusa sposata a un ufficiale della marina italiana. Con il procedere della storia, il lettore riesce ad entrare nel vivo delle dinamiche che coinvolgono i personaggi, in particolare Manuele e Aracoeli. 

Pagina dopo pagina seguiamo non solo il viaggio fisico del protagonista, che si reca in Spagna per riscoprire da vicino le origini sue e della madre, ma anche quello mentale nelle memorie d'infanzia, nel tentativo di dare un senso al suo vissuto. Vediamo la storia contemporaneamente con gli occhi di un bambino e con quelli di un adulto, assistendo a tutte le illusioni infantili del piccolo Manuele e alla loro conseguente distruzione. La figura di Aracoeli emerge come il pilastro dell'intera vita del figlio, per il quale l'approvazione della madre e il suo affetto significano tutto.

Ho trovato questo libro scorrevole e molto introspettivo. La narrazione in prima persona, oltre a non rendere mai il romanzo noioso, consente di entrare a fondo nella psiche del protagonista e di comprendere tutti i suoi turbamenti, a partire da quelli infantili.

Italia e fine vita

Due opinioni a confronto

Mattia Piva 4B, Riccardo Laronca 3B | 3 marzo 2025

In questi mesi si è riacceso nel nostro Paese il decennale dibattito politico e sociale in merito al fine vita. Tuttavia è necessario fare alcune precisazioni: 

Le due forme di attuazione del fine vita possono essere l’eutanasia e il suicidio assistito, solo apparentemente simili: la prima, infatti, consiste nella somministrazione per via endovena di un farmaco letale, subita passivamente dal paziente, che agisce in pochi minuti. 

Il suicidio assistito, invece, risulta essere un caso più complesso, almeno sul piano legale: la partecipazione del paziente è attiva, poiché il ruolo del medico si limita alla preparazione dei farmaci, che verranno poi assunti dalla persona che ha richiesto la procedura in autonomia, agendo nel giro di mezz’ora. 

Ad oggi in Italia l’eutanasia e il suicidio assistito non sono legali, in particolare la prima costituisce il reato penale di omicidio. Il secondo è anch’esso reato ed è punibile con la reclusione da 5 a 12 anni.

La Corte Costituzionale, tuttavia, con sentenza n.242/2019 ha sancito che il suicidio assistito è consentito in presenza di specifiche condizioni:

1. Malattia terminale irreversibile

2. Dipendenza da dispositivi di sostegno vitale

3. Sofferenze insostenibili per il paziente, causate dalla malattia

4. Piena capacità del paziente di intendere e volere

Ad oggi il Parlamento non ha ancora approvato una legge che disciplini il suicidio assistito.

L’11 Febbraio 2025 il Consiglio regionale della Regione Toscana ha approvato, con 27 voti favorevoli, 13 contrari e un astenuto, una proposta di legge che regolamenta a livello regionale la “Morte volontaria medicalmente assistita”, meglio conosciuta come “Suicidio assistito”. Tale proposta, partita da un contesto regionale, ha riaperto il dibattito nazionale in merito al tema.

Il fine vita è un tema molto complesso sul piano morale, sociale e religioso nella visione dell’opinione pubblica, tanto che, nonostante la maggioranza che attualmente governa il nostro paese, teoricamente contraria, la percentuale di italiani che nel 2024 si esprime favorevolmente riguardo il fine vita, secondo un sondaggio di Youtrend, è circa il 77% della popolazione.

Anche all’interno del dibattito politico, la tematica crea spaccature, anche all’interno dei partiti stessi: nel Centrodestra, solitamente fazione più conservatrice, alcuni movimenti giovanili e un certo numero di esponenti più liberali sono favorevoli al fine vita. Altri partiti della stessa area politica lasciano invece libertà di coscienza ai propri membri, senza posizioni ben definite e precisate. Partiti di Centro e Centrosinistra, con ideologie tendenzialmente più progressiste e radicali, si schierano generalmente a favore. 

Le visioni riguardo il tema, pro e contro, sono molto articolate. Pertanto, abbiamo cercato di raccogliere le argomentazioni più forti sia favore che contro il fine vita.

Esiste veramente la “libertà di morire”? L’uomo può veramente decidere quando mettere fine alla propria vita? 

Nessun essere umano può scegliere di nascere, e allora perché dovrebbe poter scegliere di morire?

Ad oggi si parla di fine vita come se fosse una scelta personale, ma in realtà è la stessa Costituzione della Repubblica italiana che, all’art. 2, richiede l’adempimento dei doveri inderogabili, tra i quali rientrano anche quelli di solidarietà sociale, quali, per esempio, quello di prestare aiuto a chi sta male o è in stato di bisogno. 

La maggior parte dei malati terminali che chiede di morire, lo fa non perché voglia veramente mettere fine alla propria vita, ma perché intende smettere di soffrire. 

Le cure palliative sono quindi fondamentali, poiché accompagnano il malato fino all’ultimo momento ma, nonostante questo, in regioni come la Lombardia e la Toscana solo una piccola parte dei malati terminali riesce ad usufruirne oppure, più spesso, richiedono lunghi tempi burocratici per essere implementate, ponendo così l’individuo nella condizione di dover scegliere tra una morte rapida o un’atroce sofferenza prolungata. Lo Stato deve quindi accompagnare il malato, aiutandolo a morire con dignità in modo privo di sofferenza e non spingerlo a suicidarsi, accelerando artificialmente la sua morte. Infatti si può, anzi, si deve eliminare la sofferenza senza eliminare il sofferente.

L’eutanasia e il suicidio assistito sembrano sottindere che la vita dell’essere umano non è degna di essere vissuta se presenta sofferenza o se è destinata a finire a breve.

Così facendo, se ne sminuisce il valore e si lascia ad intendere che una siffatta esistenza vale di meno rispetto alle altre. Tale idea sarebbe di una gravità inaudita se fosse promossa dallo Stato stesso, perché alimenterebbe una logica della morte.

Ogni vita val dunque la pena di essere vissuta, anche se non è produttiva per la società e può rappresentare un peso per coloro che stanno accanto alla persona malata e per lo Stato che ne deve sostenere i costi. Che cosa c’è di più grande dell’amore e della forza che proviene dalla consapevolezza di essere accettati per quello che si è, per come si è per quanto poco si potrà essere? 

~ Riccardo 

“Vivere non è libertà; poter scegliere dove, quando e come morire, questa è libertà”. Così sostiene Mirko Badiale, scrittore e filosofo italiano. Il concetto di libertà è da sempre relegato al contesto socio-culturale, che, paradossalmente, delimita il significato del termine: qualsiasi dibattito si possa intrattenere sul tema dell’eutanasia, il nocciolo è sempre lo stesso, ovvero dove sta il limite della libertà del cittadino e dove invece subentra l’autorità dello stato. Soprattutto, qual è un giusto metro di giudizio? Su cosa bisogna basarsi, nel concedere determinate libertà molto controverse? Al momento, le risposte, almeno nel nostro paese, sembrerebbero essere due: ci si basa sull’influenza del Vaticano, vicino a noi, e su quella della civiltà occidentale, che eleva la vita al di sopra di tutto e tutti come principio unico e sacro. Le due cose vanno in realtà spesso di pari passo, ma l’aspetto socio-culturale più interessante è sicuramente il secondo. L’idea che qualcuno possa rinunciare alla vita è ancora un tabù in occidente, mentre in molte altre culture non è inusuale accettare la morte per un qualche credo religioso o semplicemente per motivi strettamente e profondamente personali. Basti pensare al cantante giamaicano Bob Marley, che preferì morire per un melanoma all’unghia del piede piuttosto che far amputare il dito e andare contro la propria religione. Invece nel tanto progredito e liberale mondo occidentale, una persona è in grado, almeno idealmente, di fare qualsiasi cosa della propria vita tranne che rifiutarla. Costringere qualcuno a restare in vita contro il suo volere è il più grande sfregio a questo “dono” irrinunciabile, che nei casi più gravi viene vissuto con angoscia in attesa del sollievo della morte. Il dovere dello Stato non deve essere quello di mantenere in vita a qualsiasi costo un individuo, quanto più quello di garantire la salute del popolo. Se ciò al momento non è possibile, per quanto male possa fare, bisogna accettare l’evidenza che, per ora, la scelta migliore per un paziente incurabile che soffre e desidera cessare di esistere è assecondarlo e dargli sollievo. 

~ Mattia

Al termine di queste considerazioni l’obiettivo è, in primis, quello di aiutare ciascun individuo a farsi una propria idea riguardo a questo tema così ampio e complesso senza pregiudizio nel rispetto di tutte le opinioni in merito all’argomento. Il dibattito, oggi più che mai, è aperto e al centro dell’attenzione ed è quindi fondamentale informarsi e avere una visione pregna di pensiero critico. 

Leggere Dostoevskij

Aurora Vanacore 5B | 25 febbraio 2025

Questi giovani di oggi, sempre con gli smartphone in mano a scrollare sui social media, la generazione della frivolezza e della superficialità.

Eppure questo stereotipo sembra essere negato, o quantomeno contrastato, da un fenomeno letterario senza precedenti: Fedor Dostoevskij come uno degli autori più letti dai ragazzi secondo le classifiche più recenti.

Notti bianche, Memorie dal sottosuolo e Delitto e Castigo sono senza dubbio i romanzi più amati e la loro popolarità sembra essere solo in aumento, anche grazie al passaparola nato proprio dalle piattaforme mediatiche dove lettori di tutto il mondo possono sentirsi parte di un’unica e globale comunità.

Un fenomeno apparentemente sorprendente e incredibile, ma che in realtà trova delle spiegazioni perfettamente logiche come spiega anche la slavista Serena Vitale in riferimento particolare alle Notti bianche, dove leggerezza e profondità emotiva si incontrano per dare luce ad un’opera perfetta: “Una storia d’amore ma anche un romanzo sulla solitudine. Questo mi fa riflettere: quando penso a questi ragazzi dietro agli schermi dei cellulari mi viene in mente proprio la solitudine. E anche la fame d’amore che abita il nostro tempo”

 La Gen Z non è solo la generazione degli “sdraiati”, ma anche della ricerca di vie di fuga da un contesto sempre più soffocante, dove aspettative e canoni trasformano paradossalmente gli anni della spensieratezza in periodi di insostenibile ansia: è proprio questo il territorio fertile in cui nasce lo stretto legame tra i lettori del ventunesimo secolo e l’universo letterario della dove si muovono personaggi come il tormentato Raskol’nikov o il misterioso e innamorato Sognatore. 

La scrittura introspettiva e frenetica che rispecchia l'inquietudine dell’autore russo diventa il mezzo perfetto per amplificare la potenza emotiva delle sue opere: la rivoluzione che Dostoevskij attua nella tradizione del romanzo è il passaggio da figure statiche e coerenti alla focalizzazione proprio sulle contraddizioni individuali che caratterizzano i suoi personaggi, esaminati con una precisione quasi scientifica nei loro tormenti e in quel groviglio di pulsioni e rimorsi che Freud contribuirà a definire come psiche, un caos che da un lato attanaglia ma dall’altro definisce l’uomo stesso.

Inoltre, confrontando l’originale con le possibili traduzioni, quella italiana è una delle più fedeli nel trasferire l’intensità emotiva e psicologica delle opere di Dostoevskij da una lingua all’altra, forse anche per la vastissima articolazione che caratterizza entrambi gli idiomi nonostante la distanza geografica e le differenze culturali: ma d’altronde, come diceva Italo Calvino, un classico è un libro che supera qualsiasi barriera sia temporale che spaziale.

“I russi certo sono complicati, ma tornare alla complessità in quest’epoca è importante. La letteratura è sogno. E noi i sogni non dobbiamo perderli.”

Queste parole importanti riflettono non solo la straordinaria poesia delle opere di Dostoevskij ma anche il legame tra i ragazzi e questo autore, che prima di essere uno dei nomi più importanti della letteratura mondiale è anche semplicemente Fedor, un giovane uomo nella Russia dell’Ottocento, un fragile scrittore con tanti sogni nel cassetto, tormentato da una biografia complicata tra politica e condizioni di salute, capace di trasformare il suo dolore in arte, un’arte che ancora oggi parla, anzi grida disperatamente al mondo tutta la sua sofferenza.

“A volte l'uomo è straordinariamente, appassionatamente innamorato della sofferenza.” 

-F. Dostoevskij, Delitto e castigo

A COMPLETE UNKNOWN

Rita Madama 2D | 23 febbraio 2025

Film uscito a inizio 2025, sotto la regia di James Mangold, noto anche per l'acclamato biopic su Johnny Cash “Walk the Line”-(2005). Il film si basa sulla biografia “Dylan Goes Electric!” di Elijah Wald, ripercorrendo la svolta di Bob Dylan verso l’elettrico e il rock, staccandosi dalla carriera percorsa nel genere Folk. 

Alcuni membri del cast e Timothée Chalamet si sono presentati a Roma poco prima del lancio del tanto atteso film, regalando al pubblico un momento davvero cinematografico, posando sulle scale di Piazza di Spagna accompagnati dalle note della celebre “Like a rolling stone”.Inutile dire quanto alte fossero le aspettative su questo film, che per molti aspetti sono state soddisfatte.

Iniziamo subito con qualche curiosità andando a vedere quanto il film sia stato fedele alla storia e in che punti invece differisce. Innanzi tutto il film mostra una piccola parte dell’artista, ancora in vita, riferendosi agli anni tra il ‘61 e il ‘65.

Il film inizia con una scena molto coinvolgente emotivamente, raccontandoci di un ragazzo che attraversa il paese pur di conoscere il suo idolo Woody Guthrie, cantante e chitarrista folk vincolato al letto di un ospedale da una malattia neurodegenerativa molto grave, che gli porta via pian piano la voce e l’abilità di muoversi. Il giovane Bob si esibisce per il malato e il suo caro amico Pete Seeger, altro pezzo importante nella scena del folk, riportando ad entrambi un briciolo di speranza e strappando loro una lacrima. Successivamente Pete, colpito dal talento di Dylan, lo ospiterà a casa sua per qualche notte. Per quanto questa scena sia d’effetto, i musicisti non si incontrarono in  questo modo, infatti Pete seguì la carriera di Bob da lontano, per poi incontrarsi ufficialmente ad un evento nel ‘60 e dal quale nacque la loro amicizia e collaborazione. 

Pete lo porterà al Newport Folk Festival, dove incontrerà Joan Baez, talento dell’epoca, con la quale fece subito conoscenza e divennero sempre più intimi, fino ad avere una vera relazione. Nel film si mostra come i due finirono a letto dopo essersi incontrati casualmente durante la notte di terrore, scaturito dalla crisi missilistica di Cuba, sotto la melodia ribelle di “Master of war”. Come al solito il dipinto del film è romanico e molto poetico, anche se Joan Baez afferma di aver chiesto a Dylan nella vita reale perché avesse scritto quella canzone e lui ha risposto "Perché sapevo avrebbe venduto”.

Un fatto divertente per gli appassionati di musica è relativo alla scena del programma televisivo di Seeger, dove in una puntata compare un certo “Jesse Moffette” musicista blues alcolizzato che sembra essere avere una grande personalità e seguito. Se ve lo state chiedendo, questo personaggio non è mai esistito ma è solo un arricchimento alla scena. Inoltre Bob Dylan non è mai stato presente ad una di queste puntate televisive. 

La ragazza di Dylan, Silvy, è in realtà Suze Rotolo. Bob Dylan dirigendo le riprese del suo film ha voluto cambiare il nome al personaggio, per rispetto di Suze, che come si intuisce nel film ha una personalità molto timida e riservata. Inoltre è grazie a Suze, la quale spesso si recava in Italia per ragioni di studio, che Bob ha avuto il pretesto di andare a trovarla e fare concerti a Roma e a Perugia. La loro relazione finì nel ‘64 ispirando Dylan a scrivere “Ballad in plain d”.

Per quanto riguarda il festival finale di Newport ci fu un po’ di malcontento riguardo alla scelta di Dylan di spostarsi sul rock elettrico ma niente di così eclatante come sembra nel film. Infatti le uniche cose che furono gettate sul palco sono state delle armoniche, perchè Bob aveva scordato la sua per suonare “mr. Tambourine man” e ora gliene serviva una dell’intonazione giusta- infatti le armoniche hanno scale diverse a seconda del tipo di accordatura con cui vengono prodotte. Poetica però la versione del film, stoica, che nonostante tutto il futuro va avanti, l’arte non ha bisogno di essere apprezzata poichè arte, e l’artista ribelle non deve spiegazioni a nessuno, poiché genio e custode di una ricchezza interiore solo intravedibile in parte al suo pubblico. Come risposta al rigetto popolare Dylan alza ancora di più la musica, poiché il progresso non incontra spesso i gusti della società, “your old road is rapidly agin’, please get out of the new one if you can’t lend your hand…”

Ad ogni modo anche se in certi punti si sono permessi di romanzare la storia questo non è assolutamente un criterio di svalutazione del film, anzi, un film è pur sempre un prodotto artistico che deve differenziarsi da ciò che già esiste e lasciare impresse emozioni e sensazioni che altrimenti non verrebbero colte. E credo che in questo film ce ne siano molte. Questo film ha il sapore di un caffè, una sigaretta alla mattina, la camicia spiegazzata e di un viale di notte illuminato da qualche lampione giallo. Tutto è poetico, i colori sono caldi e accoglienti, tanto che ci viene voglia di entrare in questo mondo anni ‘60, in cui la spensieratezza di una vita più semplice si respirava nell’aria. Tuttavia la storia fa intravedere anche il contorno storico di quegli anni, la preoccupazione, i movimenti razziali e le prime rivendicazioni di genere. E’ un'atmosfera che seppur calma e tranquillizzante segna la fine di un'era e l’inizio di una serie di grandi cambiamenti. Per non parlare delle canzoni, che sono integrate così bene nella storia da dare vita anche alle sequenze più banali e noiose. Le parole dei testi sembrano scivolare fuori dalle anime dei personaggi, fondendosi insieme in inni di speranza. Bellissimo come Silvy si possa essere sentita lasciare da Dylan tramite la canzone cantata con Joan Baez, questo ci mostra come ognuno viva “The times they are a-changin" nel suo piccolo, chi ci trova un valore personale, chi lo associa al periodo storico o ad una fase della sua vita… La magia di questi testi è la loro comunicabilità di portata rivoluzionaria. 

Confrontato nel suo genere è un biopic ben fatto, molto tradizionale che non sfocia in sperimentalismi. Questo per alcuni è stato un difetto del film, perché si sarebbero aspettati qualcosa di più inaspettato, adatto ad un rivoluzionario quale Dylan, lui stesso disse “Non c’è nulla di così stabile quanto il cambiamento”. Io convengo che il film possa essere convenzionale ma credo anche che le rivoluzioni stiano nei piccoli gesti della quotidianità,  nelle cose banali. 

Il regista, James Mangold, si affida molto alle capacità dell’attore protagonista e devo dire che Timothée Chalamet è riuscito a stupire tutti, creando un personaggio che non fosse solo l’imitazione di Bob Dylan, lo studia, lo assimila e riesce a dargli una seconda vita. Guardando altri suoi film possiamo vedere il cambiamento e quanto si sia impegnato nel vivere la parte da lui scelta. Timothèe ha lavorato degli anni su questo personaggio, grande fan di Dylan, ha insistito per la parte e una volta avuta possiamo dire che ci abbia messo anima e corpo. Per non parlare della similarità tra le canzoni cantate da lui e quelle cantate da Bob Dylan. E’ riuscito a ricreare le stesse vibes, senza cambiare il volto dell’artista ma esaltandone le particolarità. Non c’è da stupirsi se Timothée è candidato agli Oscar 2025 come “miglior attore” per a Complete unknown.

Uno spunto bello del film è che il regista non abbia per forza voluto far vedere un Bob Dylan che piaceva alla gente ma mostrando anche il declino finale, quando lui ha deciso di dare una svolta stilistica alla sua carriera e i suoi sostenitori amanti del folk lo hanno abbandonato, non disposti ad ampliare le loro vedute. 

I musicisti raccontano la loro visione del mondo tramite la loro musica; non si può chiedere a qualcuno di ritornare alla sua precedente percezione delle cose solo perché incontrava il consenso della società. E’ più importante essere fedeli a sé stessi. I pensieri cambiano d’un tratto, si evolvono, modificando la nostra persona, facendo sbocciare qualcosa che prima doveva ancora germogliare in noi. I veri artisti sono quelli che sanno ascoltare le voci dentro di loro e danno massima espressione del proprio genio artistico. Sono messaggeri di portata rivoluzionaria, anche se a volte i messaggi impiegano anni prima di arrivare ai cuori della gente.

Questo film oltre a darci un assaggio di Bob Dylan presenta come personaggi di contorno musicisti come Pete Seeger, Joan Baez, Bob Neuwirth, Johnny Cash… ognuno di essi è un mondo a parte, tutti intrecciati tra loro dalla passione, amicizia e il desiderio di fare breccia nel cuore delle folle.

In conclusione è un film assolutamente raccomandato sia per gli appassionati di Dylan che vogliono fare una full immersion nei suoi successoni,  sia per chi spera di passare una bella serata guardando un film coinvolgente e ben fatto. 

David Lynch - la morte di una leggenda del cinema

Rita Madama 2D e Maria Rosaria Cozzolino 5B  | 21 febbraio 2025

Il celebre regista è morto recentemente, 16 gennaio di quest’anno, portando via con sé le sua incredibile genialità e lasciando molta tristezza nei cuori dei cinefili di tutto il mondo, infatti Lynch ha dato un contributo straordinario alla cinematografia del nostro tempo. 

Anche nella nostra Modena non sono mancati momenti in suo ricordo, per esempio al cinema Victoria e Raffaello hanno dedicato delle serate alle proiezioni dei suoi film, dando la possibilità ai suoi fan di salutarlo per l'ultima volta, in grande stile.

Nato nel 1946, nel Montana, nella sua giovinezza ha mantenuto diversi interessi; la fotografia, la recitazione, la musica, è stato scout, ricevendo il grado maggiore riconosciuto in America e da sempre ha sognato di fare l’artista. Tramite conoscenze entra a contatto con un giovane pittore e pian piano matura l’idea di intraprendere un percorso artistico. Si iscrive a qualche corso in questa direzione completando alcuni quadri, attualmente esposti al Museum of Modern Art di New York. Ben presto però accantona la pittura e si dedica a qualcosa di più vicino al mondo cinematografico, nel quale, negli anni, ha riscosso ben più successo. 

Realizza il suo primo cortometraggio “Six men getting sick” con il quale vince l’esibizione di fine anno della sua accademia a Filadelfia. Dopo una prima fase di produzione sperimentale, nel 1970 inizia la sua carriera da regista.

Nel corso degli anni ha ricevuto tre nomination al Premio Oscar per la regia per : “The Elephant Man”, “Blue Velvet” e “Mulholland Drive”. Ha ricevuto la Palma d'oro al Festival di Cannes 1990 per "Wild at Heart", il Prix de la mise en scène nel 2001 con “Mulholland Drive” e il Leone d'oro alla carriera durante la 63ª Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia.

Tra gli altri titoli famosi di cui probabilmente avrete già sentito parlare bisogna citare "Eraserhead" - uno dei primi di Lynch, genere grottesco, la realizzazione impiegò 5 anni; “Dune” - 1984 che fu un vero e proprio trauma per Lynch perché non ebbe nessun controllo sui tagli e sulla produzione finale del film, il quale presentò, a causa della lunghezza, talmente tanti accorgimenti e modifiche da risultare incomprensibile. In seguito al fiasco che seguì il film venne fatta anche una versione più estesa, nel tentativo di rilanciarlo, ma in egual modo fu talmente rimodellato che Lynch non volle riconoscerlo come suo progetto. “Twin Peaks” 1990-2017,serie televisiva di 3 stagioni che ha ottenuto il plauso della critica, con elogi per la sua struttura narrativa non convenzionale, gli effetti visivi e la recitazione del cast. Durante il periodo di messa in onda, grazie alla sua singolarità e al distacco stilistico rispetto ai programmi dell'epoca, la serie divenne presto un cult, reclutando una vasta schiera di fan. A distanza di decenni, è ancora considerata una delle serie più influenti nella storia della fiction televisiva e ha influenzato moltissime serie successive incentrate sul mistero e il soprannaturale. “ Strade perdute”-1997 È una storia criminale inquadrabile nell'ambito del noir moderno, caratterizzata tuttavia da immaginario e tematiche surreali.

Vorremmo condividervi qualche commento personale relativo ad alcuni suoi film che abbiamo visto. 

“Blue Velvet” è uno dei suoi capolavori, prodotto nel 1986, prende il nome dall’omonima canzone di Bobby Vinton, principale motivo dell’intero film. La trama surreale passa quasi in secondo piano, ideata con l’ intenzione di collegare immagini, suggestioni e pensieri del regista. Il film prende vita dall’infanzia di Lynch, l’ambientazione iniziale nei campi, riflette la strana pace e tranquillità vissute da bambino, dando un'immagine di una America apparentemente così semplice. Il padre di Lynch aveva spesso a che fare con la natura per motivi di lavoro e perciò David si sentì sempre collegato a queste atmosfere, imparando ad apprezzarle di più da adulto. Un altro dettaglio preso dalla sua infanzia è stato il momento traumatico in cui vide, di notte, una donna completamente nuda girare per le strade della città. Questo episodio lo sconvolse a tal punto che gli rimase impresso per anni, fino a ritirarlo fuori in questo film, altamente autobiografico, nella scena in cui Dorothy è appunto trovata nuda da Jeffrey e Sandy. 

Il dettaglio dell’orecchio nel campo, il pettirosso con l’insetto in bocca, Frank con il suo respiratore e la sua gang di maniaci trafficanti, ci fanno sentire un senso di angoscia e estraneità crescente durante la visione del film. La crudeltà dell’antagonista è esagerata, senza senso, presentandoci la sofferenza, in questo caso di Dorothy, non giustificabile da motivi comprensibili, se non dalle manie di un vecchio squilibrato. Credo che Lynch voglia farci sentire impotenti come si è potuto sentire Jeffrey, un ragazzino davanti a tutto questo marciume che si nascondeva dietro la bella carta da parati di una cittadina tranquilla. La sua curiosità e il suo carattere irrequieto lo spingono a conoscere più di quanto avrebbe voluto, ma ancora non riesce a fermarsi dall’addentrarsi sempre più in questo mondo pieno di segreti. 

Credo che la dualità del protagonista sia rispecchiata anche nelle due donne che lo affiancano durante il film, Dorothy indaga la sua indole più tenebrosa ed è per questo che Jeffrey non riesce a dimenticarla. Sandy invece è la sua stella polare, è la luce in mezzo a tutte queste sporche faccende e la sua purezza la rende distante da Jeffrey ma anche indispensabile a lui.

Nonostante la crudezza della realtà, Lynch sceglie il lieto fine, la scenetta finale dei due innamorati che ridono, davanti al pettirosso, metafora dell’amore nel mondo in una dolce domenica di sole. Alcuni credono che questa scelta rovini il film ma io credo che invece Lynch l’abbia fatto come provocazione, apposta per creare contrasto, suggerendo il fatto che nonostante tutto il male nel mondo, ironicamente la vita va avanti, mostrandoci come la realtà quotidiana possa essere costruita su strati, da gente comune che cerca di ignorare il marcio che formicola solo a qualche metro sotto di loro. Alludendo al padre di Sandy, poliziotto corrotto, con il quale Jeffrey è costretto a chiudere la faccenda e fare buon viso a cattivo gioco.

La particolarità di questo film credo sia appunto il contrasto creato tra le diverse scene, da sparatorie e stupri a dettagli di fiori e l’innocente figura di Sandy. Il tutto lascia un gusto agrodolce come in un sogno, accompagnato dalle malinconiche note di “Blue Velvet”.

Uno dei lavori più acclamati e conosciuti di David Lynch è senza dubbio Mulholland Drive. Questo narra della storia di Betty, una giovane attrice impegnata a farsi strada nel mondo del cinema Hollywoodiano ma che, inaspettatamente, un giorno troverà alla sua porta una donna, che prenderà il nome di Rita, reduce di un incidente automobilistico che le ha provocato una forte amnesia. La nostra protagonista allora le prometterà di aiutarla a recuperare i suoi ricordi, addentrandosi così in una serie di avvenimenti assurdi che oscillano fra la realtà e il sogno.

La pellicola mostra una forte critica che Lynch fa nei confronti del cinema Hollywoodiano e di chi ne tira i fili, vale a dire produttori e registi spietati che faranno di tutto per poter mettere le mani sul loro tanto agognato denaro. Tuttavia, uno dei temi centrali, che si rivede anche in molte altre opere di Lynch, è quello del sogno. Infatti, il film può essere suddiviso in 2 atti: Nel primo, il quale rappresenta il sogno di Betty, vediamo questa vivere la sua vita ideale, rappresentata da una sé stessa giovane e speranzosa di ottenere una carriera di successo nel cinema, mentre nel secondo, che rappresenta la realtà, vediamo la nostra protagonista lacerata da questa stessa industria e dalla gelosia nei confronti della collega Rita. Assistendo ad una progressiva distruzione delle speranze e della vita di Betty, siamo messi dinanzi alla realtà del sogno americano.

Un altro dei capolavori di Lynch è Lost Highway, in italiano adattato in strade perdute. La pellicola narrerà la storia di Fred Madison, musicista jazz geloso al tal punto della sua bellissima moglie da ucciderla ed essere condannato alla sedia elettrica. Nel momento in cui verrà incarcerato però succede l'inaspettato: Fred si trasforma in un’altra persona di nome Pete Dayton, quasi una versione più giovane ed interessante di lui. A quel punto, inizieremo a vedere le sue vicissitudini tra spietati gangster e una meravigliosa ed irraggiungibile donna.

Nell’opera si può nuovamente vedere il tema del sogno, questa volta rappresentato dalla vita stessa di Pete Dayton. Secondo molte interpretazioni, Fred Madison, negli ultimi giorni della sua vita, si introietta in ciò che potrebbe essere definita una versione più interessante e, soprattutto, desiderabile di lui. La figura di sua moglie ritorna in una versione alternativa di lei, quasi nei panni di una donna da salvare ma, allo stesso tempo, inarrivabile, come dice lei stessa nelle ultime scene del film. Il tutto si conclude con un lungo inseguimento che si interrompe bruscamente con un lampo che colpisce il protagonista, simbolo della sua morte avvenuta sulla sedia elettrica. 

La prematura scomparsa di David Lynch ha lasciato un vuoto incolmabile nel cinema moderno, essendo che le sue opere si possono definire in tutto e per tutto irripetibili. Le sue storie intricate, la sua poetica onirica e i suoi peculiari personaggi sono oltremodo unici e nessuno nel cinema odierno è riuscito a replicarne lo stile

Trap: musica per puro business o uno scoperchiamento del vaso di Pandora?

Mattia Piva 4B  | 19 febbraio 2025

Qualche mese fa, Manuel Agnelli, frontman degli Afterhours, band pioniera del rock italiano, in un'intervista al BSMT, ha dichiarato, parlando della scena trap italiana: “È una macchina oliatissima dal punto di vista dell’imprenditoria, capisco perché la stanno tenendo in vita il più possibile. È puro business, anche i ragazzi sono più imprenditori che artisti”. Non è certo una voce fuori dal coro, molti artisti negli ultimi anni hanno espresso diffidenza nei confronti della trap. Quanto, però, c’è di vero però nelle parole del cantante? Quanto le critiche sono dovute al ricambio generazionale e alle nuove mode dei figli incomprensibili agli occhi dei genitori e quanto invece sono fondate? 

   Per prima cosa è fondamentale definire cosa sia la trap, nello specifico quella italiana, e citare alcuni nomi per individuare precisamente le caratteristiche del fenomeno. La vera prima esplosione nel mondo mainstream del genere avviene tra il 2013 e il 2014, con le pubblicazioni di alcune canzoni e un intero album da parte dell’artista Sfera Ebbasta con il produttore Charlie Charles. Sebbene esistessero già diversi artisti affini al genere, come Gué Pequeno, Sfera è il primo a porre un divisore netto tra il rap e la trap e portare quest’ultima sui palchi più importanti di Italia. Nello stesso periodo nascono altri artisti influenti, come la Dark Polo Gang, gruppo dal quale nascerà una figura tutt’oggi di spicco come quella di Tony Effe. Proprio quest’ultimo, avventuratosi in seguito allo scioglimento del gruppo in una fruttuosa carriera da solista, a fine maggio dell’anno passato era finito al centro di una bufera mediatica per le sue dichiarazioni, ancora una volta al microfono del podcast BSMT, nelle quali raccontava la sua vita da “povero del centro” da ragazzino a causa dei 150 euro settimanali, a sua detta pochi, che il padre gli dava come paghetta e che lo facevano sfigurare con gli amici dell’epoca. Le polemiche hanno riportato al centro dell’attenzione il tema del personaggio povero e proveniente da ambienti malfamati costruito dai trapper, che fingono una vita che non gli appartiene, dibattito che da quando esiste il genere non ha mai finito di tormentare gli artisti. Molte critiche e accuse, vedendo lo scivolone di Tony Effe, che dimostra un’evidente disconnessione dalla realtà, sono state alimentate a dismisura, allargandosi alla trap in generale. Si è però verificata quella che viene definita “fallacia del secundum quid”, o generalizzazione indebita, con la quale si prende un numero troppo esiguo di esempi e si tenta di renderli campioni rappresentativi di un fenomeno. 

   In ogni caso, è vero che alcuni dei personaggi che vediamo in questa scena sono costruiti o esagerati, perché è logico che la musica sia comunque un prodotto e deve vendere. La frase potrebbe far rabbrividire chi crede nella vera musica, quella di una volta e che non esiste più. I puristi musicali, insomma. Persone che in realtà non vedono, o non vogliono vedere, quanto sia sempre stato così nello scenario musicale mainstream di qualsiasi genere. 

   Si prendano quelli che, a oggi, sono considerati senza troppi dubbi i padri fondatori della musica moderna: i Beatles. Se si chiedesse a una persona di immaginarsi i Fabulous Four, la prima immagine che sovverrebbe in testa a chiunque è quella di quattro ragazzi con il classico taglio da Beatles, vestiti uguali e belli sorridenti. Questa immagine non era forse una moda? La cosiddetta “Beatlemania”, tanto diffusa che all’epoca si credeva non sarebbe mai cessata. Non era solo una scelta dei quattro ragazzi: nel 1964 il batterista Jimmy Nicol sostituì in alcune date Ringo Starr, e sebbene fosse una soluzione temporanea e di brevissima durata, si dovette tagliare i capelli e vestirsi proprio come gli altri tre. Perché la band alla fine era un prodotto, che praticamente si vendeva da solo, ma restava pur sempre un prodotto. Di conseguenza, per, citando le parole iniziali di Agnelli, “tenerlo in vita il più possibile” bisognava mantenere una certa immagine, bisognava sponsorizzarlo in un certo modo. 

   Ma proprio per non commettere la fallacia del "secundum quid", bisogna prendere altri esempi. Cambiando radicalmente genere, anzi quasi contrapponendosi agli elegantissimi Beatles, ma avanzando solo di qualche anno, si arriva nel ‘77 con i Sex Pistols. Anni di punk, ribellione, anarchia pura. Giusto? Sì, almeno a primo impatto. Poi scavando solo un po’ nella storia del gruppo, si scopre che nacque come band per sponsorizzare il negozio di abbigliamento di due nomi da nulla come Vivienne Westwood e Malcom McLaren. Un puro prodotto di marketing, molto mirato, studiato e sicuramente pieno di tutto il genio di stilisti del calibro di Westwood e McLaren, ma pur sempre una creazione da e per vendere. Inoltre lo stile di vita borderline, per usare un eufemismo, della band e in particolare del bassista Sid Vicious diventerà talmente iconico da venire distorto e romanticizzato nei modi più disgustosi possibili. 

   Se ancora le evidenze che la trap non ha prodotto nulla di nuovo dal punto di vista utilitaristico non sono abbastanza, negli anni ‘80 si ha l’esplosione della cultura pop, nella quale le uniche cose rilevanti sono il guadagno, le vendite, il pubblico. Qualsiasi band o artista proveniente da quel movimento non tenta nemmeno di nascondere questa commercializzazione della musica, che viene vista in realtà come una voglia di musica leggera e spensierata come simbolo di quegli anni, basti pensare alla canzone “Material Girl” di Madonna. 

  Con l’avvento del nuovo millennio le band che hanno fatto la storia della musica suonata iniziano ad avere un po’ di anni sulle spalle. Eppure nessuno sembra mollare e passare il testimone alle generazioni successive. Ultimi tour che non fanno che precedere altri tour, reunion, album remastered, addirittura nuove uscite sembrano essere all’ordine del giorno. Citando giusto qualche nome, perché sono veramente infiniti, si trovano gli AC/DC, icone del hard-rock (ormai chiamato scherzosamente dad-rock), che nel 2024 hanno suonato al Campovolo nel loro ultimo, almeno teoricamente, concerto in Italia, e che invece ritorneranno nella penisola quest’anno, i Green Day che pubblicano un album ogni due anni o quasi, gli Oasis che nell’agosto scorso hanno conquistato le attenzioni di letteralmente chiunque ne mastichi un minimo di musica con la loro reunion, dopo anni 16 anni che Liam Gallagher ha trascorso a giurare e spergiurare che non sarebbe mai tornato dal fratello “con il cappello in mano a chiedere l’elemosina”, membri di ex band gloriose che tentano carriere soliste suonando i soliti brani triti e ritriti, gli italianissimi CCCP - Fedeli Alla Linea, band incentrata su uno stampo comunista e sovietico che, nonostante il cambio radicale di idee del leader Giovanni Lindo Ferretti, ha fatto una reunion sempre lo scorso anno, riportando a galla l’ormai defunto soprannome di “Fedeli Alla Lira”, affibbiato loro dai fan più rancorosi. Infine, in questi pochi esempi suddetti, troviamo anche gli Afterhours, la band di Manuel Agnelli in persona. Nel 2025 infatti torneranno dalle ceneri sui palchi di tutta Italia, in un tour che, salvo sporadici e rarissimi concerti nel 2018 e nel 2019, è l’interruzione di una pausa durata sette anni. Aggiungendo poi il fatto che suoneranno tutti i componenti originali, ha tutta l’aria di essere il tentativo di vendere un prodotto a certi nostalgici puristi, un po’ come i remake digitali dei giochi dei cabinati delle vecchie sale giochi attirano gli ormai ex ragazzi degli anni ‘80. 

   Sempre restando su Manuel Agnelli, non bisogna dimenticare che è stato per moltissimi anni giudice a X Factor, un vero e proprio tritacarne musicale che fa entrare decine di giovani musicisti, ne lega la maggior parte a contratti discografici al limite della decenza, dando gloria e fama solo a quei pochi che arrivano fino in fondo, non senza averli prima radicalmente trasformati e facendo fare loro non ciò che più si addice al loro stile, ma ciò che vende di più. L’incoerenza a personaggi di questa scena non è nuova, basti pensare a Morgan che, in maniera molto meno velata di Agnelli, negli ultimi anni si è eretto a paladino anticonformista e difensore dei movimenti underground, arrivando addirittura a criticare apertamente X Factor dopo anni passati a mangiare il quel piatto solo per poi sputarci. 

   La musica, insomma, è un prodotto. E va bene così. Non solo, è giusto così. Perché è un settore che sfama milioni di persone. Perché la musica non è solo la band mainstream che sforna dischi d’oro su dischi d’oro e un po’ di sdegno lo crea, con tutti i soldi che fa girare, ma è anche e soprattutto un mondo nascosto e invisibile di persone che dedicano tutta la loro esistenza a una carriera che nei migliori dei casi potrà essere un secondo lavoro o una fonte di sostentamento che farà arrancare e faticare. La musica quindi deve essere retribuita, anche solo per la dignità artistica di tutte le persone che lavorano alla produzione, alla composizione e alla distribuzione di un brano o che organizzano tour, montano palchi o suonano da turnisti, oltre che degli artisti stessi. Se la musica che piace è la trap, evidentemente è l’espressione di quello che i giovani sentono oggi e non è altro che un semplice indice di un fattore soggettivo e insindacabile come il gusto personale. 

   Un ultimo tema fondamentale, è la questione dei testi. Barre che parlano di violenza, misoginia, criminalità con una superficialità impressionante e che i ragazzi tendono a sentire e a imitare sono all’ordine del giorno. Almeno secondo le critiche più comuni. Ancora una volta si tende a generalizzare eccessivamente la questione, soprattutto perché su cento canzoni le uniche dieci che faranno scalpore saranno sempre le uniche che avranno testi impresentabili, sui quali peraltro si apre un dibattito più complesso su dove finisca la libertà di espressione di un artista. Due però sono le considerazioni essenziali per poter riflettere appropriatamente sulla legittimità dei testi trap: in primis, il fatto che se un ragazzo segue esempi scorretti o modelli di criminalità e odio, forse la colpa non è del trapper o del cantante. Non sta a un artista educare il suo pubblico, insegnare a chi ascolta cosa sia il bene e cosa il male. Un cantante si esprime lanciando un messaggio, successivamente sta al destinatario interpretarlo e decidere cosa prendere e cosa scartare di esso, secondo quell’insieme di norme morali autoimposte che ci si crea non certo per un paio di canzoni, ma per l’educazione ricevuta. In secundis, fare di tutta l’erba un fascio e ritenere tutta robaccia violenta la musica trap significa non aver mai ascoltato più di un paio di canzoni, giusto per poter dire la propria a riguardo. Artisti come Ghali, Fedez, Lazza e tanti altri hanno scritto canzoni su temi quali la guerra, la depressione, la gelosia tossica e molti aspetti che nessun altro cantante ha mai potuto descrivere, perché sono figli di una generazione nuova, con problemi nuovi e che nessun altro sa descrivere bene come chi li vive. 

   In somma sintesi, come ogni altra corrente musicale, la trap non è diventata famosa per caso. Forse sono cambiati i mezzi, non ci sono più le promozioni e le stampe fisiche dei vinili, la sponsorizzazione si fa con i social, ma il progresso musicale va di pari passo con il progredire della società. La fama di ogni corrente musicale si basa sul gusto soggettivo e su poco altro. Ovviamente poi l’industria segue quello che il popolo chiede, ma in somma conclusione credo che l’espressione migliore per sintetizzare il concetto non possa che essere De gustibus non est disputandum. 

This Could Be Texas, l’incredibile disco d’esordio degli English Teacher 

Recensione musicale del mese 

Mattia Piva 4B  | 4 febbraio 2025

Il 2024 è stato senza ombra di dubbio un ottimo anno per la musica, con tante uscite innovative di vario genere, che sembrano però seguire uno scheletro comune, mai troppo definito eppure sempre abbastanza presente: l’influenza post-punk. Questo fil rouge lascia molta libertà di interpretazione, in quanto il genere stesso non è mai stato identificato con caratteristiche precise, e lo notiamo molto bene nei nomi più importanti di questo scenario: chi ne coglie il lato più politicamente impegnato e usa la propria musica per lanciare messaggi, come gli IDLES, di Bristol, chi la semplicità e i ritmi frenetici, come i londinesi shame, chi il lato più cupo, si veda l’ultimo lavoro dei Fontaines D.C., di cui abbiamo parlato il mese scorso. In questa fauna di nuovi sound e concetti, si ritagliano il loro più che meritato riquadro anche gli English Teacher. Nell’anno appena trascorso, hanno debuttato con il loro primo album, This Could Be Texas, riuscendo a portare una ventata d’aria fresca e di innovazione in un contesto già così variegato: colpisce fin dal primo ascolto la voce straordinaria della cantante Lily Fontaine, che si riuscirebbe ad ascoltare per ore e ore senza mai stancarsi. Alle orecchie più esperte musicalmente, poi, non può che colpire la maestria di questi quattro ragazzi giovanissimi, dotati di un’abilità tecnica fuori dal comune, specie in un genere solitamente così minimal. Aggiungendo infine un’ottima capacità comunicativa, con testi semplici ma efficaci, si può già intuire che questo album non poteva che essere un successo.

• Albatross:

L’album si apre con un brano delicato in cui Lily Fontaine ha modo di dare sfoggio di tutte le sue qualità, non solo canore ma anche compositive: la prima traccia sembra una vera e propria poesia, un’allegoria che racchiude le difficoltà che la band ha incontrato durante il percorso per raggiungere la fama. La canzone illustra una ragazza che decide di voler diventare un albatross, perché rapita dalla bellezza del sole, che la spinge a voler volare alto. Nonostante le preoccupazioni di sua madre, raggiunge un gruppo di altri uccelli, da cui però riceve delusioni e a volte anche critiche, come testimoniano i versi: “Non credere di essere tanto speciale, lei [il sole] non è l’unica [stella]. Hai mai visto il cielo di notte?”. Il pezzo racconta quindi le prime delusioni e le difficoltà iniziali nel cercare di farsi strada in un ambiente tanto vasto e competitivo come quello della musica.

• The World’s Biggest Paving Slab:

Primo singolo estratto da questo album, The World’s Biggest Paving Slab racchiude alcune dei veri punti di forza della band, primo tra tutti l’abile utilizzo di un’immagine tanto essenziale quanto comprensibile per chiunque: solo dal titolo, “La lastra da pavimentazione più grande del mondo”, nella testa dell’ascoltatore si crea una certa aspettativa, che la band accompagna nella direzione scelta da loro. Il tema è quello delle piccole celebrità dimenticate, le stelle più brillanti di un cielo che nessuno guarda. Nelle musiche tanto quanto nel testo questo senso di simil sconforto sembra sempre scontrarsi con la forza d’animo e l’orgoglio di questi personaggi (come rappresentato brillantemente i versi “I’m the world’s biggest paving slab / So watch your fucking feet”). La strofa, in cui si ripete martellante il riff di chitarra e basso, sembra una bomba a orologeria pronta a esplodere, che aspetta in silenzio. Nel ritornello è libera di esprimersi finalmente tutta l’abilità della band, soprattutto della cantante Lily Fontaine, che con l’alternarsi di note alte e quasi psichedeliche e versi parlati con un timbro caldo e dolce regge tutto il complesso. La stessa frontwoman, pianista oltre che cantante, si accompagna con un giro di pianoforte che accresce l’epicità del chorus. 

• Broken Biscuits:

Il terzo brano dell’album presenta un lavoro di dinamica molto buono, con parti più distese, sottolineate da un cantato dolce e tranquillo, che pian piano crescono di intensità, grazie anche all’aggiunta di strumenti estranei alla formazione standard della band, come i fiati e gli archi, raggiungendo culmini di freneticità in cui la voce abbandona quasi la melodia per passare al parlato. Il tema è quello dei ricordi di infanzia e in generale della propria vita che cadono più o meno lentamente a pezzi, e se l’inizio della canzone sembra voler presentare una traccia malinconica che ruota unicamente attorno alla voce della cantante, come altre nell’album, e che evidenzia gli aspetti più cupi del testo, proprio quel lavoro di dinamica di cui si parlava all’inizio conferisce gradualmente al testo anche un senso di accettazione del cambiamento senza troppi rimpianti, in quanto cosa naturale. 

• I’m Not Crying, You’re Crying:

Ancora una volta gli English Teacher danno una notevole lezione di comunicazione musicale. Per buona parte del pezzo, si ripetono incessantemente le stesse frasi con ogni strumento, voce compresa, quasi a volerle incidere a fuoco nelle orecchie dell’ascoltatore, creando una certa sensazione di ansia e apprensione. Il testo illustra un atteggiamento piuttosto infantile e cocciuto nella strofa, nella quale la voce di Fontaine sembra quasi apatica, totalmente piatta e monotona. Nel ritornello, invece, questa barriera di astio e avversione cede e gli strumenti sembrano distendersi e uscire da quella gabbia di frenesia in cui erano intrappolati. Anche il cantato si fa più etereo e rallentato, evidenziando una sensazione di sconforto e di realizzazione: tutte le negazioni e le sicurezze ostentate nella strofa ora svaniscono assieme ai muri che il protagonista di questa canzone si era costruito.

• Mastermind Specialism:

Terzo singolo estratto da “This Could Be Texas”, il brano si apre con un arpeggio di chitarra acustica e la voce di Fontaine. L’indecisione, lo stallo, il dubbio sono i protagonisti del testo. La cantante ci culla con un timbro caldo e rassicurante, quasi da ninna nanna, trasmettendo un senso di comprensione ed empatia. I versi sembrano intimi e personali, raccontano del senso di essere sempre nella media, sempre con un piede in due scarpe, mai troppo bravi né eccessivamente incapaci in ogni cosa e, di conseguenza, sempre indecisi. Il brano culmina sul finale in un trionfo di strumenti vari che sorreggono la melodia di Lily Fontaine fino alla fine, che anche questa volta ha dato prova di una genialità e una bravura uniche.

• This Could Be Texas:

Sotto ai riflettori è ora il turno del piano, che apre la title track, suonato prima dal batterista Douglas Frost, interrotto brevemente a metà quando il ragazzo deve tornare alla sua postazione alle pelli e ripreso immediatamente in mano da Lily Fontaine. Oltre a questo virtuosismo da abili polistrumentisti, i quattro racchiudono in questo brano tutta la loro essenza: una dinamica impressionante, con momenti distesi, altri più tesi e altri ancora di frenetica intensità, una traccia vocale eccellente, l’abilità tecnica fuori dal normale del quartetto nella parte strumentale, ma soprattutto un’originalità e una creatività rare come poche altre nello scenario attuale consentono a questo brano di brillare. Durante l’ascolto si viene trascinati in una montagna russa di emozioni, poiché il pezzo sembra quasi un musical e anche senza comprendere il testo si viene travolti dalle curve inaspettate e brusche o dolci e gentili che la canzone prende, restandone ammaliati. 

• Not Everybody Gets to Go to Space:

In questo album che definire post-punk è utile per la ampia gamma di significati che il termine fornisce, questa traccia si inserisce come un miscuglio tra un’intro elettro-pop, un primo ritornello da un sapore quasi soul e un finale trionfale che finalmente sembra rientrare nella casella “post-punk”. Ma la bellezza di questa riflessione sociale non sta solo nella versatilità del brano: lo spunto offerto dal titolo, “Non tutti riescono ad andare nello spazio” è trattato in maniera ironica, quasi satirica, ma anche un po’ amara. In somma sintesi, non tutti possono andare nello spazio, perché se così fosse ciò non sarebbe più una vittoria, e in più chi vorrebbe fare lavori più umili come il pulire? Inoltre, con tutti gli impegni moderni, nessuno avrebbe tempo per andarci. Poi la band chiarisce l’intento satirico nei versi “Non tutti possono andare nello spazio, ma lui lo ha fatto / Ha lavorato duramente per farsi strada / Non è andato all'università, ti dirò come ci è arrivato / Ha frequentato la scuola dei duri colpi”. La fama, insomma, è spesso raggiunta da chi non la merita, e la meritocrazia la maggior parte delle volte è un sistema che illude solamente, non funziona. Ammirabile è anche la capacità del gruppo di inserire critiche mirate alla società in brani come questo, sotto forma di velate allegorie che si colgono appieno solo dopo qualche ascolto

• R&B:

È il quinto singolo dell’album ma la primissima canzone scritta dalla band, pubblicata per la prima volta nel 2021. Tra tutte è probabilmente anche quella più politicamente impegnata e tratta un tema che sta molto a cuore alla cantante, come dichiarato da ella stessa: Lily Fontaine racconta infatti la sua storia, quella di una ragazza nera che non canta come da stereotipo in un gruppo r&b ma in una band post-punk, una scena musicale composta quasi esclusivamente da persone bianche, con tutte le contraddizioni e i dubbi che la frontwoman si porta dietro. Nello specifico Fontaine ha dichiarato di avere avuto all’epoca della prima uscita della canzone, e quindi prima del successo dell’ultimo anno, il dubbio che molte persone ascoltassero la sua musica non tanto per la sua bravura quanto più in quanto ragazza non bianca, poiché la recente morte di George Floyd e, soprattutto, le conseguenti rivolte avevano spinto molte persone ad ascoltare canzoni di persone nere solo per una cieca ideologia e non per un vero apprezzamento. Inoltre la cantante dichiara che all’epoca aveva provato un forte blocco creativo, che ella attribuisce al partner del tempo e che l'aveva spinta a cercare di comporre una canzone R&B pur di sbloccarsi, genere che però aveva sempre evitato per non voler ricadere in ciò che le persone si sarebbero aspettate da lei in quanto ragazza nera. Questo brano, tutt’altro che simile al rhythm and blues afroamericano, è quindi un inno di liberazione rispetto a un modello e un’aspettativa che Fontaine sentiva come imposti, come riportano i versi “Despite appearances, I haven’t got the voice for R&B / Even though I’ve seen more COLOR Shows than KEXPs”

• Nearly Daffodils:

Letteralmente “Praticamente Narcisi”, il testo è tutto un’allegoria di una storia finita troppo presto ma estremamente bella e dolce da ricordare. La coppia è descritta come due boccioli di narciso, che per nove mesi riescono a stare insieme e vivono alcuni dei momenti più belli delle loro vite; ma quando arriva la primavera i campi sono pieni solamente di fiori rossi e blu, senza nessun narciso bianco in mezzo. La vera magia di questo brano, secondo singolo dell’album, sta però nella parte strumentale, con delle formidabili e molto originali parti di chitarra, batteria e basso. Quest’ultimo è la base del brano, un’unione di creatività e tecnica uniche e raramente viste prima: a un primo e distratto ascolto, la linea di basso potrebbe infatti sembrare un synth per quanto è lineare e particolare. La capacità di reinventare a proprio modo uno strumento è tutt’altro che semplice, ma Nicholas Eden, il giovanissimo bassista della band, è riuscito a tirar fuori da uno strumento così noto e suonato un sound particolarissimo, che colpisce fin da subito, rendendolo non un supporto per la voce, il piano o la chitarra ma la vera e propria essenza della canzone.

• The Best Tears of Your Life:

Una ballad dal tono malinconico che alterna strofe arpeggiate e dal sapore indie-rock a un ritornello che strizza l'occhio a sonorità più elettroniche, quasi trap, anche e soprattutto grazie all’utilizzo dell’autotune, usato come abbellimento vocale più che come correzione. In generale tutto il sound che emerge dal brano, molto particolare e probabilmente non adatto a chiunque, sembra girare attorno agli effetti della voce e della chitarra, che uniti al piano creano un’atmosfera triste e cupa, rafforzata dal gioco di parole evidente “They said this will be the best tears of your life”; sostituendo “tears” con “years” si ottiene la frase che tutti si sentono dire almeno una volta nella vita quando si arriva verso i vent’anni: “Questi saranno gli anni migliori della tua vita”. 

• You Blister My Paint:

“Mi fai venire le bolle sulla vernice". Una canzone che racconta di un’amore tanto bello quanto difficile e insopportabile, una passione che arde così tanto da bruciare e far male. Il batterista Frost è tornato ancora una volta al piano, e questa volta sembra intenzionato a restarci: la traccia è infatti l’unica dell’album, assieme a Mastermind Specialist, a non avere una parte di batteria. La voce di Fontaine trasmette tutta la disperazione della estenuata protagonista del brano, che vorrebbe dimenticare questo amore che continua a desiderare incessantemente e che addirittura non riesce a non sognare ogni notte. L’immagine del titolo è molto esplicativa: il rapporto che la ragazza sta vivendo le procura il calore e il benessere di un raggio di sole, ma l’esposizione prolungata ad esso la danneggia, come un secchio di vernice esposto ad esso. 

   Arrivati a questo punto si possono trarre le somme sulle ballad di This Could Be Texas, perché le restanti due canzoni non saranno dei lentoni malinconici o arpeggiati. In un album come questo, con sound tanto variegati e mischiati, il rischio che si corre se si rallenta troppo il tempo è quello di rendere l’opera pesante e difficile da ascoltare. Credo però che la versatilità di questi musicisti sia la vera forza di questo tipo di canzoni, perché nessuna è uguale all’altra e le interpretazioni sono spesso radicalmente diverse, basti paragonare You Blister My Paint, una sorta di canto stremato e stanco, con Mastermind Specialist, che racchiude un senso di ansia e fretta, oltre che insoddisfazione, o ancora con The Best Tears of Your Life, cupa, malinconica e piena di rimorsi.

• Sideboob:

A discapito di quanto il titolo possa lasciar pensare, questa canzone altro non è che una dedica al paesaggio nordico in cui sono cresciuti gli inglesissimi English Teacher e, nello specifico, a una collina, Pendle Hill. Il titolo molto probabilmente si riferisce semplicemente alla forma di essa. Il synth, quasi psichedelico, si sposa perfettamente con il ritmo dolce e scorrevole della batteria e del basso. Chiudendo gli occhi, Pendle Hill, idilliaca collina verde, delle più tipiche dell’inghilterra, si riesce quasi a stagliare nella nostra mente anche senza essere mai stata sfiorata dal nostro sguardo prima.

• Albert Road:

Quarto singolo estratto dall’album e ultima sua traccia, questo pezzo chiude un lavoro intimo e personale come This Could Be Texas portandoci direttamente nella strada in cui è cresciuta la cantante Lily Fontaine. Frammenti sparsi della sua giovinezza per tutto il testo, se messi insieme, creano un quadro piuttosto freddo, quello di una città natale che discriminava Fontaine in quanto ragazza nera. Ma lei, come dice nel ritornello, non prendeva sul serio i pregiudizi dei vicini, perché evidentemente il mondo attorno a essi non aveva mai mostrato loro cosa fosse l’amore. Il finale è, come spesso ci hanno abituati gli English Teacher lungo queste tredici piccole perle, un tripudio epico di strumenti, in una pazzesca coda musicale che si tronca di netto, decretando la fine dell’album. 

I nuovi mestieri del libro: intelligenza artificiale e scrittura creativa

Francesca Chilò 5AL | 29 Gennaio 2025

Giovedì 23 gennaio si è tenuto il terzo e penultimo incontro della rassegna "OLTRE - I nuovi mestieri del libro" presso la biblioteca Delfini di Modena.

Il tema dell'incontro, affrontato dagli scrittori Valentina Federici e Davide Morosinotto, è stato il rapporto tra intelligenza artificiale e scrittura creativa. I due relatori hanno introdotto l'argomento presentando un progetto di scrittura che vedeva protagoniste un'autrice "umana" (Valentina Federici) e un'intelligenza artificiale. Ad entrambe è stato dato lo stesso input per scrivere un racconto, ma i due risultati sono stati molto diversi tra loro. L'esito dell'esperimento è diventato un libro, intitolato "Un viaggio oltre l'ignoto". 

La domanda che sorge più spontanea di fronte a questo tema è, probabilmente, se l'intelligenza artificiale sia in grado di scrivere al pari di un essere umano o meno. La risposta che ci si può dare, dopo aver seguito l'incontro, è negativa. Questo strumento può essere utile in molti ambiti, ad esempio per l'elaborazione di grandi quantità di dati, ma non è in grado di eguagliare la creatività di una persona reale. Tale incapacità è data dalla natura dell'intelligenza artificiale stessa: essa, infatti, si basa su una statistica, rispondendo sempre ai quesiti che le vengono posti con la risposta che considera più probabile. Questa modalità si rivela efficace nella stragrande maggioranza dei casi, ma non quando si parla di scrittura creativa. Una storia probabile, però, è spesso noiosa, e un lettore preferirebbe quasi certamente leggere qualcosa che sia scaturito dalla mente di un autore in carne ed ossa, dotato di una sua sensibilità e di un'inventiva personale.

Nei testi scritti da intelligenze artificiali che sono stati mostrati come esempi all'incontro erano inoltre frequenti alcuni famosi "cliché" letterari, che rendevano il testo banale e la lettura poco scorrevole.

Insomma, le nuove tecnologie sono sempre più utilizzate per via delle loro enormi potenzialità, ma pare che gli scrittori possano dormire sonni tranquilli, perché avremo ancora bisogno anche di loro.

Recensione L'espiazione

Lucia idrato 3B  | 28 Gennaio 2025

Il film l’ espiazione, tratto dall’omonimo best seller di Ian MacEwan, parla di una complicata storia d’amore. Seconda opera di Writh dopo orgoglio e pregiudizio, ha aperto la 64° mostra del cinema di venezia, diventando il piú giovane artista a inaugurare tale evento. 

Sono ambientate nell’estate del 1935. Briony Tallis è una tredicenne con la passione per la scrittura e la lettura, annoiata osserva la vita che si svolge Nella tenuta della famiglia. Dopo una serie di fraintendimenti altera la relazione Della sorella Cecilia con Robbie Tarner, il figlio Della governante. Questo porterá alle disgrazie che girano intorno ai due amanti che saranno destinati ad essere divisi per il resto delle loro vite. Il giovane Robbie viene arrestato e arruolato come soldato semplice in guerra. Robbie e Cecilia si vedranno solo una Volta prima che Lui parta per la guerra e si ripromettono che un giorno potranno rincontrarsi vivendo felici insieme. Continueranno a scriversi numerose lettere, il giorno prima dell’ultima evacuazione morí di setticemia. Mentre Cecilia inseguito la rottura delle condutture dell’acqua  della metropolitana, dove molti si erano rifugiati Durante il bombardamento, morí annegata. Cosi non poterono mai ricongiungersi, Briony logorata dal senso di colpa scrive un romanzo Sulla vicenda, in cui peró i due alla fine riescono a ritrovarsi. Per dargli, almeno nel suo libro, il lieto fine che si meritavano. Briony dice che in questo modo cerca di trovare espiazione per il propio drammatico errore. Sicuramente si può dire che la sorella minore é il fulcro del film e il motore di Tutto ciò che vi accade, non é un caso che il film quindi inizia e finisca con lei. Propio perché Briony é la chiave del paradosso che contorna questo film: cerca di rendere eterno questo grande amore per liberarsi delle sue colpe, quando questo amore non visse più di qualche incontro. Allo stesso tempo la vita di tre e anche piú persone fu rovinata da un Così flebile, ma fortissimo sentimento. Il film come é ovvio ci porta ad odiare Briony che risulta essere la colpa di tutti I drammi, come ultima cosa Sono arrivata a chiedermi il perché Della sua azione. A questo può almeno in parte rispondere McEwan nel suo romanzo, dove descrive Briony come “una di quelle bambine possedute dal desiderio che al mondo fosse tutto assolutamente perfetto”. Si può pensare che non riuscendo a capire le azioni della sorella e del suo amante abbia reagito con un sbaglio che le é costato caro. Ma ad ogni modo questo film é di sicuro uno di quelli che ti lascia con molte domande e poche risposte. 

Recensione A Star is Born

Valentina Pini, 3D | 26 gennaio 2025

Il celebre film “A Star is Born”, uscito nel 2018,vede come protagonisti il famosissimo attore e produttore cinematografico Bradley Cooper, nei panni di Jackson un famoso cantante country, e la rinomata cantautrice e attrice Lady Gaga, nei panni di Ally, una giovane ragazza con la passione per la musica, ma destinata a una vita di fatiche per qualcosa per cui non valeva la pena.

Nel film i due si incontrano per caso, e finiscono per innamorarsi , la loro è una storia piuttosto compromessa ma piena di avventure, e che finisce nel modo più inaspettato.

Il film racconta una storia bella e commovente. Il punto di forza è sicuramente la colonna sonora, Shallow, che ha reso il film maggiormente famoso, cantata dai due protagonisti.

A Star is Born è un bel film, piacevole, che riesce ad intrattenere il suo pubblico, senza per forza dover stare attenti a ogni minimo dettaglio; è quello che si definirebbe un comfort film. La storia d’amore, per quanto originale rispetto alle altre, narra sempre l’amore tormentato tra due star, ma alcune caratteristiche conferiscono al film un tono di unicità.

Una curiosità sui protagonisti, e che ha permesso al film di raggiungere un più alto numero di spettatori, è la storia d’amore che si pensa abbiano avuto i due, nata proprio durante le riprese del film.

Recensione The Crush House: Filmando amori e tradimenti

Maria Rosaria Cozzolino, 5B | 17 gennaio 2025

Sin dalla loro entrata nel mainstream, con il Grande fratello nei primi del 2000, i reality show hanno da sempre infestato le reti televisive e le dimore delle signore di mezz’età: ma avete mai pensato come potrebbe essere girarne una puntata?
Gli sviluppatori di Nerial, sotto l’editore Devolver Digital, si sono posti questo quesito, dando vita a The Crush House. Il titolo ci permetterà di provare l’esperienza di gestione e ripresa di un reality show con protagonisti 4 celebrità, ma non tutto ciò che vediamo è come sembra…

Riusciremo a catturare l’attenzione dei nostri telespettatori a suon di gossip? Scopriamolo insieme!

Trama

Nel titolo vestiremo i panni di Jae, una camerawoman alle prime armi, che ha appena ricevuto il suo primo ruolo per conto di una grande casa di produzione.
Il nostro obiettivo sarà quello di riprendere “The Crush House”, un reality show con protagonisti diversi divi alle prese con amori, tradimenti oltre che violenti litigi e, sorvolando sulle pessime condizioni igieniche della nostra camera, iniziamo subito il nostro lavoro filmando la prima puntata.

All’inizio di ogni settimana dovremo scegliere il cast per la nuova stagione della serie fra 16 diversi personaggi, ognuno dei quali con la propria unica caratterizzazione, con la loro scelta che sarà un elemento essenziale nella nostra partita.
Infatti, il membri del nostro cast dovranno avere delle differenti personalità per essere interessanti e creare situazioni fuori dal comune, e la scelta di determinati personaggi andrà a influire anche sulla nostra audience, dato che sceglierne alcuni piuttosto che altri potrà accontentare i fan più insaziabili.

Come in ogni reality show, tra i membri del nostro cast si verranno a creare gli scenari più assurdi, con litigi, flirting e tradimenti all’ordine del giorno.
Già dalla prima settimana di messa in onda della serie potremo leggere i dialoghi tra i personaggi e assistere alle loro disavventure, ma questa magia si esaurisce già alla seconda settimana, a causa della ripetitività dei dialoghi e delle situazioni mostrate.
Il momento più tedioso del titolo è però da vedersi nel finale di ciascuna stagione, dove per interminabili minuti dovremo vedere il nostro cast scendere uno scivolo e salutare i propri fan senza la possibilità di fare nulla.

Un aspetto interessante del titolo è senz’altro la sua storia, che dopo poche ore di gameplay si rivelerà tutta la sua inquietante particolarità, anche se quest’altra faccia del titolo finisce per rivelarsi un’occasione sprecata.
Dopo una buona costruzione del mistero e del worldbuilding, ci ritroveremo infatti dinanzi ad un finale troppo ambiguo e frettoloso, che finisce per creare altre domande e lasciare un grande amaro in bocca al giocatore.

Gameplay

Il nostro obiettivo principale nel gioco sarà quello di evitare la cancellazione della serie, e per fare questo dovremo accontentare le diverse audience giornaliere con delle riprese che assecondino i loro interessi. Ogni giorno, mentre seguiamo il cast con la nostra telecamera, avremo l’opportunità di registrare i momenti più interessanti delle loro giornate: dai litigi accesi ai flirt nascosti, e le nostre scelte su cosa filmare e cosa tralasciare influenzeranno direttamente l’andamento della serie.

Con il proseguire dei giorni e il seguente aumento di difficoltà, sempre più audience diverse si sintonizzeranno per vedere il nostro programma, e noi dovremo fare in modo di mantenere l’interesse della maggior parte di queste.
Per riuscirci, ci ritroveremo a dover fare le inquadrature più strane e assurde per includere nel programma il maggior numero possibile di oggetti a schermo che interessino al nostro pubblico, spesso evitando anche di riprendere il cast principale.

Tuttavia, il sistema di rilevamento degli di oggetti a schermo non sempre funzionerà al meglio, e accontentare quotidianamente gli spettatori diventerà sempre più inutilmente difficile, creando una grande frustrazione nel giocatore.
Andando avanti con le giornate, la ripetitività delle situazioni e dei dialoghi inizierà a farsi sentire, ma la frenesia del gameplay combinata con il costante aumento di difficoltà riuscirà facilmente a tenerci incollati allo schermo per tutta la durata del titolo.

Una delle meccaniche principali è da vedersi nell’uso della pubblicità, che sarà essenziale se vorremmo ottenere abbastanza denaro per poterci permettere degli oggetti per il nostro set.
Pian piano ne sbloccheremo sempre più, andando in onda ogni qualvolta smetteremo di registrare durante la giornata lavorativa.

Una chicca interessante è che quasi ogni pubblicità presente nel gioco è un riferimento ad un titolo prodotto da Devolver Digital, andando a creare divertenti citazioni.
Ogni nuovo oggetto che acquisteremo causerà una reazione diversa nel nostro cast, permettendoci di ottenere interazioni uniche, e si riveleranno utili anche per soddisfare certi tipi di pubblico più esigenti.

Un altro degli aspetti più importanti del titolo va a rompere una delle regole imposteci dai produttori: mai parlare con il cast. Dopo pochi giorni, infatti, avremo la possibilità di dialogare privatamente con le celebrità e ognuna di queste ci darà missioni uniche che andranno ad approfondire la loro backstory.
Le missioni saranno molto semplici e ci richiederanno di filmare determinati membri, fare o non fare determinate azioni, o acquistare degli oggetti.
Il problema principale di questa meccanica sta nei tempi stretti impostici dai ritmi del titolo, che non sempre ci consentiranno di trovare l’occasione di completare le missioni.

Comparto artistico e tecnico

The Crush House si distingue per il suo stile artistico minimalista che, in contrasto con il mondo meschino e logorante che rappresenta, adotta dei colori brillanti e vivaci, sottolineando l’ironia e la satira presenti nel titolo che saranno elementi centrali per tutta la durata dell’esperienza.
Il design visivo, pur essendo essenziale, crea un’atmosfera coinvolgente e a volte disturbante, perfettamente in linea con la critica sociale che il titolo si propone di fare.

Sul lato sonoro, The Crush House adotta invece delle tracce che ricordano molto lo stile utilizzato nei veri reality show, contribuendo ad immergere il giocatore in un ambiente che è allo stesso tempo familiare e straniante.
Le tracce, pur essendo poche, sono ben integrate nel gameplay anche se finiranno per esser unicamente un elemento di sfondo.

Sul versante tecnico, The Crush House eccelle: durante l’intera durata del gioco, non abbiamo riscontrato bug o crash di alcun genere e, grazie al suo comparto estetico semplice, è ottimizzato in modo tale da essere giocabile su qualsiasi configurazione.

Conclusione

The Crush House è un gioco divertente che saprà intrattenerci, ma che non riesce ad eccellere per via di alcuni difetti. La trama, che inizialmente pone delle solide basi con un interessante aura di mistero, si conclude con un finale frettoloso e fin troppo ambiguo, e le giornate si faranno sempre più difficili per colpa dei bisogni insoddisfacibili della audience. 

Rёbra

Alice Carli, 5CL | 15 gennaio 2025

Ты готов был отдать душу за рок-н-ролл

Извлечённый из снимка чужой диафрагмы

Eri pronto a vendere la tua anima per il Rock 'n' Roll

Riprodotto dalla radiografia del diaframma di uno sconosciuto

(Когда-то ты был битником, “You Used to Be a Beatnik”, КИНО, “KINO”)

È il 1946 e Stanisław Philo, polacco, arriva a Leningrado portando con sé uno strumento di registrazione. Si tratta di un fonoincisore e funziona esattamente come un grammofono, ma al contrario: al posto della puntina c’è una fresa e al riprodursi di un segnale audio la taglierina incide un solco ad esso corrispondente su un disco di plastica, un vinile. Il disco può poi venire riprodotto, ridando vita alla voce o alla musica in esso intagliati. 

Lo strumento proviene dalla Germania ed è probabilmente stato utilizzato da un giornalista durante la guerra per fare un reportage dal fronte. Stanisław l’ha rubata e, dopo aver ottenuto il permesso di aprire un negozio sulla Prospettiva Nevskij (strada principale di quella che oggi è San Pietroburgo, ndr), la usa per permettere ai suoi clienti di registrare la propria voce su dischi-souvenir. 

La sua attività inizia ad andare molto bene, ma non grazie alle registrazioni di souvenir. In effetti la sera, quando il negozio è chiuso, l’uomo usa il fonoincisore per copiare dischi proibiti. 

Sono anni difficili in Russia e a partire dal 1932 (soprattutto durante l'era staliniana), ogni genere di musica è sottoposto alla censura ufficiale dell’Unione Sovietica. L’obiettivo è chiaro: gli ideologi sovietici credono fermamente che tutta l'arte debba essere al servizio del realismo socialista e degli ideali comunisti, mentre l'espressione personale non è ammessa. Prevedibilmente la musica occidentale viene proibita, ma il divieto si estende anche a ritmi come il foxtrot, alla musica di artisti emigrati e a molte melodie popolari russe, molto diffuse nei gulag e considerate “di bassa cultura”. 

Le persone non sono però disposte a rinunciare alla musica e sul mercato nero, sull’onda dello stiljagi (subcultura filo-occidentale), si diffondono sempre più dischi proibiti. Numerosi appassionati di musica frequentano negozi come quello di Stanisław e tra loro ci sono anche Ruslan Bogoslowski e Boris Taigin. I due condividono la passione per l’arte dei suoni e insieme, grazie ai disegni e alle misurazioni di Ruslan, riescono a riprodurre una copia della macchina di Philo. Recuperare il materiale per realizzare un disco non è però così semplice e l’idea di riciclare le radiografie usate come base per la produzione di dischi bootleg si fa strada nella mente dei due uomini. La messa in pratica di questo progetto è facilitata da un ordine emesso dal governo per cui tutti gli ospedali devono sbarazzarsi delle radiografie dopo un anno, perché a rischio incendio. Il personale degli ospedali vende così le vecchie radiografie a basso prezzo: bastano qualche rublo o qualche bottiglia di vodka per ottenerne un buon numero.

I dischi prodotti vengono chiamati rёbra (in russo рёбра, letteralmente “costole”) o rentgenizdat (рентгениздат dal russo рентген, rentgen, "raggi X", e издать, izdat' , "pubblicare") e funzionano sorprendentemente bene. Nasce così la prima etichetta discografica clandestina di bootleg su radiografie dell’Unione Sovietica. I membri che la compongono sono tre: Ruslan, Boris e un loro amico e si fanno chiamare “La Banda del Cane d'Oro”. Nonostante il successo già ottenuto, Ruslan però non si accontenta e comincia a creare copie del fonoincisore, che distribuisce ad altre persone, diffondendo il segreto della registrazione sulle radiografie. A partire da questo momento, un numero sempre maggiore di persone inizia a realizzare dischi clandestini a Leningrado, Mosca, Kiev e Odessa. 

In breve tempo, la notizia di questa produzione illegale arriva alle autorità che, nel 1950, fanno irruzione, arrestando le persone coinvolte in questa attività a Leningrado. Ruslan viene portato in tribunale, processato e condannato a cinque anni nei gulag per aver copiato musica, mentre a Boris vengono dati sette anni, due in più perché aveva scritto e registrato le proprie canzoni. Dopo soli due anni, Stalin muore e un milione di prigionieri sono rilasciati dai gulag; la Banda del Cane d'Oro torna così a Leningrado e riprende l’attività. 

I rёbra sono ormai molto diffusi e vengono venduti soprattutto agli angoli delle strade e nei parchi, lontano da occhi indiscreti. Costano pochi rubli, non durano molto e, anche se spesso non suonano bene e il titolo della canzone scritto sopra è sbagliato, le persone continuano a comprarli. 

A seguito di un breve periodo di libertà, Ruslan viene catturato di nuovo e trascorre altri due anni nei gulag, che sfrutta per studiare e perfezionare ulteriormente la tecnica di produzione dei dischi. Quando torna non perde tempo e riprende immediatamente in mano la sua attività. Ben presto viene arrestato nuovamente e, dopo essere tornato per la terza volta dai campi di lavoro forzato, smette di produrre dischi bootleg: lui è sempre lo stesso, ma il mondo è ormai cambiato. 

La produzione di rёbra va avanti fino al 1966 circa, quando le autorità russe allentano la censura, permettendo ai civili di possedere vinili normali. La qualità dei dischi realizzati con le radiografie è molto bassa e le persone smettono di comprarli, preferendo alternative più convenzionali. 

Ad oggi la storia dei rёbra, talvolta giornalisticamente chiamati bone music, non è molto conosciuta, ma un enorme lavoro di studio e di documentazione è stato svolto dall’X-Ray Audio Project, un progetto del Bureau of Lost Culture di Stephen Coates e Paul Heartfield. Sul sito ufficiale del progetto, di cui consiglio caldamente la consultazione, è possibile esplorare un ricco archivio di risorse, ammirare le immagini di numerosi dischi e ascoltare le canzoni su di essi incise, riproducendo le note sbilenche che hanno fatto sognare una generazione di persone vissute nell'ombra della censura. 

Giuseppe Valditara e i videogiochi: Smontando Miti e Accuse Infondate 

Maria Rosaria Cozzolino, 5B | 13 gennaio 2025

Recentemente Giuseppe Valditara, attuale ministro dell’istruzione, durante l'evento "W la Salute" ha pubblicamente accusato i videogiochi nella loro interezza di insegnare "ad ammazzare una persona", il tutto inserendolo in un discorso generico al quale aggiunge successivamente l’abuso di droghe e alcool da parte dei ragazzi. (potete ascoltare questa parte del discorso in questo reel)

Il suo sermone è frutto di un pensiero ormai arcaico che continua a venire ripetuto per ogni qualsivoglia motivo, soprattutto quando si tratta di crimini commessi dai ragazzi.

Non è la prima volta infatti che i videogiochi vengono accusati di essere il movente di alcune tragedie. Uno dei casi più lampanti di questo fenomeno è legato all massacro della Columbine High School, il cui avvenimento venne in parte attribuito a Doom del 1993, celebre FPS che venne preso di mira dai giornali dell’epoca sia per la sua violenza sia perché si diceva che Eric Harris, uno dei due attentatori, lo avesse utilizzato per prepararsi in vista dell’effettivo massacro realizzando una mappa all’interno del titolo in cui riproduceva la sua scuola. 

Tuttavia, questo caso ha in comune un aspetto che condividono molte delle accuse verso i videogiochi che emergono di tanto in tanto: è completamente infondato. 

Seppur Eric Harris fosse alquanto conosciuto nella community di Doom all’epoca per le mappe da lui realizzate, non ha mai creato nulla nel gioco che ricordasse la planimetria della sua scuola.

Anche l’Italia non è nuova a questo tipo di discorsi, l’esempio più famoso è senza dubbio quello del servizio di Striscia la notizia su Fortnite, in cui lo si accusava di istigare comportamenti antisociali e cyberbullismo nei giovani.

Tralasciando le infondate informazioni, vi sono degli effettivi studi che attestano che non vi sia alcun collegamento effettivo tra determinati atteggiamenti violenti e l’uso dei videogiochi.

Un esempio si può vedere in questo studio pubblicato dalla Royal society Open Science, che attesta che, analizzando 1004 ragazzi fra i 14 e i 15 anni, attesta che non vi sia un collegamento diretto fra un comportamento aggressivo negli adolescenti e il giocare ai videogiochi. 

In conclusione, si può tranquillamente dire che l’idea che videogiochi causino atti violenti nei giovani sia completamente infondata, e li si prende in causa solo in situazioni nelle quali risulta scomodo parlare di argomenti molto più complessi, come ad esempio la fin troppo semplice reperibilità di armi da fuoco negli Stati Uniti o, nel caso dell’Italia e come citato da Valditara, l’uso di tabacco o alcolici da parte dei minori.

Romance, il nuovo album dei Fontaines D.C.

Recensione musicale del mese

Mattia Piva, 4B | 7 gennaio 2025

Uscito a fine agosto di quest’anno, il quarto album in studio della band irlandese Fontaines D.C. può a tutti gli effetti considerarsi un successo. Acclamato dalla critica e dalle testate giornalistiche musicali più importanti, Romance segna un prima e un dopo nella storia del gruppo, il passaggio dalle canzoni sull’Irlanda e sul loro piccolo mondo di quartiere di Dublino a brani più internazionali, dal puro post-punk a un rock alternativo più ricercato ed elaborato, dai temi intimi e personali dei primi tre album alla profonda e introspettiva riflessione di questo ultimo lavoro, che chiunque può sentire proprio. Con Skinty Fia, il terzo album in studio, la band aveva già dimostrato di essere ormai affermata nello scenario alternativo mondiale: forti di ciò, i cinque ragazzi di Dublino hanno avuto modo di elaborare un’idea musicale slegata dagli stereotipi del punk più classico a cui molto spesso questo tipo di band è relegato quando ancora fa parte della cultura underground, pena l’accusa di vendersi alla musica commerciale. Il cantante Grian Chatten ha avuto modo di esplorare nuovi aspetti della propria voce, abbandonando il cantato aggressivo e quasi urlato, la strumentazione è molto più ampia, con l’aggiunta di synth e tastiere e i testi sono più filosofici e trascendentali che mai. L’album infatti si potrebbe quasi definire, anche se impropriamente, un concept album nel quale ogni canzone esplora a fondo una sfaccettatura differente dell’amore, con riflessioni originali e interessanti.

• Romance:

L’album si apre con la title track, che in quanto tale ci presenta subito l’atmosfera generale: cupa, piena di effetti sonori particolari e ricercati, ma, soprattutto, accattivante. Il ritornello, “Maybe Romance is a place” è una frase da pelle d’oca, che resta impressa anche se subito non la si comprende appieno. Il testo non parla di situazioni specifiche come in altri brani, ma pare più voler sottolineare le due facce dell’amore: quella che è in grado di distruggerti e confonderti, lasciandoti “ancora una volta nell'oscurità”, e quella che invece può costruire un rapporto unico tra due persone, che condividono questo sentimento quasi fosse un posto fisico e reale. Il cupo scenario che pare descrivere il brano, con l’alternarsi e il coesistere del piano, dolce e delicato, e dei synth, che invece trasmettono quasi un senso d’ansia, è quello in cui queste due lati dell’amore si sovrappongono, creando una relazione difficile ma per cui a volte vale la pena combattere.

• Starburster:

È il primo singolo dell’album, la cui uscita ha annunciato anche l’arrivo di quest’ultimo. La canzone prende i versi ritmati, il beat serrato e i riff ripetitivi dall’hip-hop, dimostrando la versatilità del gruppo. Il testo parla di un attacco di panico che ha subito il cantante Grian Chatten a Londra e il titolo, anche se non è traducibile e nemmeno molto chiaro, sembra un termine per definire un’entità astratta che fa esplodere le stelle. Questa allegoria può facilmente essere applicata ai Fontaines D.C., che si stanno relazionando con il successo mondiale da pochissimo e sicuramente come tutti ne sono stati travolti. Gli attacchi di panico, quindi, possono far parte, specie all’inizio, di una vita vissuta in un modo così estremo ed estenuante, e se non si è pronti a reggere l’impatto, si rischia di esplodere, proprio come le stelle. I respiri affannosi che spezzano le frasi del ritornello sono un espediente comunicativo eccezionale per trasmettere all’ascoltatore il senso di panico e instabilità a cui porta uno di questi attacchi. 

• Here’s The Thing:

Here’s The Thing è il terzo singolo dell’album ed è la prima ad affrontare un tipo specifico di amore. Come già detto, infatti, Romance è un’opera che intende celebrare tutti gli aspetti di questo sentimento, nel bene e, più spesso, nel male. In questo caso lo scenario è quello di una relazione finita ma non del tutto troncata. Il protagonista riconosce le sue colpe, ammettendo che la ragazza a cui sta parlando aveva ragione, e che se mai cambiasse idea lui sarà lì ad aspettare. A volte però sembra contraddirsi, sostenendo per esempio che se la ragazza raccontasse a qualcuno la vera versione riguardo come sono andate le cose tra loro due, la storia non suonerebbe molto bene. Musicalmente il pezzo presenta un riff di chitarra forse un po’ banale, che ci sarebbe potuto aspettare di trovare in uno dei lavori precedenti della band. La voce di Chatten invece dimostra per la prima volta quanto il cantante sia maturato: il falsetto non stona con il resto della canzone e, anzi, risulta molto piacevole. La batteria infine esegue fill molto coinvolgenti e traina la canzone per la sua intera durata. 

• Desire:

Desire introduce l’ascoltatore al vero cambiamento della band: i cinque ragazzi di Dublino sembrano quasi irriconoscibili in questo brano, e per i fan più fedeli non deve essere stato un passo facile da accettare. Ironicamente, la sfaccettatura dell’amore trattata in questo pezzo è il desiderio incontenibile e ossessivo che, per l’appunto, ci spinge a cambiare e a diventare persone totalmente diverse pur di raggiungere i nostri desideri. L’atmosfera malinconica esterna alla perfezione il senso di continua mancanza che innesca in noi il meccanismo del desiderio e di conseguenza della ricerca ossessiva. 

• In The Modern World:

Quarto ed ultimo singolo dell’album, uscito appena qualche giorno prima di quest'ultimo, In The Modern World è un capolavoro di dinamica: la canzone parte con solo una chitarra acustica e la voce, a cui pian piano si aggiungono prima gli archi, poi una seconda chitarra, un cembalo, la batteria e tanti altri effetti, in un tripudio finale da pelle d’oca. Il testo è poesia pura, una riflessione profonda sulla società attuale. Da una parte, nella strofa, il protagonista si sente vivo e pieno di energia, ma man mano che ci si avvicina al chorus uno strano senso di alienazione sembra prendere il sopravvento: nel pre-ritornello la frase “Seems so hard to be free” è in netto contrasto con il primissimo verso della canzone, “I feel alive”. Nel ritornello l’apatia prevale su tutto, e il protagonista non riesce più a provare emozioni. Le frasi “In the modern world I don't’ feel anything” e “In the modern world I don’t feel bad” sono spaventosamente legate tra di loro, poiché il narratore non riesce più a provare emozioni, è vero, ma non gli interessa così tanto, non si sente male. Questa perdita di interesse per cosa ci fa stare bene o male è ancora più struggente del senso di alienazione che è spesso descritto quando si parla del mondo moderno, perché rappresenta una sconfitta, una perdita della voglia di lottare per provare dei sentimenti. Il tipo di amore di cui si parla in questo caso è l’assenza di esso. 

• Bug:

Bug sembra per molti versi contrapporsi a Desire. In questo caso, chi racconta la storia desidererebbe tantissimo cambiare, a seguito di una relazione finita male, ma non ci riesce mai del tutto. Troppi aspetti di una persona che non vorrebbe essere fanno ancora parte del narratore, che però non perde mai la propria sicurezza, ostentando la sua forza d’animo anche quando si trova solo contro tutti. I versi “Honey I’d changed before you, yeah” e “Now that I’m higher than anyone here / Then dirt ain’t nothing on me, yeah” evidenziano lo sprezzo che il protagonista prova per la persona a cui si sta rivolgendo, considerandosi nettamente superiore. Inoltre, non chiederà mai scusa, come dichiara negli ultimissimi versi del brano. L’amore che ci viene presentato qui è ancora abbastanza infantile e immaturo, pieno di contraddizioni e rancore. 

• Motorcycle boy:

Il lato B dell’album comincia con questa canzone, un inno alla libertà e all’anticonformismo. L’amore è trattato qui come fonte di incomprensione per le troppe divergenze tra due persone. Il protagonista ha bisogno di innovazione, di trovare un punto di incontro tra i suoi sogni e la realtà, bisogno che nessuno sempre comprendere. “People sick with feelings / They never align”: in questi due versi è evidente il senso di insofferenza che è ormai maturato nell’animo di chi parla, che osserva sconsolato persone piene di emozioni e sentimenti che però non si allineano mai. Infine, con le frasi “You rain, I snow / You stay, I’ll go” la canzone trasmette appieno il senso di impossibilità, di un amore assolutamente incompatibile che porta al bisogno di andarsene. 

• Sundowner:

L’atmosfera del brano e il richiamo che ne fa la frase che viene ripetuta per tutto il brano “In my dream” rendono chiaro fin dal principio che si parla di sogni. Questa canzone è cantata da Conor “Roy” Curley, la cui voce più dolce e delicata si presta maggiormente a questa dimensione onirica, confusa e non ben definita. In un certo senso il pezzo richiama i temi di desiderio e mancanza di Desire, ma in modo più sincero e disinteressato, non per una qualche ossessione. Il divario tra il mondo dei sogni, idealizzato, perfetto eppure irraggiungibile, e quello terreno, che preme con i suoi ritmi incalzanti e frenetici, non è così ampio in realtà, e il raggiungimento dei propri scopi sembrerebbe sempre dietro l’angolo, anche se alla fine non è mai così. L’amore diventa qui un desiderio sano, che spinge a tentare di realizzare anche i sogni più impossibili.

• Horseness Is The Whatness:

In questo pezzo, l’unico scritto da Carlos O’Connell, la voce di Chatten tocca dei livelli eccezionali, con una prestazione da pelle d’oca. Oltre al bellissimo clima musicale angelico che creano gli archi, i synth e la batteria, la vera forza di questo brano è il testo, a tutti gli effetti una poesia, sfuggente e complessa, eppure capace di far comprendere al volo il punto centrale di tutta la canzone. Descrivere con parole diverse da quelle del brano cosa abbia voluto comunicare la band è pressoché impossibile, perché se è vero che il bello della musica è soprattutto la libertà interpretativa, in questo caso essa è il fulcro centrale della canzone. O’Connel prese ispirazione da un libro che stava leggendo con sua figlia, “Ulysses” di James Joyce, scrittore a cui la band è estremamente legata, che in un passaggio conteneva la frase “Horseness is the whatness of allhorse”, pronunciata dal protagonista in una libreria al cospetto di alcuni intellettuali che discutono di vari filosofi. Tentando di dare una generica interpretazione della canzone, l’essenza sta nella semplicità: ciò che rende un cavallo tale, riassumendo il pensiero di James Joyce, è il suo essere cavallo e nulla di più. In questa contorta e intricata riflessione, che tocca vari punti, il cardine di questa frase sembra essere quello espresso nel ritornello: il protagonista della canzone si dichiarava convinto che la parola che facesse girare il mondo fosse l’amore (e ancora una volta si torna all’argomento di tutto l’album). Ma che da qualche parte ha letto, se su qualche libro o su un pacchetto di sigarette non ne è certo, che alcuni dicono invece che essa è invece la scelta. Quindi, il nostro essere dipende unicamente dalle scelte che facciamo e che ci rendono chi siamo, riducendo e semplificando visioni più complesse e astratte del mondo che mettono al centro l’amore. 

• Death Kink:

La penultima canzone dell’album tratta un tema particolarmente attuale, ovvero quello dell’amore tossico e manipolatore. La parte strumentale è molto essenziale, tre accordi per il basso e la chitarra e un beat piuttosto ripetitivo per la batteria. Con questi soli elementi, però, la band è in grado di creare un clima difficile da esprimere a parole, che sembra quasi farsi beffa del destinatario della canzone, una persona manipolatrice che ha detto un sacco di bugie al protagonista, portandolo anche a biasimare se stesso per aver creduto alle false promesse del partner. Lo scenario è quindi quello di una relazione già conclusa, le cui conseguenze sono state affrontate e nel quale uno dei due componenti della coppia è finalmente in grado di vedere con sguardo oggettivo il pantano in cui si era incastrato, liberandosene e 

riuscendo finalmente a prendersi gioco di chi l’ha fatto tanto soffrire.

• Favourite:

Secondo singolo e ultima traccia dell’album, Favourite è una canzone con un malinconico clima dolce-amaro, di quelle da dedicare a una persona speciale. L’ultima, meravigliosa sfaccettatura dell’amore di cui tratta il disco è quella della fedeltà di un rapporto talmente duraturo da sbiadire i ricordi nel tempo, una fedeltà che a volte deve sopportare anche periodi di allontanamento e distacco. Le frasi “You been my favourite for a long time” e “All the pieces last forever” evidenziano l’immortalità dei ricordi e la forza dei legami, quando essi sono puri e sentiti. La vera abilità della band è in questo caso quella di riuscire a non far sembrare banale o smielato un tema che a volte può risultare fanciullesco e infantile, producendo invece una canzone che fa venire i brividi ad ogni ascolto, soprattutto nel ritornello, come se ogni situazione descritta diventasse improvvisamente propria dell’ascoltatore e al contempo condivisa con tutte le persone più importanti per esso. In un album pieno di testi meravigliosi, che a volte surclassano totalmente la parte strumentale a livello emotivo, questo brano è sicuramente quello in cui quasi tutto ciò che trasmette l’ascolto proviene dalla musica e dal suo pathos. Una canzone, insomma, che anche senza capire una singola parola è in grado di far provare sensazioni fortissime. 

Franz Kafka

Il messaggio dell'imperatore

Recensione

Martina Fiorani, 4B | 3 gennaio 2025

“Un messaggio dell’imperatore” è un racconto breve ma molto intenso di Franz Kafka, che riesce a colpire il lettore con la sua profondità.
La storia di per sé narra di un imperatore che, sul punto di morte, affida un messaggio molto importante ad un messaggero indirizzato ad un mediocre suddito, che vive lontano e si nasconde nell’ombra. Questo messaggio però, ci racconta Kafka, non arriverà mai a destinazione, ma nonostante questo il suddito rimane speranzoso alla finestra della sua dimora, sognando l’arrivo del messaggio. Kafka descrive un palazzo enorme, pieno di ostacoli, e una folla infinita che impedisce al messaggero di andare avanti, rendendo impossibile il suo passaggio.

Le interpretazioni di questo racconto possono essere diverse e nessuna di queste è ritenuta sbagliata. Kafka si riferisce ad un “tu” narrativo e non inserisce nessuna concezione di tempo e di luogo, perciò la storia ha valore universale e potrebbe rivolgersi a chiunque.
E’ possibile dunque vedere il suddito come un uomo misero, estraniato dalla società e che vive immerso in un profondo senso di vergogna e inadeguatezza. Ciò che sta aspettando è un messaggio molto importante, di cui però non si conosce il contenuto, ma potrebbe riguardare il vero significato della vita oppure una verità assoluta, di cui l’uomo è costantemente alla ricerca. L’imperatore rappresenta invece un’autorità suprema, forse una potenza divina che tenta invano di trasmettere una verità assoluta ad un suddito perso.
Infine è presente il personaggio del messaggero, che come descrive Kafka, avrebbe tutte le carte in regola per poter recapitare il messaggio, ma senza nessun successo. Difatti viene descritto “robusto” e “instancabile”, ma la sua impresa si rivela essere impossibile da compiere. L’uomo può essere simbolo delle difficoltà dell’essere umano di comunicare o di comprendere qualcosa di superiore. Gli ostacoli che lo bloccano invece, possono rappresentare le difficoltà della vita che l’uomo è costretto ad affrontare ogni giorno e che in nessun modo è possibile evitare.

Conoscendo la vita e le caratteristiche dell’autore, si può anche notare quanto la figura stessa di Kafka sia presente nel suo racconto. Difatti una delle peculiarità più conosciute dell’autore, descritta nell’opera “Lettera al padre”, è sicuramente il suo aspro rapporto con la figura paterna, presentato come una presenza autoritaria e che trasmette al figlio un forte senso di colpa e inferiorità.

Inoltre per Kafka la vita è un peso. Si sente costantemente alienato e estraniato dalla società, facendo fatica ad integrarsi e a sentirsi adeguato. Tuttavia riesce a trovare un pò di speranza nella letteratura, che in qualche modo lo salva dalla sua percezione di vita.
Dunque il personaggio del suddito può ricollegarsi alla figura di Kafka, emarginato dal mondo e perso nella sua stessa ombra. L’unico briciolo di speranza lo trova nella letteratura, che lo salva dalla lunga e vana attesa del messaggio.

IL SILENZIO DELLE SIRENE, 

dai “Racconti” di Franz Kafka 

Caterina Maffei 4A| 27 dicembre 2024

Nella giornata di venerdì 29 novembre si è tenuto il primo incontro del Book Club su “I racconti” di Kafka, dove si è letto e analizzato “il silenzio delle sirene” insieme alla prof.ssa Alvino.

Dimostrazione del fatto che anche mezzi inadeguati, persino puerili, possono servire alla salvezza.

Per proteggersi dalle Sirene , Odisseo si tappò le orecchie con la cera e si lasciò incatenare all’albero maestro della nave. Naturalmente tutti i viaggiatori avrebbero potuto fare da sempre qualcosa di simile, eccetto quelli che le Sirene avevano già ammaliato da lontano, ma era risaputo in tutto il mondo che era impossibile che questo potesse servire.

Il canto delle Sirene penetrava dappertutto e la passione degli incantati, avrebbe spezzato ben più che catene e albero.

Odisseo non ci pensò, benché forse lo sapesse per esperienza .

Confidava pienamente in quel poco di cera e in quel fascio di catene, e, con l’innocente gioia per i suoi astuti sotterfugi, andò direttamente incontro alle Sirene.

Ora, le Sirene hanno un’arma ancora più terribile del canto, cioè il silenzio.

Non è certamente accaduto, ma potrebbe essere che qualcuno si sia salvato dal loro canto, ma non certo dal loro silenzio.

Al sentimento di averle sconfitte con la propria forza, al conseguente orgoglio che travolge ogni cosa, nessun mortale può resistere.

E, in effetti, quando Odisseo arrivò, le potenti cantatrici non cantarono, sia che credessero che solo il silenzio potesse vincere un così abile avversario, sia che, alla vista dell'estasi nel volto di Odisseo, che non pensava ad altro che a cera e a catene e a un enorme cavallo di legno sulla piana di Troia, si dimenticassero proprio di cantare.

Ma Odisseo tuttavia, per così dire, non udì il loro silenzio, e credette che cantassero e di essere lui solo protetto dall’udirle.

Vide fugacemente sulle prime il movimento delle loro gole, il respiro profondo, gli occhi pieni di lacrime, le bocche socchiuse, ma credette che questo facesse parte delle melodie che non udite risuonavano intorno a lui.

Ma tutto ciò sfiorò appena il suo sguardo fisso nella lontananza, le Sirene sparirono davanti alla sua determinazione e, proprio quando era più vicino alle Maliarde, non seppe più niente di loro.

Esse però – più belle che mai – si stirarono e si girarono, lasciando ondeggiare al vento le loro orride capigliature e graffiavano furiosamente con gli adunchi artigli gli scogli.

Non volevano più sedurre, volevano solo farsi penetrare il più a lungo possibile dallo sguardo dei grandi occhi di Odisseo.

Se le Sirene fossero dotate di consapevolezza, quella volta sarebbero state annientate.

Ma sopravvissero, e solo Odisseo sfuggì a loro.

A questo punto, si tramanda ancora un’appendice di quest'antica leggenda.

Odisseo, si dice, era così astuto, era una tale volpe, che neppure la Parca, filatrice del destino, poteva penetrare nel suo intimo.

Forse egli, benché questo non si possa capire con l’intelletto umano, si è realmente accorto che le Sirene tacevano e non ha fatto altro che opporre, sia a loro che agli Dei, come se fosse uno scudo, la finzione precedentemente narrata.

Kafka, nel breve racconto “il silenzio delle sirene”, riprende l’episodio narrato nell’Odissea dell’incontro tra Ulisse e le sirene. La peculiarità dell’autore non sta tanto nel riprendere il mito, ma nel presentare Odisseo e le Sirene, creature mitologiche ammaliatrici, in un’ottica estremamente dominata dall’ambiguità e dallo stravolgimento del mito stesso. Odisseo è infatti ritratto come ingenuo, presuntuoso e disinteressato, mentre le sirene sono descritte essere attratte dall'eroe omerico e non si contraddistinguono per il loro canto, bensì per il loro silenzio. 

Il racconto può avere numerose interpretazioni poiché una delle caratteristiche tipiche dello stile di Kafka è quella dell’allegoria vuota, ovvero la presenza, all’interno del testo, di un significato nascosto che resta indecifrabile e quindi indicibile. 

Nonostante questo presupposto, durante il momento di discussione e confronto, è emersa una possibile interpretazione del racconto. La figura di Ulisse potrebbe rispecchiarsi nell’uomo comune che vuole superare la religio, personificata con le sirene, ricorrendo anche all’inganno.  

Playlist Natalizia di Status Quo

Mattia Piva 4B| 21 dicembre 2024

Il Natale è ormai arrivato e in un qualsiasi negozio, almeno cinque o sei volte al giorno, passano i cari vecchi “Last Christmas" e “All I Want For Christmas Is You”. Se però siete stanchi di Michael Bublé e delle mille versioni di “Let It Snow”, ecco una playlist alternativa, per abbandonare i soliti tormentoni, che ci fanno ormai sanguinare le orecchie, senza (forse) perdere lo spirito natalizio di queste feste. 

Ecco il link della playlist su Spotify: https://open.spotify.com/playlist/7DUSk1Ki1NwXCXMGg31kCT?si=RM4RR9BTTr69VipW_YFrQw&pi=8GP2rpZWQueN0 

• Wonderful Christmastime, Paul McCartney:

Per chi ama i Fabulous Four ma non ne può più di Happy Xmas (War Is Over), di John Lennon e Yoko Ono, ecco l’altra geniale mente creativa dei Beatles in questo suo brano da solista. La canzone si apre con un particolarissimo uso del synth, che è per la verità l’unico elemento che la distingue dagli altri tormentoni da cinepanettone, e forse è proprio questo il bello. Ogni altro strumento, infatti, è dei più tipici e stereotipati, la melodia allegra e il testo estremamente felice e quasi sdolcinato, mentre il sintetizzatore prosegue con una linea che stride abbastanza: se si ascoltasse solo l’intro, nessuno riuscirebbe a dire che si sta per ascoltare una canzone natalizia. Considerando, come già detto, anche il confronto con Lennon, che ha prodotto una canzone politicamente impegnata e forse meno commerciale, per quanto possibile, e il fatto che l’autore di questo pezzo sia un ex Beatles, non si può non amare l’apparente banalità di Wonderful Christmastime, che collocata in questo contesto appare quasi dissacrante. 

• Christmas Time (Don’t Let the Bells End), The Darkness:

I Darkness, componendo questa canzone che sembra a tutti gli effetti natalizia, in realtà si distaccano da qualsiasi produzione di questo tipo. Non celebrano lo spirito della festa, né si fanno portatori di un messaggio contro di esso. Il testo è, piuttosto, una profonda riflessione interiore di un uomo che per tutto l’anno ha dovuto sopportare il dolore di una separazione e dell'allontanamento. Ora, che finalmente è arrivato Natale, gli viene facile fingere di essere felice e di apprezzare regali orrendi, sorseggiando vin brulè in compagnia. Perché non è in fondo quello che fanno tutti? L’uomo esorta l’ascoltatore a far continuare il suono delle campane, a non farlo finire, perché duri anche questa illusione di poter stare meglio, tra elementi stereotipati come il vischio, che sembra rassicurarlo, suggerendogli che prima o poi lui e la ragazza che lo fa tanto penare un giorno torneranno a baciarsi sotto di esso, e semplici distrazioni che gli consentono di non pensare ai propri dispiaceri e di non dover affrontare il dolore.

•  È nato, si dice, Pierangelo Bertoli:

Continuando sul filone delle riflessioni, Pierangelo Bertoli evidenzia con forza le contraddizioni del Natale. Questo periodo sembra quasi un momento in cui tutto cambia, senza un preciso motivo, come se si riuscisse a essere più buoni solo nelle feste natalizie. Ovviamente non manca di sottolineare anche le fattezze capitaliste che il 25 dicembre assume sempre di più, come il premio di produzione che ci rende tutti più felici o il pensiero di non dover lavorare, sempre con la preoccupazione, però, di quando tutto finirà e si dovrà tornare alla dura realtà. Per qualche strana ragione, inoltre, tutti sembrano riuscire a perdonare i propri nemici o i colpevoli delle proprie disgrazie (“Ma oggi baciamo il nemico”, “La legge racconta che è onesta”), salvo poi revocare questo perdono non appena la festa finisce. 

• Santa Claus Is Comin’ To Town, Bruce Springsteen:

Un classicone del Natale, che però Springsteen reinterpreta magistralmente, dimostrando come anche la canzone più semplice e banale diventi stupenda passando per le mani del Boss. L’assolo di sassofono a metà canzone è la vera perla di questa canzone, che con il walking bass di sottofondo crea un’atmosfera calda quasi tendente al jazz. 

• Must Be Santa, Bob Dylan:

Canzone fiabesca e quasi bambinesca, Must Be Santa racconta di tutte le più classiche tradizioni e leggende sul natale, ma in una calda e coinvolgente chiave folk. Cantata a più voci, con un ritmo incalzante, è il brano perfetto per stare in compagnia e, da una parte, ricordare la magia del Natale che percepivamo quando eravamo piccoli, dall’altra celebrare il periodo in cui, nonostante tutti i significati commerciali che ha assunto questa festa, ci si riunisce per festeggiare. 

• Natale in trincea, Elio e le Storie Tese:

Natale in trincea è il primo inedito della raccolta Tutte le belle canzoni di Natale di Elio e le Storie Tese, nonché il primo dopo la reunion del gruppo dopo la breve pausa tra il 2018 e il 2023. Elio e compagni dimostrano di non aver perso la loro ironia dissacrante, con una canzone che è a tutti gli effetti uno spot commerciale: i sei membri tentano di vendere il comodissimo, leggerissimo ed estremamente tecnologico “Natale in trincea”, il top di gamma, chiaramente made in Italy e disponibile per l'acquisto su Internet, come regalo per la nonna o per la mamma. Nel fare ciò, toccano tutti i temi più salienti della situazione geopolitica attuale, dal cambiamento climatico alle guerre in tutto il mondo, dall’avvento della tecnologia smisurata alla situazione della qualità di vita nelle zone urbane. Una critica tanto ironica quanto efficace e diretta, nello stile più classico della band milanese.

• Let Me Sleep (It’s Christmas Time), Pearl Jam:

Una canzone a dir poco magnifica, questo brano dall’atmosfera al contempo magica, malinconica e cupa parla di un uomo, probabilmente un senzatetto, che durante la notte di Natale supplica di essere lasciato in pace per dormire, perso e al gelo. Dal verso “Pensavo che si finisse arsi, non congelati per i propri peccati”, è intuibile che l’uomo sia in procinto di spirare. Ricorda con malinconia la magia che gli portava il Natale da bambino, mentre ora la stessa festa sarà la causa della sua morte. La voce disperata di Vedder stride con la melodia della canzone, dolce e cullante, quasi come una tetra allegoria della nostra società, nella quale mentre tante famiglie si riuniscono allegre e spensierate, troppe altre soffrono e patiscono, o forse come a simboleggiare le sofferenze dell’uomo che vengono alleviate con la morte e l’espiazione dei peccati. 

• Christmas Card From A Hooker In Minneapolis, Tom Waits:

Come intuibile dal titolo, Tom Waits, che ha sempre avuto un occhio di riguardo nelle sue composizioni per gli emarginati sociali, parla di una prostituta di Minneapolis che nel periodo di Natale scrive una serie di lettere, o meglio biglietti natalizi, a un ragazzo, probabilmente un ex, chiamato Charlie. La frase “Hey Charlie” viene ripetuta sei volte e, fatta eccezione per l’ultima, scandiscono probabilmente gli inizi di ciascuna lettera. Nella prima la protagonista del brano racconta di come sia cambiata la sua vita ora: ha smesso con la droga e con l’alcol, è incinta e ha un marito, che suona il trombone e si allena in pista, che la ama e che, nonostante sia di un altro uomo, amerà il futuro bambino come fosse suo. Inoltre esce ogni sabato, ha ricevuto da suo marito l’anello che era della madre di lui e ha una vita tranquilla in cui si diverte. Recuperata, insomma. Nella seconda la ormai ex prostituta sembra ricordare con affetto alcuni particolari della sua relazione con Charlie, come la sua pettinatura o un disco che lui aveva regalato a lei, ma che non può più ascoltare perché le hanno rubato il giradischi. Nella terza sembra andare tutto a rotoli per la ragazza, poiché Mario, così si chiama suo marito, viene arrestato. Lei prova a tornare dai suoi genitori, ma tutte le persone che conosceva nel loro paese sono morte o in prigione. Così torna nuovamente a Minneapolis. Nella quarta, quasi come un canto della fenice, sembra che per la protagonista tutto vada al meglio. Addirittura, si pente di aver speso tutti quei soldi in droga con Charlie, soldi che se avesse ora userebbe per comprare un parcheggio di macchine usate, per poter scegliere quale guidare a seconda del suo umore giornaliero. L’ultima lettera è quella in cui cade la maschera. Nulla è vero, la ragazza è stata in carcere per tutto quel tempo e le servono soldi per un avvocato. Però, nelle ultime, stupende righe finali, chiede a Charlie di venire a trovarla per San Valentino, quando otterrà la libertà vigilata. 

• Merry Christmas (I Don't Want to Fight Tonight), Ramones:

I Ramones sono notoriamente un gruppo che è sempre stato molto rozzo e diretto nelle proprie canzoni: non più di tre accordi coincisi per basso e chitarra, batteria martellante in quattro quarti e ritmi al cardiopalma. Per questo i Ramones, praticamente fondatori del punk-rock della prima ondata nel ‘70, nell’interpretare questa canzone natalizia sembrano un po’ come un gigante che tenta di maneggiare una tazzina da tè in ceramica: fuori posto, stridenti, soprattutto se cantano di non voler combattere, della magia del Natale e dell’emozione delle battaglie a palle di neve. Eppure il risultato è talmente improbabile da essere veramente apprezzabile. Perché il punk alla fine è semplicemente questo, fare quello che pare a te, anche contraddirti, senza mai voler accontentare un pubblico o un ideale preciso, il punk è il gruppo fondatore di questo genere che decide di fare una canzone che parla della magia fiabesca del Natale, mettendo da parte il muso duro delle solite canzoni. 

• A Christmas Duel, Cyndi Lauper e The Hives:

Gli Hives non sono mai stati noti per sobrietà, tanto che la definizione che si danno è quella di “Gruppo migliore del mondo”. Con live coinvolgenti, musica punk ad alti ritmi e un’ironia micidiale, sono decisamente uno dei gruppi più divertenti e innovativi degli ultimi anni. Dello stesso stampo è la loro canzone natalizia con Cyndi Lauper, l’icona pop autrice di tormentoni del calibro di Girl Just Want to Have Fun e Time After Time, che racconta la storia di una discussione quasi surreale tra moglie e marito: quest’ultimo apre il brano dicendo che non ha regali per la moglie quest’anno, ma in compenso è andato a letto con la sorella di lei, scusandosi. Lei risponde che non c’è problema, perché anche lei ha fatto lo stesso con suo fratello, ha distrutto la macchina di suo padre e aggredito sua madre. Poi confessa di aver dato fuoco alla sua collezione di dischi incolpando qualcun altro. Ma alla fine, si dicono nel ritornello, cosa importa se tanto la neve coprirà ogni nostro peccato? La situazione degenera quando lui confessa che non era sobrio al loro matrimonio, e lei lo rassicura dicendo che in compenso lei ha assunto un sicario per far cambiare il testamento e intestarsi tutto. Una canzone esilarante e dissacrante, in pieno stile Hives. 

• Fairytale of New York, The Pogues e Kirsty MacColl:

Dall’album If I Should Fall From Grace With God della storica band irlandese dei Pogues, questo capolavoro è la canzone natalizia definitivamente migliore per chi è stanco della solita atmosfera: dal contrasto tra due voci spettacolari come quelle dei mai troppo compianti Shane MacGowan e Kirsty MacColl, il primo il leader del gruppo con problemi di alcolismo e la voce roca per il troppo fumo, l’altra una cantante con un timbro soave e delicato, ai temi politici, come l’immigrazione, dalla rottura della magica atmosfera natalizia a un turpiloquio estremamente irriverente, questa canzone ha tutti gli elementi per essere effettivamente la migliore tra quelle natalizie. La trama è molto semplice, ovvero la storia di due immigrati irlandesi che si trovano a New York in cerca di fortuna da molti anni, a causa di problemi economici. Sono una vecchia coppia, ormai, lei con problemi di dipendenza dall’eroina, l’altro un ubriacone (ruolo che MacGowan non deve aver fatto troppa fatica a interpretare). Ricordano, malinconici, la fredda vigilia di Natale nella quale si sono conosciuti, mentre in un locale un gruppo stava suonando canzoni di Sinatra e loro ballavano in un angolo, prima di ritornare alla fredda realtà e cominciare a insultarsi nei modi peggiori possibili, in una strofa molto comica. Infine, la donna accusa il marito di averle rubato tutti i sogni quando si sono incontrati, condannandola a quella vita terribile. La canzone si conclude con l’uomo che la rassicura, dicendo che i sogni di lei li ha conservati al sicuro con i suoi, perché da solo non può farcela. Così, con questa immagine tragicomica di due vecchi dipendenti, che però possono contare l’una sull’altro nelle loro innumerevoli difficoltà, si chiude la canzone.  

Recensione Il Gladiatore 2

Ilaria De Feo e Rita Madama 2D | 19 dicembre 2024

Con "Il Gladiatore II", uscito nelle sale italiane il 14 novembre 2024, Ridley Scott ha suscitato ancora una volta reazioni contrastanti tra critica e pubblico.

La trama della pellicola tanto attesa segue Lucio, interpretato da Paul Mescal, figlio di Lucilla e nipote dell'imperatore Marco Aurelio. Cresciuto in Numidia, Lucio viene catturato dai romani e riportato a Roma come schiavo, dove diventa gladiatore per cercare vendetta e riconquistare la libertà.

Per poter godere appieno quest'opera, è necessario dimenticarsi dell'acclamato primo capitolo della duologia. Infatti, malgrado mantengano lo stesso titolo, i due film offrono un'esperienza narrativa e tecnica molto diversa. 

La critica, sebbene riconoscendo la potenza delle scenografie e spettacolarità visiva, ha contestato la trama, ritenuta talora prevedibile e poco coinvolgente. Il film è stato comunque lodato per essere riuscito, senza scadere nella nostalgia, a rievocare l'atmosfera della prima pellicola. 

Per quanto riguarda i personaggi, non reggono indubbiamente il confronto col Massimo Decimo Meridio di Crowe o il Commodo di Phoenix. Infatti, sebbene la scelta del cast sia appropriata e apprezzabile, nessuna delle figure è riuscita a raggiungere lo stesso livello di profondità e carisma che trasmettevano i personaggi del primo film.

Ciononostante, credo che questo sequel funzioni pur non avendo ottenuto lo stesso impatto emotivo del primo. È anche vero che temi come l'epica, l'eroismo e la gloria sono sempre meno apprezzati dal pubblico odierno e sempre più distanti dalla nostra realtà.

"il Gladiatore II” ha, ad ogni modo, riscosso un notevole successo: infatti sia proiezioni che spettatori e incassi sono stati molto più alti di altre pellicole uscite nello stesso periodo come Venom - The Last Dance. 

In sintesi, "Il Gladiatore II" offre un'esperienza cinematografica visivamente spettacolare, con interpretazioni solide, ma potrebbe non soddisfare completamente le aspettative di chi cerca una profondità narrativa pari al primo capitolo"

Domenico Starnone

Fare scene

Recensione

Maria Sofia Vitetta, 5D | 13 dicembre 2024

Il padre del protagonista, appassionato anche lui di cinematografia, è colui che compra un proiettore domestico, ingaggia un fotografo per catturare in uno scatto l’intera famiglia al mare o per girare un “film” con quegli stessi protagonisti, quasi come se fossero attori di Hollywood. L’acquisto di una macchina da presa, voluto dal padre, è in opposizione con la sua concezione della fotografia, percepita come acerrima nemica della pittura in quanto sua possibile rapida sostituta. Per lui la realtà può essere catturata in tutta la sua grandezza e verità solo sulla tela o sul foglio, con la matita, il carboncino o il pennello. Tuttavia, filmare significa mostrare “il tempo che passa proprio mentre passa” e per questo anche lui non si nega un biglietto del cinema. Il legame con un altri romanzi di Starnone, come “Via Gemito” e “La bambina di Milano”, è evidente. Alcuni personaggi sono comuni in tutti e tre i romanzi, anche se ogni volta si aggiunge un tassello in più alla descrizione del loro carattere. In “Via Gemito” il personaggio principale è il padre e, soprattutto, la sua smania narcisistica ed egocentrica di dipingere e di voler far emergere le sue doti sottovalutate da grande artista. “Fare scene”, infine, è focalizzato sulla passione del cinema dell’io narrante. 

Il romanzo è il risultato dell’unione di episodi, ricordi e momenti della vita accomunati dal tema della cinematografia. Lo si potrebbe definire una sorta di sfridd (sfriddo, termine napoletano), termine con cui la madre del protagonista, una sarta, indica gli scampoli di stoffa destinati ad essere buttati via. Da bambino l’io narrante è quasi dispiaciuto per la sorte di quei ritagli caduti sul pavimento, una sorte totalmente diversa dal tessuto rimasto poggiato sulla tavola, scelto per la realizzazione di un abito.

L’io narrante, ormai adulto, frugando nella propria libreria, ritrova se stesso nei versi di “I sommersi ed i Salvati” di Primo Levi. Durante uno dei suoi incontri per le scuole, un  ragazzino domanda a Levi perché non sia scappato, chiedendogli di disegnare una mappa del campo di concentramento e di indicare elementi come il filo spinato e le torrette di guardia. Subito dopo lo scolaretto, osservando lo schizzo alla lavagna, progetta una fuga, convito che possa funzionare. Il protagonista di “Fare scene”, grazie al lavoro che intraprende, ovvero quello dello sceneggiatore, può essere sempre come quel ragazzino e “guardare l’insostenibile attraverso filtri” che lo rendono “gradevolmente colorato”.

Un progetto rilevante descritto nel “secondo tempo” del libro è la realizzazione di un film di denuncia riguardante la condizione operaia. Il regista Raggalli, insieme all’io narrante, vuole realizzare un film ispirandosi alla storia vera di Giorgio, lavoratore in fabbrica morto impiccato. I due si recano nel Ravennate per avere delle testimonianze dirette della moglie di Giorgio e dei suoi figli, ancora bambini. Tuttavia, il produttore in primis, Nello, una volta ricevuto il lavoro di Raggalli e del protagonista, lo critica in quanto poco interessante, poco dinamico e troppo poco divertente per lo spettatore medio. E quindi il film, una volta concluse le registrazioni ed il montaggio, è totalmente diverso da come era stato pensato inizialmente, plasmato sul gusto della massa e sui giudizi di un team di figure cinematografiche con idee completamente diverse.

Durante la preparazione del film con Raggalli, “La fine della coscienza di classe” il protagonista vuole inserire ad ogni costo una scena particolare, una in cui l’operaio bacia la fronte della nonna morta. Quel contatto freddo è un presagio della sua morte e del suo destino. È anche e soprattutto il tentativo di restituire allo spettatore percezioni tattili, come la freddezza, oltre che visive. Quella finzione al di là dello schermo è una realtà vivissima e palpabile, ma perchè focalizzarsi su questa scena? Per il protagonista, convinto della capacità di coinvolgimento emotivo della cinematografia, “se il cinema ammette che ci sono cose che non può rappresentare, il cinema è morto”.

Retrospettiva su Neil Breen - il fascino del cinema brutto

Maria Rosaria Cozzolino, 5B | 12 dicembre

Ogni epoca storica si rispecchia nel cinema, da quando esiste quest'ultimo, nel bene e nel male. Abbiamo passato decenni, per esempio negli anni 90, in cui vi erano capolavori che uscivano in sala uno dopo l'altro, ma vi sono anche periodi più sfortunati. Un esempio si può vedere proprio nel cinema recente, dove possiamo vedere le sale contraddistinte da remake, blockbuster, e da una generale mancanza di creatività e libertà per le persone coinvolte nella creazione di opere cinematografiche. 

Un regista alle prime armi dovrà inevitabilmente fare affidamento a grandi produzioni se vuole iniziare a realizzare film ad alto budget, o anche solo per iniziare la sua carriera lavorativa nel settore. Ciò viene con una relativa impossibilità di avere libertà creativa sul proprio progetto per via delle limitazioni imposte da esterni. 

Tuttavia, anche decidere di prendersi le proprie libertà viene con dei problemi. Vedasi nel caso dei film dell’A24, casa di produzione statunitense specializzata nel finanziare progetti indipendenti, specialmente film horror ma non limitati a questi. Nonostante le opere da loro prodotte siano colme di idee fresche ed interessanti e siano molto godibili, fanno spesso fatica a trovare un ampio pubblico, non arrivando sempre a prendere l'attenzione che meritano anche per via della scarsa diffusione nelle sale. 

Nonostante ciò, non sono nuovi i casi di registi, anche molto celebri, che decidono di prendere totale padronanza del proprio operato. Un esempio è Francis Ford Coppola, regista di Apocalypse Now e Il Padrino, che con il suo Megalopolis realizza un’opera personalissima, decidendo di ignorare le ingenti critiche ricevute dalla stampa e dal pubblico.

Ma tra tutte queste figure che compongono il cinema moderno vi è lui, il visionario regista Neil Breen. Nato nel 1958 (Anche se, a detta sua, il dato è errato, affermando di essere molto più giovane. Non vi sono dati precisi sulla sua nascita.) dal suo sito possiamo leggere che è un:

• Architetto a livello mondiale

• Regista senza pari

• Attore per eccellenza

• Il miglior regista indipendente della nostra generazione

• Possessore di una ferrari (che potremo vedere numerose volte nelle sue opere)
  
  

 Nel 2005 debutta con il suo primo film, Double Down, e subito riceve un successo senza pari, permettendo a Neil Breen di pagare un menù completo da McDonald a tutti i suoi collaboratori. 

In questo articolo, vedremo la filmografia di Neil Breen attraverso l’analisi di 3 sue opere che ho visto: Pass Thru, Cade: The Tortured Crossing e il suo capolavoro, Fateful Findings.

Prima di partire, ci tengo a fare una premessa: le trame dei film di Neil Breen sono assurde, complicate e spesso alquanto sconnesse, risultando in un’esperienza molto personale nella visione e nella comprensione delle opere, quindi ciò che dirò potrebbe essere diverso da ciò detto da qualcun altro o da voi. Inoltre, ci tengo a precisare che io non sono nessuno per mostrarvi le parole del maestro, e vi consiglio vivamente di vedere il suo operato con i vostri occhi.

Partiamo da Pass Thru, quarta opera del regista. Uscita nel 2016, narrerà la storia di Thgil, un'intelligenza artificiale giunta sulla terra per eliminare il male dall’umanità, questo attraverso l’eliminazione di determinate figure di “spicco” della società americana. Le vicende di Thgil sono legate a quelle di 2 gruppi di persone rapite da dei trafficanti di droga, non si sa bene per quale motivo. Le peculiarità del film si vedono principalmente nella grande semplicità dei set e dei costumi, un esempio si può vedere in una scena dove si vedono i Thgil e una delle sue donne lavare dei vestiti, che altro non sono che pezzi di tessuto con un buco al centro. Un altro elemento particolare è il netto peggioramento in praticamente ogni punto di vista rispetto al suo film precedente, Fateful Findings, fattore che non mi so assolutamente spiegare. Ma a parte gli ovviamente miseri difetti, il film eccelle, specialmente nella scena dove vedremo il personaggio di Breen entrare casualmente nella proprietà di alcuni importanti banchieri, criticando il loro operato in modo alquanto buffo.

Procediamo poi parlando di Cade: The Torture Crossing. L’opera, uscita nel 2023, è l’ultima fatica del regista, ma probabilmente è anche la sua più assurda, rasentando l’indescrivibile. Nell’opera vedremo Breen, questa volta nei panni di un filantropo di nome Cade Altier, finanziare un istituto psichiatrico al fine di migliorare le condizioni, ma i soldi verranno utilizzati per raccogliere materiale genetico dai pazienti, o così pare. Tuttavia, il personaggio di Breen ha una doppia vita: oltre ad essere una persona molto facoltosa è in grado di creare copie di sé stesso, parlare con una signora che occasionalmente si trasforma in tigre, combattendo successivamente con lei e fare delle azioni attraverso l’uso del suo occhio sinistro. Quest’ultima non ho idea di cosa faccia, se riuscite a comprenderlo voi, vi chiedo per favore di contattarmi e spiegarmelo, è un dubbio che mi attanaglia da tempo. 

Oltre all’assurdità della trama, Cade: the tortured Crossing presenta altre caratteristiche uniche rispetto ad altre opere precedenti di Breen. Una fra tutte è l’uso smodato della Computer grafica e del green screen, tanto che nessuna scena è stata filmata dal vero, arrivando ad un risultato veramente peculiare.

Tuttavia, personalmente non sono entusiasta di questo cambio stilistico, essendo che sembra quasi esser stato adottato al solo scopo di rendere le opere ancora più ridicole e vendibili al pubblico che ormai Breen si è creato. Nonostante il cambio radicale, l'opera mantiene sempre i dialoghi assurdi e la trama arricchente tipica del maestro. 

Ma lasciamo perdere gli altri film e parliamo della sua opera più importante, caratteristica, fondamentale, inconcepibile, indescrivibile e straordinaria, il vero e proprio magnum opus dell’autore: Fateful Findings. 

Il capolavoro tratta di uno scrittore di libri di fantascienza, tale Dylan, ovviamente sempre interpretato dal maestro in persona, alle prese con la stesura di un nuovo libro. Tuttavia, l’autore nasconde un segreto: non sta veramente scrivendo il suo nuovo bestseller, ma sta hackerando sistemi governativi scoprendo importanti segreti su politici e banchieri che tengono in pugno gli Stati Uniti d’America. Tutto questo si lega ad un intricato triangolo amoroso, composto da Breen, la sua attuale moglie e una sua vecchia amica d’infanzia. Inoltre, quest’ultima non è solo stata il suo primo ed unico vero amore, ma è anche la persona con la quale ha avuto modo di trovare una pietra magica che gli ha donato dei potenti poteri (che userà solamente una volta, all’inizio del film).

Oltre alla cura nella stesura della complessa trama e alla totale impossibilità di Breen di riprendere allo stesso tempo due persone che dialogano, vi è, a mio parere, una delle scene più belle mai girate nella storia del cinema. il discorso finale di Breen. Ovviamente non vi farò spoiler in merito a questa, essendo che mi aspetto che, una volta finito di leggere l’articolo, voi corriate immediatamente a vedere ogni film del maestro. Vi dico solo di dimenticare il monologo di Roy Batty in Blade Runner, quello del colonnello Kurtz in Apocalypse Now e di Daniel Day Lewis in There will be blood, questo è un vero monologo, questo è il vero cinema. 

Avendo visto 3 dei 6 pilastri del cinema realizzati da Neil Breen, posso dire che vi sono alcuni temi ricorrenti che fanno parte della poetica del maestro. Primo fra tutti vi è il profondo odio per le istituzioni. Il tema è costantemente presente in quasi ogni opera del maestro, dove mette in mostra un’importante denuncia sociale (spesso molto lunga, veramente tanto lunga) mirata a condannare l’avidità e la slealtà dell’alta società americana. Un Altro è il ruolo della donna, quasi sempre legata ad essere solo concubina del protagonista di turno dell’opera.

In conclusione, spero che le mie parole vi abbiano convinti, anche solo minimamente, ad esplorare l’operato di uno dei miei registi preferiti (secondo solo, ovviamente, a Michael Bay). Nonostante le opere di Neil Breen non siano assolutamente uno standard da seguire, a meno che non si voglia finire a dirigere qualche nuovo film della Marvel, mi sento comunque di definirlo una figura molto positiva, che dimostra che chiunque, guidato dalla motivazione giusta, può arrivare alla realizzazione di un film che sente proprio, senza avere nessuno che ti dica cosa fare e come devi farlo.

Recensione Schim – Un tuffo nell’ombra della città!

Maria Rosaria Cozzolino, 5B | 7 dicembre

I puzzle game sono uno dei generi più longevi e comuni nei videogiochi, ma non per questo mancano di originalità.
Infatti, oltre a essere così diffusi, sono anche tra i più versatili, offrendo storie indimenticabili come nel caso della duologia di Portal, enigmi complessi come nei titoli della serie di Myst, ma anche gameplay rilassanti e innovativi come nel titolo di cui vi parleremo oggi.

Schim è un puzzle game sviluppato da due persone, Ewoud van der Werf e Nils Slijkerman, che ci racconta la storia di una piccola creatura simile a una rana che vive nelle ombre.

Riusciremo a saltare nelle ombre per raggiungere i nostri obiettivi? Scopriamolo insieme!

Trama

Nel titolo prenderemo i panni di una piccola creatura che vive nelle ombre, nello specifico nell’ombra di un essere umano.
Sin dalla sua infanzia, non ci siamo mai allontanati da lui, trascorrendo le nostre giornate assieme, fino a quando, dopo il licenziamento dell’umano dal suo primo lavoro, finiremo per dividerci per errore.
Questo diventerà il movente della nostra ombra, che sarà motivata a vagare per la città nella speranza di raggiungere nuovamente il proprio amico.

La trama trova i suoi momenti salienti solo all’inizio e nel finale, mentre per tutto il corso del gioco l’ombra sarà solamente uno spettatore della vita del suo umano, osservando a tratti ciò che fa e come passa le sue giornate. Questo porta in molti casi a dei livelli fini a se stessi che non hanno definite correlazioni con l’avanzamento della trama.

Gameplay

Il gameplay è sicuramente la parte più peculiare del titolo, dato che il nostro personaggio dovrà muoversi esclusivamente nelle ombre, saltando da una parte all’altra per muoversi. Ciò ci porterà a dover analizzare costantemente non solo i punti in cui sono presenti le ombre, ma anche come si muovono e come interagire con gli oggetti a cui appartengono, tutto ciò al fine di raggiungere il nostro obiettivo finale.

Come precedentemente citato, una delle meccaniche fondamentali sarà l’interazione con gli oggetti a cui le ombre appartengono, poiché saranno necessari per poter passare da un’ombra all’altra. In ogni livello sarà possibile interagire con ogni oggetto dotato di ombra, ma non tutti potranno essere sfruttati per i nostri scopi. Infatti, oltre agli oggetti statici, potremo trovarne alcuni che ci permetteranno di utilizzare le loro proprietà, come lampioni che faranno luce o ombrelli che ci faranno saltare con una semplice interazione. Questo porta il giocatore a fondersi con ogni oggetto presente a schermo, specialmente in caso ci si blocchi, e a pensare ad una buona tattica per poter sfruttare le risorse a nostra disposizione.

Oltre a dover interagire con gli elementi del paesaggio, avremo bisogno di sfruttarne il movimento. Infatti, molti livelli richiederanno di aggrapparsi all’ombra di un uomo, di una macchina o anche di un piccione in movimento, ed è qui che riscontriamo uno dei difetti del titolo. Buona parte di questi livelli richiederanno al giocatore di attendere l’arrivo dell’ombra, ma spesso quest’attesa risulterà frustrante e priva di risultati.
Difatti, il tempo necessario non è sempre prevedibile, e spesso risulta essere più lunga di quanto ci si aspetti.

Schim darà al giocatore un’ampia libertà di scelta sul modo in cui completare ogni stage, e questo fattore, insieme alla cura posta nella creazione dei livelli, sono i pilastri portanti del titolo. La maggior parte dei livelli sono segnati da idee incredibilmente interessanti ed l’ottimo level design fa da padrone all’intera esperienza.

Per quanto ogni livello sia colmo di idee creative e vi siano sempre diversi modi per approcciarsi ad ognuno di questi, in molti dei livelli più complessi si sente il bisogno di ricevere qualche piccolo suggerimento su come proseguire, soprattutto qualora non ci si rendesse conto di star procedendo sulla strada sbagliata.

Un’altra, seppur minore, nota di merito è la presenza di un grande numero di collezionabili, divisi per ogni livello, che danno un ulteriore motivo al giocatore per riaffrontare ogni stage, magari in maniera diversa.

Comparto artistico e tecnico

Come in ogni indie che si rispetti, il lato artistico è uno degli aspetti più importanti e identificativi del titolo. Schim possiede uno stile unico e fortemente minimalista, che nonostante tutto riesce a risultare vivace, soprattutto grazie al suo utilizzo dei colori, che saranno caldi o freddi a seconda dello stato d’animo della scena. Colori che, peraltro, sono modificabili in ogni livello a proprio piacimento, così da donare a ciascun giocatore un’esperienza più personale.

Alla mancanza di una trama ben strutturata, Schim compensa con un mondo animato e colmo di piccoli sprazzi di quotidianità che abbelliscono ogni livello e lo rendono unico.

Tuttavia, l’aspetto in cui il titolo eccelle maggiormente è sicuramente nella sua soundtrack. Ogni traccia sarà sorretta da meravigliosi ritmi lo-fi che si legano perfettamente alle sensazioni trasmesse dal titolo stesso e alla storia che vuole raccontare, donando al giocatore un’esperienza rilassante ed efficace.
Potete ascoltarla utilizzando il link a Spotify:

Quanto al comparto tecnico, è privo di particolari difetti, poiché per tutta la sua durata è rimasto stabile, non presentando crash o bug di alcun genere. Inoltre, la sua semplicità lo rende adatto ad essere giocato su qualsiasi configurazione.

In conclusione...

Schim è un buon titolo in cui la bellissima soundtrack, lo stile grafico delizioso ed l'ottimo level design rappresentano i migliori pregi. Tuttavia, non mancano alcuni difetti, come alcune sezioni del gioco alquanto frustranti ed una trama che finisce per essere introdotta ma mai approfondita. Nonostante ciò, Schim risulta essere un titolo tenero e rilassante che intratterrà il giocatore per tutta la sua modesta durata.

Mostra di Dalì

Sofia El Khattabi 3B,Lucia Idrato 3B, Rita Madama 2D |30 Novembre

“Nella mente del maestro -Salvador Dalì, arte e psiche” è la mostra del celebre artista, organizzata in seguito ai 100 anni dalla nascita del Surrealismo. È possibile visitare le opere nella nuova ala del Palazzo dei Musei, fino al 6 gennaio 2025, con ingresso gratuito per i minori di 16 anni mostrando un documento.

È una mostra molto toccante; sarebbe impossibile attraversare quelle stanze senza venire attratti dalla potenza dei messaggi permeati nelle tele. Ogni opera ci svela un aspetto della storia complicata di Dalì, introducendoci a discorsi psicologici e persino filosofici. Inoltre l'esperienza è ben guidata con pannelli esplicativi e approfondimenti storici, come i curiosi aneddoti sul “Manifesto del Surrealismo”, o la nascita del logo del “Chupa Chups”. Un'altra sezione molto interessante è riguardo al legame di Dalì con il nostro territorio.

Le opere sono tra le più varie, dalle sculture, alle litografie, acqueforti, fotografie… Ecco alcune tra le più famose e che ci sono state illustrate dalle guide.

Durante la mostra ci Sono state presentate diverse sculture tra cui il “triumphant elephant” (l’elefante trionfante), affascinato dalle teorie psicoanalitiche di Freud con la sua infatuazione per cigni che riflettono gli elefanti. L’elefante era un simbolo iconoclasta sul futuro, è raffigurato con zampe simili a zanzare per evidenziare il contrasto tra robustezza e fragilità. La sella é impreziosita da gioielli per rappresentare un nuovo momento Della sua vita e l’angelo in volo annuncia prosperità. Dalì era talmente affascinato da questo animale che comprò un un elefante e progettò addirittura di attraversare le alpi imitando Annibale, ma il mammifero divenne troppo grande per I suoi gusti, così fu riportato allo zoo. Infine ci hanno raccontato la creazione del logo chupa chupa, disegnato dallo stesso Salvador Dalì. Amico di Eric Bernard, gli venne l’idea del logo in un bar disegnando una margherita su un tovagliolo. Con I colori sgargianti volle richiamare la bandiera spagnola, patria di questa caramella.

Una delle prime sculture che ci hanno mostrato è quella di Snail and the Angel (la lumaca e l’angelo), realizzata nel 1997, è uno dei feticci di Salvador Dalì perché ne rappresenta la sua concezione del tempo che è lenta, inoltre è molto legato e attratto dalla forma del guscio di questo animale in quanto all'esterno questo guscio è duro mentre all’interno c’è l'animale che è molle e molto lento. La lumaca viene donata di un paio d’ali e si muove per mezzo delle onde. A di sopra di essa c’è un angelo dalla piccola statura capace di velocità illimitata, che conferisce alla lumaca il dono del movimento toccandogli il dorso. Quest opera risente molto dell’incontro con Sigmund Freud il quale considerava il suo “padre spirituale” e l’idea di questa scultura nasce nel momento in cui Dalì fu affascinato quando vide una lumaca su una bicicletta fuori dalla casa di Freud, collegando l'immagine di una testa umana; la testa di Freud.                                                                                                                                                                                                                           Nella presentazione iniziale oltre alla scultura precedente abbiamo visto uno dei tanti dipinti di Dalì ma non il più famoso ossia :“The Fallen Angel” (l’angelo caduto) , realizzato nel 1951,è un'illustrazione di una delle canzoni dell'Inferno ed è tra gli acquerelli realizzati da Dalì su commissione del governo spagnolo per il 700° anniversario di Dante. Solitamente nei dipinti di Dalì l’angelo sta ad indicare l’accompagnatore della sua musa Gala che per lui era la reincarnazione della purezza e della nobiltà. L’angelo in questione è ritratto come un uomo nudo e magro con le ossa ben in vista e con ali scure e rovinate, il quale sta ispezionando i cassetti che scivolano fuori dal suo stesso corpo come se stesse cercando all’interno di se stesso. Per Dalì questi cassetti dovrebbero simboleggiare la memoria,i desideri e quei pensieri che devono stare nascosti agli estranei.

Se questo piccolo assaggio ti è piaciuto ti consigliamo vivamente di andare a visitare la mostra! Preparati ad essere ipnotizzato dai colori sgargianti, i profondi significati psicologici e le numerose spiegazioni e documenti presenti riguardo questo personaggio surreale e onirico!

L'idiota

Francesca Chilò 5AL | 29 novembre 2024

Sentendo questo titolo, il primo nome che viene in mente è quello di Dostoevskij, autore di un celebre libro omonimo. Ora, però, lasciamo la Russia dell’Ottocento per spostarci verso un panorama più contemporaneo. Con L’idiota, Elif Batuman ci offre uno sguardo sulla vita di Selin, diciottenne al primo anno di università. Selin è un personaggio complesso, cinico e allo stesso tempo emotivo, ugualmente capace di prudenti ponderazioni e di gesti avventati, che magari lasciano il lettore a pensare ‘io non l’avrei mai fatto’. Nonostante questo, è una protagonista in cui è facile rivedersi: i pensieri, le contraddizioni e le paure che la caratterizzano non sono diverse dalle nostre, ora che ci troviamo davanti alla terrificante possibilità di decidere del nostro futuro. Selin è profondamente imperfetta, sbaglia e poi se ne pente, si arrabbia e poi si sente in colpa, s’impegna nello studio e si rende conto, alla fine, di non aver imparato niente. Anche le sue relazioni con gli altri sono il riflesso di questa condizione: in generale, il romanzo è popolato dai personaggi più diversi, tutti alle prese con le rispettive sfide, che cercano di conoscere sé stessi e allo stesso tempo gli altri. Spesso falliscono, e da qui viene il titolo: L'idiota. Anche Selin, che all’inizio ha un’alta opinione di sé, finirà per ridimensionarsi e definirsi, in modo forse troppo drammatico, con questo appellativo.

Il libro parla della giovinezza, degli errori inevitabili che questa fase porta e anche della possibilità, sempre accessibile, di porvi rimedio. Batuman ci mostra quanto la vita sia fluida e quanto sia normale, soprattutto a quest’età, svegliarsi con un’idea e andare a letto avendone un’altra.

Grazie alla prosa scorrevole e a una spontanea narrazione in prima persona, ci troviamo catapultati nella testa di Selin, assistiamo alla demolizione di tutte le sue vecchie certezze e anche alla costruzione di quelle nuove. È un personaggio in costante evoluzione, evoluzione che continua ben oltre l’ultima pagina: così, del resto, è la vita di tutti noi.

Nonostante la complessità delle tematiche, L’idiota è uno di quei libri che si leggono con talmente tanto piacere che non ti verrebbe mai voglia di metterlo giù. Nel corso delle pagine Selin colleziona le esperienze più disparate, da quelle puramente accademiche a quelle sentimentali e intense, ma nessuna di queste è mai banale e tutte contribuiscono allo sviluppo del personaggio. Il romanzo non è privo di umorismo, che completa il quadro della mente arguta, seppur confusa, della protagonista.

L’autrice usa un lessico semplice, descrivendo in modo piuttosto diretto sia le scene quotidiane che quelle più significative. 

Al di là di questo, il linguaggio è un’altra tematica rilevante del libro. Selin, infatti, è una studentessa di linguistica, e spera che apprendere le dinamiche della lingua possa fornire risposte alle sue domande e mettere ordine nella sua incertezza. Ma davvero il linguaggio ha questo potere? 

Mi sento di consigliare questo libro a chiunque sia giovane, e desideri specchiarsi in un personaggio che, se non è identico a lui, è perlomeno molto simile. Potrebbe volerlo leggere anche qualcuno di un po’ più cresciuto, ma che desidera lanciare una rapida occhiata al passato e ricordarsi (con rabbia o, più probabilmente, con un po’ di nostalgia) di quando anche lui era il cosiddetto idiota.

Come gli Uccelli

Riccardo Laronca, 3B | 28 novembre 2024

Tra il 25 e il 27 Ottobre presso il Teatro Storchi di Modena è andato in scena lo spettacolo “Come gli Uccelli”.

Questa rappresentazione ha affrontato la tematica del conflitto israelo-palestinese non come un dibattito intellettuale da salotto o come un discorso ideologizzato ad un comizio elettorale, ma come una travolgente, intensa, intricata e travagliata storia d’amore tra Eitan, ragazzo tedesco di origine ebraica e Wahida, ragazza di origine araba, rimasta orfana dei genitori in tenera età.

La vicenda si apre in una biblioteca universitaria di New York per poi spostarsi in Israele e in Giordania, intrecciando le vicende storiche che hanno interessato lo Stato ebraico e la Palestina con quelle personali degli stessi protagonisti, rafforzando il legame inscindibile tra passato, presente e futuro. La presenza di dialoghi e canti in arabo, ebraico e tedesco conferisce originalità e autenticità alla rappresentazione. Le scene si rincorrono, spesso mescolandosi tra loro avanti e indietro nel tempo, nell’arco di cinquant’anni, al termine dei quali i protagonisti saranno costretti a fare i conti con un passato scomodo e a rivelare così verità tenute nascoste per anni. Il risentimento e l’insicurezza di Eitan, la presa di coscienza di Wahida, la durezza e lo stupore di David, la determinazione di Norah, la rassegnazione di Ethgar, il falso cinismo di Leah e il pregiudizio e l’odio di Eden permeano la narrazione. 

…Un diplomatico arabo scomparso più di cinquecento anni fa senza lasciare alcuna traccia…Un nonno sopravvissuto ad Auschwitz…Un attentato sull’Allenby Bridge…Un oscuro segreto di famiglia…sono solo alcuni degli eventi che si susseguono con un ritmo incalzante, che non fa percepire allo spettatore la durata di ben tre ore dello spettacolo.

La rappresentazione teatrale utilizza un linguaggio semplice, ma potente e incisivo, per far riflettere sul concetto di identità e trasmettere il messaggio che essa può essere sia motivo di unione all’interno di un popolo sia motivo di odio e di conflitto tra nazioni storicamente nemiche. 

Ma davvero, come afferma Eden, soldatessa israeliana, questa guerra non avrà mai fine?

Davvero l’odio avrà sempre la meglio sulla ragione e sul bene comune?

Da un lato Islamisti e Sinistra Radicale gridano al genocidio, intonano cori antisemiti, calpestano, strappano e danno fuoco a bandiere israeliane, accusano gratuitamente qualsiasi ebreo di omicidio e chiudono gli occhi davanti a linciaggi e minacce di morte, in nome di un fantomatico Antisionismo.

Dall’altro lato, invece, la Destra Radicale e gli ebrei estremisti giustificano qualunque azione israeliana, dall’uccisione di giornalisti e di operatori umanitari nella Striscia di Gaza al bombardamento delle basi Unifil in Libano.

Ciononostante la speranza resta quella che, prima o poi, al di là degli estremismi, israeliani e palestinesi possano finalmente trovare un accordo che garantisca la pace e il totale riconoscimento delle rispettive nazioni.

Lucca Comics and games - Pregi e difetti della fiera del fumetto più grande d'Italia

Ilaria De Feo, 2D e Maria Rosaria Cozzolino, 5B | 26 novembre 2024

Ilaria 

Lucca comics & games è una fiera internazionale dedicata ai giochi, al fumetto e in generale a qualsiasi mondo fantastico in cui tutti vorremmo vivere. Si svolge a Lucca tra la fine di ottobre e l’inizio di novembre e può essere definita la seconda fiera del fumetto più grande al mondo solo dopo al Comiket di Tokyo. Insomma, un vero orgoglio Italiano. Lucca Comics è una fiera in cui è impossibile non divertirsi, circondati da stand e cosplayers che danno alla fiera un tocco fantastico e quasi fiabesco. A Lucca Comics non solo puoi comprare fumetti che non spesso sono in circolazione, gioielli, spade e katane creati da piccole compagnie e giochi da tavolo, ma anche parlare e incontrare autori (di manga e altro) provenienti da tutto il mondo.

Ma iniziamo dall’ origine di questa iconica fiera. Lucca comics, arrivò a Lucca nel 1966 che diede la possibilità di ospitare la seconda edizione del Salone internazionale dei comics (inizialmente fiera dedicata solo ai fumetti ancora poco conosciuti negli anni ‘60), che l’anno prima era stata ospitata a Bordighera. All’inizio degli anni sessanta, diversi uomini di cultura avevano iniziato a trattare il fumetto come una vera a propria materia di studio accademico e non più come come un fenomeno di sotto cultura “popolare”, Questo interesse per i fumetti, successivamente, venne mostrato in diversi luoghi compresi i saloni del fumetto.

Ma come è nato il Salone internazionale del comics? Tutto iniziò nel 1964 quando un gruppo di appassionati di fumetti si recarono a Bordighera per l’annuale “Salone internazionale dell’umorismo” e pensò che sarebbe stata un’ottima idea organizzare una fiera simile con i fumetti. Questo gruppo di amici, riuscì a coinvolgere altri amanti dei fumetti succedendo nel loro obiettivo. 

Dopo l’esordio del 1965 a Bordighera fu così che il Salone internazionale del comics arrivò a Lucca che ospitò poi tutte le edizioni successive. Venne chiamato nel 1996 Lucca Comics e solo nel 2000 prese il nome di Lucca comic & games.

Ma, sfortunatamente, Lucca Comics non è solo rose e viole ma come in ogni altra cosa, le parti negative sono presenti.

Rosi

La più grande nota dolente della fiera consiste nel rimanere sempre ancorata ai medesimi errori che da anni la caratterizzano. Primo fra tutti il problema dei mezzi di trasporto, sempre troppo limitati e mal gestiti nonostante la fiera sia ormai la stessa da più di 20 anni e accoglie un numero sempre più alto di persone di anno in anno.

Il problema nei trasporti è collegato ad un altro fattore che da tempo immemore accompagna il Lucca Comics: l'elevato numero di partecipanti. 

Seppur i gestori affermino di aver aumentato esponenzialmente i prezzi per risolvere il problema, appena giunti alle porte di Lucca si viene accolti da nulla se non un'immensa calca di persone. Nessun controllo sull'acquisto dei biglietti e nessun controllo nemmeno per il contenuto di zaini e borse, che potrebbe essere un problema per la sicurezza. Questo fa sì che chiunque, pagante e non, possa accedere alla fiera, riducendo il biglietto ad essere un mero pass per poter accedere ad alcune aree delimitate della fiera, come stand o padiglioni. Mentre questo può aiutare chi è residente o lavoratore a Lucca, ciò non allontana, anzi invita, l'arrivo di un numero troppo alto di persone che danno vita ad una serie di problemi che vanno anche oltre la mal gestione dei trasporti. 

Uno fra tutti è il problema legato alle file per accedere ai sopracitati stand. Avendo la fortuna di aver avuto accesso all'evento in qualità di giornalista, non ho avuto molti problemi con queste, ma dietro le mie spalle vi erano file interminabili che portavano i partecipanti ad aspettare anche 2 o 3 ore per poter accedere agli stand, non consentendo a tutti di poter vedere l'interezza della fiera.

Oltre a questi, da tutti considerati i problemi più gravi che porta la fiera, vi sono anche fattori minori che comunque incidono sulla sua qualità. Uno fra tutti è la grande presenza di merce contraffatta o sovraprezzata negli stand, che rigorosamente non viene mai controllata e prende un grande spazio che potrebbe essere dedicato ad altro. 

Un altro fattore, forse più personale, è la "scarsa" qualità degli invitati alla fiera. Se si guarda al sito ufficiale e si va alla sezione degli ospiti, ciò che immediatamente ci salterà all'occhio è il fatto che il Lucca Comics continui a preferire la quantità alla qualità, invitando anche persone di poco conto. Se la si mette a paragone con le altre fiere in Italia, soprattutto negli ultimi anni e in sempre più fiere, piccole e no, si può vedere che il valore degli ospiti è aumentato considerevolmente, invitando anche celebrità importanti d'oltreoceano e non solo italiane. Possiamo vedere ad esempio Giancarlo Esposito (Breaking Bad, The Mandalorian) al ComoFun o Elijah Wood (Il signore degli anelli) al Gamics di Cesena. Per quanto Yoshitaka Amano, ospite principale della fiera, sia un'artista immenso che vanta una carriera importantissima, si tratta comunque di una figura che da anni si limita a piccoli lavori e che ormai ha poco da dire che non abbia già detto, per questo la sua presenza poteva essere sostituita o anche solo accompagnata da figure più rilevanti.

25 novembre. La distopia del “Racconto dell’ancella” come spettro del presente. 

Anna Pantusa e Sara Ferri, 4B | 25 novembre 2024

“Il racconto dell’ancella” di Margaret Atwood, è un romanzo potente e provocatorio, simbolo di resistenza contro l’oppressione di un regime totalitario che nega i diritti delle donne. 

Il romanzo è ambientato in un futuro devastato dalle radiazioni atomiche. Gli Stati Uniti sono un regime totalitario e la Repubblica di Gilead si fonda sul controllo del corpo femminile. Offred, la protagonista, come le altre donne fertili, le “Ancelle”, non ha che la funzione di procreare, per servire le famiglie degli alti ufficiali e dei Comandanti.

Un mondo certamente distopico, ma non lontano da molte delle difficili situazioni che le donne hanno dovuto affrontare e che in alcuni Paesi stanno ancora vivendo: il 6 novembre Hossein Simaei, il ministro iraniano della scienza, della ricerca e della tecnologia, ha definito “immorale” il comportamento della studente iraniana che il 2 novembre si è spogliata in pubblico davanti all'università di Teheran.

La studentessa  è stata arrestata. Gli addetti alla sicurezza dell’università consegnandola prontamente alla polizia, hanno dichiarato che la giovane donna “soffre di disturbi mentali”.

Secondo l’ong Amnesty international, “si è spogliata per protestare contro l’imposizione abusiva del velo da parte degli addetti alla sicurezza dell’università”.

In Afghanistan, invece, si assiste da tre anni alla totale negazione dei diritti delle donne da parte dei talebani. 

Tutti gli aspetti dell’esistenza di una donna sono controllati, limitati: l’istruzione, l’abbigliamento, l’accesso al sistema giudiziario e i viaggi fuori casa. L’ultimo editto prevede anche il divieto per le donne di cantare, recitare o leggere ad alta voce in pubblico. 

E’ vietato coltivare sogni e aspirazioni, mentre violenza di genere e matrimoni combinati sono pericoli quotidiani.

Secondo un report del Sole 24 Ore, sul piano della violenza di genere, l’Afghanistan ha uno dei livelli più alti di maltrattamenti in famiglia, con una media nazionale di donne del 50.8% che ha fatto esperienza di violenza da parte di partner o familiari durante la sua vita, con punte del 92% in alcune province. Mentre dal punto di vista dell’inclusione finanziaria, nel 2021 solo il 5% delle donne aveva accesso a un conto in banca personale, contro il 15% degli uomini.

Oggi, 25 novembre, vogliamo riflettere di nuovo sulla condizione femminile nel mondo. Il romanzo della Atwood ci ricorda di mantenere sempre alta l'attenzione quando si parla di diritti delle donne.

Le distopie esasperano i problemi del presente, nella speranza che le situazioni ipotizzate non si realizzino. Sono veicoli di critica sociale e politica sempre molto efficaci, volti a stimolare riflessioni profonde. 

Tragedie a Siracusa: quando l’uomo creò il destino

Aurora Vanacore, 4B | 30 maggio 2024

Nata

da un principio di improvvisazione 

crebbe 

a poco a poco. 

Tramite pietà e terrore

 porta a compimento 

la purificazione 

delle passioni.

Con queste parole il filosofo Aristotele descrive le origini dell’arte teatrale più nobile: la tragedia.

Benché siano pochissimi gli indizi che fanno chiarezza su un genere tanto fine quanto oscuro, essi sono sufficienti per riflettere la mentalità alla base della civiltà greca: le passioni sono qualcosa di negativo, una malattia epidemica poiché non rispettano il principio della mediocrità; per completare la catarsi da queste è necessario utilizzare due armi molto potenti, opposte ma gemelle, pietà e terrore.

         AIACE

Aiace è un eroe e, nonostante il crimine con cui si sporca letteralmente le mani, lo rimane fino alla fine della tragedia: vivere chiaramente o chiaramente morire. Nessuna seconda opzione, nessuna via di mezzo, nessun ripensamento. Dopo aver macchiato non solo la sua tenda e il suo corpo con il sangue di animali torturati, anche il suo onore e il suo valore non sono più gli stessi agli occhi degli Achei.

La parola che in greco indica l’uomo, ἀνήρ , include all' interno del suo significato la “virtù”: Aiace non è più un uomo, ma diventa pari ad una di quelle innocenti pecore che ha sgozzato, sfogando la sua ira propria di una belva, e non di un essere umano.

Da questo punto di vista, sembrerebbe più vicina al concetto di “ἀνήρ ” la concubina di Aiace, Tecmessa: ragionando lucidamente è preoccupata, e non potendo influenzare la mente ormai assente dell’eroe cerca di farlo ragionare con i sentimenti, con la pietà che si prova davanti ad una schiava e ad un bambino lasciati soli, nella totale disgrazia.

Ma Aiace, vedendo la sua piccola creatura, non può che vedere la sua copia: Eurisace, una vita limitata a pochi centimetri di corpo che porta già un peso enorme quanto quello di un grande scudo.
Il finale della storia, che prosegue anche dopo il suicidio del protagonista, punta i riflettori sul personaggio di Ulisse, avversario di Aiace nella contesa delle armi e suo principale nemico. Ulisse però non è una divinità: coloro che abitano il monte Olimpo sono esseri rancorosi, vendicativi e irascibili. Paradossalmente Ulisse compie un atto di hybris comportandosi più perfettamente di un dio: Ulisse perdona. 

IPPOLITO

La tragedia Ippolito non si distingue solo per la trama ma anche le differenze tra i due autori sono notevolmente marcate: Sofocle rappresenta i personaggi come dovrebbero essere, Eschilo come sono realmente.

La storia d ruota attorno ad un vasto schema di personaggi: il protagonista, che dà il nome all’opera, un giovane innocente, vergine dal male e dall’amore; Fedra, vittima innocente dei piani malvagi dell’orgogliosa Afrodite, donna pudica e retta; Teseo, padre di Ippolito, sovrano dai forti sentimenti, sia che essi siano positivi ma anche quando si tratta di ira e spirito vendicativo.

La dea dell’Amore stabilisce, guidata dall’egoismo e dalla superbia, il destino di questa famiglia: la loro fine è determinata dai vizi di un essere che ne dovrebbe essere privo, ma che invece risulta essere più imperfetto dell’essere umano.

“L’uomo di fede lo chiama provvidenza, gli attribuisce una volontà precisa, un dispiegamento di fatti che obbedisce ad un disegno.Uno per ognuno di noi.

L’uomo che non crede a niente lo chiama caso, un caotico avvenire dove a regnare è il nulla, dove vita e morte, vittoria o sconfitta, sono un po’ come gli spicchi della ruota della fortuna.

L’uomo che vive a metà lo chiama fato, non ha sufficiente fede per abbandonarsi alla religione, né altrettanto nichilismo per lasciarsi andare al caos”.

-Mencarelli Daniele, Sempre tornare, Mondadori, 2021, Milano

In entrambe le tragedie quello che colpisce davvero lo spettatore, oltre alla storia, è la maestosa scenografia: cosa c’è di più sublime di un teatro che non si limita solo ad un palco, ma che si estende anche al di fuori? Shakespeare diceva che “tutto il mondo è un palcoscenico” e qualche secolo dopo Pirandello accusava tutti di indossare una maschera.

I Greci, come spesso accade, li hanno anticipati.

Hanno capito che tutto è teatro, non solo l’edificio che viene etichettato come tale: gli alberi e il fruscio delle loro chiome, il vento e i suoi sussurri, il sole e la luna, il cielo.

Anche le altre creature della natura vogliono partecipare. 

Reclamano uno spazio all’interno del copione.

Silent Hill: Vita, morte e rinascita di un brand sfortunato

Maria Rosaria Cozzolino, 4B | 20 maggio 2024

La serie di Silent Hill, sin dal suo debutto su Playstation 1, si è sempre affermata sul mercato come una delle migliori saghe Survival Horror della storia dei videogiochi.
Grazie al loro approccio all’horror psicologico reso in modo sublime, ai mostri iconici e alla colonna sonora spettacolare, questi hanno dettato legge nell’industria videoludica.
Sfortunatamente, ciò però non è rimasto sempre tale nel corso degli anni.
Infatti, a fronte delle numerose operazioni nostalgia che stanno prendendo sempre più spazio nel mercato, la saga di Silent Hill continua a non ricevere un nuovo capitolo degno del nome che porta, subendo tanti tentativi falliti di riportare in auge il brand che non hanno fatto altro che alimentare malcontento alla comunità di giocatori.
Come se ciò non bastasse, anche i capitoli originali risultano essere difficili da recuperare legalmente.

In questa analisi scopriremo cos’è andato storto e quali sono le prospettive per il futuro di Silent Hill.

Il peso del tempo

I primi 4 capitoli della serie, come sopracitato, rappresentano a nostro avviso dei capolavori che meritano assolutamente di essere giocati anche in tempi odierni. Tuttavia questi, rigiocati oggigiorno, soffrono di un terribile problema legato puramente al loro gameplay. Spesso infatti possono risultare altamente frustranti per via del loro sistema di combattimento e dei movimento legnosi. 

Tentativi di mitigare questi problemi sono stati effettuati attraverso delle operazioni di rimasterizzazione dei primi titoli, tuttavia queste non hanno avuto la fortuna sperata.
Infatti, le uniche remastered mai state pubblicate ufficialmente sono state quelle di Silent Hill 2 e 3 nella HD Collection disponibile per PS3 e Xbox 360, che non fù accolta positivamente né dalla critica né dal pubblico. Le principali critiche mosse a questa riedizione erano indirizzate alle pessime texture, al voice acting grezzo e non fedele all’originale, e alla rimozione quasi totale della nebbia che possiede rinomatamente un grande ruolo nella resa dell’ambientazione. 

Come sostituzione alle pessime remastered, i fan della saga propongono sempre nuovi progetti atti a riproporre in chiave moderna, ma comunque fedele all’originale, i classici titoli della serie.
L’esempio più lampante è quello della Enhanced Edition di Silent Hill 2, che rielabora la versione PC del classico Konami rendendola compatibile con hardware odierni e migliorandone diversi aspetti, ad esempio la componente grafica, upscalando font e video e rendendo possibili i 60 FPS. 

Tuttavia, per giocare a questa versione modificata in modo completamente legale avremo bisogno di una copia originale del gioco. Proprio in merito a questo aspetto vi è uno dei più grandi problemi legati a Silent Hill: la reperibilità delle copie originali.

Tra abandonware e scalper

Nei miei sogni più inquieti… vedo copie vendute a prezzi giusti

Cercando nei vari store online in cui è possibile acquistare videogiochi per vecchie console, possiamo notare prezzi decisamente troppo elevati per ognuna delle installazioni della serie, fatta eccezione per i meno apprezzati dal pubblico. Questo fenomeno, che colpisce molti altri titoli appartenenti alla quinta e sesta generazione di console, è riconducibile ad una serie di fattori accumulati nel corso degli anni.
Prima fra tutti è la difficile reperibilità delle copie messe in circolazione ormai più di 20 anni fa, anche quando confrontate con quelle di altri titoli dell’epoca.
Alla scarsa reperibilità di questi si aggiunge un’altissima richiesta scaturita dalla crescente popolarità che hanno raccolto soprattutto negli ultimi anni. 

Si giunge quindi all’inevitabile problema degli scalper, fenomeno che si è diffuso specialmente negli ultimi anni con la questione della carenza delle console di ultima generazione dal 2020 al 2021, dovuta, fra le tante cause, alla presenza sempre maggiore di individui che acquistavano numerose unità di quest’ultime per rivenderle a prezzi maggiorati.
Questo problema ha colpito anche la serie dei Silent Hill, essendo che la maggior parte delle persone che vanno ad acquistare numerose copie fisiche dei giochi per venderle a prezzi maggiorati lo fanno, ovviamente, per una mera questione di lucro.

Non è certo una sorpresa, spesso le edizioni fisiche dei giochi più vecchi sono bramate puramente dai collezionisti, essendo che molti classici videoludici sono tranquillamente acquistabili digitalmente dagli store principali. Ad esempio, nel campo del PC gaming, GOG offre una vasta gamma di titoli retrò acquistabili a prezzi irrisori, mentre in ambito console, tramite il Playstation Now, è possibile giocare su console moderne numerosi dei più amati classici PS1, questo però non vale per i Silent Hill.
A netto di queste considerazioni, su GOG è possibile acquistare unicamente Silent Hill 4, mentre nel Playstation Now dei Silent Hill non vi è alcuna traccia.
Infatti, attualmente l’unico modo per recuperare il secondo e il terzo capitolo della saga su console odierne è tramite l’acquisto della collection per Xbox 360, di cui vi abbiamo parlato precedentemente e che, anch’essa come i titoli originali, è vittima degli scalper e dei prezzi elevati.  

Il futuro incerto della saga

Assieme ai problemi che gravano sui capitoli originali, la saga di Silent Hill ha anche subito diverse controversie in merito alle sue ultime installazioni. Infatti, i tentativi di riportare il brand condotti da Konami non hanno fatto che dare vita ai titoli meno apprezzati della saga, come Silent Hill: Downpour o Silent Hill: Book of Memories, usciti rispettivamente per Playstation 3 e PsVita.
Quello che invece si sarebbe potuto rivelare un titolo molto promettente, vale a dire Silent Hills (anche conosciuto con il nome della sua demo, P.T.) è stato poi cancellato per motivi legati al difficile rapporto tra Hideo Kojima, director del titolo, e Konami, che porteranno quest’ultimo all’effettivo abbandono dell’azienda.
Anche i progetti più recenti non hanno avuto fortuna, basti pensare a Silent Hill: Ascension, progetto fortemente criticato per via della sua qualità discutibile.
Tuttavia, anche i titoli che possono rivelarsi validi, come Silent Hill 2 Remake, stanno subendo lo stesso trattamento dei predecessori ma per una motivazione differente: la community.

La community dei fan di Silent Hill è rinomata per le costanti lamentele in merito ad alcuni degli elementi presenti nei giochi della saga e ai titoli in uscita, anche quando di essi si sa ancora poco o niente.
Questo infatti è stato, ed è tuttora, il caso di Silent Hill 2 Remake.
Sin dai primi trailer sono state mosse forti critiche riguardo ad ogni aspetto del titolo, dal viso del protagonista James Sunderland, considerato troppo differente da quello originale, alla decisione di affidare un remake di tale portata ad una casa di sviluppo relativamente piccola come Bloober Team, considerata dai più non all’altezza del compito.
Mentre Bloober team si impegna costantemente ad ascoltare le critiche mosse dai fan, basti pensare al recente cambio radicale del viso del protagonista, il discontento dei fan non accenna a calare. 

Questo scaturisce l’effetto contrario di quello desiderato, vale a dire una grande insicurezza che attanaglia qualunque sviluppatore che partecipi ad uno dei tentativi di revival del brand.
Come di consueto nell’industria, le minacce rivolte direttamente a chi lavora ai titoli sono comuni, anche quando chiaramente la qualità del gioco non è dovuta del tutto al loro operato, andando a creare un clima di tensione che inevitabilmente allontana qualunque studio possa essere interessato a lavorare con Konami.  

Conclusione e speranze per il futuro

Aprendo una parentesi personale da fan affezionata della serie, ripongo ancora molte speranze nell’uscita di un nuovo Silent Hill degno del suo nome, e la decisione di affidare un compito di tale importanza a Bloober Team può considerarsi un idea non del tutto sbagliata, specialmente considerato che il team polacco ha saputo farsi valere in passato con la release di titoli del calibro di Observer.

Per una saga di tale portata, un trattamento simile a quello che è stato riservato ai Resident Evil sarebbe il meglio, tuttavia negli ultimi anni la Konami ha sempre deciso di andare sul sicuro rilasciando unicamente collaborazioni e pachinko che avrebbero assicurato un guadagno facile, ma il tentativo di far rinascere il brand, seppur per ora non sia propriamente riuscito, si spera possa portare ad un effettivo ritorno in auge di quest’ultima.

Il consiglio che mi sento di dare a chiunque, indipendentemente dalla buona uscita del remake, è di recuperare i giochi originali. Delle storie così profonde e realizzate con una tale cura con poche probabilità potranno mai essere eguagliate da delle riproposizioni, ma possono comunque essere vissute ed amate, permettendo a chiunque di poter perdersi nella nebbia assieme ai nostri amati protagonisti.

Recensione Contra: Operation Galuga 

Recensione

Maria Rosaria Cozzolino, 4B | 24 aprile 2024

Contra è senza dubbio una delle serie classiche più importanti di Konami, che sfortunatamente è stata vittima di una serie di installazioni decisamente non ispirate, destinate ad infangare il buon nome della saga nonostante il discreto seguito di appassionati.

Konami tuttavia, affidandosi a Wayforward (Shantae, Ducktales Remastered…), decide di provare a prendere le redini del leggendario Run & Gun, donandoci un nuovo capitolo che promette di riportare la vecchia gloria di Contra su console di nuova generazione con una grafica ed un gameplay migliorati.

Sarà riuscito Contra: Operation Galuga a dimostrarsi un degno capitolo della storica serie?
Scopriamolo insieme!

Trama

Nel titolo Interpreteremo Bill Rizer e Lance Bean, due supersoldati della divisione Contra chiamati sulle isole di Galuga, in nuova Zelanda, dove un’organizzazione terroristica che prende il nome di Red Falcon ha occupato il territorio, minacciando di annientare l’umanità tramite l’utilizzo di armi antigravitazionali.

I dialoghi e gli eventi principali saranno narrati con una modalità simile a quella delle Visual Novel, rendendoli semplici e piacevoli da seguire.

Nella serie di Contra, la trama non è mai stata un’aspetto fondamentale e in questa nuova installazione la questione non è differente. La storia, infatti, sarà una mera cornice nel corso degli eventi, ricolma di stereotipi tipici del genere d’azione e con una caratterizzazione dei personaggi non tra le più curate.

Gameplay

Il titolo è considerabile un remake del primo capitolo della serie Contra per arcade, da cui prende i personaggi, i nemici e gli stage che vengono riproposti in chiave moderna.

Vi saranno principalmente 2 tipi di livelli: i livelli classici in cui percorreremo il livello a piedi, ed i livelli da affrontare a bordo di un veicolo.
Ognuno di questi avrà la propria ambientazione e nemici diversi, dove quest’ultimi avranno sempre dei nuovi design e dei nuovi attacchi. Grazie alla loro unicità, ogni livello riesce ad risultare ben costruito e interessante nella sua struttura, incoraggiando l’utente a rigiocarli per ottenere migliori punteggi.

Percorrendo i livelli, avremo modo di trovare anche diverse armi che potremo equipaggiare e che ci permetteranno di uccidere i nemici in modi differenti grazie alle loro nuove modalità d’attacco. Inoltre, potremo anche distruggere l’arma attualmente equipaggiata per sferrare un potente attacco ad area.

Nella sezione finale di ogni livello troveremo un temibile boss che dovremo annientare per poter concludere lo stage. Molti di questi faranno uso di moveset particolari ed elaborati, risultando complessi da sconfiggere per il giocatore, mentre altri saranno decisamente più semplici e dimenticabili.

Procedendo con la storia, avremo modo di sbloccare ulteriori personaggi giocabili in aggiunta ai due protagonisti.
Ognuno di questi avrà le proprie particolarità, che tuttavia non differiranno mai in modo lampante da quelle dagli originali, finendo per non dare una vera e propria motivazione al giocatore per sfruttarli.

Il titolo riprende in tutto e per tutto le caratteristiche delle installazioni originali di Contra, incluso l’elevato livello di difficoltà che da sempre caratterizza la serie.
Infatti, per l’intero corso del titolo, il giocatore si troverà di fronte ad un grado di sfida in contante crescita che lo metterà incessantemente alla prova.
Per quanto questa possa essere un pregio in grado di far avvicinare i vecchi fan appassionati della serie, potrebbe anche allontanare chi è intenzionato ad avvicinarsi per la prima volta al franchise.

Per aiutarci nella nostra avventura, avremo modo di accedere al negozio in-game che ci permetterà di procurarci numerosi power up da selezionare all’inizio di ogni livello.
I power up saranno acquistabili tramite una valuta in game che potremo ottenere completando i livelli, in base al tempo impiegato e al numero di nemici uccisi.

Ciò che però non permette al giocatore di apprezzare al meglio il livello di difficoltà offerto dal titolo è la mancanza di alcune Qol.
Procedendo nei livelli, arriveremo a raggiungere dei checkpoint a cui si ritornerà in caso di game over, tuttavia, non sarà possibile tornarvi dal menu di pausa, costringendoci ad optare per il suicidio del protagonista o a ricominciare l’intero il livello.

Ad estendere ulteriormente l’offerta contenutistica del gioco ci sono anche le numerose sfide sbloccabili progressivamente con il completamento dei livelli, facenti parte di una modalità distinta.

Un’ottima aggiunta introdotta nuovamente in questo capitolo è la modalità in multiplayer fino a quattro giocatori. Questa però risulta essere una grande occasione sprecata, essendo accessibile solo in locale e non online.

Comparto artistico e tecnico

Il comparto artistico di Operation Galuga non brilla particolarmente, presentando uno stile cartoon blando e poco ispirato che non si adatta nel migliore dei modi al setting.
La colonna sonora riprende a piene mani quella del gioco originale riadattandola ad uno stile più moderno, con risultati del tutto adeguati allo stile del nuovo capitolo.

Dal punto di vista tecnico, questo nuovo Contra risulta essere solidissimo e, per la sua interezza, non ha presentato errori o crash di alcun tipo. Il titolo è in grado di girare su qualsiasi tipo di macchina senza troppi problemi, anche grazie al suo stile grafico stilizzato ed essenziale.

In Conclusione...

Contra: Operation Galuga risulta essere un ottimo titolo della serie principale, riuscendone a cogliere ogni aspetto e riadattandolo al meglio per adeguarsi ad uno stile più moderno. Il titolo mantiene anche un alto livello di difficoltà proprio come nei capitoli originali, ma che potrebbe allontanare chi si approccia per la prima volta al franchise. Inoltre, alcune migliorie alla giocabilità sarebbero state decisamente doverose per offrire al giocatore un'esperienza più piacevole e curata.

Natangelo

Cenere: appunti da un lutto

Recensione

Aurora Vanacore, 4B | 06 aprile 2024

Cenere non è un "fumetto”.

E’ un diario, una raccolta di poesie, uno specchio, uno scrigno di pensieri e sentimenti: se da un lato la scrittura fa da megafono, allora dall’altro il disegno non può che fungere da enorme cassa di amplificazione.

L’autore di quest'opera è Mario Natangelo, giornalista e vignettista satirico, vincitore per due volte del Premio Internazionale di Satira Politica Forte dei Marmi: forse qualcuno ha incontrato per la prima volta il suo nome su qualche testata giornalistica, che riportava lo scandalo della famosa vignetta sulla sostituzione etnica.

In questo caso però, non è una figura politica, un papa, o una celebrità a parlare. Qui parla la Morte, presenza invadente, ingombrante, che ha brama di appropriarsi di ciò che suo non è e che senza alcun dubbio si comporta con tutti in egual modo: ella lascia una cicatrice profonda, nel cuore, nell’anima, che non potrà mai rimarginarsi, né essere ignorata.

Cenere non è tanto una sublimazione del dolore, quanto piuttosto una comunicazione purissima ed autentica della sofferenza, senza maschere, senza eufemismi, senza giri di parole: la Morte in questo viaggio non solo è un’entità dotata di parola, ma anche di volto, di aspetto, di materialità.

“ Tutti muoiono. Il 19 marzo 2023, a 62 anni compiuti da poco, è toccato a mia madre”.

Così inizia un lungo percorso che non parla solo di lutto, ma anche di ricordi, di libertà, di purezza e di umanità: la cosa che fa più male non è tanto la fine della vita in sé, quanto il dolore che la perdita di qualcuno porta.

Chissà perché quando si vuole indicare la morte con un eufemismo si associa sempre questa allo smarrimento o all’allontanamento: se n’è andato, è scomparso, si è spento.

Forse in realtà si fa proprio riferimento a quel “nulla” che Epicuro associa alla morte, una voragine, un vuoto assoluto, un’assenza totale nelle quali ricordi, legami, persone si perdono per sempre.

Con Cenere però Rita Prisco, la mamma dell’autore, riesce in qualche modo a tornare, tramite quelle semplici ma essenziali pagine che ricostruiscono pezzo per pezzo la sua persona: il suo aspetto, il suo carattere, la sua figura di madre, di moglie, di donna, di ragazzina.

“Quando una cosa ti fa paura, allora è il momento giusto di farla”: Natangelo non solo l’ha fatta, ma ha anche deciso di condividerla, per dimostrare che dietro ad ogni persona c’è una storia, anzi migliaia di storie e che sono proprio queste a costituire i pezzettini che, messi insieme, reggono in piedi una identità.

La Morte sarà anche molto potente, testarda, ma non può distruggerli, almeno non del tutto: con l’arte e con l’amore è davvero possibile sconfiggerLa, guardando la propria cicatrice indelebile e avendo il coraggio di chiamarla “bella”.

“Siediti 

e resta a guardare la primavera. 

E’ tanto bella, 

Tesoro mio, vedrai: qualcosa fiorirà”

Daniel Keyes

Fiori per Algernon

Recensione

Un’apparente storia di fantascienza dalle dinamiche esagerate attraverso l’abile penna di Daniel Keyes si trasforma in un'accurata e profonda riflessione sul percorso di presa di coscienza intrapreso da ognuno di noi: l’adolescenza. In pochi mesi il protagonista affronta una vera e propria crescita accelerata, che porta con sé l’amore, l’imbarazzo, la paura, un turbinio di novità che spingono Charlie a staccarsi dall’idealizzazione della sua vita per andare verso una visione critica, realistica e consapevole della realtà e soprattutto della sua persona. Per la prima volta, Charlie si pone dei quesiti su cosa sia effettivamente a definirlo: ciò che la gente pensa di lui? La sua nuova intelligenza? Nei ricordi, il suo vecchio io è un’ombra sfumata e inconsistente, come un burattino nelle mani degli altri. “Si potrebbe dire che Charlie Gordon non esisteva, in realtà, prima di questo esperimento” dicono i dottori. Eppure, non può essere così: la sua appartenenza al genere umano, il suo vissuto e le sue emozioni non possono essere negate né cancellate. Su questi pensieri Charlie comincia una lotta per rivendicare sé stesso e soprattutto la sua umanità, la condizione accomunante ognuno di noi che viene esplorata nel suo valore e nel suo scopo in questo romanzo travolgente e universale.

“Non sono soltanto una cosa, ma anche un modo di essere, uno dei tanti modi, e conoscere le vie che ho seguito e quelle che non ho preso mi aiuterà a capire che cosa sto diventando.”

Beatrice Salvioni

La Malnata

Recensione

Maria Sofia Vitetta, 4D | 23 marzo 2024

“Perché non può essere mia amica?” chiede un giorno Francesca a sua madre. Si vocifera che Maddalena porti sfortuna e questo, in città, nessuno sembra negarlo. Sin da bambina le viene attribuita la responsabilità delle sue disgrazie familiari come la morte del fratello Dario,  caduto dalla finestra mentre giocava con la sorella, e di quella del padre, a seguito dell'infezione della ferita avuta sul lavoro in officina. Lei è peggio di Satana, lei è una strega alla quale non ci si deve avvicinare. Con il passare degli anni si è abituata a quel vociferare e, senza che possa realmente difendersi, si corazza con l'indifferenza e la sfacciataggine, sembrando arrogante e volgare. E, così, lei non può far altro che convincersi quasi di essere macchiata realmente da quelle colpe. «“Sono io che faccio succedere le cose brutte”»

Da quella ragazzina che non ha paura di niente e che, guardandola, incute timore, Francesca imparerà cosa significa ribellarsi alle decisioni imposte dai genitori ed alle critiche mosse da una società fondata sul  pregiudizio e sul giudizio della sola apparenza. Suo padre, venditore di cappelli, diventerà una figura sempre più assente, silenziosa, concentrata sul lavoro in fabbrica ed occupata a mantenere buoni rapporti con la famiglia Colombo, una delle famiglie più in vista della zona. Sembrerà essere uno spettatore distratto e pacato, estraneo alle liti tra la moglie e la figlia, distaccato dal suo ruolo di genitore, che non crede sia necessario intervenire nemmeno se sollecitato dalla moglie. La madre si preoccuperà solamente di ciò che le  persone potrebbero pensare di sua figlia, senza chiedersi mai di quali siano i veri pericoli per Francesca. In ogni momento lascerà trapelare il proprio carattere egocentrico e vanitoso, quello di una donna concentrata su se stessa, sulle stoffe da scegliere per indossare vestiti eleganti e per mettere in risalto il taglio dei capelli alla garçonne. Spesso intenta a sfogliare riviste di moda per essere sempre aggiornata sulle tendenze del momento, curerà “il suo aspetto come un compito autoimposto”.

Durante la Seconda Guerra mondiale Maddalena si ribella al regime fascista, rifiutandosi di fare il saluto romano a scuola e prendendosi gioco del Duce davanti a tutta la classe. «“Non ce la facevo più a fingere. È tutto talmente sbagliato. Non te ne accorgi?”». Domanda a Francesca. «“Ma tu davvero ci credi? [...]”» Le chiede, inoltre, dopo averla ascoltata mentre recitava sul palco il Decalogo della piccola italiana in occasione del Gran Premio all’Autodromo di Monza. «“Le parole sono pericolose se le dici senza pensarci”».  Francesca, tuttavia, afferma che sono solo parole. Soltanto parole “Non lo sono mai”, suggerisce la Malnata. 

Il signor Tresoldi, il fruttivendolo a cui Maddalena ed altri ragazzi hanno rubato le ciliegie durante la festa di San Gerardo, il 6 giugno  1935, rivolgendosi alla ragazza, riesce a definirla meglio di chiunque altro: «“Pensavo tu fossi davvero quella che fa rompere la testa, sai? Ci credevo a quello che dicevano in giro e, devo dire, l’ho pensato sempre anche io. [...] Ma la verità è che tu nella testa della gente ci entri per non uscirne più. È questo che fai.”»

Recensione Snufkin: Melody of Moominvalley

Maria Rosaria Cozzolino, 4B | 20 Marzo 2024

Snufkin: Melody of Moominvalley è un tenero gioco d’avventura che riporta il giocatore nel mondo di Moomin, serie di romanzi e cartoni svedesi creati dalla mente di Tove Jansson.
Nel titolo impersoneremo Snufkin, altro amato personaggio della serie, tornato da poco nella valle di Moomin dal suo viaggio a sud, solo per trovare quest’ultima totalmente distrutta.

Resteremo a guardare la valle venire trasformata in un parco divertimenti o la salveremo?
Scopriamolo insieme!

Trama

Nel titolo impersoneremo Snufkin, il miglior amico di Moomintroll che, appena tornato nella valle dopo l’inverno, trova quest’ultima devastata per via dell’intervento del custode del parco. Il nostro compito sarà quello di aiutare gli abitanti della foresta, di risanarne le sezioni che hanno subito l’Intervento del custode e di trovare il caro Moomintroll.

I personaggi saranno quelli della serie originale di Moomin.
Se molti di questi saranno solo delle comparse che avranno un ruolo molto marginale all’interno della storia, altri ci accompagneranno lungo tutto il corso di tutta l’avventura.

Lungo l’intero corso del titolo avremo modo di assistere a numerose situazioni assurde e divertenti che esaltano la natura allegra del titolo e che non cesseranno mai di donare un sorriso al giocatore.
Queste metteranno in primo piano la caratterizzazione dei personaggi rendendoli molto interessanti e coloriti nelle sfaccettature.

La trama non risulterà mai essere troppo complessa, ma si rivelerà piacevole da seguire soprattutto per i fan del materiale originale. Inoltre, questa riuscirà a trattare argomenti alquanto complessi in chiave agevole e alla portata di tutti, risultando facilmente appetibile per i giocatori di tutte le età.

Gameplay

Il gameplay si dividerà meccanicamente in due sezioni principali, quelle di esplorazione e quelle stealth.
In quelle stealth, dovremo avventurarci tra i parchi togliendo i cartelli per ostacolare l’intervento del custode, questo cercando di nasconderci dietro alberi e cespugli per non farci vedere dalle guardie. In caso dovessimo venire scoperti, dovremo ricominciare l’attività a partire dall’ultimo checkpoint raggiunto.

Nelle sezioni di esplorazione, avremo modo di attraversare liberamente la mappa decidendo autonomamente quale sezione affrontare. Ognuna delle aree esplorabili possiede delle particolarità uniche, fra cui una propria fauna ed un ambiente da sfruttare per riuscire ad attraversarla.

Per poter avere accesso alcune delle aree disponibili, dovremo utilizzare gli strumenti musicali che ci permetteranno di interagire con alcuni elementi dell’ambientazione. Questi ultimi torneranno particolarmente utili anche durante le sezioni stealth, dato che potremo utilizzarli per distrarre i poliziotti e passare inosservati.
Procedendo con la trama, avremo bisogno di aumentare il livello dei nostri strumenti per poterli utilizzare con elementi che ne richiedono uno maggiore, a questo scopo dovremo esplorare la valle alla ricerca di missioni.
L’utilizzo degli strumenti musicali è una meccanica intrigante, dal momento che non sempre sarà immediato per noi capire come utilizzarli, richiedendo al giocatore di applicare una certa creatività nell’approccio agli ostacoli ambientali.

Disseminate nella mappa saranno presenti anche alcune missioni secondarie che ci porteranno ad aiutare i numerosi abitanti della valle. Completare queste missioni ci permetterà di ottenere oggetti che ci serviranno nel proseguimento della storia oppure si riveleranno essere semplici collezionabili.
Parte delle side-quests, pur essendo relativamente brevi, si riveleranno davvero squisite e meritano di essere affrontate.

D’altro canto, per quanto cerchi di introdurre enigmi sempre nuovi e ulteriori usi degli strumenti, il titolo risulterà essere fin troppo semplice ed intuitivo per tutta la sua durata, non arrivando mai a fornire una vera e propria sfida al giocatore e lasciando poco spazio anche al semplice ragionamento.
Nonostante ciò, il gioco riesce ugualmente ad essere intrattenente per le circa 3 ore che delimitano il suo intero sviluppo, anche grazie alla veloce successione di eventi che mantiene sempre coinvolto ed attento il giocatore.

Comparto artistico e tecnico

Il comparto artistico è caratterizzato da uno stile grafico grazioso che ricorda quello dei libri per bambini, abbellito da delle deliziose tinte tenui che si adattano perfettamente alle ispirazioni dirette del titolo.
La colonna sonora è caratterizzata da note dolci e sognanti che rapiscono immediatamente il giocatore e, pur non essendo troppo elaborate, capaci di catturare al meglio l’atmosfera confortevole delle ambientazioni. Inoltre, l’attenzione prestata ai rumori dell’ambiente circostante è decisamente notevole, riuscendo a trasportare efficacemente il giocatore nel mondo di gioco.

Prendendo in considerazione il comparto tecnico, il titolo risulta impeccabile, dal momento che durante l’intera durata dell’avventura non si è verificato alcun tipo di problema, fatta eccezione per qualche rarissimo bug grafico presente in alcune delle cutscene.
Infine, Snufkin: Melody of Moominvalley riesce a girare in modo fluido su qualsiasi tipo di configurazione per merito della semplicità dello stile grafico.

Conclusione

Snufkin: Melody of Moominvalley è un avventura deliziosa che saprà deliziare i fan del materiale originale. La trama piacevole da seguire e le situazioni assurde e divertenti catturano il giocatore, seppur a tratti il titolo risulti fin troppo facile ed intuitivo. Una nota di merito va data anche allo splendido comparto artistico e all'ottima soundtrack che riescono perfettamente a trasmettere le sensazioni ricercate. 

Tamino, una parabola moderna di fama e amore

Ema Voicu, 5b | 16 Marzo 2024

“The First Discipline”, è uno dei brani che hanno portato più notorietà all’artista belga di origini egiziane Tamino-Amir Moharam Fouad, conosciuto semplicemente come Tamino. La canzone arriva nel 2022 a seguito di altri grandi successi come Indigo night, Habibi e w.o.t.h che avevano già suscitato grande interesse sulla scena musicale internazionale  

Sulle note melodiche dell’incipit, l’io lirico apostrofa l’amico interrogandolo sul senso della propria arte, e su ciò che di essa ne rimane a seguito della degenerazione originatasi dall’artista, il quale, in cerca di adorazione e fama “If you did it all to make you feel desired | Did it all to make you feel admired?” ha abbandonato gradualmente ed inconsapevolmente lo scopo autentico della propria poesia, la voce narrante chiede infatti: “Do you even know you’re falling?”. 

Tamino ripropone inoltre una riflessione che oggi si afferma più che mai, egli infatti con i suoi versi “that’s quite the group that you have gathered now | Most of them they just want you somehow” ricorda come la cultura di oggi favorisca la formazione di relazioni basate su meri interessi, una cultura in cui l’altro non è visto nella sua unicità ma come strumento utile al raggiungimento della propria soddisfazione; la natura di questi rapporti diventa ancora più chiara quando protagoniste sono le celebrità, o chi come loro possiede un vantaggio che può essere economico ma anche politico o sociale. 

A questa dinamica, per quanto riguarda la figura dell’artista, si aggiunge anche la progressiva mercificazione dell’arte diffusasi nell’ultimo secolo e mezzo mista ad un divismo che ha reso sia arte che artista un prodotto di intrattenimento per le masse. Questa condizione non ha fatto che peggiorare con la nascita dei social che hanno amplificato l’esposizione mediatica dei personaggi famosi e facilitato spesso e volentieri lo sviluppo di un’ossessione e di un amore morboso da parte del pubblico nei confronti dei loro idoli come notiamo nei seguenti versi: “They would pay any price to kiss your skin | Don’t tell me that is loving”  

Non è però raro che in alcuni casi siano gli artisti stessi ad accogliere volontariamente questa idolatrizazzione della propria persona puntando agli apici del successo, un’ambizione che una volta raggiunta però può destabilizzare profondamente il soggetto allontanandolo anche dagli affetti più profondi che lo hanno sostenuto persino nei momenti più bui, per fare spazio al nuovo stile di vita dominato da sfarzo e lussuria. Proprio questo è il messaggio che Tamino vuole convogliare attraverso il suo testo ”It’s all I need to remember you | As the light you were | Even though for sure | You won’t remember me | No, you won’t remember me”

Il brano si conclude con la seguente strofa “I’m afraid that no amount of fame | Will ever wash away the shame | Of knowing not how to love your only friend |Who will love you till the end”, questi finali versi d’impatto riassumono il contenuto dell’intera canzone ponendo enfasi su 3 concetti cardine, cioè la fama a cui è strettamente collegata la vergogna dell’artista per essersi lasciato sopraffare e per non aver saputo apprezzare un amico che gli è stato vicino sin dall’inizio e che nonostante tutto ciò continuerà ad amarlo, il suo però è un amore vero, puro, non contaminato nè della morbosità dei fan né da una ricerca di tornaconto personale.

 Alla luce di quanto detto dunque il titolo “The First Discipline”  è interpretabile come il primo insegnamento che un artista intento ad intraprendere questo percorso deve apprendere; in quest’ottica l’intero brano diventa una parabola moderna che riesce, nonostante la lunghezza della canzone, a farci sentire coinvolti nel racconto che ci viene presentato. Il ritmo lento e i suoni che riprendono le origini egiziane dell'artista ci danno l'illusione di un mondo quasi arcaico, lontano e mistico mentre il messaggio del testo è estremamente moderno e profondamente legato alla cultura occidentale.

INVIVAVOCE- racconti sommersi di violenza di genere 

Maria Agnese Neri, 4b | 14 Marzo 2024

"Invivavoce - Racconti sommersi di violenza di genere" si erge al di là di una semplice performance teatrale: è un manifesto potente, un grido corale che implora di essere udito. Attraverso un susseguirsi di danze e melodie, intervallate da testimonianze commoventi di donne vittime di abusi di ogni tipo, il pubblico viene immerso nel cuore di una realtà ancora troppo  trascurata. Un vasto coro di voci si manifestava  attraverso la partecipazione di quasi cento artisti e testimoni sul palco, ognuno con le proprie performance uniche, che alla fine si fondono in un'unica potente voce collettiva, evocando una sensazione di unità e forza. "Invivavoce" offre la possibilità di esplorare la questione della violenza di genere da molteplici prospettive, riconoscendo la complessità del fenomeno. La sua multidimensionalità rispecchia l'interconnessione di vari fattori culturali, sociali ed emotivi che contribuiscono al perpetuarsi  di questa forma di violenza. Da questa consapevolezza emerge la necessità di affrontare il problema con approcci diversificati e inclusivi, al fine di comprendere appieno le sue ramificazioni e promuovere un cambiamento significativo nella nostra società. Questa rappresentazione può avvenire attraverso diverse forme di arte, che permettono di esplorare le esperienze delle vittime empatizzando con loro attraverso musica, movimento e parole.
Mentre lo spettacolo svela la crudele verità della violenza di genere, siamo costretti dall’altra parte a fronteggiare l'apatia che la circonda. Tuttavia, insieme  alla denuncia, emerge una luce di speranza: l'impegno della Gazzetta di Modena e di tutti coloro che hanno preso parte a questo evento testimonia che il cambiamento è possibile. Ogni contributo rappresenta un passo avanti nella battaglia contro la violenza sulle donne, e ogni firma sul manifesto "Mai più una Giulia" è un impegno per un futuro migliore. Il manifesto in questione ci ricorda che nel nostro piccolo possiamo fare la differenza, elencando 5 gesti che ognuno di noi può mettere in atto contro la violenza di genere: porre fine alle battute sessiste sul lavoro, cessare la tolleranza verso comportamenti violenti, credere alle testimonianze delle vittime anche quando non corrispondono allo stereotipo della "vittima perfetta", evitare di deumanizzare i colpevoli di violenza e soprattutto, non tacere di fronte alla violenza: è fondamentale segnalare ogni episodio al 1522 o, in caso di emergenza, al 112. "Invivavoce" ci ricorda che dobbiamo essere la voce di coloro che non possono parlare, e che solo unendo le forze possiamo sperare di fare la differenza.

Recensione "La società della neve"

Lucia Falzoni, 3E | 9 Marzo 2024

Il 20 Ottobre 2023 in Spagna è uscito il film “La società della neve” un adattamento del libro di Pablo Vierci che a sua volta racconta le esperienze realmente accadute dei sopravvissuti al disastro aereo del 1972.

 La pellicola è stata diretta dal regista spagnolo Juan Antonio Bayona che già precedentemente si era cimentato nelle riprese nel 2012 del film “The impossible” anche questo basato sulla storia vera di una famiglia che in Thailandia lotta per la sopravvivenza a causa di uno tsunami che travolge la città. 

La storia narra del volo dell'aeronautica militare 572 che avrebbe dovuto trasportare una squadra di rugby con i rispettivi famigliari e amici dall’Uruguay al Cile per una partita. A causa però di calcoli errati da parte dei piloti invece che atterrare in Cile l’aereo si staglia davanti alle imponenti montagne delle Ande sulle quali si schianta. A questo punto dei 45 passeggeri i 33 sopravvissuti dovranno lottare contro le temperature glaciali, la carenza di cibo e di vestiti con cui coprirsi per più di 72 giorni e di questi soltanto 16 faranno ritorno a casa. Queste situazioni porteranno i ragazzi a fare scelte difficili, tra cui decidere se sacrificare la loro umanità per sopravvivere oppure morire. 

L’intero film è guidato dalla voce narrante di uno dei protagonisti che racconta ciò che lui e i suoi compagni hanno dovuto sopportare per tre mesi rendendo le sequenze toccanti poiché lo spettatore riesce ad immedesimarsi in quelle che sono state le vicende, riuscendo quasi a vivere sulla propria pelle il progressivo abbandono alla vita, in un climax che provoca tensione ed angoscia.

 Le riprese si sono svolte tra le Ande cilene e argentine, nel luogo reale dell’accaduto, in Sierra Nevada e a Montevideo in Uruguay. La scelta del regista di svolgere una parte delle riprese anche nel luogo dove avvenne la tragedia risulta efficace per comunicare agli osservatori, le condizioni terribili nelle quali sono stati costretti a vivere i passeggeri del volo. 

Un ruolo fondamentale hanno rivestito anche le scelte di cambi di luce con lo scopo di rendere al meglio anche quelle che sono le emozioni dei protagonisti che oscillano tra la paura e lo sconforto nelle ore notturne e la speranza che invece porta il giorno. A questo si aggiunge la scenografia ben curata nei minimi dettagli grazie anche all’utilizzo di tre repliche che erano state realizzate della fusoliera. L’importanza dei dettagli si può notare anche nel trucco e nelle acconciature a opera di Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver e Montse Ribé talmente accurate essere il film candidato agli oscar per questa sezione; in modo eccelso infatti sono riusciti a rendere le ferite profonde causate dall’impatto, i volti rovinati dalla neve e dalle temperature gelide, i corpi martoriati dalla fatica, portando un senso di incredulità negli occhi di chi osserva che nota come quei mesi hanno distrutto anche fisicamente in modo irreversibile quelle persone.

Ciò che soprattutto si può sottolineare è la professionalità degli attori che con grande precisione hanno donato ai personaggi espressività che in un film come questo così ricco di emozioni, stati d’animo e scene commoventi risulta fondamentale in quanto è ancora più efficace l’immedesimazione da parte dello spettatore. La dimostrazione è il fatto che l’attore Matías Recalt abbia vinto un Goya alla 38esima edizione del festival come miglior attore esordiente, in quanto è stato capace di racchiudere nelle sue espressioni le caratteristiche di un personaggio così complesso come è quello di Roberto Canessa che nella storia svolge un ruolo fondamentale. 

Dal 3 gennaio 2024 il film è disponibile su Netflix che lo ha avuto per molto tempo tra i 10 film più apprezzati dalla community. Inoltre per la sua grande complessità legata alle scene commoventi, alla bravura di attori giovani ma che hanno colto in pieno l’importanza di ciò che stavano rappresentando, ma più di tutto legata agli importanti temi che il regista ha voluto riportare tra cui anche il cannibalismo, il film si è meritato la candidatura agli Oscar come miglior film straniero.  

Detto ciò di fronte a questo film il pensiero che scaturisce è che al loro posto ci saremmo potuti essere noi o i nostri amici e parenti e questo ancora di più ci fa apprezzare quello che abbiamo, poiché quei ragazzi non hanno perso solo amici e famigliari, ma hanno perso anche se stessi, sono morti tra quelle montagne con i loro compagni. Personalmente la visione del film mi ha molto emozionata toccando tasti nascosti e offrendo diversi spunti di riflessioni. 

Perciò mi sento di consigliarvi calorosamente questo film con il solo consiglio di lasciarvi guidare in questa storia straordinaria.

Prendetevi cura gli uni degli altri e raccontate a tutti cosa abbiamo fatto tra le montagne.

L'arte della moda rompe gli schemi: Milano Fashion Week.

Sofia Palmisano, 5B | 5 marzo 2024

La Milano Fashion Week, tenutasi da martedì 20 febbraio a lunedì 26, ha mostrato una tendenza dell’haute couture a recuperare il passato e le altre arti creative, in favore della bellezza senza tempo delle case di moda e della serenità ribelle tipica della poesia femminile, che viene ulteriormente rivalutata, inserendo la donna in vesti di musa, di artista e di eclettica.

  Philosophy di Lorenzo Serafini ha ideato una collezione, autunno inverno 24/25, profondamente legata al cinema di Alfred Hitchcock, omaggiando in particolar modo le sue icone femminili.

Il direttore creativo ha voluto raffigurare una donna intelligente e caparbia, indipendente e forte, abbracciata dalla luce del raso, ispirato al completo di Tippi Hedren, alla presentazione de Gli Uccelli a Cannes e dipinta nel cappotto a uovo di Kim Novak, bicromatico come i ‘fit di Grace Kelly.

In poche parole, l’ispirazione per Serafini è un’eleganza intellettuale, raffinata e abbottonata in una giacca strutturata e pulita.

Facendo sfilare sulla sua passerella autunno inverno 24/25 modelle dal calibro di Yasmin Wijnaldum e Imaan Hammam, Max Mara (Ian Griffiths) ha ribadito la tendenza della cosiddetta office siren, ovvero la donna ammaliante e misteriosa che veste il tipico stile minimalista newyorkese, dai tessuti pesanti e strutturati.

Ogni elemento presente in sfilata, però, era puramente ispirato alla scrittrice, sceneggiatrice e giornalista francese, Colette, icona artistica e androgina della Belle Epoque, nascosta dietro allo pseudonimo maschile di Chéri. 

Infatti, è evidente la scelta di rendere più chic i capi tipicamente maschili, come giacche da ufficiale o stringate, guidati dai colori più raffinati ed eleganti di una vasta palette, come il blu navy o il grigio fumo di Londra.

I capisaldi del passato del cinema e delle altre arti, come la letteratura o il teatro, sono quindi divenuti il focus di questa MFW, tanto che anche altri direttori creativi, come per MSGM, Marni e Prada, per le loro passerelle, hanno creato outfit in cui le varie discipline creative si uniscono sinergicamente per oltrepassare i loro stessi confini.

Recensione la zona d'interesse

Maria Rosaria Cozzolino, 4B | 2 marzo 2024

Sin dalla fine della seconda guerra mondiale e del genocidio nazista, sono sempre stati presenti in grande quantità diverse rappresentazioni artistiche che mirano ad esprimere la crudeltà degli eventi appena trascorsi. Tuttavia, vi è sempre una domanda su cui si fonda la realizzazione di queste opere, ovvero “Come si descrive un’atrocità?” Nel tentativo di rispondere a questa domanda, nel cinema sono stati adottati diversi generi, come il “semplice” documentario, il film drammatico o il film d'azione. Ciononostante, nel caso degli ultimi 2 generi, si tende a riflettere sulle modalità di narrazione, chiedendoci se sia giusto per un regista cercare di creare intrattenimento da una così devastante tragedia. 

Molte figure importanti si sono espresse in merito, e un caso da menzionare è la critica di Michael Haneke, regista di Funny Games e Amour, rivolta a Schindler’s list, il capolavoro di Steven Spielberg. Ciò che maggiormente contesta è la decisione di Spielberg di creare un momento di tensione per lo spettatore, e di conseguente intrattenimento, a partire da una delle più spietate torture mostrate nella scena della doccia. In questa, le protagoniste e lo spettatore con loro vivono con tensione la decisione dei soldati nazisti di far uscire gas o acqua dal soffione delle docce.

Partendo da questi presupposti, Jonathan Glazer, regista di Under the Skin, si cimenta in questa non semplice impresa, decidendo di mostrare allo spettatore la tragedia dello sterminio degli ebrei da un punto di vista difficile da trattare: quello della famiglia del comandante di Auschwitz Rudolf Hoss. 

Il film non segue una vera e propria trama, e decide di raccontare Auschwitz tramite piccoli spezzoni della vita della famiglia del comandante. Lungo tutta la durata della pellicola vivremo nella vita di questi personaggi, ascoltando le loro conversazioni quotidiane o vedendo come vivono tranquillamente la propria vita, senza però mai portarci ad apprezzare ciò che vediamo. Infatti, vengono diverse volte mostrate scene in cui la moglie del comandante insulta la domestica ebrea o espone delle agghiaccianti opinioni sulle loro origini.

Il film però non perde l’occasione di portarci alla realtà della tragedia che sta avvenendo alle spalle dei protagonisti, anche solo tramite l’uso del suono. In ogni scena in cui il protagonista è il silenzio, ad esempio durante la notte, non possiamo fare a meno di sentire le urla agghiaccianti provenienti dal campo di concentramento che risuonano tra le stanze della casa tanto quanto risuonano dentro di noi. Anche durante i semplici dialoghi in giardino, gli spari e le grida provenienti dalla porta accanto sono sempre in primo piano, mentre i protagonisti si limitano ad ignorarle e occasionalmente parlano di quanto sia eroico quello che succede alle loro spalle. Sono inoltre presenti numerose scene dove la musica prende completamente possesso della scena, in cui non viene mostrato nient’altro che il vuoto, scandito da una colonna sonora caratterizzata da suoni forti, disconnessi e terrificanti. 

La pellicola tiene costantemente sulle spine lo spettatore, sempre in attesa di vedere qualcosa di terrificante, ma che finisce per non essere mai mostrato. Nonostante l'idea molto interessante e innovativa di fondo, la narrazione del film non riesce a raccontare al meglio ciò che vuole esprimere, finendo per apparire stantia. 

Inoltre, lungo tutto il corso del lungometraggio verremo spesso messi di fronte a diversi interrogativi su determinate azioni compiute dai personaggi, interrogativi che non vengono mai risolti risultando fini a sé stessi, non in grado di comunicare al meglio lo spettatore il messaggio desiderato. 

La regia risulta essere molto peculiare, caratterizzata da costanti inquadrature fisse che ritraggono alla perfezione gli eventi a schermo. 

In conclusione, la particolare decisione del regista di adottare questa modalità di narrazione è molto apprezzabile, ma questa non riesce a pieno nel suo compito di trasmettere emozioni allo spettatore o semplicemente nel mantenerlo interessato, eccetto nelle forti scene caratterizzate dalla colonna sonora tanto raccapricciante quanto magistralmente eseguita. 

La Poesia chiede la parola

Maria Sofia Vitetta, 4D | 29 febbraio 2024

“Il poeta è colui che esprime la parola che tutti avevano sulle labbra e che nessuno avrebbe detta.” 

Giovanni Pascoli

Affrontare i ricordi, rielaborarli, riviverli. Lo scrivere versi può significare anche questo. Cercare le parole giuste, trovare i termini più adatti per fare in modo che rimangano sul foglio le stesse forti emozioni, positive o negative, provate vivendo una certa esperienza. Alle volte può essere protagonista di una riflessione anche solo un breve istante così come il gesto di una persona che per noi ha importanza o che è rimasta impressa per sempre nella  nostra memoria. La poesia, però, è anche l’essersi lasciati trasportare dall’immaginazione a partire dai propri sogni, dalle vicende e dalle relazioni umane che più si hanno a cuore. Tutto si somma, si sovrappone e, poi, riaffiora nella mente. 

Il fluire dei versi è una carezza sul foglio per la scorrevolezza con cui le parole si incastrano una dopo l’altra senza incertezza. Il graffio della prosa è frutto di una logica e di una grammatica più stringenti che impongono regole che la poetica non conosce o che, consapevole, spesso si diverte ad infrangere. È una grande forma di libertà, quella di non avere limiti o confini dai quali non poter debordare. “Non una cosa avverrà qui se non voglio / un batter d’occhio durerà quanto dico io, si lascerà dividere in piccole eternità” così scrive Wislawa Szymborska nella poesia “La gioia di scrivere”.

La libertà di scrivere versi, di creare nuovi luoghi in cui rifugiarsi quando si vorrebbe essere invisibili, è un modo unico per esprimersi, per scoprirsi e per dire: anche io ci sono. La passione di lasciare che l’anima guidi la propria mano senza doversi fermare, di trasformare i sentimenti in parole, valicando ogni confine tra realtà e fantasia. La tranquillità di essersi liberati dell’ombra che risucchia la luce dei nostri sentimenti più intimi e di averla intrappolata nel foglio, dove resterà per sempre, indelebile ad ogni intemperie, che provi a cancellarla. Tutto questo rappresenta la creatività della poesia stessa perché essa, insieme alla lettura è ciò che “aggiunge un filo alla tela brevissima della nostra vita (Giacomo Leopardi, Zibaldone, 1º febbraio 1829)”. 

Recensione Momodora: Moonlit Farewell - Un interessante metroidvania tutto al femminile!

Maria Rosaria Cozzolino, 4B | 20 febbraio 2024

Nel mercato Indie, spesso diversi titoli finiscono per passare in sordina a causa della scarsa pubblicità, all’uscita nello stesso periodo di altri titoli più famosi, ed altro. Tuttavia, scoprire un titolo per caso può risultare anche più appagante che seguire il flusso dell’ultimo fenomeno sulla bocca di tutti, permettendoci di provare e condividere l’esperienza di giochi completamente nuovi.

Momodora è uno di questi casi, un Metroidvania in 2D, sottogenere di videogiochi d'azione che prende il nome da due capostipiti dell'industria videoludica, Metroid e Castelvania, che si fa forza del suo stile ma anche della sua semplicità. Vestiremo i panni di Momo Reinol, una ragazza che verrà alla prese con un grande male che si aggira per le sue terre natie…

Trama

Bisogna innanzitutto precisare che Momodora: Moonlit Farewell è l’ultimo capitolo della saga di Momodora, composta da altri 5 titoli. Pertanto, è consigliabile giocare le iterazioni precedenti per avere un’esperienza completa del titolo in questione, anche se ciò non sarà indispensabile per comprenderne la trama.

Impersoneremo Momo Reinol, una sacerdotessa incaricata di contrastare l’invasione dei demoni nella nostra regione. La trama è molto semplice, ma grazie alle sue evoluzioni e ai personaggi interessanti risulterà essere molto piacevole da seguire.

Molto apprezzabile è anche la possibilità di creare un legame svolgendo varie attività con Cereza, uno dei personaggi introdotti nelle prime fasi di gioco. Inoltre, la possibilità di parlare con gli abitanti dei villaggi che visiteremo per ottenere missioni e ricompense aumenterà il nostro desiderio di esplorazione degli ambienti.

Gameplay

Momodora è un semplice metroidvania che prende tutte le caratteristiche del genere senza azzardare sperimentazioni.

Per muoverci attraverso la mappa, potremo utilizzare solamente le nostre gambe, sbloccando gradualmente sempre più abilità di movimento che renderanno il viaggio più veloce e permetteranno di raggiungere luoghi precedentemente inaccessibili. Sfortunatamente, i movimenti saranno molto lenti per tutta la durata del titolo, rendendo il backtracking e in generale il muoversi attraverso la mappa alquanto poco divertente.

La mappa è divisa in zone, ciascuna con i propri nemici unici e progressivamente più forti man a mano che proseguiremo nell’avventura. Tuttavia, non sarà immediatamente possibile visitare ogni parte della mappa, essendo che per proseguire avremo bisogno di determinate abilità che ci permetteranno di eseguire nuove azioni, ognuna di queste ottenibile dopo aver ucciso il boss dell’area.
inoltre, ogni zona sarà piena di luoghi segreti in cui poter trovare sigilli ed oggetti utili a migliorare le nostre stats.

Come precedentemente accennato, ogni zona avrà un proprio boss che ci sbarrerà l’accesso al proseguimento della trama.
I Boss saranno molto diversificati tra loro, ed ognuno di questi avrà un proprio pattern di attacchi sempre diverso da quelli precedenti, tuttavia, è necessario dire che la maggior parte di essi non offrirà mai una vera e propria sfida al giocatore, risultando particolarmente semplici da battere.

Il Combat System è reattivo e facile da apprendere, essendo molto semplice nella sue componenti ma riuscendo comunque a donarci delle battaglia decisamente interessanti dal punto di vista coreografico. Per battere il gioco, non avremo mai modo di eseguire attacchi diversi da quello base, potendo invece migliorare la forza e la destrezza di quest’ultimo tramite l’uso dei sigilli.

I Sigilli sono oggetti che avremo modo di trovare nel corso della nostra avventura e che ci aiuteranno nel proseguimento della trama. Questi ci permetteranno inoltre di ottenere bonus che torneranno decisamente utili durante le battaglie e le fasi di esplorazione. Oltre ai sigilli, vi saranno anche diversi companion che ci forniranno ulteriore supporto attaccando o fornendoci vari bonus, eccetto durante le Boss Fights.

Comparto artistico e tecnico

Momodora può vantare un delizioso stile in pixel art caratterizzato da colori tenui che risaltano la bellezza delle ambientazioni e dei personaggi, semplici quanto piacevoli da ammirare, rendendo lo stile molto caratteristico e distintivo. Un altro grande punto a favore del titolo è la soundtrack, sempre incalzante ma allo stesso tempo delicata, risultando in un costante piacere per le orecchie del giocatore.

Grazie alla semplicità dello stile grafico, Momodora: Moonlit Farewell riesce a girare in modo fluido su qualsiasi tipo di configurazione.
Inoltre, il gioco non ha presentato crash o errori di sorta durante la nostra prova.

In conclusione...

Pur nella sua semplicità, Momodora riesce a colpire il cuore del giocatore, trasportandolo in un mondo delizioso caratterizzato da una storia interessante. Nonostante il titolo possa vantare di un buon sistema di combattimento, le Boss Fights non saranno delle più ispirate, risultando spesso troppo semplici rispetto al resto del gioco. Inoltre, la lentezza iniziale dei movimenti può scoraggiare il giocatore dal fare backtracking ed esplorare ulteriormente la mappa alla ricerca di segreti.

Una parola, un anno: femminicidio  

Maria Sofia Vitetta, 4D | 1 febbraio 2024

Nel suo carcere non manca un caminetto. La camera da letto, ingombra e calda, è quasi soffocante. Alcune finestre mostrano un giardino deserto e abbandonato delimitato da tristi siepi di bosso, mentre la sala da pranzo si affaccia su una strada che divide la casa da orti, colline e dal mare marchigiano. I treni, sferragliando, fanno vibrare il pavimento sul quale verrà gettata come un oggetto immondo dal suo oppressore nei momenti d’ira e gelosia. Ogni mattina la chiave gira nella toppa in un unico verso, quello che permette di chiudere la porta della casa che è diventata una cella. Il suo carceriere la tiene segregata fino al proprio ritorno, alle sei. Lei, detenuta che non si sottrae ai divieti ed alle imposizioni, subisce ogni sopruso per non mandare in frantumi la sola e fragile tranquillità che dà sollievo alla sua solitudine, al turbamento e al dolore, la serenità del figlio che, addormentato, riposa o gioca indisturbato in angolo della casa in cui la violenza sembra non essere mai esistita. Lina, diventata uno dei tanti oggetti di proprietà del marito, ha un’unica speranza, il figlio, suo unico motivo di vita.

Ci troviamo nel 2024 ma, per alcuni aspetti, è come se fossimo fermi al 1901, quando Sibilla Aleramo inizió a scrivere il suo romanzo “Una donna” nel quale l’autrice descrive con grande realismo  la gabbia della sottomissione di cui lei stessa è stata vittima. 

Negli ultimi anni, a seguito di molti e sconcertanti fatti di cronaca, la violenza contro le donne è diventata un tema di grande attualità. Se ne sono occupati giornalisti, scrittori, presentatori televisivi ed influencer in articoli di giornale, romanzi, programmi di informazione, post e commenti sui social media. Al termine del 2023, l’Istituto dell’Enciclopedia Italiana Treccani, come molti altri dizionari, ha selezionato una “parola dell’anno”, pensando, appunto, a quello appena trascorso. Dal profondo pozzo, nel quale cercare le parole della lingua italiana, non sono emerse che sole 12 lettere, quelle che compongono la parola femminicidio, l’apice della violenza contro una donna. Questa scelta, che vuole essere motivo di riflessione e di sensibilizzazione sul tema, pone l’attenzione non solo su tutte le parole che essa comprende, come sottomissione e sopruso, ma riporta alla memoria anche l'importanza dell’emancipazione della donna, della sua  libertà di scelta ed autonomia individuale. 

“Ero più che mai persuasa che spetta alla donna di rivendicare se stessa”,  sostiene Lina pensando, forse, di essere ancora in tempo per staccarsi di dosso i fili che la costringono a recitare su quel quotidiano palcoscenico familiare e per sottrarsi alle volontà altrui con coraggio e forza di volontà.