Il Canone Vignelli

Secondo il concetto alla base di tutta la sua filosofia, il design è un’unica disciplina che si declina poi in varie forme per le quali, però, è necessario utilizzare lo stesso approccio.

Partendo da questo, Vignelli ha poi espresso una serie di principi nel suo Canone, dei suggerimenti utili per tutti coloro che lavorano nel campo del design. Eccone una sintesi:

Ho sempre detto che ci sono tre aspetti nel Design che sono importanti per me:

La semantica, la sintassi e la pragmaticità.

1 – Semantica

“La semantica, per me, è la ricerca del significato di qualsiasi cosa si debba progettare. La prima cosa che faccio ogni volta che inizio un nuovo incarico in qualsiasi forma di design, grafico, prodotto, esposizione o interno, è cercare il significato di esso. Questo può iniziare con una ricerca sulla storia del soggetto per capire meglio la natura del progetto e trovare la direzione più appropriata per lo sviluppo di un nuovo design.
A seconda del soggetto la ricerca può prendere molte direzioni. Potrebbe essere una ricerca di più informazioni sull'azienda, il prodotto, la posizione di mercato del soggetto, la concorrenza, la sua destinazione, l'utente finale, o sul vero significato dell'argomento e sulle sue radici semantiche. le sue radici semantiche. È estremamente importante per un risultato soddisfacente di qualsiasi design dedicare tempo alla ricerca dei significati precisi ed essenziali, indagare le loro complessità, conoscere le loro ambiguità, capire il contesto d'uso per definire meglio i parametri entro i quali dovremo operare. Oltre a questo è utile seguire la nostra intuizione e la nostra capacità diagnostica per incanalare la ricerca e arrivare a una definizione piuttosto consapevole del problema in questione.”.

Prima di mettersi all’opera occorre farsi delle domande e conoscere a fondo la storia e le caratteristiche dell’oggetto del nostro lavoro per comprenderne a pieno il significato e per riuscire poi a farlo emergere nella sua realizzazione.

2 – Sintassi

“Mies, il mio grande mentore, diceva: "Dio è nei dettagli". Questa è l'essenza della sintassi: la disciplina che controlla il corretto uso della grammatica nella costruzione delle frasi e l'articolazione di un linguaggio, il design. La sintassi del design è composta da molte componenti nella natura del progetto. Nel design grafico, per esempio, sono la struttura generale, la griglia, i caratteri tipografici, il testo e i titoli, le illustrazioni, ecc. La coerenza di un progetto è data dal rapporto appropriato dei vari elementi sintattici del progetto: come i caratteri si relazionano alle griglie e alle immagini da una pagina a pagina per tutto il progetto. Oppure, come i caratteri dimensioni si relazionano tra loro. O come le immagini si relazionano l'una con l'altra e come le parti si relazionano al tutto. Ci sono modi di realizzare tutto ciò che sono corretti, come ce ne sono altri che non sono corretti e dovrebbero essere evitati. La coerenza in un lavoro di design è data dal giusto abbinamento dei vari elementi sintattici del lavoro”.

Le componenti della sintassi nel graphic design sono ad esempio la struttura generale del progetto, i caratteri tipografici, i testi, i titoli e le immagini: tutti questi elementi devono essere associati in modo coerente e funzionale, affinché ogni parte contribuisca al risultato finale.

3 – Pragmatica

“Qualsiasi cosa facciamo, se non viene capita, non riesce a comunicare ed è fatica sprecata. Progettiamo cose che pensiamo siano semanticamente corrette e sintatticamente coerenti, ma se, al punto di fruizione, nessuno capisce il risultato, o il significato di tutto quello sforzo, l'intero lavoro è inutile. A volte può essere necessaria qualche spiegazione ma è meglio quando non è necessario. Qualsiasi artefatto dovrebbe stare in piedi da solo in tutta la sua chiarezza. Altrimenti, si è perso qualcosa di veramente importante. L'aspetto finale di qualsiasi cosa è il sottoprodotto della chiarezza (o mancanza di essa) durante la sua fase di progettazione. È importante capire il punto di partenza e tutti i presupposti di qualsiasi progetto per comprendere appieno il risultato finale e misurarne l'efficienza. La chiarezza dell'intento si tradurrà in chiarezza del risultato e questo è di fondamentale importanza nel design. Disegni confusi e complicati rivelano una mente altrettanto confusa e complicata.”

"Noi amiamo le complessità ma odiamo le complicazioni! "

Per il maestro, se un designer realizza qualcosa il cui senso non viene compreso, vuol dire che non ha svolto bene il suo lavoro. In sostanza, un oggetto di design deve parlare da solo, deve rispondere alle reali esigenze delle persone e deve essere “senza tempo”, ossia destinato a durare e a non perdere mai la forza del suo significato.

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4 – Disciplina

“La cura dei dettagli richiede disciplina. Non c'è spazio per la sciatteria, per la negligenza, per la procrastinazione. Ogni dettaglio è importante perché il risultato finale è la somma di tutti i dettagli coinvolti nel processo creativo, non importa cosa stiamo facendo. Non ci sono priorità quando si si tratta di qualità. La qualità c'è o non c'è, e se non c'è abbiamo perso il nostro tempo. È un impegno e uno sforzo continuo e scrupoloso del processo creativo a cui dovremmo attenerci. Questa è Disciplina e senza di essa non c'è un buon design, indipendentemente dal suo stile. La disciplina è un insieme di regole autoimposte, parametri all'interno dei quali operiamo. È una borsa di strumenti che ci permette di progettare in modo coerente dall'inizio alla fine. La disciplina è anche un atteggiamento che ci fornisce la capacità di controllare il nostro lavoro creativo in modo che abbia continuità di intento piuttosto che la frammentazione. Il design senza disciplina è anarchia, un esercizio di irresponsabilità.”

Ogni particolare è importante nel processo creativo perché contribuirà al successo del risultato finale. L’attenzione al dettaglio, dunque, è di primaria importanza per un designer: non bisogna essere approssimativi.

5 – Appropriatezza

“La nozione dell'appropriatezza è conseguente a ciò che ho esposto. Una volta che cerchiamo le radici di qualsiasi cosa dobbiamo progettare stiamo anche definendo l'area delle possibili soluzioni che sono appropriate - specifiche per quel particolare problema. In realtà, possiamo dire che l'appropriatezza è la ricerca dello specifico di qualsiasi problema dato. Definire questo ci impedisce di prendere direzioni errate, o percorsi alternativi che non portano da nessuna parte o peggio ancora, a soluzioni sbagliate.
L'appropriatezza ci indirizza verso il giusto tipo di media, il giusto tipo di materiali, il giusto tipo di dimensione, il giusto tipo di forma, il giusto tipo di colore e consistenza. L'appropriatezza suscita l'entusiastica del cliente che vede la soluzione al suo problema. L'appropriatezza trascende qualsiasi questione di stile - ci sono molti modi di risolvere un problema, molti modi di fare, ma la cosa importante è che, non importa cosa, la soluzione deve essere appropriata. Penso che dobbiamo ascoltare ciò che una cosa vuole essere, piuttosto che costringerla in un confinamento arbitrario. Tuttavia, a volte ci ci possono essere altre regole che si devono seguire per raggiungere il giusto livello di continuità. Almeno per me, questa è una questione rilevante che molto spesso determina l'aspetto del progetto da disegnato. Questa questione è uno dei principi fondamentali del nostro Canone. Durante il periodo post-moderno, il verbo "essere appropriato" ha assunto il significato di prendere in prestito qualcosa e trasformarlo mettendolo in un un contesto diverso. Potremmo dire che questo tipo di "appropriazione", quando è appropriato, può essere fatto - solo un altro modo di risolvere un problema o esprimere la creatività.”

Questo principio è un po’ la somma di quelli elencati in precedenza: se, nel processo creativo si seguono i passaggi appena elencati, si arriverà a scegliere i mezzi e i metodi più appropriati per realizzare ogni progetto.

6 – Ambiguità

“Piuttosto che la connotazione negativa di ambiguità come forma di vaghezza, ho un'interpretazione positiva dell'ambiguità, intesa come una pluralità di significati, ovvero la capacità di conferire a un oggetto o un disegno, la possibilità di essere letto in modi diversi - ognuno complementare all'altro per arricchire il soggetto e dare più profondità. Spesso usiamo questo espediente per valorizzare l'espressione del design e facciamo tesoro dei risultati finali. Tuttavia, bisogna essere cauti nel giocare con ambiguità perché se non è ben misurata può ritorcersi contro con risultati sgradevoli. La contraddizione può a volte rafforzare l'ambiguità, ma più spesso è un segno di discontinuità e di mancanza di controllo. L'ambiguità e la contraddizione possono arricchire un progetto ma possono anche affondare i risultati finali. Pertanto, si raccomanda grande cautela nell'uso di questi espedienti.”.

Le parole di Vignelli, in questo caso, si spiegano da sole: tuttavia, avverte, bisogna essere cauti e usare l’ambiguità nella giusta misura, altrimenti si rischia di ottenere l’effetto contrario a quello desiderato.

7 – Design is one

"Il design è uno solo, non sono tante discipline diverse. La disciplina del design è una e può essere applicata a molti soggetti diversi, indipendentemente dallo stile. Il design è al di sopra e al di là di qualsiasi stile. Ogni stile richiede disciplina per essere espresso. Molto spesso la gente pensa che il design sia un particolare stile. Niente di più sbagliato! Il design è una disciplina, un processo creativo con regole proprie, che controlla la coerenza del suo output verso il suo obiettivo nel modo più diretto ed espressivo.

Nel corso della mia vita ho cercato opportunità per diversificare la mia pratica di design: dal vetro al metallo, dal legno alla ceramica alla plastica, dalla stampa all'imballaggio, dai mobili agli interni, dall'abbigliamento ai costumi, dalle mostre alla scenografia e al design e altro ancora. Tutto era, ed è ancora, una sfida allettante per testare l'interazione tra intuizione e conoscenza, tra passione e curiosità, tra desiderio e successo.”

8 – Visual Power

“Diciamo sempre che ci piace che il design sia visivamente potente. Non possiamo sopportare un design debole nel concetto, nella forma, nel colore, nella texture o in uno qualsiasi di essi. Pensiamo che il buon design sia sempre un'espressione di forza creativa che porta avanti concetti chiari espressi in belle forme e colori, dove ogni elemento esprime il contenuto nel modo più forte.

Ci sono infinite possibilità per ottenere un'espressione potente. Nel design grafico, per esempio, la differenza di scala all'interno della stessa pagina può dare un impatto molto forte. I caratteri in grassetto che contrastano con quelli leggeri creano impressioni visivamente dinamiche. Abbiamo usato questo approccio con successo nel nostro design grafico.

Nel design tridimensionale, manipolare la luce attraverso diverse texture e materiali dà risultati infiniti ed efficaci. Cambiando la scala e contrastando le dimensioni si ottiene una serie impressionante di possibilità. È essenziale che un design sia intriso di forza visiva e presenza unica per raggiungere il suo scopo. La forza visiva può essere raggiunta anche utilizzando layout o materiali delicati. La forza visiva è un'espressione di eleganza intellettuale e non dovrebbe mai essere confusa con il solo impatto visivo - che, il più delle volte, è solo un'espressione di volgarità visiva e invadenza. La forza visiva è, in ogni caso, un argomento che merita grande attenzione per ottenere un design efficace”.

9 – ELEGANZA INTELLETTUALE

“Si parla spesso di eleganza intellettuale, da non confondere con l'eleganza delle maniere e dei costumi. Per me, l'eleganza intellettuale è il sublime livello di intelligenza che ha prodotto tutti i capolavori della storia dell'umanità. È l'eleganza che troviamo nelle statue greche, nei dipinti rinascimentali, nei sublimi scritti di Goethe e di molte grandi menti creative. È l'eleganza dell'architettura di qualsiasi periodo, la musica di tutti i tempi, la chiarezza della scienza attraverso le epoche. È il filo che ci guida alla migliore soluzione di qualsiasi cosa facciamo. È l'obiettivo definitivo delle nostre menti - quello al di là dei compromessi. Eleva il più umile artefatto a una posizione aulica. L'eleganza intellettuale è anche la nostra coscienza civica, la nostra responsabilità sociale, il nostro senso di decenza, il nostro modo di concepire il Design, il nostro imperativo morale. Di nuovo, non è uno stile di design, ma il significato più profondo e l'essenza del design.”

10 – DESIGN SENZA TEMPO

“Siamo assolutamente contrari a qualsiasi tendenza del design e a qualsiasi moda del design. Disprezziamo la cultura dell'obsolescenza, la cultura dello spreco, il culto dell'effimero. Detestiamo la richiesta di soluzioni temporanee, lo spreco di energie e capitali in nome della novità. Siamo per un Design che duri, che risponda ai bisogni e ai desideri delle persone. Siamo per un Design che si impegna per una società che esige valori duraturi. Una società che guadagna il beneficio delle merci e merita rispetto e integrità. Ci piace l'uso di forme e colori primari perché i loro valori formali sono senza tempo. Ci piace una tipografia che trascende la soggettività e cerca valori oggettivi, una tipografia che è fuori dal tempo - che non segue le tendenze, che riflette il suo contenuto in modo appropriato. Ci piace l'economia del design perché evita gli sprechi, rispetta gli investimenti e dura di più. Ci sforziamo per un Design che sia centrato sul messaggio piuttosto che sulla titolazione visiva. Ci piace un Design che sia chiaro, semplice e duraturo. E questo è ciò che significa senza tempo nel Design."

11 – RESPONSABILITà

“Nel design grafico la questione della responsabilità assume particolare importanza come forma di consapevolezza economica verso la soluzione più soluzione ad un dato problema. Troppo spesso vediamo opere stampate prodotte in modo sontuoso solo per soddisfare l'ego dei designer o dei clienti. È importante che una soluzione economicamente una soluzione economicamente appropriata e che prenda nella giusta considerazione tutte le sfaccettature del problema. Per quanto questo possa sembrare ovvio, è una delle questioni più trascurate sia dai progettisti che dai clienti. La responsabilità è un'altra forma di disciplina. Come designer, abbiamo tre livelli di responsabilità:
Uno - a noi stessi, l'integrità del progetto e tutti i suoi componenti.
Due - verso il cliente, per risolvere il problema in modo che sia economicamente sano ed efficiente.
Tre - al pubblico in generale, il consumatore, l'utente del progetto finale.
Su ognuno di questi livelli dovremmo essere pronti a impegnarci per raggiungere la soluzione più soluzione più appropriata, quella che risolve il problema senza compromessi a beneficio di tutti. Alla fine, un design dovrebbe stare in piedi da solo, senza scuse, spiegazioni, scuse. Dovrebbe rappresentare il compimento di un processo processo in tutta la sua bellezza. Una soluzione responsabile.”

12 – Rispetto

“Una vera Corporate Identity si basa su un progetto complessivo di sistema, non solo su un logo. Un logo diventa gradualmente parte della nostra cultura collettiva; a suo modesto modo diventa parte di tutti noi. Pensate alla Coca Cola, pensate alla Shell o, perché no, all'American Airlines. Quando un logo è stato di dominio pubblico per più di cinquant'anni diventa un classico, un punto di riferimento, un'entità rispettabile e non c'è motivo di buttarlo via e sostituirlo con un nuovo intruglio, indipendentemente da quanto bene sia stato progettato. Forse, poiché sono cresciuto in un paese dove la storia e l'architettura vernacolare facevano parte della cultura del territorio ed erano protette, ho considerato i loghi consolidati qualcosa da proteggere allo stesso modo. La nozione di equità di un logo è stata con noi fin dall'inizio dei tempi. Quando ci è stato chiesto di disegnare un nuovo logo per la FORD Motor Company, abbiamo proposto un leggero ritocco di quello vecchio che poteva essere adattato alle applicazioni contemporanee. Abbiamo fatto lo stesso per CIGA HOTELS, CINZANO, LANCIA Cars e altri. Non c'era motivo di disfarsi di loghi che avevano settant'anni di esposizione ed erano radicati nella coscienza della gente con un serie di connotazioni rispettabili. Ciò che è nuovo NON è una forma grafica ma un modo di pensare, un modo di mostrare rispetto per la storia in un contesto che di solito ha zero comprensione per questi valori".

Nel suo stesso lavoro Vignelli ha messo in pratica questo principio, limitandosi spesso a un ritocco o a un upgrade del logo esistente, come ad esempio nel caso di quello della Lancia.

Brand identity American Airlines

Conoscenza dei font

“Sono convinto che molti font vengono creati solo per scopi commerciali, per fare soldi o per creare un’identità. In realtà il numero dei font di qualità è piuttosto ristretto”. Oltre a pensare che la vastità di font creati con il computer “inquinassero” il mondo del design, Vignelli sosteneva che i giovani oggi non conoscono i principi della tipografia: per un designer, invece, è fondamentale studiare i font per poter poi scegliere il più adatto a ogni progetto. I suoi preferiti erano l’Helvetica, il Garamond e il Futura: secondo lui, una volta individuato il migliore per un determinato lavoro, bisogna usare sempre quello.

Altri suggerimenti

nella parte finale del suo Canone, Vignelli fornisce ai suoi lettori altri suggerimenti pratici per riuscire al meglio nel proprio lavoro. Eccone alcuni: giocare con le dimensioni e alternare caratteri grandi a caratteri piccoli creando anche spazi vuoti, perché “in un mondo dove tutti urlano, il silenzio diventa rilevante”; scegliere il giusto materiale per ogni prodotto, perché è anche “attraverso questa scelta che articoliamo la forma di un oggetto ed esprimiamo il suo significato”; infine, mettersi in gioco, essere curiosi e cercare sempre di arricchirsi provando a fare nuove scoperte, “trovando nuove vie per fare la stessa cosa meglio di prima”.

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