Feminismo, mujeres y arte
Las dos Fridas (1939), obra calificada en el surrealismo, es representativa del arte mexicano a nivel internacional. Museo del Arte Moderno.
Ante la iniciativa de abordar esta temática, nos hacemos eco de la diferenciación que establece Andrea Giunta en Feminismo y Arte Latinoamericano. Historias de Artistas que Emanciparon el Cuerpo que, siguiendo el texto de Griselda Pollock, divide el arte femenino en cuatro campos de identificación:
Feministas haciendo arte feminista
Artistas mujeres haciendo e indagando en un arte femenino
Aquellas que no quieren ser clasificadas como feministas o como mujeres sino simplemente como artistas
Artistas que inmersas en un mundo artístico patriarcal, producen obras que escapan a las características atribuidas al arte hecho por mujeres.
La mayoría de las mujeres del periodo que abarca los años entre 1920 a 1950, se las identifica como artistas que producen obras que escapan de las características atribuidas al arte hecho por mujeres, utilizando procedimientos vanguardistas se interrogan sobre lo latinoamericano. Solo un puñado de mujeres han logrado figurar en el arte, desafiando los prejuicios de genero tanto para formarse como para obtener reconocimiento, en otras palabras, el talento sobraba lo que faltaban eran oportunidades.
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Leonor Fanny Borges Acevedo- Norah Borges.
Nació el 4 de marzo de 1901, en el barrio porteño de Palermo, su hermano fue el reconocido escritor Jorge Luis Borges. Vivió varios años en Europa junto a su familia, en Suiza sobre todo por su padre ya que este estaba en tratamiento por ceguera. Luego se instalo en España, lugar donde tuvo la posibilidad de frecuentar varios círculos intelectuales de la vanguardia ultraísta. Pero dejo de lado la literatura y se centro en otro campo, el de las artes plásticas. Esos años que su familia vivió en Europa Norah aprovecha para capacitarse en diferentes estilos de artes, uno de ello fue la pintura y el dibujo.
“Norah Borges constituye una rara excepción dentro de la historia del arte argentino, debido a que su presencia en las décadas de auge de las vanguardias internacionales le permitió acompañar a personajes de la relevancia de Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Gabriela Mistral, y a los jóvenes poetas de renovación de España y de la Argentina, y establecer un diálogo plástico con los movimientos artísticos de esos años”
El ultraísmo; es un movimiento poético, que incorporo publicaciones de artísticas plásticas de diferentes vanguardias artísticas. La artista fue líder de un movimiento feminista durante la segunda guerra mundial, defendía sus ideales y pensamientos. Creando así un tipo de arte atravesado por el feminismo, ya que tuvo una mirada en las cualidades femeninas; "Buscó expresar la sensibilidad, el vínculo de las mujeres con el arte y esa sensación de ausencia que la mujer solía sentir ante la espera de algo que la complementara que, generalmente, se relacionaba con el amor".
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Algunas de las obras mas representativas.
Vieja quinta
Creada en 1966, la técnica utilizada fue tempera sobre papel. Su tamaño es de 52x69 cm. Es una pieza de juego geométrico, con un lejano guiño marianista, ubicado en el fondo y sosteniendo un lejano paisaje discreto. Se la encuentras en el museo de bellas artes, en Buenos Aires Argentina.
Las niñas Españolas
Obra creada en 1933, la técnica que utilizo fue tempera sobre papel. Esta pintura tiene una dimensión 47.9 × 48.3 cm. Esta obra se la puede encontrar en el museo de bellas artes, en Buenos Aires Argentina.
El marino y la sirena
Creada en 1931, temple s/papel. Su dimensión es de 38x47cm. Pertenece a una colección privada. En esta pintura se encuentra un tono derivado del simbolismo, donde el fondo es apena esbozado, la parejas se tornan geométricas.
Eugenia Crenovich
Eugenia Crenovich o mejor conocida por su seudónimo Yente, fue una ilustradora, pintora y ensayista, es una artista que participa en los principios de la abstracción en la Argentina y es así que se convierte en la primera mujer argentina perteneciente a esta corriente y considerada la maestra argentina del arte. En el año 1935 expone por primera vez dibujos figurativos, se la califica como precursora de las nuevas mentalidades. “Con esta modalidad, en 1945 comienza a hacer relieves y objetos constructivos en celotex, un material blando que le permite tallar sin dificultad. De 1957 a 1958 realiza tapices abstractos con lanas e hilos de colores combinados con pintura. A partir de 1957 se vuelca hacia el “impresionismo abstracto”, una pintura no figurativa de conformación libre, resuelta con breves pinceladas empastadas que hacen vibrar la superficie del cuadro”. Una interesante incorporación que hizo esta artista fue el collage, a sus 40 años, así introdujo acentos textuales a sus pinturas. También destaco en escultura, tapiz y libros tallados. Yente junto con su Juan de Prete se convirtieron en los percusores de arte abstracto en el país.
Amelia Peláez, pionera del modernismo en Cuba.
Fue una destacada artista cubana, reconocida de manera nacional e internacional.
Estudió en la escuela de Bellas Artes San Alejandro en la Habana, se graduó en 1924 y obtuvo una beca para estudiar en Nueva York. En 1927 viaja a Europa y se establece en París
Tiene una asimilación del cubismo y otras innovaciones modernistas, la interpretación de los colores de la arquitectura y la flora cubana son plasmados en sus obras que tienen una aparente hospitalidad y domesticidad, pero en el fondo también muestran cierto nivel de nostalgia, erotismo y fantasía que se puede vislumbrar a través de la superficie de vidrio coloreado, el trabajo de rejas y el follaje. La artista aprecia su arte como una respuesta subjetiva al mundo exterior pero sin embargo, su insinuación, el resultado de su crianza en Cuba y su natural discreción no le permitieron expandir este aspecto y produjeron la creación de una portada auto protectora de silenciosa soltería.
La luz y los colores se manifestarían en sus obras de naturaleza muerta de trazo muy marcado. Se destaca en Cuba por una renovación del lenguaje tanto en la pintura como en la cerámica, en su época muralista realizo varios tanto de manera colectiva como individual. Fue una pionera en la recuperación del barroco cubano, integra las curvas y las rectas, recurso en el que insistió en los dibujos de 1934-1936.
Para ampliar mas sobre la artista y sus obras, lxs invitamos a visitar el siguiente link
Bodegón con frutas , óleo sobre papel, 1958
Citando a Rene Portocarrero, otro gran artista cubano, Amelia "fue la primera que supo recoger nuestro color local y trasladarlo a cuadros de enorme belleza y a obras maestras en la plástica"
En las obras de Amelia, notamos que coexisten dos tipos de ornamentación, los que imitan objetos o estructuras cubanas del siglo pasado y lo que ahora ya no se encuentra oculto.
Naturaleza muerta con Pitahaya, 1942
Colección: Surgimiento del arte moderno
Estilo: Cubismo
Lugar de exhibición:
Edificio Arte cubano›Sala Surgimiento del Arte moderno
A partir de los bodegones, Amelia comienza a incorporar a sus pinturas formas tomadas de las artes decorativas y del ambiente criollo del siglo XIX.
Naturaleza muerta con Pitahaya es una de las primeras obras donde queda acentuada su impronta personal, su pintura evoca un ambiente domestico exaltado, utiliza líneas y colores que se desarraigan de toda servidumbre representativa en un impulso hacia la abstracción.
La costurera, Grafito negro sobre papel, 1935
Soporte: 56x66.5 cm
Con marco 74x 83 x 4.5 cm
Donacion: Colección Malba, Museo de Arte Lationoamericano Buenos Aires.
Observamos en esta obra la integracion de lineas curvas y rectas, se centra en las mujeres reclinadas que son figuras imponentes situadas en lo representaria el interior domestico.
La costurera se transforma en una figura noble, envuelta en paños, creándole un marco amplio. Coloca discretamente la máquina de coser en el centro, esto no implica una intrusión incoherente de la estética en su conjunto.
Para ampliar lxs invitamos a visitar los siguientes link: https://coleccion.malba.org.ar/la-costurera/
https://www.bellasartes.co.cu/obra/amelia-pelaez-del-casal-naturaleza-muerta-con-pitahaya-1942
Edificio Arte cubano›Sala Surgimiento del Arte moderno
https://www.bellasartes.co.cu/artistas/amelia-pelaez-del-casal
https://artsolido.com/2019/02/22/ornamento-y-naturaleza-muerta-en-la-pintura-de-amelia-pelaez/
Frida Khalo
Frida Kahlo fue una artista definida en el surrealismo ya que se la considera dentro de la realidad representada en el ámbito onírico. Esta artista comienza con la pintura luego de un accidente de autobús que tuvo a los 18 años de edad, el cual la condiciono a la cama mucho años de su vida, fueron los cuadros, sus autorretratos que dejaron que se exprese de acuerdo a su mundo. Es considerada unas de las principales representante del arte del siglo XX, destacó por su originalidad, el empleo de elementos simbólicos y la observancia de la estética popular mexicana, mostrando al mundo todo el dolor, las heridas físicas y emocionales que llevaba consigo. Su infancia estuvo marcada por una enfermedad llamada poliomielitis, la cual le dejo varias secuelas permanentes, por ejemplo: una de sus piernas era más delgada que la otra. Fue estudiante de la escuela nación Preparatoria de México (EPN).
Quienes pertenecían al campo del surrealismo quisieron ver a Frida como una de los suyos, pero ella no pintaba sueños, ella pintaba su realidad como su mala salud, la enfermedad de su infancia y su terrible accidente, este último fue pionero para comenzar con su arte. Además, su matrimonio con Diego Rivera marco su vida y sus obras.
Esta artista mexicana de principio del siglo XX y en un mundo de hombres, abrió camino a muchas mujeres inseguras de sí mismas y de su talento, en sus obras representaba abiertamente la sexualidad, el aborto, la maternidad o la lactancia. Pero es al día de hoy que esta artista es tomada como icono por muchas mujeres que luchas por la libertad y representando al feminismo, siendo que dicha artista no se identificaba como feminista.
https://www.culturagenial.com/es/frida-kahlo/
https://www.culturagenial.com/es/frida-kahlo/
Dos desnudos en el bosque
Esta obra fue completada en 1939, caracterizada por dos mujeres desnudas. Es una pintura al oleo, se la puede encontrar en el Palacio de Bellas Artes de México.
Recuerdo, el corazón
Esta obra es de 1937, es un autorretrato. Es una técnica en aceite en lienzo. Se la pude encontrar en la casa-museo de Frida Kahlo- México city.
https://fridakahlo.site/recuerdo-el-corazon-1937-frida-kahlo/
Unos cuantos piquetitos
Es una obra que hace referencia a un femicidio. Fue creada en 1935, se la puede ubicar en el museo Dolores Olmedo, México DF. Es una técnica sobre oleo de 48x38cm.
Dolores Candelaria Mora Vega - Lola Mora- precursora
Nació en abril de 1867 en la provincia de Tucumán (entre salta se disputan su nacimiento). Fue la tercera hija de siete hermanos, a dos años de la muerte de sus padres Lola conoce al pintor Santiago Falcucci, con el toma varias clases donde profundiza sus conocimientos de pintura y dibujo. Su técnica venia del neoclásico y el romanticismo europeo, comenzó a retractar a distintas personalidades de la alta cuna tucumana. Exhibió su colección en 1894 la cual se basaba en todos los retratos de gobernadores tucumanos, las buenas criticas la pusieron en el escenario pictórico como una artista destacada. Aprovechando ese éxito, viajo a Buenos Aires para solicitar una beca y perfeccionar sus estudios en Roma, al ganar la beca, viajo y se puso a estudiar con el pintor Francesco Paolo Michetti y con el escultor Giulio Monteverde (el nuevo Miguel Ángel), es con este ultimo que Lola abandona la pintura y se dedica a la escultura. Gano en Paris una medalla de oro por sus piezas, luego vuelva a Argentina en 1900.
De su vida privada abundan los rumores, algunos dicen que fue amante de Julio Argentino Roca (amigo de su infancia), otros dicen que la artista tenia inclinaciones bisexuales. Lo que tenemos por certeza que a sus 42 años se caso con Luis Hernández Otero (empleado del congreso nacional), el 17 años menor que ella y con quien se separaría a los cinco años.
Obras más características de la artista.
El monumento a la bandera
Fue un proyecto encargado a Lola Mora, pero sin embargo a ella no la dejaron terminar, "Es así como el 7 de Octubre de 1997 quedó inaugurada la primera parte del Pasaje, mientras que se finalizó y presentó el resto el 27 de febrero de 1999, con la incorporación de las obras de Lola Mora".
Fuente monumental de la Nereidas
Esta misma obra fue foco de polémica ya que mostraba un desnudo promiscuo por los personajes femeninos. A raíz de esto Mora expreso “No pretendo descender al terreno de la polémica; tampoco intento entrar en discusión con ese enemigo invisible y poderoso que es la maledicencia. Pero lamento profundamente que el espíritu de cierta gente, la impureza y el sensualismo hayan primado sobre el placer estético de contemplar un desnudo humano, la más maravillosa arquitectura”.
https://www.disfrutarosario.com/fuente-las-nereidas-de-lola-mora/
Casa histórica de Tucumán
Esta obra Lola es un homenaje al 9 de julio de 1816, representando el juramento de la independencia. Es este es un altorrelieve.
https://museoroca.cultura.gob.ar/noticia/9-de-julio-entre-la-historia-y-el-arte/