‘이도선’화백의 회화(繪畵)에 담긴 

                        그리스도의 공생애(公生涯)

                                                                                                                 평론 - 황 학 만

  기독교미술은 엄밀한 의미에서 중세 문맹시대에 신앙 강화를 목적으로 제작된 ‘성 화상’(icon)을 가리킨다. 그처럼 종교마다 흠숭하는 대상의 형상화도 그 나름의 ‘성 화상’이며, 같은 맥락에서 기독교미술은 타종교미술에 대한 상대적 개념으로서 교회에 종속된 예술이다.

  그럼에도 오늘날 ‘기독교미술’을 표방한 작업이나 또는 ‘현대적 성화’라는 표제로 중세미술의 맥을 잇듯 한다면 예술본연의 기능은 상실된다. 그런 점에서 ‘샤갈’의 작품을 유대교미술이라거나, 또는 “루오”의 작품을 기독교미술이라 하지 않는다.

  인간의 창조성은 그 자체로써 인간이 창조주의 형상임을 반증하듯이 인간본성에는 종교성이 내재되어 있다. 신앙의 대상이 창조주, 또는 자연 범 신이거나, 인간자신인 점이 다를 뿐이다. 그러므로 하나님을 떠난 예술은 세상으로부터 영광과 찬사가 창작자에게 돌아간다.

  그와 다르게 인간이 창조주형상이라는 인식에서 지고한 경지의 예술이 표출될 때, 그 행위와 산물은 창조주와 인간 사이를 잇는 제의와도 같다. 그런 점에서 기독예술가는 제사장적 소명자요, 그 예술은 창조주를 기뻐하고 그를 즐거워하는 행위의 산물이다.  

  그런 점에서 그간 이도선화백의 작품은, 자연과 어우러진 마을풍경에서 갈릴리마을을 연상케 하는 풍경으로 옮겨가며 예수그리스도생애의 궤적을 쫓고 있다. 4세기 동안 헬라와 로마의 치하에서 피폐해진 백성들에게 이적의 오병이어를 먹이시고, 불구자와 난치병자와 귀신에 사로잡힌 자들을 회복시키시고, 죽은 자를 살려내시며 천국이 왔음을 선포하시는 그리스도-. 끝내는 유월절 어린양이 되어 골고다로 떠나야 하는 구속주의 은총을 작가는 부단히 화폭에 담아내고 있다.

  이도선화백의 작품은 ‘죠르쥬 앙리 루오’(Georges Henri Rouault. 1871~1958)를 떠오게 한다. ‘루오’는 야수파적인 화풍으로 성경이야기에 천착한 세계적 거장으로서 그는 인간의 죄를 해결키 위해 대속의 제물이었던 그리스도의 고난에 주목했다.

  성경이야기에 천착한 또 다른 화가가 있다. ‘다나카 다다오’(田中忠雄. 1903~1995)와 ‘와타나베 소오이치’(渡辺緫一. 1949~)는 기독교인구 0.2%에 불과한 일본의 화가다. 인구대비 200배나 되는 한국기독교인의 수를 감안할 때, 기독미술가들에게 시사하는 바가 매우 크다는 사실에서 또 한사람 ‘이도선’을 주목하게 된다. 그도 성경이야기에 천착하는, 국내유일의 화가로서 독보적인 화풍을 보이고 있기 때문이다.

  ‘앙리 루오’의 작품에는, 성삼위 성자께서 사람이 되시어 종국에는 십자가에 매달렸던 참담함이 작품마다 짙게 배어있다. 그는 유럽의 전통적 가톨릭신자로서 그의 동판화집 ‘미제레레(Miserere)’에서 보이듯이 작품전반에 참회의 고통이 장엄미사곡처럼 흐르고 있다.

  그에 비해 ‘다나카 다다오’는 활달한 색채와 힘찬 필치로 성경이야기를 펼쳤고, ‘와타나베 소오이치’는 경쾌한 색채와 선으로 구성된 성경이야기를 담아냈다. 그렇듯 ‘앙리 루오’와 두 일본화가, 한국의 ‘이 도선’에 이르기 까지 그들은 성경이야기를 주제로 했다는 점과, 또 하나는 사물과 인체를 선으로 표현했다는 공통점이 있다.

  ‘앙리 루오’가 암울한 화면을 꾸미기 위해 사물이나 인물을 두터운 검정을 둘렀다면, ‘다나카 다다오’는 활달한 묘사를 위해 굵은 선을 썼고, ‘와타나베 소오이치’와 ‘이도선’은 가는 선과 그로 인해 파생된 면의 구성으로 화면을 단순화했다. 그러나 이도선화백이 그들과 다른 특징은, 직선의 교차로 분할된 면들에 이야기를 담고 있다는 경이로운 점이다.

  그렇게 갈라진 면들은 갈릴리바다가 되고, 마을이 되고, 인물이 되고, 하늘이 되어 관객에게 많은 이야기를 전해주고 있다. 그렇게 구성된 화면이 근래에는 더욱 그리스도의 사역에 맞추며 감상자를 복음서의 현장으로 소환해서 천국이 왔음을 묵상케 한다.                                            

      이도선, 시각언어로 풀어낸 언약의 로고스

                                                                                                                     안동대 명예교수 서성록

    청년시절 이도선은 ‘창작미술협회’ 공모전 금상(1988), ‘신미술협회’ 공모전 우수상(1988), ‘전국 교원미술대상전’ 우수상(1987) 등을 수상하며 총망 받는 신예로 주목을 받았다. 

  이중에서도 ‘창작미술협회’ 공모전 금상은 특기할 만하다. ‘창작미술협회’는 유경채, 황유엽 , 최영림, 홍종명 등 쟁쟁한 화가들로 구성된 단체로 어디에도 기울지 않는 청량한 스타일의 비구상화를 모색하였는데 여기서 그가 금상을 받았다는 것은 당대 최고의 작가들로부터 실력을 인정받았다는 방증에 다름 아니다.

   이후 이도선은 40여 년간 교직에 몸담으면서 정년을 맞을 때까지 창작생활을 이어갔다. 

그때의 작업은 대체로 등대, 사람, 깃발, 나무 등 유년의 기억이나 마음 속의 풍경을 길어올린 것들이며, 들판과 산을 가로지르는 길들은 누군가를 그리워하는 설렘으로 가득 찬 길이기도 했다. 멀리 보이는 하늘과 지평선, 평화스런 마을, 사선과 수직선, 그리고 다양한 각도의 선들이 서로 조화를 이루며 과거에서 현재로 이어지는 장면들을 평화롭게 형상화하였다.

     그러다가  2015년을 고비로 그의 작업은 변곡점을 맞는다. 이도선은 한전아트센터에서 정년퇴임기념전을 갖으면서 평소 마음먹었던 성경말씀을 풀어낸 회화를 선보이게 된다. 물론 그의 스타일은 과거와 크게 달라진 것이 없지만 그림의 내용은 성경의 서사를 주축으로 하고 있다. 이것은 주님의 부르심에 대한 그의 응답이었고 한동안 주님을 떠나 살던 삶에 대한 참회이자 감사의 표현이기도 했다. 물론 성경을 주제로 한 작업은 이보다 몇 년 전부터 시도되긴 했으나 이때의 작품은 여러 해의 준비기간을 거쳐 발표된 것이었다.

  이후 그의 작업은 한 방향으로 진행되었다. 작업내용을 정리하면 첫째 ‘성경속의 풍경’, 둘째 ‘믿음의 영웅들’, ‘오 예수’ 시리즈 등 세 유형으로 구분된다.

    먼저 ‘성경속의 풍경’을 테마로 한 작업은 <가버나움>,<베다니>,<책형> 등이 여기에 속한다.    그러나 지리적 풍경을 재현하는 것에 목적을 두기보다는 ‘가버나움’에서는 눈먼 자를 눈뜨게 하시는 그리스도를, ‘책형’에서는 골고다를 오르시는 그리스도, 십자가에 못 박히신 그리스도, 몰려든 군중, 십자가 앞에서 슬퍼하는 어머니 마리아, 막달라 마리아, 사도 요한을 볼 수 있고,예수님의 체포 이후 그리스도를 부인하는 베드로 등 신약의 주요 장면을 형상화하였다.

      ‘믿음의 영웅들’은 성경에 등장하는 주요 인물들의 일대기를 화폭에 담았다. 아브라함, 야곱, 모세, 엘리야, 사무엘, 다윗, 베드로, 바울 등등. ‘다윗의 삶’을 테마로 한 작품에서는 소년, 청년, 장년 등으로 점차 성장하는 다윗의 모습과 함께 골리앗과의 전투, 우리아의 아내 밧세바와의 간통, 통회하는 모습, 예루살렘으로 언약궤를 모셔오는 장면, 압살롬의 반역으로 피난길에 오른 다윗 등 작가는 두루마기 그림처럼 다윗의 파란만장한 인생을 펼쳐 보이고 있다.   그가 손꼽은 믿음의 영웅은 예수님의 제자 베드로이다. ‘베드로의 삶’은 사도의 일대기를 요약한 것과 같다. 그가 예수님을 처음 만난 갈릴리 바다를 배경으로 예수를 세 번 부인한 후 머리를 쥐어뜯으며 회개하는 모습과 그런 베드로를 손잡아주시는 예수님, 성전 미문에서 앉은뱅이를 고쳐주고 죽은 과부의 목숨을 구하는 장면, 끝까지 좁은 길을 걸으며 마침내 거꾸로 매달려 순교하는 모습 등으로 되어 있다. 핍박자에서 회심을 거쳐 복음의 전도자가 된 ‘바울의 삶’에서는 기독교인을 박해하는 장면, 다메섹도상(途上)에서 만난 예수, 제사장 아나니아에게 세례를 받는 장면, 소아시아를 돌며 선교하는 모습, 유라굴라 광풍으로 인한 난파 사건, 멜리데 섬에서 뱀에게 물림, 옥중에서의 서신작성 등이 다루어진다.

          그의 작품에서 대미를 장식하는 것은 ‘오 예수’ 연작이다. 이 연작에서는 그리스도의 공생애가 다루어지는데 병든 자와 가난한 자, 낮은 자를 품으시고 그들에게 복음을 전하신 예수님의 생애가 다루어지고 있다. 죽은 나사로를 살리신 장면, 오병이어의 사건, 야이로의 회당장의 딸, 실로암 못가의 눈먼 자의 치유, 수가성의 여인, 간음한 여인을 용서하는 장면, 향유옥합을 깨는 여인, 두 강도와 함께 계시는 예수님, 변화산의 예수님 등이 그려진다.

이중에서 우리의 눈길을 끄는 작품은 십자가에 오르시기 전날 제자들과 함께 유월절을 보내시는 것을 주제로 한 <마지막 만찬>이다. 이 그림에서는 두 가지 특징이 포착된다. 이 주제를 다룬 역대 명화의 도상들이 식탁을 직사각형 또는 원형으로 표현하고 있는데 비해 작가는 마름모꼴을 택해 이날에 있었던 일을 숨 가쁘게 표현하였다. 두 번째는 열두제자를 한 예수님을 중심으로 한 공동체로 실어냈다는 점이다. 제자들은 수직과 사선, 수평선을 이용해 마치 조각을 맞추듯이 모자이크식으로 표상했는데 이들의 관계가 예수님을 구심점으로 긴밀히 결속되어 있었음을 말해준다. 이 주제가 오래전부터 역대화가들에 의해 애용되어온 것인만큼 작가는 새로운 시각을 부여하고자 했고 우리가 보아온 도상과는 다른, 그만의 표현공간이 창의적으로 보인다.

     또 한가지 특징은 인물표현이다. 이 그림은 등장인물을 사실적으로 재현하고 있지 않다. 등장인물은 공통적으로 수염이 나고 눈을 가늘게 처리하여 기도를 하고 있는 듯한 모습이다. 이는 등장인물을 영성을 지닌 인물로 나타내고자 하는 작가의 의도를 반영하고 있다.

전체적으로 그의 작업은 신구약을 포함하여 성경의 서사들로 구성되어 있으며 성경의 이야기를 풀어내고 있다. 특히 ‘믿음의 영웅들’, ‘오 예수’ 시리즈를 보면 사경회(査經會)를 갖듯이 성경의 스토리를 충실하게 전개한다.

   시각언어는 일반 언어와는 다른 언어체계를 갖고 있다. 일반 언어가 구체적이고 정확성을 띤다면 시각언어는 상징적이고 개연성이 높다. 그러니까 정해진 사실만 전달하는 것이 아니라 상상과 연상작용을 통해 더 넓은 세계로 보는 사람을 안내한다. 그가 구사하는 색언어를 보면 붉은 색은 사랑, 축복, 생명을, 연두는 성도들의 믿음을, 노랑은 하나님의 은혜를, 보라는 주님의 존귀와 영광을 각각 의미한다. 풍부한 색이 지닌 함의, 정리된 이미지, 그리고 짜임새 있는 구성을 통해 작가는 그가 묵상한 말씀의 세계를 화면에 펼쳐보이고 있는 것이다.

    목회자이기도 한 이도선 목사가 이 주제의 작품을 하게 된 계기는 개인적으로 신앙의 회복에서 출발하였지만 성경의 내용들을 주위 사람들에게 공감각적으로 전달할 필요성을 느꼈기 때문이다. 그의 회화를 보면서 우리는 주님이 하신 일들이 얼마나 큰 지, 그 분이 베푸신 은혜가 얼마나 깊은지 새삼 돌아보게 된다. 무엇보다 창조에서 구속, 새 창조까지 하나님이 구상하신 장엄한 이야기에 참여할 기회를 갖는 것 자체가 참으로 행복하고 감사한 일이다.

이도선의 삶과 그림

                                                                                                         시인 김 홍 균

   1. 들어가기

      화가를 꿈꾸는 사람은 누구나 어렸을 적부터 마음에 드는 그림을 대하면 가슴이 뛰었던       기억 하나쯤은 간직하고 있을 것이다.

  예술은 싫어도 참고 노력하여 성적을 올릴 수 있는 공부와 다르다. 마음속 깊은 곳에서 스스   로도 주체할 수 없이 그리고자 하는 욕구가 분출되는 사람만이 화가의 길을 선택한다.

  그러한 욕구를 가지고 있는 사람이라고 해서 모두 화가가 되는 것도 물론 아니다. 얼마나 많   은 사람들이 생업을 이유로 화가에의 간절한 꿈을 가슴속에 묻어둔 채 살고 있을까?

  화가 이도선은 교사의 길을 걸으며 화가의 꿈을 실현한 사람이다.

  생업에 종사하면서 취미 삼아 그림을 그리는 사람은 많다. 교사들도 마찬가지다. 그림을 그    린다면 화가라고 불러도 무방하다. 그러나 냉정하게 말해서 그런 사람들 중에 진정한 화가라   고 불리울 만한 사람은 또 얼마나 될까?

    이도선은 교사이면서도 “화가”라고 불려도 전혀 이상하지 않을 만큼 많은 작품활동을 해왔   고 지금도 하고 있다. 당연히 “화가”라고 불릴 만큼 작품의 수준도 높다. 이러한 평가를 받을   만큼 치열한 삶을 살아왔다.

    화가를 꿈꾸었기에 상대적으로 교사의 역할에는 소홀했을까?

  그는 서울교육대학교부설초등학교에서 5년을 근무했다. 한 과목의 이론과 수업에 권위 있는   교사들이 서울의 모든 교사들 중에서 선발되어 근무하는 곳이 그 학교이다. 군대를 뺨칠 정    도로 엄격한 규율과 연구교사로서의 노력을 요구하는 학교이다.

  또한 그는 서울미술교과연구회에서 수십 년간 중추적 역할을 해왔다.

  미술교육의 발전에 뜻을 둔 서울 교사들의 모임인 서울초등미술교과연구회는 교사들을 상     대로 미술 수업에 대한 연수를 주로 하며 아동들의 그림전을 추진하기도 한다.

  이 연구회의 회원으로 회장으로 그리고 고문으로 그는 항상 연구회의 중심에 있었다.

  그러면서 화가를 꿈꾸며 그림을 그렸다.

  그런 그의 삶과 예술 세계를 알아보는 것은 뜻 있는 일이다.

    2. 구상의 시기 - 화가를 꿈꾸며 

    화가라는 이름은 자격증에 의해 얻어지는 것은 아니다. 그림의 질이 학력에 좌우되는 것도   아니다. 그럼에도 미술대학이 있어 화가 지망생들은 이곳에서 자신이 걷고자 하는 화가의      길을 모색한다. 물론 미대를 졸업한다고 해서 모두 화가의 길을 걷는 것도 아니다.

  그렇지만, 미대를 나온다고 해서 화가라는 자격증을 주는 것도 아니지만 또한 미대를 졸업     한  사람의 그림을 무조건 더 높게 평가해 주는 것도 아니지만 화가의 꿈을 지니고도 미대에   진학하지 못한 사람들의 가슴 한구석엔 어쩔 수 없는 아쉬움이 한처럼 자리 잡고 있다. 그       아쉬움을 메우기 위해 여가를 활용하여 그림을 그리는 사람들도 많다.

  그런데 단순한 여가 활용이 아닌 진정한 화가를 꿈꾼다면, 그때는 마찬가지로 단순한 노력     을  넘어선 치열한 삶의 자세가 요구된다. 생업을 위한 근무 시간 외의 모든 시간을 쏟아 부     어도 진정한 화가라는 이름을 얻기란 결코 쉽지가 않다.

  이도선의 초기 그림은 어쩌면 대부분의 화가 지망생들이 그러하듯 구상 계열이었다.

  인물을 대상으로 사실적인 그림으로 출발한다.

  지금 보아도 그의 초기 인물을 대상으로 한 그림들은 별로 흠잡을 데가 없어 보인다. 

  이 말은 사실은 별로 독특하지 않고 평범하다는 말의 다른 표현일 수도 있다.

  이렇게 그의 그림을 평가하는 것은 그가 초기에 그린 사실적 그림으로 여러 번 공모전에 

  응모했으나 낙방했다는 말을 들었기 때문인지도 모른다.

  나는 공모전에 입상한 작품이나 낙방한 작품들의 질적 차이를 잘 느끼지 못한다. 

  다만 나의 취향에 맞는 그림을 골라 볼 뿐이다. 그래서 이도선의 초기 사실적인 그림들은 

  입선이나 낙방의 어느 쪽에 있다 해도 별로 이상할 것 없다는 생각을 해본다.

  다만 내 취향에는 맞는 그림이다.

    그렸다 지웠다 를 반복하다가 우연히 얻어진 실루엣에 간단한 가필로 얻어졌다는 

  작품 <여인초상>에는 아름답고 온화한 분위기 뒤에 진한 고뇌의 흔적도 함께 묻어있다.

  작품 <가족>에는 사랑이 가득하다. 부모의 품에 안긴 아이들의 모습이 얼마나 행복했으면       부인의 요청에 따라 자신의 거실에 걸어놓았을까?

  작품 <나락>은 제목처럼 추락하는 인간의 모습을 사실적으로 그려 놓았다.

  이 작품도 공모전에서 낙방했을 것인데 제목 때문일까 하는 엉뚱한 생각도 해본다.

  하기야 사실적 구상 계열의 그림이 공모전에 입상했더라면 오늘의 화가 이도선은 전혀 다른    그림을 그리고 있을지도 모르겠다.

   3. 초기 비구상 – 자신만의 세계를 찾아서

     “가장 개인적인 것이 가장 창조적인 것이다.”

  영화 <기생충>으로 오스카감독상을 수상한 봉준호 감독이 인용한 말이다.

    “당신 자신을 그대로 드러낸다면 그게 바로 독창성이다. 왜냐하면 당신과 똑같은 사람은 

     없으니까.” 디자이너 마크 뉴슨(Marc Newson)의 말이다.

  어쩌면 이미 진부한 말들이다. 모든 예술가들은 자신만의 독창적인 세계를 창조하고자 

  자신의 모든 것을 건다. 독창적이지 못한 사람은 예술가가 아니라고 해도 틀린 말이 아닐 것    이다.  이도선 역시 예외가 아니다. 그는 사실적 그림이 공모전에 낙방한 것에 대해 실망도      했겠지만 한편으로 다른 사람들과 구분되지 않는 자신의 표현 방법 때문이라는 인식을 했을    것이다.  그런 인식을 바탕으로 그는 표현 방법을 완전히 바꾸어버린다.

    구상에서 비구상으로.

  비구상의 영역에는 나만의 세계가 있을 것인가?

  캔버스에 한지를 덧대어 붙이고 거기에 유화 물감으로 채색을 시도한 것 또한 자신만의 표현   방법을 찾아내려는 몸부림 이었으리라.

     그리고 그토록 치열했던 그의 노력에 대한 응답은 운명처럼 찾아온다.

  비구상 계열의 창작미술협회 공모전에서 작품 <도시 풍경>으로 금상을 거머쥔 것이다.

  어느 예술 세계든 또는 현실의 어떤 분야든 마찬가지겠지만 미술계 역시 각종 공모전에서 

  인맥이 작용하기도 한다. 이것은 순전히 나의 주관적인 생각이다. 세상이 그렇지 않다면 

  이 말에 대해 나를 비난해도 좋다.

  응모작의 수준이 차이가 남에도 자신과 인연 있는 사람들의 작품을 우선 뽑아준다면 이는 

  비열한 행위이다. 그러나 응모작들의 수준이 정말로 비슷비슷하다면 어찌할 것인가? 

  어느 심사위원인들 자신의 제자들 쪽으로 손이 굽지 않겠으며 그것을 비난만 할 수 있겠는     가?  그 공모전에서 아웃사이더(?)로 참가한 이도선이  “금상”을 수상한 것은 그의 말마따나    행운일 수도 있다. 그러나 아무런 연고도 없는 공모전에 응모한 그의 작품이 그런 평가를 받   는 것을 어찌 행운으로만 치부할 노릇인가? 더구나 그의 작품은 주최 측에서 제시한 응모 

  작품의 규격에도 벗어나 있어 설령 낙방이 된다 한들 아무런 이의도 제기할 수도 없던 상황    이었다고 한다. 긴 설명이 필요하지 않다. 그는 이 작품으로 화가로서의 실력을 인정받았

  으며 오랜 노력 끝에 자신이 걸어가야 할 길을 찾은 것이다. 

  비로소 자신만의 세계를 찾은 것이다.

     그렇게 시작된 그의 비구상 초기 작품들은 화면을 다양한 사각형으로 구분하여 갈색 톤으    로 채워 넣는 그림이 대부분이다.

  그 사각형들은 단조롭다고도 할 수 있겠고 중후하다고도 할 수 있을 그런 느낌으로 다가온     다. 그리고 그 그림들을 좀 더 자세히 뜯어보면 세세하게 덧칠한 붓자국들이 독특한 

  마티에르를 만들어내고 있는 것을 발견할 수 있다. 온 화면을 덮고 있는 촘촘한 그 붓자국들    은 화가 이도선이 쏟아 부은 시간과 땀으로 만들어진 것들이다.

   4. 마음속의 풍경 – 가슴을 적시는 유년의 기억들

     세월이 흐르면서 화가 이도선의 캔버스에는 잘게 쪼개지는 아기자기한 면들이 나타난다.

  비슷한 크기로 조금은 단조롭게 분할되던 화면이 커다랗게 구분되고 그 사이사이에 올망

  졸망 모여 있는 작은 면들은 작가의 가슴속에 언제나 파릇하게 남아 있는 추억들 - 이름하여    <마음속의 풍경> 시리즈는 그가 유년시절을 보낸 뚝방촌의 이야기란다. 그 시절 작고도 

  가슴 따뜻한 이야기들이 작은 면의 모습으로 고개를 내밀고 있는 것일까?

  굳이 뚝방촌이란 배경 설명을 듣지 않더라도 그 그림들은 보기만 해도 정겹다. 

  전기의 작품들에 비해 밝아진 색체는 더욱 따뜻한 느낌으로 가슴을 적신다.

  그가 <마음속의 풍경> 시리즈를 제작한 것은 이른바 “지식정보화 시대”하고 불리던 바야흐    로 컴퓨터가 세상을 지배하기 시작하는 그런 시기였다.

  농경사회에 태어난 그와 우리들의 유년은 기계문명에 매몰되어가는 이 시대에 메마른 삶을    촉촉이 축여주는 생명수와 같은 기억으로 다가오곤 한다.

  그 기억을 담은 그림 - 마음속의 풍경들을 뚝방촌에 한정시키는 것이 오히려 오류일 것이다.    이 살벌한 문명 이전에 사람끼리 부대끼며 세상을 살았던 사람들은 설령 미술을 잘 알지 못    할지라도 이 작품들에서 그 시절의 따스했던 인정들을 충분히 느껴볼 수 있을 것이다.

  그렇게 문명이 발전하면서 잃어버린 것들 - 기계 냄새에 묻혀버린 사람 냄새를 이 시리즈

  에서 나는 발견하곤 한다.

     “이거 구상 아니야?”

  여느 때처럼 그의 개인전을 관람하던 내가 물었다.

  시리즈 <마음속의 풍경>이 반복되던 어느 시점이었을까? 지금까지의 색채와 면 분할과는      아주 많이 다른 작품이 걸려 있었다.

  마치 드론에서 촬영한 듯 한 들판의 풍경 같았다. 넓은 초록빛 들녘을 길로 분할한 그 그림들   은 보는 사람에 따라 추상으로도 혹은 구상으로도 보일 법 했다.

    “글쎄. 한 번 시도해 봤는데 그림이 되네.”

  씩 웃으며 대답한다.  하기는 작품을 놓고 구상인지 비구상인지 굳이 따지는 것이 얼마나 부질없는 일인가? 이제 그는 또 다른 변화를 모색하는 것일까?

    5. 신앙의 빛 – 믿음의 길 위에서

     이도선 목사.

   퇴직 후 어느 날 그가 목회자의 길을 걷는다는 말을 들었을 때 조금은 뜻밖이라는 생각이 

  들었다. 수십 년 지기라고 여겼건만 그토록 독실한 신앙인이라는 사실은 미처 몰랐었다.

  일반적으로 목회자가 되면 개척교회를 운영하거나 부목사로서 교회 일을 맡기 마련인데 

  목회자로서 이도선은 그림을 통해 하나님을 섬기겠다고 했다. 

  자신에게 주어진 달란트를 하나님을 위해 사용하겠다는 말이다.

  어디 이도선 목사 뿐이랴. 많은 목사들이 자신의 달란트 대로 대학 강단에서, 정치적인 무대   에서 혹은 언론사에서 활동하며 하나님의 사랑을 전하는 것을 생각하면 그림으로 하나님의    말씀을 전하겠다는 그의 생각 또한 특별하게 생각되지는 않는다. 

  김인중 신부님 또한 추상화가로서 멋진 작품으로 하나님의 사랑을 전하고 있지 않은가?

    화가 이도선으로서, 목사 이도선으로서 자신의 종교에 대한 믿음을 담은 훌륭한 그림을 

  계속 제작하여 그의 인생 후반을 값있게 장식하기를 바라며 또한 믿는다.

     요즘 작업하는 그의 그림을 보면 그림의 모습이 확 바뀌었다.

  색채는 <마음속의 풍경>에 비하면 화려하다 할 만큼 다채로워졌다. 

  붉은 색조가 많이 눈에 띄는데 어쩐지 예수의 성의가 연상되는 것은 선입견일까?

  면 분할 속에 사람의 모습이 역력하다. 누군가 추상 속의 구상이라고 말했는데 맞는 말이지    만 앞서 언급했다시피 그러한 구분은 별 의미가 없다고 본다.

   작품 <마음속의 풍경>이 유년시절의 추억들을 이미지화 했다면 

  신앙인 이도선이 작금에 그리고 있는 작품들은 성경속에 나오는 하나의 사실들에 초점을

  맞추어 표현하고 있다. 구체적 사실에 초점을 맞추었다면 등장인물들이 표현되는 것은 당연   한 일이다.

    신앙심이 발현된 것일까? 그의 그림을 보면 빛이 나는 것 같다. 

  밝은 빛이 작품을 비추고 있는지 아니면 그림이 빛을 내뿜고 있는 것인지… 

  이런 작품들에 대한 예술적 분석이나 평가는 어떻게 해야 할지 잘 모르겠으나 

  그는 이 신앙적 작업에 의해서 이미 하나님의 은총을 받은 듯하다.

     6. 나가기

     한 사람의 예술 세계를 놓고 왈가왈부한다는 것은 그 사람의 예술 세계가 그만큼 조명을

   받고 있다는 반증이기도 하다. 누구나 한 예술가의 작품을 평가할 수 있으며 각각의 평가는    다를 수 있으되 틀린 것은 없을 것이다.

    교사로서 40년을 살고 남은 생을 목회자로서 살아가면서 자신만의 예술 세계를 구축해온    이도선의 삶과 작품을 옆에서 수십 년을 지켜 본 한 사람으로서 나름대로의 평을 적어보았다. 

    치열한 그의 삶에 경의를 표하며 수준 높은 그의 예술에 박수를 보낸다. 

  그가 믿는 주님의 은총이 그의 생에 가득하기를 기원한다.

                                                                                                          2022. 

      추상속의 구상- 이도선 작가의 작품을 보고

                                                                                                    시인 최 신 영

  이도선 작가와는 오래전에 같은 직장에서 근무하며 교육에 대한 열정을 함께 했었다. 학교교육현장에서 늘 거시적인 안목으로 계획을 하고 다 함께 동참하도록 이끌어 주신 분이다. 평소 유연한 모습과는 달리 계획을 실행 할 때는 망설임이 없이 추진해 나가셨다. 교사들이 즐겁게 목표를 알고 일할 수 있도록 이해해주시고, 문제가 있는지 늘 귀를 기울이셨다. 가족과 같은 분위기에서 근무했던 행복한 때였다.

작가는 초등학교 때부터 가졌던 화가의 꿈을 이루기 위해 1979년부터 화가의 길을 묵묵히 걸어왔다고 한다. 학교에서 방학이 되면 작업에 몰두하며 다양한 공모전에 참여하였고, 작가의 길을 걷기 시작한지 7년이나 방황하다가, 1986년에 창작미술협회 공모전에 처음 입선하면서 본격적인 화가의 꿈을 향한 발걸음을 내 딛었다고 한다. 그동안 다양한 그룹전과 개인전에 200여 차례 참여하며, 화가의 길고 긴 여정을 걸어 온 것이 이제 사십 년이 넘어간다. 그 긴 세월 동안, 힘든 기색 없이 늘 밝은 웃음으로 직장과 작가의 활동을 동시에 하면서 모태신앙의 결정체인 목회자의 길까지 다져왔다고 하니 작가의 열정과 그 여정이 놀랍기만 하다.

나는 그림에 대해 잘 모른다. 그림을 보고 또 보며 작가의 표현 의도를 알아내려고 애쓸 뿐이다. 작가의 홈페이지에서 연도별로 정리된 작품을 보니 초기에는 구상과 비구상을 다 해보면서 자신의 표현법을 찾아가는 듯했다. 시간이 흐르면서 비구상쪽으로 이동해간 작품이 점점 많아졌다. 유기적인 비정형적인 추상작품들이었다. 작품들은 또 다른 표현으로 변하여갔다. 직선과 개성있는 색채를 표현하는 추상적인 작품으로 변하여 바뀌어 갔다. 끊임없이 자신을 채찍질하며 변화를 추구한 결과인 것이다.

2,000년대에 그린 ‘마음속의 풍경’ 시리즈는 지금 내가 살고 있는 양평 시골의 모습을 그린 듯 편안하다. 자연 속에서 느끼는 감동을 그대로 보여 준다. 다양한 녹색들이 자신의 존재를 조용히 말하는 산과 들, 길, 나무들을 대신한다. 추상화가 어렵다고 하지만 작가의 그림은 이해의 여지를 남겨두어 고맙다. 거실에 걸어놓고 오래도록 보고 싶은 그림이다.

은퇴한 후 어느 교회에서 목회 일을 한다는 소문을 듣고 나는 ‘역시’ 하면서 당연하게 느껴졌다. 왜 당연하게 느껴졌을까? 늘 배려하고 인자한 모습을 봐왔기에 그렇다. 또한 편안한 목소리와 말투로 말씀하시는 모습이 상상되었기 때문이다.

그것으로 끝난 게 아니었다. 어느 날 전시회를 하신다고 해서 가서 본 작품을 보고 알 수 있었다. ‘마음속의 풍경’ 시리즈에서 어떤 주제로 넘어갈지 궁금했던 게 다 풀렸다. 발표하시는 작품 속에 신앙을 꾹꾹 다져 넣고 있었다. 한 땀 한 땀 바느질하듯이 붓질을 하며 예수의 발걸음을 그려 넣었다. 예수를 따르는 제자들의 발걸음과 마을과 바다가 살아 있었다.

최근의 작품들을 본다. 작가의 글도 읽어 보며 예전에 읽었던 성경 장면을 생각하면서 그림을 본다. 성경을 모르면 어떤가. 그림은 그 자체로 내게 다가온다. 단색으로 그리는 화가도 있지만 몇 가지의 다양한 색상이 만나서 넓은 공간을 차지하는 그림도 있다. 어떤 색상으로 했느냐, 어떤 색상을 많이 썼느냐에 따라 느낌이 달라지니까. 색들이 만나서 온몸으로 달려오는 느낌이 좋으면 내게는 좋은 그림이 된다. 그런 의미에서 이도선 작가의 그림은 편안하고 명상에 잠기게 하는 좋은 그림으로 내게 다가왔다. 구약성경에 나오는 아브라함, 이삭, 야곱, 요셉의 삶에서 만나는 메시지를 담을 때도 그런 것 같다.

크고 작은 다각형의 공간에 색을 입힌 작업! ‘예수 수난의 길’이라는 작품에서 처음으로 느끼는 내 반응이다. ‘그런데 다각형 안에 작은 네모나 거칠은 탑 같은 것은 무얼 그린 걸까?’ 하는 의문도 해본다. 그 작은 것들이 없다면 다른 다각형들이 의미를 잃을 것 같다. 성경을 알고 나면 좀 이해가 될 것 같다.

거친 다각형이 골고다의 언덕으로, 작은 네모가 창문이거나 마음의 문으로, 나머지 표현들이 마을 사람들과 예수와 제자들로 다가왔다. 붉은 색이 고난의 피로 연상된다. 예수의 수난으로 인해 구원을 얻었다는 교리에서 온 것일까? 붉은 빛이 많이 들어간 그림이다. 작가는 이 그림을 그리면서 성경 구절과 장면을 생각하며 수없이 많은 날을 고뇌했을 것이다.

갈릴리바다를 그린 그림은 푸른 바다 빛이 많이 들어갔다. 아무 생각 없이 봐도 바다와 하늘과 배와 마을과 사람이 있는 풍경이다. 추상적이기는 하지만 바다를 노 저어 가는 제자와 바닷가에서 제자를 낚으시는 예수의 말씀까지도 그려 넣지 않았나 싶다.

나는 바다 빛이 많이 들어간 갈릴리바다 주제의 작품이 보는 데 편한 마음이 든다. 폭풍이 몰아치는 바다였다가 잔잔한 바다였다가 하는 바다는 우리가 사는 현실세계와 닮았다. 바람을 이겨내고 앞으로 나아가느라 힘들어 지칠 때가 있기도 하지만 조개 하나를 줍고도 행복해 할 때도 있다. 우리는 모두 잔잔한 바다를 꿈꾼다.

갈릴리바다 작품에서 보이는 바다는 늘 평화롭고 행복하다. 우리가 잔잔한 바다 같은 세상에서 평화롭게 살고 싶듯 작가도 그런 뜻을 담았으리라 생각한다. 영원한 평안에 이르는 길을 그림을 통해 알려주고 싶을 뿐인 것 같다.

가버나움이라는 작품도 마찬가지로 다양한 다각형과 사실적 표현으로 작품은 이해하기 쉬워서 좋다. 가보지 못한 갈릴리바다와 주변 도시에는 예수의 흔적이 묻혀있을 것이다. 그림을 보면 오랜 시간 묻혀온 이야기들을 찾아 나서고 싶게 만든다. 사람들을 놀라게 한 기적도 보고 싶게 한다.

표현하기 어려운 주제를 개성 있는 화법으로 정진해온 이도선 작가의 보이지 않는 땀방울에 무한 가치를 둔다. 앞으로도 이도선 작가가 높은 신앙의 수준에서 더 좋은 작품으로 우리에게 굳은 믿음의 모습을 보여 주기를 원한다.

                                                                                               2021. 

              기억 저편의 그리움, 유년의 뜰

   작가 이도선의 작업 근저를 이루는 요소는 작가의 노트에서 풀어 놓고 있듯이 유년시절에 대한 기억과 추억의 매개체 , 즉 어린 시절 자라던 풍경이다. 작품 제목 ‘마음 속의 풍경’이라는 일관된 타이틀 안에서 유년의 잔상들을 기억화 하여 부제로 달고 있다. 유년 시절의 푸근한 기억들, 그 속에서 기억되는 자연과 사물은 내용적으로도 그의 작품이 따뜻하며 정겨운 이미지로 다가오게 만든다. 아니 제목을 배제하고 보더라도 그의 화면에는 조형적으로 정겨운 아름다움이 느껴진다.

현대미술은 사람들에게 낯설고 난해 하여 좀처럼 접근하기 어려운 것으로 받아 들여 지고 있다. 특히 그 실체를 이해할 수 없어 보는 이에게 답답함을 안겨 주기도 한다. 자칫 난해함으로 이해되곤 하는 이러한 비구상 회화의 약점이 그의 화면에서는 보완되어 있다.적절한 해석과 표현, 그리고 적절한 구상성이 내재되어 있기 때문이다. 이것이야 말로 그의 작품이 가지고 있는 소탈한 매력이다. 그의 작품에는 구상과 추상이 동등한 수준에서 나타나며, 이러한 회화적인 요소를 초월하여 구상과 추상, 이 모두가 자연스럽게 수용되는 것으로 이해할 수 있을 것이다. 이러한 점은 그의 작품의 형식적인 특징이기도 할 것이다.감성이 본질을 이루어 형태화된 묘사는 그의 그림을 보다 쉽게 이해하고 받아들이게 함으로써 동시에 작가의 의도가 계산되지 않은 무의식으로부터 출발된 주제임을 깨닫게 하는 것이다. 이러한 사실은 2회 개인전 때 서술한 작업 일지에서도 알 수 있다. ‘의도된 형태와 계산된 작업은 나에게 흥미를 잃게 하고 실망과 권태만 줄 뿐이다.’ 어린 시절의 단편적인 추억들, 순수하고 맑은 유년 시절, 유년을 더욱 풍요롭게 하였던 정겨운 주변의 사물과 자연, 그 모든 유년의 풍경을 찾아 작가 이도선은 앞으로도 여행을 하며 유년의 기억 이곳 저곳을 찾는 작업을 지속할 것이다.

2004. Gallery guide 기자 김 설 류

               잊혀져 가는 그리움의 표현

현대의 기계문명은 인간의 심성을 더욱 메마르게 하고 있다. 똑 같은 모양의 아파트 속에서 공동으로 보내어 지는 텔레비전의 전파를 수신하며 누구나 함직한 생각을 하며 생활하고 있다. 나라는 존재의 의미는 이미 사라져 버리고 누구도 똑같은. 복제되고 틀에 박힌 일상 만이 있을 뿐이다. 나의 정체성은 무엇일까? 현대인이라면 한번쯤 되물어 보는 물음이다. 이제 일상의 틀에서 한 걸음 달려나와 마음의 눈으로 주변을 살펴보자. 그 곳에는 내가 항상 그리워하며 꿈꾸어 왔던 아름다움이 펼쳐져 있을 것이다. 이번에 발표되는 이도선작가의 작품들은 현대를 사는 우리들에게 잊혀져 가는 아름다움을 일깨워 주고 있다. 검정으로 처리된 화면과 그 속에서 밝게 빛나는 색채, 아련히 멀어지는 수평선, 기다리는 사람, 끝없이 이어지는 길 등은 보는 사람으로 하여금 잊혀 졌던 어린 시절의 아련한 기억을 떠올리게 한다. 비구상으로 처리된 화면이지만 작품 속에는 그리움과 애틋함으로 바라보게 되는 구상성이 내재되어 있다. 대부분의 비구상회화가 대중에게 어렵게 느껴지고 , 친근감이 결여되어 있으나 이도선작가의 작품은 이런 면에서 우리에게 더욱 친근한 감동을 전해 주고 있다. 혹자는 ‘실험적이고 시대적인 흐름이 작품에 표출되어야만 한다.’라고 말한다. 그러나 좋은 작품이란 세월을 두고 많은 사람들에게 감동을 전해 주어야 하고 사랑 받는 작품이어야 한다. 이도선 작가의 작품을 보면 그 속에 현대인들의 거친 감성을 푸근히 감싸줄 정감이 깃들어 있음을 느낀다. 풀무에 담궈진 쇠가 빛을 내어 더욱 단단해지듯 창작의 고통 속에서 발전이 거듭되기를 빌며, 이도선의 작품을 사랑하는 사람들과 함께 잊혀 졌던 자신의 마음을 되돌아 보는 계기가 되었으면 한다.

1997. 코스모스갤러리 관장 윤남수

  VIA DOLOROSA (예수 수난의 길) 는  예수님께서 빌라도의 심판을 받고 빌라도의 법정에서 부터 골고다언덕에 이르러 십자가에 못박혀 돌아가실 때까지 걸으신 예루살렘에 있는 길이다. 예수님께서는 걸으신 그 길은 수치의 길이었고 고난의 길이었다. 성경상으로 보면 (마태복음 27:22∽26) 예수님께서 재판을받은 본디오 빌라도 재판정으로, 이곳에서 심문을 받으셨고, 십자가형이확정되었다. 당시의 로마 총독부는 가이사랴에 있었으며, 총독 빌라도는 유월절 기간 동안에 자주 일어났던 반 Rome시위를 진압하기 위하여 예루살렘에 와있었던것으로여겨진다. 또한 (요한복음 19:5)에서는  로마 군사들이 예수님에게 가시관을 씌우고 홍포를 입혀 희롱하였으며 도시의 거리를 지나 골고다로 향하는 중 수많은 군중들이 예수님을 조롱하였다고한다. (마가복음 15:21)에서는 지치고 힘들어 쓰러진 예수님을 대신해 구레네 사람 시몬이 예수님의 십자가를 골고다 언덕까지 대신 지고 갔다고 한다. 그 밖에 성경의 여러곳에서 당시의 처절하고 안타까운 상황을 우리에게 전해주고 있다.  그러나  예수님께서는 자신을 채찍질하며 욕하며 조롱하는 모든 사람들을 용서하며 돌아가시는 순간까지  '아버지 저들을 사하여 주옵소서  자기들이 하는 것을 알지 못함이니이다'(누가복음 23:34) 하며 아버지께 기도했다고 성경은 전한다.   하나님으로서 인간의 모습을 입고  십자가에서 치욕 속에 돌아가신 예수님의 고난의 길은 슬프고 괴로운 길이지만 영적인 의미로는  하나님의 영원한 역사가 이루어진 일로서  인간에 대한 구원의 빛과 하나님의 크신 사랑과 자비가 있는 곳이다. 그 길로 인해 우리 인간은 소망을 가지고 죄에서 벗어난 삶을 살아갈 수 있는 것이다. 

  작업을 하면서 수난의 길은 우리의 영성에 밝게 빛나며 소망과 새로운 생명을 주는 길이라는 의미를 두고 하나하나의 작품에 임했다.  색채는 가급적 따뜻하고 밝게 사용하였다. 붉은 색들은  우리에게 주신 구원의 생명의 빛, 노란색은 하나님의 크시고 크신 은혜,  푸른 색은  우리들의 굳은 믿음,  녹색은 세상에서 우리들이 부딪히는 온갖 고난 등의 의미를 생각해 보았다.  화면은 전체적으로 추상적인 풍경의 구도를 택했으며  형태는 약간의 구상성을 갖지만 단순화시켜 상징적인 의미를 부여하였다.  이런 의도에서 작품들은 전체적으로 슬프고 어두운 수난의 길이라는 주제와는 다르게 따뜻하고 밝은 색채와 편안한 느낌의 구도로 표현되었다. 이 작품을 통해 주님의 따뜻하고 평안한 사랑을 우리 모두가 느낄 수 있었으면 좋겠다.    

VIA DOLOROSA (The Road of Jesus Passion) is the road in Jerusalem where Jesus walked from Pilate's court to the Golgotha ​​Hill and crucified to death. The path Jesus walked was a path of shame and a path of suffering. According to the Bible (Matthew 27:22∽26), the court of Pontius Pilate, where Jesus was tried, was interrogated here, and the crucifixion was confirmed. It is believed that the Roman governorate at the time was in Caesarea, and Pilate, the governor, came to Jerusalem to quell the anti-Rome protests that often took place during the Passover. Also, in (John 19:5), Roman soldiers put a crown of thorns on Jesus and put on red flags to harass him, and many crowds mocked him while heading for Golgotha ​​through the city streets. In (Mark 15:21), it is said that Simon of Cyrene took Jesus' cross to Golgotha ​​hill instead of Jesus, who was exhausted and struggling. In addition, many other places in the Bible tell us about the dire and unfortunate situation of that time. However, Jesus prayed to the Father, saying,'Father, forgive them, for they do not know what they are doing' (Luke 23:34) until the moment of his death, forgiving all those who whip, curse, and mock him. Conveys. Jesus, who died in shame on the cross in human form as God, is a sad and painful path, but in a spiritual sense, God's eternal work has been accomplished, where there is the light of salvation for man and God's great love and mercy. Through that path, we humans can live a life free from sin with hope.

  While working, the path of suffering brightly shines on our spirituality, giving hope and new life. The color was used as warm and bright as possible. The red colors are the light of salvation that has been given to us, the yellow color is God's great and great grace, the blue color is our firm faith, and the green color is all kinds of suffering we encounter in the world. The overall composition of the landscape was chosen as an abstract landscape, and although the form has a little concreteness, it was simplified to give symbolic meaning. With this intent, the works were expressed in a composition of warm and bright colors and a comfortable feeling, different from the theme of a sad and dark path of suffering. I hope all of us can feel the warm and peaceful love of the Lord through this work.

•  갈릴리 바다는 예수님의 사역에 있어서 가장 중요한 곳 중에 하나이다. 예수님께서는 갈릴리 바닷가에서 어부 출신의 제자들을 부르시고 (마태복음 4: 18∽22) 갈릴리 해변에 다니시다가 그 형제 곧 베드로라 하는 시몬과 그 형제 안드레가 바다에 그물 던지는 것을 보시니 저희는 어부라 말씀하시되 나를 따라 오너라 내가 너희로 사람을 낚는 어부가 되게 하리라 하시니 저희가 곧 그물을 버려 두고 예수를 좇으니라 거기서 더 가시다가 다른 두 형제 곧 세베대의 아들 야고보와 그 형제 요한이 그 부친 세베대와 한가지로 배에서 그물 깁는 것을 보시고 부르시니 저희가 곧 배와 부친을 버려두고 예수를 좇으니라.  또한 갈릴리 바닷가에 있는 가버나움 회당에서 많은 말씀을 가르치고, 병자들을 고치기도 하셨다. 특히 산상수훈은 이 바닷가 북쪽에 있는 핫틴산(팔복산)에서 가르친 것이다. 또한 폭풍을 잔잔케 하시고 바다 위를 걸어오시는 기표를 행하신 곳이기도 하다.  (요한복음 6:16∽21)에는저물매 제자들이 바다에 내려가서 배를 타고 바다를 건너 가버나움으로 가는 데 이미 어두웠고 예수는 아직 저희에게 오시지 아니하셨더니 큰 바람이 불어 파도가 일어나더라 제자들이 노를 저어 십여리쯤 가다가 예수께서 바다 위로 걸어 배에 가까이 오심을 보고 두려워하거늘 가라사대 내니 두려워 말라 하신대 이에 기뻐서 배로 영접하니 배는 곧 저희의 가려던 땅에 이르렀더라. 성경에서는 갈릴리 바다는 예수님의 사역에 중요한 장소 중에 하나이다. 

갈릴리바다를 주제로 하여 많은 작업을 하였으나 2019년도의 작품들은 좀 더 구상적인 요소의 표현을 통해 더욱 성경의 사실적인 면에 도달코자 하였다. 말씀과 가르침, 이적과 그의 사랑과 자비 그리고 우리에게 베푸는 은혜를 따뜻하고 밝은 색채로 조합하여 화면을 구성하였다.   

  이 작품을 통해 갈릴리바다 처럼 험한 세상을 살아가는 우리들에게 영원한 평안에 이르는 생명의 말씀을 늘 생각케 해 주시고 우리의 죄를 사해 주신 주 예수 그리스도의 은혜에 감사드리며, 맡겨진 소명에 정성을 다하며 겸손한 마음으로 살아가기를 기도드립니다. -아멘

   The Sea of ​​Galilee is one of the most important places in Jesus' ministry. Jesus called his disciples from the fishermen on the shore of the Sea of ​​Galilee (Matthew 4: 18∽22), and while walking along the shore of Galilee, he saw his brother, Simon, who is called Peter, and Andrew, his brother, throwing nets into the sea. Come, follow me, and I will make you fishers of men." Soon they left their nets and followed Jesus. They went further there, and two other brothers, James the son of Zebedee, and John his brother, made a net in the boat with his father Zebedee. When he saw that, he called, and immediately they left the boat and their father and followed Jesus. He also taught many words and healed the sick in the synagogue of Capernaum on the Sea of ​​Galilee. In particular, the Sermon on the Mount was taught at Hattin Mountain (Palbok Mountain) on the northern side of this beach. It is also the place where the storm was calmed down and the signpost to walk over the sea was performed. (John 6:16∽21) At the end of the day, the disciples went down to the sea and boarded a boat to cross the sea to Capernaum, but it was already dark, and Jesus had not yet come to them. Stirring it and going about a dozen miles, when he saw that Jesus walked over the sea and came near to the ship, he was afraid. He said, ``I am, do not be afraid.'' In the Bible, the Sea of ​​Galilee is one of the important places for Jesus' ministry.

Although I did a lot of work on the subject of the Sea of ​​Galilee, the works of 2019 tried to reach a more realistic aspect of the Bible through the expression of more conceived elements. The screen was composed by combining words and teachings, miracles, his love and mercy, and the grace given to us in warm and bright colors.

  Through this work, we are grateful for the grace of the Lord Jesus Christ, who always reminded us of the words of life leading to eternal peace and forgave us of our sins. I pray for life.    -Amen

  2015년도의 작업들은 나의 신앙심을 작품과 연관시키고자 구상했던 결과이다. 유년의 기억을 주제로 했던 마음 속의 풍경에서 벗어나 색채와 형태에 좀더 신앙적인 의미를 담으며 풀어낸 작업들이다. 예수님이 우리에게 베푸신 생명의 구원, 사랑, 하나님의 한량없는 자비와 은혜, 인간의 믿음과 죄성의 문제 등 기독교의 교리와 영성에 대한 확신을 화면 위에서 표현코자 노력한 결과다.        

The works of 2015 are the result of my design to relate my faith to my works. These are works that have been solved by putting more religious meanings in colors and forms, breaking away from the landscape in the mind that was the theme of childhood memories. It is the result of efforts to express the confidence in Christian doctrine and spirituality, such as the salvation of life that Jesus gave us, love, God's limitless mercy and grace, human faith and sinfulness