C’est l’un des points qui fait toute la différence entre un film amateur et professionnel. L’éclairage au cinéma constitue tout un art, un ensemble de techniques qui permet de modeler les volumes et le rendu de l’image. Je vous livre ici la théorie dans ses très grandes lignes.

Tout d’abord, il y a deux règles fondamentales :

• l’éclairage n’est jamais frontal : en cinéma on évite à tout prix un éclairage du type flash d’appareil photo, ceci écrase complètement l’image et annule tout effet de volume. On préfère donc un éclairage latéral qui crée des ombres et de la profondeur.
• Bien sûr, le contre-jour (lumière devant la caméra) est à proscrire, sauf dans le cas très précis que nous allons voir.

En théorie, dans la configuration la plus standard l’éclairage d’une scène se fait avec 3 spots :

• Eclairage principal : C’est une lumière dure (qui laisse des ombres), assez puissante. Elle est placée en hauteur et latéralement (à environ 40° de la caméra).
• Eclairage secondaire : Lumière diffuse placée symétriquement par rapport à l’éclairage principal, elle vise à atténuer les ombres trop marquées dues à celui-ci. Elle peut éventuellement être remplacée par un écran blanc.
• Contre-éclairage : placé en contre-jour ou latéralement, ce spot de faible puissance vise à dégager les personnages du décor en créant un léger halo de lumière autour de leur silhouette. Ceci est très couramment utilisé, notamment dans les sitcoms.
• Facultatif : un éclairage secondaire qui vise à éclairer le décor.

En pratique, pour un film à très petit budget réalisé rapidement on n’a pas vraiment les moyens de se payer autant de spots, et souvent on est tenté de laisser tomber et de faire avec la lumière ambiante. Grave erreur ! Un simple spot installé en 5min et judicieusement placé peut considérablement changer l’ambiance d’une scène et apporter du style. Vous pouvez par exemple utiliser des éclairages de jardin qui sont très bon marché et peuvent constituer un bon éclairage d'appoint.

En conclusion, ne négligez pas l’éclairage !