Una historia de la música rock y dance 1951-2008

Prehistoria del rock

La lista de pretendientes serios al título de la primera canción de rock and roll (no solo un título que hace referencia al acto de "rockear") comienza con The Fat Man (1949), cortado por Antoine "Fats" Domino, un artista de Nueva Orleans , que ciertamente sonó como un nuevo tipo de boogie. El hombre al que comúnmente se le atribuye la invención del término "rock and roll" es un disc-jockey blanco de Cleveland, Alan Freed, quien en 1951 decidió especular sobre el éxito de la tienda de Leo Mintz y comenzó un programa de radio, "Moondog Rock 'n'Roll Party ", que transmitía música negra a una audiencia de adolescentes blancos. Otros disc-jockeys blancos habían hecho y estaban haciendo lo mismo, pero fue el entusiasmo de Freed por la música negra lo que se volvió contagioso. Ese mismo año Ike Turner '(1951) fue definitivamente rock'n'roll (aunque una adaptación del instrumental Rocket 88 Boogie de Pete Johnson de 1949). Y ese mismo año Gunter Lee Carr cortó la novedad de baile Somos Gonna Rock . Por lo tanto, todos ya estaban "balanceándose". Por desgracia, eran en su mayoría negros, es decir, distribuidos solo localmente.

La industria discográfica sabía que los negros estaban creando una nueva música y trató de explotarla con Bill Haley. Su éxito demostró que había una audiencia para esa música, y era una audiencia desesperada por cualquier cosa que pudiera reproducir esa música.

Los blancos tenían el dinero, pero los negros estaban haciendo la música más emocionante. Esto creó un nicho para los sellos independientes que graban artistas negros para el público blanco, pero nunca podría convertirse en un mercado masivo. Estados Unidos seguía siendo en gran medida un país racialmente dividido. Había pocas posibilidades de que un cantante negro se volviera tan popular como, por ejemplo, Frank Sinatra. Cuando Sam Phillips fundó Sun Records en Memphis (Tennessee), hizo la famosa declaración "Si pudiera encontrar a un hombre blanco que canta con la sensación de negro, ganaría un millón de dólares".

En 1952, un cantante blanco, Bill Haley, formó los Cometas, que pueden considerarse la primera banda de rock and roll. 1952 es también el año en que el programa de televisión "Bandstand" de Bob Horn (que en 1956 se convertiría en "American Bandstand" de Dick Clark) comenzó a emitirse desde Filadelfia todas las tardes de los días laborables, y el año en que Alan Freed (ahora más famoso como "Moondog" ) organizó el primer concierto de rock'n'roll, el "Moondog Coronation Ball". La primera canción de rock and roll que entró en las listas de Billboard fue Crazy Man Crazy de Bill Haley en 1953. Al mismo tiempo, Sam Phillips estaba grabando el primer disco de Elvis Presley en su estudio Sun, usando dos grabadoras para producir el efecto de " slapback "retraso de audio que se convertiría en el sonido típico de rockabilly.

El rock'n'roll ciertamente no fue lo único que le sucedió a la escena musical de Estados Unidos en esos años de posguerra. El sentimiento de euforia era contagioso. Hank Williams alcanzó la cima de las listas de música country en 1949 y convirtió la música country en un arte serio. Howlin 'Wolf (de Memphis) y Joe Turner (de Kansas City) estaban popularizando el estilo agresivo de blues de los "gritos". En 1952, Roscoe Gordon, un pianista de Memphis, inventó el ritmo "ska" con No More Doggin ' . Hard Times (1952) de Charles Brown fue el primer éxito de Jerry Leiber y Mike Stoller en entrar en las listas y marcó el comienzo de una nueva era para la música pop. El llanto de los Orioles en la capilla(1953) fue el primer éxito negro en encabezar las listas de éxitos blancos. El año siguiente vio el auge de un nuevo tipo de armonía vocal negra, doo-wop, inaugurada por Penguins ' Earth Angel (1954) y por Platters' Only You (1955).

Las innovaciones tecnológicas sentaron las bases para otras innovaciones estilísticas. En 1952 Gibson presentó su guitarra eléctrica de cuerpo sólido, inventada por Les Paul unos años antes, y al año siguiente Leo Fender introdujo la guitarra Stratocaster (que había inventado en 1950). Mientras tanto, desde 1951, las primeras máquinas de cajas de discos que reproducían discos de 45 RPM habían comenzado a difundirse en todos los rincones de los Estados Unidos.

En 1954, todas las compañías discográficas cambiaron de 78 RPM a 45 RPM: las 78 RPM estaban muertas y las 45 RPM simbolizaron una nueva era de prosperidad y diversión. Ese mismo año, una compañía electrónica japonesa, TTK (más tarde rebautizada como Sony), introdujo lo último que faltaba para convertir la música popular en un idioma universal: la primera radio de transistores del mundo. Los nuevos gramófonos más baratos y las radios portátiles causaron una revolución musical propia en la forma en que las personas (especialmente los jóvenes) escuchaban música. Las masas ahora podían escuchar música cuando quisieran y donde quisieran.

Bill Haley 's Rock Around the Clock (1954), escrito en 1953 por Max Freedman para un grupo de boogie, fue la primera canción de rock utilizado en una banda sonora de película. Bill Haley era el "ídolo adolescente" más improbable (tenía casi 30 años), y esa canción sonaba como un número de novedad, no como un himno revolucionario, pero esa fue la canción que convirtió el rock and roll en un fenómeno nacional. Dos películas de 1955, "Rebelde sin causa" y "Blackboard Jungle", establecieron un nuevo modelo a seguir para los adolescentes: el rebelde solitario y a veces delincuente juvenil (no exactamente el modelo a seguir que a sus padres les hubiera gustado).

De rockeros negros a blancos

Musicalmente, el evento real de 1955 fue la primera sesión de grabación de Chuck Berry . Sus canciones fueron las primeras en tener la guitarra como "el" instrumento principal, e introdujo las dobles paradas pentatónicas descendentes (la esencia de la guitarra de rock). Su música fue el punto de encuentro de la técnica de guitarra de T Bone Walker, la técnica vocal de los "gritos" y el ritmo del boogie-woogie (con la ayuda de su pianista Johnnie Johnson). Sus canciones también contaban una historia con la que los adolescentes podían relacionarse, que enfatizaba la brecha generacional e insinuaba temas tabú como el amor adolescente, especialmente en School Day (1957) y Sweet Little Sixteen (1958). Comenzó el proceso de transformar los problemas de una generación joven en mitología. Los riffs de sus tres obras maestras, Roll Over Beethoven (1956), Rock and Roll Music (1957) y el mitológico Johnny B. Goode (1958), electrificaron a millones de niños blancos. Por último, pero no menos importante, sus canciones fueron ... "su": Berry fue el primer gran compositor de rock'n'roll (no solo un intérprete). Pero Berry era negro, y los negros no tenían el mismo aire que los músicos blancos. Siguió siendo un objeto de culto.

En la misma ciudad y en el mismo año, otro músico negro, el guitarrista Bo Diddley (nacido Otha Ellas Bates, criado Ellas McDaniel), inventó el ritmo "hambone" (un ritmo de boogie sincopado), que se remontaba al África tribal y daba canciones. tales como I'm A Man (1955), el siniestro Bo Diddley (1955) y Who Do You Love (1955) de suspenso, siniestro e hipnótico. El álbum Bo Diddley (marzo de 1955 -? 1957 -? 1958), Mona (1957), Love Is Strange (1957), escrito para Mickey (Baker) y Sylvia (Robinson), Dearest Darling (1958), típico de su enfoque diabólico. para el místico, el proto-rap Say Man(1959), la novedad Road Runner (1960) combinó energía primordial y buen humor. También fue pionero en el formato blues-rock con los cuatro largos jams de Two Great Guitars (marzo de 1964 - julio de 1964), una colaboración con Chuck Berry.

El rock'n'roll estaba ciertamente más relacionado con el rhythm'n'blues que con la música country. Chicago rhythm'n'blues se transformó naturalmente en rock'n'roll con músicos negros como Chuck Berry y Bo Diddley.

Si Berry inventó el tipo de rock'n'roll que gobernará durante los siguientes 50 años, otros sentaron las bases para varias variedades de rock'n'roll. Quizás el más influyente en las generaciones futuras fue el tipo de rock and roll que surgió de la música gospel. En Nueva Orleans, un cantante y pianista llamado Esquerita (Eskew Reeder) acuñó un estilo salvaje de tocar y cantar que fue popularizado por el vocalista y pianista de Nueva Orleans "Little" Richard Penniman. Actuaron como animales, y agregaron otro nivel de provocación: ropa y maquillaje facial que eran obscenos. Esquerita y Little Richard inventaron el rock de decadencia. Las canciones frenéticas de Little Richard de la época (impulsadas principalmente por los tambores de Earl Palmer) seguirían siendo los especímenes de rock más histéricos ' Tutti Frutti (1955), Long Tall Sally (1956), Bumps Blackwell's Rip It Up (1956), Lucille (1957), Keep A-Knockin ' (1957), Bumps Blackwell's Good Golly Miss Molly (1958). Larry Williams (también de Nueva Orleans) fue un clon de Little Richard: Short Fat Fannie (1957), Bony Moronie (1957) y Dizzy Miss Lizzie (1958).

El sueño de Sam Phillips se hizo realidad cuando conoció a Elvis Presley . Presley se convirtió en la primera gran estafa del rock and roll, y el prototipo de los que seguirían. Sam Phillips había encontrado a su hombre, lo equipó con una sección de ritmo magistral (Bill Black en el bajo y Scotty Moore en la guitarra), y procedió a comercializarlo como el delincuente juvenil que no era. En una sociedad segregada como los Estados Unidos de la época, Presley se convirtió en el mejor ladrón blanco de éxitos negros: That's All Right Mama de Arthur Crudup (1954), Good Rockin 'Tonight de Roy Brown (1955), Tren misterioso de Junior Parker (1955). Comenzó a moverse hacia un material "más blanco" con los zapatos de gamuza azul de Carl Perkins(1956), con Frederick "Shorty" Long al piano, el Heartbreak Hotel de Mae Axton (1956), tal vez su obra maestra vocal, Leiber & Stoller's Hound Dog (1956), pero su alma negra aún emergió en el díptico de Otis Blackwell Don't Be Cruel (1956), su mayor éxito, y All Shook Up (1957). Leiber & Stoller's Jailhouse Rock (1958), finalmente un boogie irreverente, fue su canción de cisne. Presley el rockero murió allí: continuó cantando y gritando melodías operísticas como viejas canciones italianas, y especializándose en números de seducción como Love Me Tender (1956, robado de la banda sonora de "Rancho Notorious") y Hugo (Peretti ) Y Luigi (Creatore) 's Can'(1961, una reescritura de Plaisir d'Amour de Giovanni Martini ).

El éxito de Presley fue importante para que cientos de niños pudieran tocar la música de los negros. Los rockeros blancos fueron finalmente tolerados e incluso promovidos por las "mayores" (grandes compañías discográficas). Estos rockeros (o, más bien, la producción de Sam Phillips) definieron "rockabilly", un estilo cuyo cantante cantaba de manera tartamudeante e hipocresífica, acompañado de un pequeño combo de bajos y guitarras frenéticas, mientras que todo fue capturado usando dos grabadoras para produce un efecto de retraso de audio "slapback". Las canciones de Rockabilly eran explosiones simuladas de lujuria.

Entre los primeros rockeros blancos, Jerry Lee Lewis fue, con mucho, el más fiel al estilo salvaje de los rockeros negros. Whole Lotta Shakin 'Goin' On (1957) de James "Roy" Hall y Great Balls Of Fire (1957) de Otis Blackwell acuñaron un estilo de canto psicótico que hará que la historia de la música rock (a diferencia de Presley, haga que la historia sea fácil) escuchando) y acuñó un estilo maníaco en el piano que era tan feroz como los riffs de guitarra de Berry.

Otros rockeros blancos notables (todos basados ​​en Memphis a menos que se indique lo contrario) fueron Carl Perkins, el cantante de rockabilly estereotípico, que escribió Blue Suede Shoes (1956) para Presley; Wayne "Buddy" Knox de The Rhythm Orchids, un tejano que escribió Party Doll (1956) para su amiga Holly; Gene Vincent (Craddock) de Blue Caps, un auténtico rebelde de Virginia que vomitó Be Bop A Lula (1956), que recuerda a Drifters ' Money Honey , y formó Blue Caps, una de las primeras bandas de rock; De Luisiana Dale Hawkins, cuya pantanosa Suzie Q (1957) fue descarrilado por la guitarra de blues de solitario James Burton; Johnny Burnette , un compañero de escuela de Elvis Presley cuyo trío grabó Tiny Bradshaw'sTrain Kept A-rolling con uno de los primeros solos de guitarra distorsionada (por Paul Burlison); Charlie Feathers, con un estilo vocal sin sentido y virtuoso ( Defrost Your Heart , 1955; Tongue Tied Jill , 1956); Albert "Sonny" Burgess de los Pacers, de Arkansas, uno de los más salvajes ( rojo dirigió a la mujer , 1956); Billy Lee Riley, líder de la banda de la casa de Sun y uno de los más conscientes del sonido ( Flying Scott Saucers Rock'n'Roll de Ray Scott , 1957, Candente de Billy Emerson ); Hasil Adkins, la banda de un solo hombre salvaje de Virginia Occidental ( She Said , 1955; The Hunch , 1957; Chicken Walk , 1962); y Ronnie Hawkins ( Mary Lou, 1959). Wanda Jackson en Los Ángeles fue la "reina" del rockabilly ( Honey Bop , 1956; Fujiyama Mama , 1958), y una de las primeras mujeres blancas en adoptar una postura provocativa y rebelde. El hecho de que sus canciones no subieran a las listas no significa que tuvieran menos talento que Presley. Por lo menos, en su mayoría escribieron las canciones que cantaron.

También hubo una breve moda de "rock latino", con Come On Let's Go de Ritchie Valens (1958) y Hippy Hippy Shake de Chan Romero (1959), dos de las canciones rockabilly más frenéticas.

El límite de los rockeros blancos fueron sus raíces en la música country. Su música rara vez era tan poderosa y original como la música de los rockeros negros. Los rockeros negros que desarrollaron un estilo único incluyeron a Junior Parker, cuyo Mystery Train (1954) fue la mejor boda de country y blues, Richard Berry, un intérprete de doo-wop que escribió Louie Louie (1956) para sus Pharoahs (y la cantó en jamaicano patois), Joe Turner, cuyo Shake Rattle And Roll (1957) seguiría siendo una de las canciones más frenéticas de todos los tiempos, Screamin Jay Hawkins, de Cleveland (Ohio), quien introdujo el vudú en el rock'n'roll con I Put A Spell En ti(1956) y cuyas travesuras macabras en el escenario prácticamente inventaron el rock gótico. Otis Blackwell, un compositor negro de Nueva York, es uno de los héroes anónimos del género: escribió Fever (1955) para Little Willie John, Don't Be Cruel (1956) y All Shook Up (1957) para Elvis Presley, y Great Balls Of Fire (1957) y Breathless (1958) para Jerry Lee Lewis. El organista de jazz Bill Doggett unió el blues de salto y el rock'n'roll con la única pista instrumental que importaba, Honky Tonk (1956), que realmente enfatizaba la guitarra y el saxo.

Eddie Cochran, con sede en Los Ángeles, fue quizás el mayor talento de la segunda generación blanca, pero murió a los 22 años. Summertime Blues (1958) y C'mon Everybody (1958), en los que superpuso todos los instrumentos y voces, se alejaban de rockabilly

Con sede en Texas Buddy Hollyfue incluso más de un "niño prodigio": él también murió a los 22 años, pero dejó atrás un impresionante corpus de canciones. Alteraba radicalmente la imagen del rock and roll: con gafas y un traje formal de secundaria, representaba exactamente lo contrario del delincuente juvenil. Su optimismo infantil e ingenuo contrastaba con el mundo desagradable y mórbido de los otros rockeros. Sus letras llegaron al niño primordial en cada adolescente: estaban hechas de trabalenguas onomatopoéticos y de "conversación infantil" (sílabas, en lugar de palabras, repeticiones tontas, rimas triviales). Su frase vocal era un recital de tonos de voz exagerados, hipo del bajo al falsete, una jerga sin sentido de eyaculaciones guturales y consignas marciales. Su música era pegadiza, pero con extraños acompañamientos (aplausos, tom-toms, celesta), destilados de blues, tex-mex, That I'll Be The Day (1957) y Peggy Sue (1957), una canción de cuna infantil acompañada por uno de los ritmos de batería más famosos de la historia, fueron sus obras maestras de rockabilly, pero Words Of Love (1958), Everyday , It's So Easy and Well All Right ya pertenecía a otro género, una forma de música melódica y estridente que se extiende a lo largo de la línea entre el folk y el rock, y se organiza de manera creativa. En muchos sentidos, Holly fue la primera cantante y compositora de rock. Por último, pero no menos importante, sus Crickets forjaron el estándar de la banda de rock: su formación era de dos guitarras, batería y bajo; escribieron su propio material, y el sonido de sus canciones se basó principalmente en su juego (no en músicos de sesión u orquestas).

Una enfermedad social

Lenta pero constantemente, esta nueva generación de rockeros blancos derrocó a dos praxes atrincherados de la industria discográfica. Primero, la guitarra se hizo cargo del piano. Segundo, los cantantes comenzaron a cantar sus propias canciones. Desde el comienzo de la industria discográfica, los compositores profesionales habían estado escribiendo los éxitos para que los cantantes pop los cantaran (y los jugadores sin nombre lo acompañaran). Los rockeros negros, en cambio, estaban escribiendo la mayoría de las canciones que estaban cantando. Los compositores de pop eran principalmente pianistas: componían una canción en el piano y luego tocaban los arreglos orquestales. Los rockeros negros se estaban componiendo en la guitarra, tal como lo habían estado haciendo los bluesmen desde entonces, y sabían muy poco sobre otros instrumentos para organizar sus composiciones para una orquesta (también usaban acordes mucho más simples). Así, el rock'n'roll se convirtió esencialmente en un género basado en la guitarra. Así, la unidad natural de entrega para el rock and roll era el pequeño combo, en lugar de la orquesta. Así, el rock and roll enfatizó el ritmo, no la armonía.

La guitarra pronto se convirtió en parte integral del personaje: mientras que los cantantes de pop solo trataban con micrófonos, se esperaba que los rockeros balancearan una guitarra frente a ellos (a pesar de que la mayoría de los rockeros blancos no sabían cómo tocarla).

"Qué" cantaron estos cantantes también cambió. Los compositores pop siempre se habían centrado en los valores y sentimientos universales: cada historia ensayaba los temas eternos (amor, por ejemplo) de la literatura occidental. Los rockeros negros provenían de una tradición más realista: los músicos de blues cantaban sobre la vida en la plantación, en la cárcel, en la calle, en el gueto. Los rockeros negros continuaron esa tradición, excepto que establecieron sus historias en un medio moderno que se conectaba con las experiencias personales de la juventud blanca de los Estados Unidos.

El rock'n'roll fue, en muchos sentidos, el subproducto de los cambios que se estaban produciendo dentro de la sociedad estadounidense: la educación masiva a través de un sistema escolar público (que ponía a los niños de la misma comunidad en contacto diario entre ellos), el Difusión generalizada de la radio, la máquina de discos y el registro de 45 RPM (que ponía a los niños de comunidades remotas en contacto diario), el consumismo (que otorgaba a los adolescentes una independencia financiera limitada de sus padres), una mayor integración racial (que permitió a los niños blancos para aprender las costumbres más libertinas de los negros). La revolución sexual puede haber comenzado antes del rock'n'roll, pero ciertamente el rock'n'roll se convirtió en su banda sonora. El efecto neto de estos desarrollos fue favorecer un género "clandestino" como el rock and roll que estaba al principio. En 1955, el establecimiento aplicó las reglas capitalistas de marketing masivo a este nuevo producto y sancionó su existencia. El rock and roll fue, por lo tanto, una síntesis casi inevitable de la civilización estadounidense de los años cincuenta.

El tono del rock'n'roll era ciertamente diferente del tono tradicional de la música popular. Los tonos sentimentales, trágicos y cómicos de la música popular se volvieron (respectivamente) eróticos, violentos y sarcásticos. Esa "era" la visión del mundo de un adolescente.

El rock'n'roll fue revolucionario en varios niveles. Se originó a partir de pequeñas etiquetas independientes (en lugar de grandes corporaciones). Se burló de las estrellas y los sonidos (e, indirectamente, el estilo de vida) del establecimiento. Se colmó la brecha entre el público blanco y el público negro. Inventó la noción de una juventud rebelde. Todos estos fueron hechos desestabilizadores.

Los puritanos tenían razón cuando afirmaban que los rockeros (al apropiarse de las convulsiones de los strippers, la sensualidad de los pervertidos y el "salvajismo" de los negros) incitaban a los adolescentes varones a convertirse en delincuentes y a las adolescentes a prostituirse. Era su forma de desahogar el sentimiento de independencia de una generación.

A través del rock and roll, los jóvenes comenzaron a buscar una identidad, un proceso que continuaría durante décadas, paralelo a la evolución de la música rock.

Ya había signos de descontento y disensión dentro de la sociedad capitalista blanca (los beatniks en la literatura, por ejemplo), pero no habían afectado a las masas. El poder "revolucionario" del rock and roll superó con creces cualquier movimiento político o cultural que lo hubiera precedido. La música se convirtió en la etapa terminal de un proceso anelastic: de la alienación social a la alienación musical a la revolución musical a la revolución social. La música se convirtió en algo más que entretenimiento. La música se convirtió en más que un lenguaje universal. La música se convirtió en más que un tablero de mensajes. La música se convirtió en una herramienta revolucionaria para la juventud de los Estados Unidos.

La enfermedad se propaga

El rock'n'roll se extendió a Gran Bretaña, causando la primera adopción masiva de un estilo musical estadounidense por las masas europeas. Los éxitos del rock británico incluyeron: Rock With the Cavemen de Tommy Steele (1956), Move It (1958) de Cliff Richard (Harry Webb) , escrita por su guitarrista Ian Samwell, Bad Boy de Marty Wilde (1959), Frederick "Johnny Kidd" Heath's Shaking All Over (1960), y especialmente Billy Fury, quien hizo el mejor álbum de rockabilly británico, The Sound Of Fury (abr 1960 -? 1960). Estos rockeros sentaron las bases para la adquisición británica del rock and roll.

La popularidad del rock'n'roll causó el auge de la industria discográfica y permitió que florecieran los sellos independientes. Entre 1955 y 1959, la cuota de mercado de los Estados Unidos de las cuatro "mayores" cayó del 78% al 44%, mientras que la cuota de mercado de las compañías discográficas independientes aumentó del 22% al 56%. El mercado estadounidense había aumentado de 213 millones de dólares a 603 millones, y la cuota de mercado del rock and roll aumentó del 15,7% al 42,7% en 1959. La excelente salud de la industria discográfica fue probablemente una de las razones por las que siguieron experimentando con el formato. En 1956, Elektra fue pionera en el registro de "compilación", que contenía canciones de diferentes músicos, y en 1958 RCA introdujo los primeros discos estéreo de larga duración.

A medida que a los músicos se les permitía hacer discos cada vez más extraños, comenzaron a saquear el repertorio del resto del mundo. En 1955, Pete Seeger lanzó el primer álbum de música africana de un músico blanco, Bantu Choral Folk Songs (? 1955 -? 1955), y en 1956 Martin Denny's Exotica creó un nuevo género. El interés en la música india (hasta entonces en gran parte desconocida en el oeste) fue provocado por el concierto de 1955 del jugador sarod Ali Akbar Khan en Nueva York. El compositor mexicano Juan García Esquivel inventó música lounge súper kitsch, anotando melodías extrañas y contrapuntos para instrumentos exóticos y casi cualquier cosa que tuviera un sonido inusual, desde minas hasta clavicordios. Como dice un título de su mejor álbum, Otros mundos Otros sonidos (enero de 1958 -? 1958).

Rock'n'roll era solo la punta del iceberg. La música estaba cambiando en todos los niveles. Las Chordettes de Sandman (1955) fueron el primer "grupo de chicas". También en 1955, Ray Charles inventó la música "soul" con I Got A Woman , una adaptación secular de un viejo evangelio.

El primer estudio de grabación jamaicano se inauguró en 1951 y grabó música "mento", una fusión de música folklórica europea y africana. Al fusionar el mento rhythm y Memphis 'rhythm'n'blues, un nuevo género, el "ska" comenzó a extenderse en la isla.

Muchos desarrollos paralelos no eclipsaron las formas tradicionales de la música popular, que todavía dependía en gran medida de los musicales de Broadway. Por ejemplo, el álbum más vendido de 1955 fue Love Me Or Leave Me de Doris Day (? 1955 - mayo de 1955), y el megaventas del año siguiente fue Oklahoma de Rodgers y Hammerstein (mayo-julio de 1954 -? 1955) . Los niños seguían siendo solo una fracción del mercado. El mismo Presley comenzó a dominar el mercado solo con sus bandas sonoras de películas (desde 1957 en adelante), e incluso fue eclipsado por el álbum del musical West Side Story (1961) de Leonard Bernstein , que pasó 54 semanas en la cima de las listas (un récord que ningún músico de rock jamás podría vencer).

Mientras la juventud de los EE. UU. Bailaba a un ritmo más rápido y era entretenida por cantantes rebeldes, las mentes aisladas experimentaban con sonidos cada vez más inusuales. Uno de los genios más subestimados y excéntricos del siglo XX, Moondog , que era un artista callejero ciego de Nueva York, prácticamente inventó todos los géneros futuros de música rock entre 1949 y 1956. La suite de Harry Revel Music Out of the Moon (1947) , emitido como un conjunto de tres discos de 78 RPM, fue arreglado por Les Baxter para violonchelo, trompa, coro y (principalmente) un theremin interpretado por Sam Hoffman, el hombre que debutó con el instrumento en las bandas sonoras de Miklos Rozsa para Lost Weekend (1945) y Spellbound (1945). La banda sonora de Louis y Bebe Barron para la película de ciencia ficción Las campanas de la Atlántida (1952), y más tarde para el más famoso Planeta prohibido (1956), emplearon solo instrumentos electrónicos.

Restauracion

No duró Pronto, el elemento puritano que fue tan crucial en la sociedad estadounidense logró matar al nuevo género. En realidad, había al menos tres fuerzas trabajando contra el rock and roll, a pesar de su éxito comercial: una fuerza política (Estados Unidos salía de la "caza de brujas" de Joseph McCarthy, pero se sospechaba fácilmente que el comportamiento rebelde era comunista), una fuerza religiosa (el rock'n'roll, con sus obvias referencias al sexo, no era exactamente el tipo de música que los asistentes a la iglesia deseaban para sus hijos), y una fuerza racial (el rock'n'roll era claramente un invento negro, en un edad que todavía estaba obsesionada con la separación racial).

El impacto del rock'n'roll todavía se podía sentir mucho después de que el último rockero se retiró o emigró: los nuevos ídolos pop promovidos por el programa "American Bandstand" de Dick Clark (que fue transmitido por 105 estaciones de televisión), eran más jóvenes y hablaron con ellos. Un público más joven. Pero el formato volvió a la canción melódica y romántica de los grupos vocales, y la banda de guitarra / bajo / batería fue reemplazada por la orquesta de cuerdas.

Esto no era cierto en Gran Bretaña, donde ninguna de esas tres fuerzas era particularmente fuerte, y donde los músicos de blues y jazz eran tratados como leyendas vivientes. La música negra se hizo muy popular entre los niños blancos de la clase media británica al mismo tiempo que se olvidaba en los Estados Unidos. De hecho, dos de los fenómenos más influyentes de la década de 1950 se originaron en esta pasión por la cultura afroamericana. Londres era el centro del "trad" ("jazz tradicional"), que generó una generación de músicos blancos que tocaban música negra, especialmente Alexis Korner . Línea Rock Island(1955), cantada por Lonnie Donegan para el combo de jazz del trombonista Chris Barber, lanzó la moda de "skiffle", una especie de jarra musical exuberante y melódica de ritmo rápido interpretada con instrumentos baratos. (En la década de 1920, las compañías discográficas de EE. UU. Usaban el "skiffle" para referirse a la música interpretada por músicos que eran demasiado pobres para comprar instrumentos, por lo que usaban tablas de lavar, kazoos y jarras). Dentro de un año, había casi mil grupos de bandas de skiffle solo en Londres, en particular los Vipers (con el joven Hank Marvin) de Don't You Rock Me Daddy-O (1956) y Streamline Train (1957).