La musica del XX secolo comprende opere, compositori e gruppi che hanno creato e distribuito canzoni e pezzi musicali nel corso del novecento. A differenza dei periodi precedenti, vale la pena menzionare l'emergere della musica popolare, che diventa il genere dominante man mano che il secolo progredisce, coesistendo con la musica classica del XX secolo. Le due correnti sono influenzate dalle trasformazioni tecnologiche e sociali del tempo: la musica non è solo consumata dal vivo, ai concerti, ma può essere ascoltata diversamente con dispositivi per uso personale e pubblico. Aumenta l'uso della musica come complemento di altre arti e la musica gioca un ruolo importante nel cinema o nella pubblicità.
Per quanto riguarda gli strumenti utilizzati, spiccano tre grandi gruppi: da un lato, gli strumenti a fiato metallici, come le trombe e i sassofoni del jazz e dei derivati. D'altra parte la chitarra e la batteria, tipiche del rock e dei suoi stili correlati e infine il sintetizzatore come esponente della musica elettronica. La voce umana e la tastiera (o il pianoforte) appaiono nei tre gruppi come complemento.
Durante il XX secolo ci fu un enorme aumento della varietà di musica a cui le persone avevano accesso. Prima dell'invenzione dei dischi di grammofono per il mercato di massa (sviluppati nel 1892) e della radiodiffusione (realizzata commercialmente per la prima volta intorno al 1919-20), la gente ascoltava principalmente musica o nei concerti di musica classica dal vivo o negli spettacoli teatrali musicali, che erano troppo costosi per molte persone con poche possibilità, o sui primi fonografi (una tecnologia inventata nel 1877 che non fu commercializzata in serie fino alla metà del 1890), oppure dal vivo, a casa, grazie a persone che eseguivano musica o cantavano canzoni su base amatoriale, usando spartiti, cosa che ovviamente richiede la capacità di cantare, suonare e leggere musica. Si trattava di competenze che tendevano ad essere limitate alle persone del ceto medio e delle classi agiate. Con la disponibilità sul mercato di massa di dischi e trasmissioni radiofoniche, gli ascoltatori potevano acquistare registrazioni o ascoltare alla radio registrazioni o trasmissioni in diretta di un'enorme varietà di canzoni e brani musicali da tutto il mondo. Ciò permise a una gamma molto più ampia di persone di ascoltare le esecuzioni di sinfonie e opere di musica classica che non avrebbero potuto ascoltare dal vivo, sia perché non potevano permettersi i biglietti per i concerti dal vivo o perché tale musica non veniva eseguita nel loro regione.
La registrazione sonora esercitò anche una grande influenza sullo sviluppo dei generi musicali popolari, perché permise di registrare canzoni e gruppi musicali a basso costo e largamente distribuiti a livello nazionale o addirittura, per alcuni artisti, in tutto il mondo. Lo sviluppo di una riproduzione di musica, relativamente economica, attraverso una successione di formati, tra cui long playing, musicassette, compact disc (introdotti nel 1983) e, a metà degli anni '90, le registrazioni audio digitali e la trasmissione di registrazioni audio di spettacoli musicali tramite la radio, o di videoregistrazioni o esibizioni dal vivo in televisione e, negli anni '90, di registrazioni audio e video via Internet, utilizzando la condivisione di file di registrazioni audio digitali, ha consentito a persone appartenenti a una vasta gamma di classi socioeconomiche di accedere a una selezione diversificata di spettacoli musicali di qualità di artisti di tutto il mondo. L'introduzione della registrazione multitraccia nel 1955 e l'uso del mixaggio hanno avuto una grande influenza sulla musica pop e rock, perché ha permesso ai produttori musicali di mixare e sovraincidere molti livelli di tracce strumentali e voci, creando nuovi suoni che non sarebbero possibili in una esecuzione dal vivo. Lo sviluppo delle tecnologie di registrazione del suono e della ingegneria del suono e la possibilità di modificare queste registrazioni hanno dato origine a nuovi sottogeneri della musica classica, tra cui le scuole di composizione elettronica musica concreta (1949) e acustiche (1955). Negli anni '70 i musicisti afroamericani hip hop iniziarono ad usare i giradischi come uno strumento musicale, creando effetti "graffianti" ritmici e percussivi manipolando un disco in vinile sul giradischi.
Ai tempi di Beethoven e di Felix Mendelssohn nel XIX secolo, l'orchestra era composta da un nucleo di strumenti abbastanza standard, che molto raramente veniva modificato. Col passare del tempo e con il periodo romantico che vide dei cambiamenti nelle modifiche accettate da compositori come Berlioz e Mahler, il XX secolo vide che la strumentazione poteva essere praticamente scelta personalmente dal compositore. I sassofoni furono utilizzati in alcune partiture orchestrali del XX secolo come le Sinfonie n. 6 e 9 di Vaughan Williams e la Belshazzar's Feast di William Walton, e molte altre opere come strumento del complesso orchestrale. Le orchestre del Novecento includono generalmente una sezione di archi, legni, ottoni, percussioni, piano, celesta, arpa, con altri strumenti inseriti occasionalmente, come chitarra elettrica e basso elettrico.
Il XX secolo ha visto innovazioni straordinarie nelle forme e negli stili musicali. Compositori e cantautori esplorarono nuove forme e suoni che sfidarono le regole della musica precedentemente accettate dei periodi precedenti, come l'uso di accordi alterati e accordi estesi nel Bebop jazz degli anni '40. Lo sviluppo di potenti amplificatori per chitarra e sistemi di amplificazione sonora negli anni '60 e '70 permise alle band di tenere grandi concerti dove anche quelli con i biglietti meno costosi potevano ascoltare lo spettacolo. I compositori e i cantautori sperimentarono nuovi stili musicali, come fusioni di genere (ad esempio, la fusione tra fine del 1960 di musica jazz e rock per creare la jazz fusion). Inoltre compositori e musicisti utilizzarono nuovi strumenti elettrici, elettronici e digitali e dispositivi musicali. Negli anni '80 alcuni generi musicali, come i generi di musica dance elettronica come la house music, venivano creati in gran parte con sintetizzatori e drum machine. Modi di trasporto più veloci come il volo aereo hanno permesso a musicisti e fan di viaggiare di più per esibirsi o ascoltare gli spettacoli, aumentando la diffusione degli stili musicali.
La musica classica del XX secolo descrive la musica colta scritta teoricamente dal 1901 al 2000. Questo secolo non aveva uno stile dominante e i compositori hanno creato generi musicali molto diversi. Modernismo, impressionismo e post-romanticismo possono essere fatti risalire a decenni prima dell'inizio del secolo, ma possono essere inclusi perché si sono evoluti oltre i confini musicali degli stili ottocenteschi che facevano parte del precedente periodo di pratica comune. Il neoclassicismo e l'espressionismo arrivarono per lo più dopo il 1900. Il minimalismo iniziò molto più tardi nel secolo e può essere visto come un cambiamento dall'era moderna a quella postmoderna, anche se alcuni datano il postmodernismo a partire dal 1930 circa. Atonalità, serialismo, musica concreta e musica elettronica sono stati tutti sviluppati durante questo secolo. Il jazz e la musica folk hanno influenzato in modo importante molti compositori in questo periodo
All'inizio del XX secolo molti compositori, tra cui Rachmaninov, Richard Strauss, Giacomo Puccini ed Edward Elgar, continuarono a lavorare nelle forme e nel linguaggio musicale derivato dal XIX secolo. Tuttavia, il modernismo nella musica divenne sempre più prominente ed importante; tra i modernisti più importanti c'erano Alexander Scriabin, Claude Debussy e i compositori post wagneriani come Gustav Mahler e Richard Strauss, che sperimentarono forme, tonalità e orchestrazione. Busoni, Stravinsky, Schoenberg e Schreker erano già stati riconosciuti prima del 1914 come modernisti e anche Ives fu retrospettivamente incluso in questa categoria per le sue sfide agli usi della tonalità. Compositori come Ravel, Milhaud e Gershwin combinarono espressioni classiche e jazz.
Il nazionalismo tardo-romantico e modernista è stato trovato anche nella musica britannica, americana e latino-americana degli inizi del XX secolo. Compositori come Ralph Vaughan Williams, Aaron Copland, Alberto Ginastera, Carlos Chávez, Silvestre Revueltas e Heitor Villa-Lobos hanno usato temi popolari raccolti da loro stessi o da altri in molte delle loro principali composizioni.
Nei primi decenni del XX secolo, compositori come Julián Carrillo, Mildred Couper, Alois Hába, Charles Ives, Erwin Schulhoff, Ivan Wyschnegradsky rivolsero la loro attenzione ai quarti di tono (24 intervalli uguali per ottava) e altre divisioni più sottili. A metà del secolo compositori come Harry Partch e Ben Johnston esplorarono solo l'intonazione. Nella seconda metà del secolo tra i compositori di spicco che utilizzavano la microtonalità figuravano Easley Blackwood Jr., Wendy Carlos, Adriaan Fokker, Terry Riley, Ezra Sims, Karlheinz Stockhausen, La Monte Young e Iannis Xenakis.
Una tendenza dominante nella musica composta dal 1923 al 1950 fu il neoclassicismo, una reazione contro i gesti esagerati e l'assenza di forma del tardo Romanticismo che rianimò le forme equilibrate e i processi tematici chiaramente percepibili degli stili precedenti. C'erano tre "scuole" distinte di neoclassicismo associabili a Igor Stravinsky, Paul Hindemith e Arnold Schoenberg. Simili simpatie nella seconda metà del secolo sono generalmente elencate sotto il titolo POSTMODERNISMO.
A metà del XX secolo, in particolare nel Nord America, sorse una tradizione compositiva, chiamata "musica sperimentale". Il suo esponente più famoso e influente fu John Cage (1912-1992). Secondo Cage, "un'azione sperimentale è un'azione il cui esito non è previsto" ed era specificamente interessato a lavori completi che svolgevano un'azione imprevedibile. Alcuni dei compositori che influenzarono John Cage furono Erik Satie (1866-1925), Arnold Schönberg (1874-1951) e Henry Dixon Cowell (1897-1965).
La musica minimalista, che comporta una semplificazione dei materiali e un'intensa ripetizione di motivi, iniziò alla fine degli anni '50 con i compositori Terry Riley, Steve Reich e Philip Glass. Successivamente il minimalismo fu adattato a un ambiente sinfonico più tradizionale da compositori come Reich, Glass e John Adams. Il minimalismo fu molto praticato durante la seconda metà del secolo e passò anche nel XXI secolo, così come compositori come Arvo Pärt, Henryk Górecki e John Tavener che lavorano nelle varianti del sacro minimalismo.
Per secoli la musica strumentale era stata creata cantando o usando tecnologie musicali meccaniche, come tendere un arco attraverso una corda collegata a uno strumento cavo o pizzicare un budello o corde metalliche (strumenti a corda), o come costringere l'aria a vibrare (legni ed ottoni) o colpire qualcosa per creare suoni ritmici (strumenti a percussione). All'inizio del XX secolo furono inventati dispositivi elettronici che erano in grado di generare suoni elettronicamente, senza una sorgente di vibrazione meccanica iniziale. Già negli anni '30, compositori come Olivier Messiaen inserirono strumenti elettronici in esibizioni dal vivo. Mentre la tecnologia di registrazione del suono è spesso associata al ruolo chiave che ha svolto nel consentire la creazione e il marketing di massa della musica popolare, fu utilizzata anche la nuova tecnologia di registrazione del suono elettrica ed elettronica per produrre musica d'arte. La musique concrète (musica concreta), sviluppata intorno al 1948 da Pierre Schaeffer e dai suoi associati, era una tecnica sperimentale che utilizzava suoni registrati come materia prima.
Negli anni successivi alla seconda guerra mondiale, alcuni compositori furono rapidi nell'adottare la tecnologia elettronica in via di sviluppo. La musica elettronica fu abbracciata da compositori come Edgard Varèse, Karlheinz Stockhausen, Milton Babbitt, Pierre Boulez, Bruno Maderna, Henri Pousseur, Karel Goeyvaerts, Ernst Krenek, Luigi Nono, Luciano Berio, Herbert Brün e Iannis Xenakis. Negli anni '50 l'industria cinematografica iniziò anche a fare largo uso delle colonne sonore elettroniche. Tra i principali gruppi rock che furono i primi ad adottare i sintetizzatori figurano The Moody Blues, The Beatles The Monkees e The Doors.
La musica folk, nel senso originale del termine coniato nel XVIII secolo da Johann Gottfried Herder, è una musica prodotta dalla composizione comunitaria e in possesso di una sua dignità, anche se alla fine del XIX secolo il concetto di "folk" era diventato sinonimo di "nazione" ", di solito identificati come contadini e artigiani rurali, come nel movimento Merrie England e nei revival gaelici irlandesi e scozzesi degli anni ottanta . La musica folk era normalmente condivisa ed eseguita dall'intera comunità (non da una classe speciale di artisti esperti o professionisti, escludendo in alcun modo l'idea di dilettanti) ed era trasmessa dal passaparola (tradizione orale).
Inoltre la musica folk è stata anche presa in prestito da compositori di altri generi. Alcune delle opere di Aaron Copland si ispirano chiaramente alla musica folk americana.
Un lavoro importante nella registrazione dei brani tradizionali della regione balcanica fu quello di Béla Bartók, poiché è probabilmente il primo compositore interessato a registrare gli audio e ad analizzarli da un punto di vista etnologico
La relazione (in particolare, il valore relativo) della musica classica e della musica popolare è una questione controversa. Richard Middleton scrive:
«Divisioni nette tra "folk" e "popolare" e tra "popolare" e "artistica" sono impossibili da trovare... [vengono usati] criteri arbitrari per definire il complemento di "popolare". La musica "artistica", ad esempio, è generalmente considerata per sua natura complessa, difficile, impegnativa; la musica "popolare" deve quindi essere definita come "semplice", "accessibile", "facile". Ma molti pezzi comunemente pensati come "artistici" (coro di Hallelujah di Händel, molte canzoni di Schubert, molte arie verdiane) hanno qualità di semplicità; al contrario, non è affatto ovvio che i dischi dei Sex Pistols fossero "accessibili", l'opera di Frank Zappa "semplice" o "facile" quella di Billie Holiday.
I musicisti blues come Muddy Waters portarono il Delta Blues, suonato principalmente con strumenti acustici, dal delta del Mississippi a nord fino a città come Chicago, dove usarono più strumenti elettrici creando il Chicago Blues.
La musica country, un tempo nota come Musica Country e Western, è una forma musicale popolare sviluppata negli Stati Uniti meridionali, con radici nella musica tradizionale popolare, spiritual e blues.
La disco music è uno stile di musica dance a ritmo veloce originatosi nei primi anni '70, principalmente dal funk, dalla salsa e dalla musica soul, popolare in origine tra gli omosessuali e gli afroamericani nelle grandi città degli Stati Uniti e deriva il suo nome dalla parola francese discothèque.
La musica hip hop, nota anche come rap o musica rap, è un genere musicale formatosi negli Stati Uniti negli anni '70 e costituito da due componenti principali: rapping (MCing) e DJing (mixaggio audio e scratching).
Il jazz si è evoluto in molti sottogeneri a volte contrastanti tra cui smooth jazz, Bebop, Swing, Fusion, Dixieland e free jazz. Il jazz nacque all'inizio del XX secolo da una combinazione di musica blues, ragtime, brass band, inni e spiritual, musica per menestrelli e canzoni di lavoro.
Per lo più pezzi strumentali che creano suoni di una natura rilassante, romantica, che migliora l'umore o in generale rilassanti. Spectrum Suite di Steven Halpern, pubblicato nel 1975, è generalmente accreditato come l'album che ha iniziato il movimento musicale new-age
Il rock and roll fu sviluppato da precedenti forme musicali tra cui il rhythm and blues, che era stato precedentemente chiamato race music e country music.
Il rock progressivo (dall'inglese progressive rock), anche noto come prog o prog rock, è un genere della musica rock, evoluto dal rock psichedelico britannico degli anni sessanta e diffusosi in Germania, Italia e Francia nel corso del decennio e di quello successivo . Similarmente all'art rock, nacque rispondendo all'esigenza di dare alla musica rock maggiore spessore culturale e credibilità. Il nome del genere, considerato da alcuni inadeguato , indica la progressione del rock dalle sue radici blues, di matrice statunitense, a un livello maggiore di complessità e varietà compositiva, melodica, armonica e stilistica.
I fautori di questa tendenza si distaccarono dalla struttura musicale popolare tipica della Tin Pan Alley in favore di strumentazioni e tecniche compositive frequentemente associate alla musica classica e al jazz, o a volte alla musica colta in genere. I brani furono così rimpiazzati da lunghe suite musicali che spesso duravano 20 o 30 minuti, includendo influenze sinfoniche, temi musicali estesi, ambientazioni e testi fantasy e complesse orchestrazioni. Una parte della critica musicale che considera il concetto alla base del prog «pretenzioso» e le sue sonorità «pompose» e «sopra le righe» tende a sminuire questo genere oppure a ignorarlo del tutto.
Il rock progressivo conobbe il suo picco di popolarità nella prima metà degli anni settanta con l'affermazione, anche commerciale, di gruppi britannici quali Genesis, Yes, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Gentle Giant, Van Der Graaf Generator, Camel, Pink Floyd e Jethro Tull, tra i più noti e influenti del genere, e furono organizzati gli eventi più popolari di questo ambito. Vi fu poi una vasta costellazione di gruppi che pur non raggiungendo quella popolarità, furono ugualmente molto influenti. La popolarità del genere andò sempre più scemando con il finire del decennio, pur con qualche eccezione (una su tutte la band canadese dei Rush). È opinione comune che la causa principale della fine degli anni d'oro del rock progressivo fu l'affermarsi del punk rock, anche se in realtà i fattori del declino furono molteplici.
Il punk rock, spesso abbreviato in punk, è un genere di musica rock che si è sviluppato principalmente fra il 1976 e il 1979, da forme musicali precedenti, derivate dal garage rock, oggi note come proto-punk. I brani composti dai gruppi punk possedevano ritmiche veloci, sonorità dure, generalmente tracce di breve durata, strumentazioni essenziali e testi dai contenuti provocatori e violenti, spesso con una forte connotazione politica. La cultura punk abbracciò poi l'etica del Do it Yourself, creando un circuito di registrazioni autoprodotte e di distribuzione alternativa a quella mainstream.
Il termine "punk" fu originariamente utilizzato dalla critica musicale americana per descrivere i cosiddetti "gruppi garage" ed il loro pubblico. Già nel tardo 1976, alcune band statunitensi, Ramones, Heartbreakers, Dead Boys, Voidoids, Television, o britanniche, Sex Pistols, Damned, Clash, furono riconosciute come la prima ondata di un nuovo movimento musicale. Gli anni che seguirono videro un'ampia diffusione del punk rock in tutto il mondo, diventando presto in Inghilterra un fenomeno culturale alle quali le major iniziavano a puntare con interesse, anche se, perlopiù, il genere trovò la sua ragion d'essere nelle scene locali che tendevano a rifiutare la cultura dominante. Nacque così la sottocultura punk, caratterizzata da uno specifico stile di abbigliamento e da una vasta gamma di ideologie anti-autoritarie.
Verso l'inizio degli anni '80 nascono stili musicali più aggressivi e veloci come l'hardcore punk o l'Oi! che diventarono modalità predominanti nel punk rock. Inoltre, musicisti cresciuti ed inizialmente identificati con l'area punk, oppure da esso ispirata, si orientarono verso un'ampia gamma di variazioni stilistiche, dando origine al post punk da una parte, ed al rock alternativo dall'altra.
Sul finire del XX secolo la rinascita delle sonorità punk rock coinvolse attivamente i circuiti della cultura dominante, con band come, i Green Day, The Offspring, Rancid o blink-182, dando al genere un'ampia popolarità.
Parliamo ora un po' più approfonditamente di un autore che ha segnato più di altri la musica colta del '900:
Schönberg nacque a Vienna il 13 settembre del 1874 da una famiglia colta ebraica che gli impartì le prime nozioni musicali. Il padre Samuel aveva un negozietto di scarpe e viveva molto spesso di espedienti. Il piccolo Schönberg fu prevalentemente educato nelle lettere dal modesto insegnante di francese che era conosciuto a Vienna in particolare come poeta dilettante. I suoi due fratelli invece, Ottilie ed Heinrich, si cimentarono ben presto nella musica, tanto che Heinrich in seguito intraprenderà la strada del canto divenendo un famoso basso, impegnato anche in alcuni lavori del fratello. All'età di otto anni, grazie a un compagno di scuola, Schönberg scoprì il violino e iniziò con grande entusiasmo a studiarlo; le uniche musiche che gli capitavano davanti erano dei piccoli studi per uno o due violini di Pleyel e di Viotti. Nel giro di qualche anno era già in grado di suonarli, e iniziava a cimentarsi quindi nella composizione di brevi pezzetti per duo. Qualche tempo dopo, conosciuto un altro compagno di scuola che suonava la viola, si spinse ancora oltre nella composizione ed era già in grado di scrivere dei piccoli trii per 2 violini e viola.
Intorno al 1889, quando aveva 15 anni, Schönberg fu costretto a causa di un tracollo economico familiare a lasciare la scuola: il padre era morto, e per sopravvivere si impiegò come commesso in una piccola banca privata viennese. Lascerà l'impiego bancario solo cinque anni dopo, quando, consigliato dall'amico violinista Joseph Labor, si trasferirà per un breve periodo a Berlino, e lì avrà modo di ampliare le proprie potenzialità compositive presso alcuni noti locali pubblici del tempo. Il cabaret dello Überbrettl fu in un certo senso il suo primo trampolino di lancio, affiancato in quel periodo da altri intellettuali berlinesi di tendenze rivoluzionarie.
Dal 1903 insegnò armonia e contrappunto a Vienna. Continuò a insegnare durante tutta la sua vita, ed ebbe tra i suoi allievi Anton Webern, Alban Berg e John Cage. In seguito si trasferì in Francia dove compose nel 1912 il Pierrot Lunaire: un ciclo basato su 21 poesie ispirate alla celebre maschera francese d'origine bergamasca; in esse il compositore introduce un tipo di canto già parzialmente introdotto nei precedenti Gurrelieder (definitivamente strumentati nel 1911) e La Mano felice: lo Sprechgesang, il canto parlato dove l'esecutore non intona le parole, ma le declama con un vago accento musicale. Schönberg si dilettava anche di pittura; in questi anni venne in contatto con Vasilij Kandinskij ed espose anche con il gruppo Der Blaue Reiter. Verso il 1920 iniziò a comporre usando il metodo della dodecafonia. Nel 1933 fu obbligato, a causa delle persecuzioni antisemitiche naziste, a trasferirsi negli Stati Uniti d'America, prima a Boston e poi a Los Angeles, dove morì nel 1951.
La dodecafonia o, come Schönberg amava definirla, "metodo di composizione con dodici note poste in relazione soltanto l'una con l'altra", prevede che tutti i dodici suoni della scala cromatica appaiano lo stesso numero di volte nell'esposizione, affinché nessun suono prevalga sugli altri. Le composizioni non sono pertanto basate sul rapporto tonica-dominante e non presentano più la struttura gerarchica tipica del sistema tonale.
I principi fondamentali del metodo sono:
Uso del "totale cromatico": la scala diatonica è sostituita da quella cromatica; è quindi previsto l'uso di tutti i dodici suoni disponibili nella divisione dell'ottava secondo il temperamento equabile.
Onde evitare la prevalenza di un suono sugli altri, bisogna che nessuno di essi si ripeta prima che tutti gli altri siano comparsi. All'inizio viene quindi stabilita una serie, per fissare l'ordine in cui le note devono succedersi in una determinata composizione.
Per evitare un'eccessiva uniformità si può ricorrere ad alcuni artifici, come l'utilizzo della versione retrogradata della serie originale, o l'inversione di questa (con tutti gli intervalli disposti per moto contrario), o ancora l'inversione della versione retrogradata. Si ottengono così quattro ordini principali della serie. In più, è possibile trasporre la serie originale e le sue tre "versioni" su tutti i restanti 11 gradi della scala cromatica.
La successione degli accordi costruiti sui gradi IV, V e I di una scala maggiore o minore (formula cadenzale) fornisce all'ascoltatore il senso della tonalità di un brano. Sostituendo l'accordo di tonica con un altro grado della scala (oppure con un accordo di un'altra tonalità), si ottiene una cadenza evitata.
Modulazioni e cadenze evitate sempre più frequenti e ardite hanno portato storicamente a un affievolimento del senso tonale. Anche perché, se in un brano di cinque minuti la ripetizione del tema iniziale, nella stessa tonalità, può essere percepita come un “ritorno all'origine”, in uno molto più lungo difficilmente produce il medesimo effetto. Il massimo sviluppo del sistema tonale (fine del diciannovesimo secolo) ha coinciso con l'inizio della sua crisi.
Si consideri che i termini atonale e dodecafonico non sono sinonimi: il primo indica qualunque musica priva di riferimenti tonali, mentre il secondo si riferisce al metodo sopra descritto. Diversi compositori nel corso del Novecento hanno adottato il metodo dodecafonico.