FAMILIA: Três Ranchos nos une

Colectiva de imágenes, textos y sonidos

Etel Reis, José Luiz Vaz, Maria Vaz, Roseli Ribeiro

Con músicas de Zé Eduardo Vaz

Somos cinco primos de diferentes generaciones.

Zé Eduardo y yo somos de una generación. Somos primos primeros porque nuestros padres eran hermanos. José Luiz y Roseli son de la siguiente generación, porque sus padres eran mis primos. Maria Vaz, a pesar de ser más joven, también es de esta generación. Ella es hija de Zé Eduardo, por lo tanto, José Luiz, Maria y Roseli son mis primos segundos. Además de ser familiares, nos une un lugar en especial: Três Ranchos.

Três Ranchos es como nuestra Comala, o Macondo, entremezclada en un tiempo perdido y real simultáneamente. Es una ciudad brasileña en el sureste del estado de Goiás. Tiene alrededor de 3 mil/hab. En los 80, pasó por un gran cambio con la construcción de una hidroeléctrica, que la  transformó en destino turístico, por su esplendoroso Lago Azul.

“Catalão” es la ciudad cercana más importante. Sí, cuenta la historia que un cura catalán estuvo por el lugar en la época, por vuelta de los 1800. Por esas tierras nació mi padre, por eso tengo un vínculo especial. En mi infancia íbamos de vacaciones, tengo muchos recuerdos, imágenes en la memoria, y el lugar me inspiró a escribir mis primeros versos a los 9 años.

Mi gran sorpresa fue descubrir que la hija del primo Zé Eduardo, que no vive allí, se llamaba como mi madre, Maria Vaz, era fotógrafa, y realizaba un trabajo artístico y de investigación sobre esta ciudad. Gracias a estas coincidencias, establecimos contacto. Todo eso después de la muerte de mi madre en 2021. Algunos familiares paternos siguen viviendo allí.

Supongo que habernos reencontrado después de tantos años, y descubrir que teníamos cosas en común nos ha hecho aún más cómplices. Zé Eduardo compone músicas, que marcaron una época, una generación. Sigue componiendo y tocando. Zé Luiz como geógrafo, amante de la fotografía, la utiliza para catalogar flores y frutos de “El Cerrado”, y escribe. Maria Vaz es artista visual e investigadora de archivos e imágenes, comprometida con el medio ambiente y los animales. Roseli tiene múltiples talentos, es psicóloga e investigadora  de la creatividad en sus diversas formas y particularmente en el espacio familiar. En mi caso, me gusta dedicar al intercambio y divulgación del arte y la cultura, en sus diversos aspectos.

Todo eso nos une: Três Ranchos, el Arte, la Familia Vaz dos Reis. Esta exposición es íntima, introspectiva, y al mismo tiempo, amplia, universal, porque habla de cosas cotidianas y comunes a todos. Habla de FAMILIA, amor, naturaleza, animales, música, de nuestros seres vivos y muertos. Aquí registramos nuestro homenaje colectivo a ellos.

Etel Reis

Artista y comisaria de la exposición

Brasil Natura es una colectiva de fotografías sobre la flora, fauna y naturaleza de este inmenso país verde. Los principales tipos de vegetación existentes son: La “Selva Amazónica”, en el norte; el “Bosque de los Cocais”, en el medio-norte; el “Bosque Atlántico”, desde el nordeste hasta el sur; el “Bosque de las Araucarias” (Mata de los Pinos piñoneros), en el sur; la “Caatinga” en el nordeste; el “Cerrado”, en el centro; el “Complejo del Pantanal”, en el suroeste, los campos en el extremo sur con manchas dispersas en algunos estados del país, y la vegetación litoral, desde el Amapá hasta Río Grande del Sur.

En esta exposición veremos ejemplares en macrofotografías de “El Cerrado”, una vegetación diversa y única. Son como sabanas intercaladas con árboles, y gramíneas resistentes a la sequía. Este paisaje único alberga una sorprendente variedad de vida silvestre, que incluye muchos animales, numerosas aves, reptiles e insectos únicos.

La fotógrafa Ângela Macário nos dará una visión alegre, divertida y minimalista de estos bichitos. Es una fotógrafa muy detallista, paciente y creativa. Cada macrofotografía suya es estudiada, planeada y ejecutada en sus mínimos detalles. Con lo que ha ganado varios premios de fotografía.

José Luiz Vaz, geógrafo de formación, está especializado en este tipo de vegetación, y utilizando la macrofotografía se decantó por catalogar y coleccionar más de 107 familias botánicas típicas de esa región. Más de 1.200 fotografías de flores y frutos de diferentes ejemplares. Veremos algunos de ellos representados en esta muestra.

Las fotografías presentadas por Etel Reis son del Pantanal Matogrossense, una llanura aluvial que se extiende principalmente por el estado brasileño de Mato Grosso del Sur, y en menor medida por el de Mato Grosso; partes aledañas de Santa Cruz, en Bolivia; y el Alto Paraguay, en Paraguay. Son analógicas, datadas del año 1990, y fueron expuestas en la AFC, Agrupación Fotográfica de Catalunya, en marzo de 1991.

Etel Reis, comisaria de la exposición

Los artistas

Ângela Macário (Goiânia, Brasil, 1972)

@fotografaangelamacario

linktr.ee/fotografaangelamacario

Licenciada en Diseño Gráfico por la Universidade Federal de Goiás, donde tuvo los primeros contactos con la fotografía. Actualmente, trabaja con fotografía corporativa, de eventos, y bancos de imagen. Es activista en varias causas sociales, utilizando la fotografía como herramienta de denuncia y divulgación.

En esta exposición sus imágenes nos darán una visión alegre, divertida y minimalista de los insectos que forman parte del bioma “El Cerrado”, en el centro del país. Ella es una fotógrafa muy dedicada, además de detallista, paciente y creativa. Cada macrofotografía suya es estudiada, planeada y ejecutada en sus mínimos detalles. Lo que le ha hecho ganadora de varios premios nacionales e internacionales de fotografía.

José Luiz Vaz (Três Ranchos, Brasil, 1960)

@zeluiz.vaz

Geógrafo de formación, con una licenciatura y un master en Geografía por la Universidade Federal de Goiás. Estudios de investigación sobre "El Cerrado" (tipo de vegetación del centro del país), tanto la naturaleza como el hombre y su historia en este ambiente. A través de la macrofotografía se decantó por catalogar y coleccionar más de 107 familias botánicas típicas de esta región. Más de 1.200 fotografías de flores y frutos de diferentes ejemplares. Veremos algunas de ellas representadas en esta exposición.

Actualmente es profesor de enseñanza fundamental en su región. Su acervo de fotografías de "El Cerrado" es un continuo trabajo de concientización y  preservación de este importante Bioma.

Etel Reis (Goiânia, Brasil, 1966)

@etelreis

www.etelreis.com

Licenciada en Arquitectura y Urbanismo por la PUC/GO. Master en Arquitectura por la UPC. Doctorado en Bellas Artes por la UB. Artista fotógrafa, documentalista, y comisaria de exposiciones. Ella es la comisaria que organiza las exposiciones del Día de Brasil en el CC La Bòbila, desde el 2018. Participante de varias exposiciones colectivas en Bosnia-Herzegovina, Brasil, Emirados Árabes, España, Mauricio, Perú, y algunas individuales en Brasil y España. Fundadora del “The StreetWorld Project & Friends” en 2013, un grupo diverso con diferentes artistas de varios paises.

En 2023 creó el Cotidien-Fest en Barcelona, un evento expositivo con 17 artistas nacionales e internacionales. Está profundamente dedicada al desarrollo del arte, de la cultura y la educación como herramientas de cambios sociales.

USO & ABUSO / ÚS I ABÚS

La no poética de la violencia de género

Exposición de pinturas de Ciclonne

Desde la floresta Amazónica hasta el último rincón del mundo existe una violencia generalizada. ¿Será algo implícito a los humanos?

“La violencia es un tipo de interacción entre individuos o grupos, presente en el reino animal, por medio de la cual un animal o grupo de animales, intencionalmente causa daño o impone una situación, a otro u otros animales.”

Son signos de violencia: la guerra, el genocidio, el crimen, el terrorismo de Estado, el terrorismo, la legítima defensa, la violencia de género, la violencia intrafamiliar, el maltrato infantil, resistencia a la opresión, la esclavitud, las cárceles, los duelos y riñas, algunos deportes y artes marciales, la crueldad hacia los animales, etc.

La violencia de género es un tipo de violencia física, psicológica, sexual, institucional, simbólica y estructural, ejercida contra cualquier persona o grupo de personas sobre la base de su orientación sexual, identidad de género, sexo o género que impacta de manera negativa en su identidad y bienestar social, físico, psicológico o económico. De acuerdo con la Organización de las Naciones Unidas, el término se utiliza «para distinguir la violencia común de aquella que se dirige a individuos o grupos sobre la base de su género»,​ constituye una violación de los derechos humanos.​

Incluye la violencia y discriminación contra la mujer y las personas LGTBIQ+,​ así como el sexismo, ​ la misandria, ​ la misoginia, la homofobia y la transfobia. A principios de la década de 2000, el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados señaló que la violencia de género podía catalogarse como una violación de los derechos humanos, e indicó que este flagelo afectaba a mujeres, hombres, niños y niñas, aunque son las mujeres y niñas las que predominantemente son víctimas.

Un grupo de científicos de la UNESCO en la Declaración de Sevilla, 1986, enfrentaron las teorías ambientalistas y biológicas sobre la violencia, y concluyeron: “… Concluimos que la biología no condena a la humanidad a la guerra, y que la humanidad puede librarse de las ataduras del pesimismo biológico y, afrontar con confianza los cambios necesarios para ello.” Ojala eso sea posible algún día.

Etel Reis

Comisaria de la exposición

Sobre el artista

Ciclonne, nombre artístico de Paulo Cesar da Silva, es un artista de origen brasileño, que reside en Barcelona hace más de ocho años. Como autodidacta, empezó a pintar en la época del confinamiento, en 2020, por pura necesidad de expresar sus emociones, en aquel momento muy revueltas. Utiliza materiales reciclados, que va encontrando por las calles, marcos, telas, pinturas, todo se transforma en sus manos, y gana una nueva vida. Es una persona preocupada por los derechos humanos, y se sensibilizó mucho con los datos de la violencia de género en España. Tiene una sensibilidad y una humanidad que le honran.

“Uso & Abuso, la no poética de la violencia de género”, es el tema escogido por Ciclonne para esta exposición individual, donde él expresa su indignación por el maltrato doméstico. Al principio todo son flores, juegos de conquista, una luna de miel temporal. Con la convivencia, la casa, los hijos, lo cotidiano, los problemas empiezan, vienen los abusos, las agresiones, las peleas, generando dolor, violencia, y muchas veces, la muerte. El femicidio o feminicidio es la manifestación más brutal y extrema de la continua violencia contra las mujeres y las niñas.

@ciclonne_art

www.ciclonneart.com

Abstract Painting / Pinturas Abstractas

Exposición individual de Murilo Sampaio

En Conmemoración del Día de Brasil en L'Hospitalet-Barcelona

Sobre la Exposición 

Murilo Sampaio es un artista con Síndrome de Down, con dificultades de habla, lectura y escritura. Desde el año 2020, bajo la presión de la pandemia, comenzó a expresarse a través de la pintura, con habilidad, autonomía y creatividad. Nadie tuvo que enseñarle, es un artista autodidacta.

Pos-pandemia, la actividad de pintar pasó a ser utilizada para llenar su tiempo libre, fuera de la escuela, lo que le generaba momentos de calma, explorando rasgos y métodos propios, construyendo un estilo único, abstracto, con colores llamativos. Todo le viene desde un estado interno de inmersión y conexión con sus propias emociones simbólicas.

Murilo nació en Goiânia, Brasil, en julio de 2000. Vive en San Diego (California, EUA), desde los cinco años con sus padres y hermanos. Su primera exposición fue en diciembre de 2022, en el Annual Holiday Craft Fair, en San Diego.

Abstract Paintings es su segunda individual, y primera a nivel internacional, en el Centre Cultural La Bòbila (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, España), un espacio cultural que está abierto y comprometido con la diversidad y la inclusión de los artistas más vulnerables.

Murilo es un gran ejemplo de que el arte puede ser una valiosa terapia, de ayuda y engrandecimiento a los que quieran usarla como herramienta hacia el desarrollo psíquico y emocional. Sin más, el simple modo de cualquier expresión artística hace que el individuo alcance un estado de bienestar emocional, relajado y placentero.

Etel Reis, comisaria de la exposición

“¿Qué hace un artista? Tal vez proponer una salida, un rescate de lo que viene de su corazón, donde el pincel y la pintura son usados como salvoconducto de reconexión con el mundo exterior, posibilitando nuevas formas de expresión. Se define en los caminos por desvelar, a través de su capacidad vital, de su invención/imaginación que quiere crear mundos, buscar huecos y convocar lo posible.” (Haydèe Sampaio, artista visual, tía de Murilo)

Arrels Ancestrals / Raíces Ancestrales

Exposición individual de Haydèe Sampaio

En Conmemoración del Día de Brasil en L'Hospitalet-Barcelona

Sobre la Exposición - Texto curatorial

El bosque tropical del Amazonas cubre un área de casi siete millones de kilómetros cuadrados, que abarca gran parte del noroeste de Brasil y se extiende hasta Colombia, Perú y otros países de Sudamérica.

Los nombres de “Amazonia” o “Amazonía” provienen de la legendaria tribu de “las Amazonas”. Fue Francisco de Orellana, un explorador y conquistador español, el primero en descubrir la selva amazónica y navegar el Amazonas. Después de enfrentarse a una etnia local en la cual hombres y mujeres se defendían por igual, derivó el nombre del mito griego de “las guerreras amazonas” de Asia y África, narrado por Heródoto y Diodoro Sículo.

Según determina el autor José Antonio Solís en su obra “Mujeres de capa y espada”, era un grupo de mujeres guerreras, supuestamente hijas de “Ares”, siendo su madre en la mayoría de los casos, “Harmonia”. De esta mezcla, aquella tribu tendría la sangre del dios de la guerra, y de la diosa de la armonía y la concordia.

Solís y Elsa Felder (Autora de “Vida y pasión de grandes mujeres”), coinciden en que según la tradición, “las amazonas” fueron las primeras en montar a caballo, y se entrenaban durante horas para ser unas maestras en el arte de la equitación. También eran extremadamente buenas en su puntería, lo que explican entre otros autores, el médico griego Hipócrates, y Felder destaca: “Se aseguraba que a las niñas les cercenaban el seno derecho para que al ejercitarse en el tiro con arco y flecha, en el que eran las amazonas extraordinarias, pudieran sujetar con comodidad dicho arco sobre el pecho.”

Al parecer, de esta leyenda podría provenir su nombre ya que, en griego, el término “amazoi” significa “sin pecho”. Con todo, esta es sólo una de las teorías. Otras afirman que su origen es el vocablo iraní “hamazam”, cuya traducción viene a ser “guerreras”.

Según la Mitología Nórdica, las “valquirias” o “valkyrias” eran mujeres guerreras con poderes sobrenaturales y con una belleza fuera de lo común. El término “valkiria” proviene del nórdico antiguo “valkyrja”. Su traducción es: “selectoras de caídos en el combate”. La labor de estas amazonas era elegir a los guerreros más heroicos, llevarlos al “Valhalla” y curarlos, además de deleitarlos con su gran belleza.

Como “las amazonas” o “las valquirias”, Haydèe Sampaio es una artista curandera, valiente y guerrera. Nació en un pueblo de la Amazonia brasilera, y su trabajo es un acto de amor a su tierra querida y a las mujeres que hicieron parte de su infancia e imaginario. Ella propone narrativas visuales que describen las raíces de sus ancestros.

La artista propone para esta exposición, escenas de bendiciones, rezos, ofrendas, chamanes, curas, relacionadas con su origen amazónico. Ella captura y remarca la magia en lo visual. Enseña espacios y personas con una intención de conectar con sus memorias. Muestra colores alegres y formas variadas, con el objetivo de explorar las interconexiones ancestrales. Su inspiración viene de la posibilidad de mostrar la belleza de lo invisible y la vulnerabilidad de las personas en la sociedad contemporánea.

Salvando las distancias temporales, la pintura de Haydèe me recuerda al pintor francés postimpresionista, Paul Gaughin. El uso experimental del color y su “estilo sintetista” fueron elementos clave para su distinción respecto al impresionismo. Como Gaughin, ella utiliza manchas de color intenso delimitadas por contornos más oscuros, eliminando todo lo artificial buscando la esencia y lo sintético a través de la simplificación de las formas.

Es un honor poder traer estas pinturas de Haydèe Sampaio al continente europeo, y poder enseñar parte de la historia que se está construyendo en el Hemisferio Sur aquí del otro lado del “charco”, en el Hemisferio Norte. Con esta exposición, “Raíces Ancestrales”, completamos seis años ininterruptos de exposiciones en el Centre Cultural La Bòbila en celebración del Día de Brasil en L’Hospitalet, Barcelona. Cada año traemos una parte de Brasil a España a través del arte y la cultura.

Disfruten la esencia y la profundidad estética de las obras tan personales de esta artista brasileña, y al mismo tiempo identitaria de las raíces ancestrales amazónicas. Como “las amazonas” o “las valquirias”, traspasan las leyendas, se transforman y cuentan historias visuales mágicas de mujeres valiosas.

Etel Borges Reis

Comisaria de la exposición en el CC La Bòbila

Doctora en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, 2003

Clive Booth: el artista social

Exposición l Performances l Taller

Clive Booth l Artista Social

Barcelona 1987 – 2022

35 años del festival L’H.Art Viu

Una retrospectiva del artista social Clive Booth, inglés, afincado en Barcelona desde 1977. Recordando sus inicios en Las Ramblas, y su participación en el festival L’H.Art Viu, de L’Hospitalet de Llobregat, en 1987. Una trayectoria que pretendemos mostrar a través de una exposición de fotografías, obras y objetos personales; un taller, y algunas performances del artista. Como colofón especial, Clive quiere enseñar parte del material que construyó en la época del confinamiento en 2020, y las nuevas actuaciones que realizó en este último año en las calles de L’Hospitalet. Siempre acompañado del fotógrafo documental Marc Asensio Clupé (Barcelona, 2001), que registró los momentos de complicidad del artista con el público. Imágenes que componen la mayor parte de esta exposición.

Como artista social, Clive tiene el deseo de experimentar a través de un lenguaje artístico la realización de un objetivo compartido con el espectador. Busca la sinergia social, la acción simultanea, sentirse parte de algo, de un proyecto ubicado en un lugar en particular, generalmente abierto, como calles, parques, plazas, utilizando carteles, juegos, elementos y objetos colectivos en espacios públicos, incluyendo el mobiliario urbano. Signos de una acción participativa activa con el objetivo de despertar la mirada crítica del otro.

Clive Booth nació en Bridgnorth, Shropshire, Inglaterra, en 1949. Considera que tuvo una infancia muy triste en Inglaterra.  Se convirtió en un joven extremadamente tímido. A pesar de todas las dificultades, siempre fue un buen niño, cumplidor, obediente y llegó a concluir sus estudios universitarios en Geografía, en la Universidad de Gales.

En una crisis existencial que tuvo a los veintitantos años, dejó su trabajo bien pagado como trabajador social, y se fue de su ciudad a Londres. Allí después de un tiempo participando en un grupo terapéutico, comenzó a expresarse, a ser más extrovertido al aire libre, en las afueras de Londres. Este fue el comienzo de una nueva vida para él. A pesar de la poca idea de cómo hacer lo que quería hacer, fue aprendiendo todo en la práctica, sin ninguna formación artística formal.

Su gran transformación pasó cuando dejó su país y vino a España, en 1977. Conocer "Las Ramblas" de Barcelona fue para él su salvación, el momento clave de su vida. Fue como encontrar la luz y su verdadero lugar en el mundo. Allí conoció el amor de su vida, Julia, y juntos comenzaron una nueva etapa. Lo que no pudo hacer en su país, aquí en esta ciudad sí pudo. Aquí construyó su propia historia: su expresión artística, su familia, su trabajo, su verdadera vida. Lo que él llama de “su autoeducación”.

En Barcelona, Clive descubrió el mundo con sus propios ojos. Tiempos atrás en Inglaterra, casi murió, pero aquí volvió a vivir cuando pudo actuar y expresarse en las calles. De pequeño le faltó eso, la calle, la libertad al aire libre. Así que se transformó en aquel personaje que él necesitó cuando era niño.

Se siente afortunado del camino que construyó con esfuerzo, ingenio y resiliencia. Después de 40 años sigue saliendo a la calle con sus ideas en el propio cuerpo, utilizando la calle y el mobiliario urbano para comunicar sus ideas. Cuando va a dar sus clases de inglés a grupos de gente mayor en el Ateneo de Sant Andreu, aprovecha para sacar sus carteles en el camino y en el metro.

Clive es un superviviente, que a sus 72 años sigue muy creativo. Cada día amanece con muchas ideas en la cabeza, y las plasma en diferentes medios de comunicación y expresión: cuentos, objetos, carteles, maquetas, etc. No tiene límites. Es un artista social ilimitado: desgarra sus ideas, y las enseña en su propia piel.

Etel Borges Reis

Comisaria de la exposición

@etelreis