La colectiva Huellas Humanas está conducida por la narrativa documental y humanista, cargada de emociones y sentimientos. Algunos rastros, pistas, ‘huellas’ que la humanidad está dejando en la Tierra; experiencias entre distintos grupos y lugares. Un panorama con vivencias fotográficas en Alemania, Argentina, Brasil, Chile, España, Francia, Gambia, Japón y Panamá.

¿Cuáles son las ‘huellas’ que sobrevivirán a nuestro paso por el planeta? Puede ser que no quede ninguna en materia. Al final todo es tan efímero y trascendental…

Por otro lado, las ‘huellas humanas’ sobreviven y son traspasadas en el afecto familiar, en el pasado nostálgico, en los viajes disfrutados, en la sonrisa de un niño, en las danzas de la vida, en los edificios construidos, o en los diálogos con el mar en días de tormenta.

Los momentos vividos y los recuerdos recurrentes son la memoria que dejaremos a los que vendrán. Sobrevivirán a nosotros en una transformación constante del espacio y del medio-ambiente. Sobrevivirán en lo que transmitimos a nuestros seres queridos.

8 fotógrafas de diferentes lugares, nuevos talentos, que forman parte del grupo The StreetWorld Project & Friends, mostrarán, cada una con su estilo y narrativa, algunas de esas ‘huellas humanas’.

Ruth Argañaraz (Tucumán, Argentina)

“Territorio/conquista”

@_holaruth

Thais Buforn (Barcelona, España)

“Past is past”

@on_capti_on

Noelia Buitrago (Sabadell, España)

“Nacer en 18”

@noeliabuitragofoto

Esther Domínguez (Barcelona, España)

“Tribus i nens”

@narabcn

Laurence Lalloué (Bagnols-sur-Cèze, Francia)  

“Entre pierres et mémoires”

@laurence_lalloue

Tânia Tomoko (São Paulo, Brasil)

“Tiempo de familia”

@tania_tomoko

Belén Vilanova (San Juan, Argentina)  

“Lo sentimos. Evidencia e intervención”

@belenvilanova

Carolina Yedrasiak (Buenos Aires, Argentina)

“Amazonas”

@carolinayedrasiak

Comisarios de la exposición:

Etel Reis (Arquitecta, Artista fotógrafa y Comisaria)

@etelreis

Ricardo Navio (Director del Centre Cultural La Bòbila)

@cclabobila

Huellas Humanas en el CC La Bòbila del 22 de septiembre al 30 de octubre. Expo en Barcelona del Revela'T 2020. @revelatfestival

Visitas abiertas a partir del día 22 de septiembre.

Centre Cultural La Bòbila

Plaça de la Bòbila, 1 - L'Hospitalet de Llobregat (Barcelona)

Ruth Argañaraz (Tucumán, Argentina, 1993) @_holaruth

Ruth estudió fotografía en la Universidad Nacional de Tucumán (Argentina), y se formó en Cine en la Universidad Nacional de Córdoba y Diseño gráfico (Escuela Superior de Artes Aplicadas Lino Enea Spilimbergo). Se especializó en procesos fotográficos antiguos, soportes no convencionales naturales e imagen efímera.

Fue artista invitada por el Experimental Photo Festival de Barcelona (EXP.20), con un workshop y con su obra "Mujeres Fuego", dentro de la Muestra “Soportar”, en el Centre Cívic Pati Llimona. Actualmente incursiona en el mundo editorial independiente (Fanzine) y ofrece sus talleres online o presenciales. Le apasiona la autogestión y el trabajo manual, por eso construye sus obras en distintos formatos, sin perder el hilo de su narrativa, y su conexión con lo personal; como vive el feminismo, el afecto, la familia y su origen como mujer latinoamericana.

“Territorio/Conquista” fue la obra que Ruth construyó para esta exposición, con Cianotipos textiles y bordado a mano. Ella se quedó confinada en Barcelona y no pudo regresar a su país.

Técnica: Mixta. Cianotipia textil, bordado a mano y fotografía analógica. Cámara Olympus trip 35. Película Ektar 100, color.

Resumen de la artista: Territorio/Conquista. Barcelona, 2020

Durante el confinamiento en Barcelona, aparte de todos los mambos existenciales generales, desarrollé mi primera obra performática: “Territorio/Conquista” es una pieza textil cianotipada y bordada a mano.

La acción de revelar nuevos mapas en una prenda cotidiana y marcar puntos de ubicación como territorios explorados (donde existo y habito) me devuelve al agua, mi elemento por naturaleza.

El agua que mide la distancia, y que a su vez acorta el horizonte y me hace sentir cerca de mis afectos, mientras descubro y redescubro tierras colonas bajo mi mirada de mujer/latina/pobre/joven.

Este es mi nuevo territorio, y estas mis conquistas.

Thais Buforn (Barcelona, 1974) @on_capti_on

Después de estudiar Ciencias Empresariales (UPF) y  Administración de Empresas (UAB), Thais se encaminó hacia el mundo artístico estudiando Arte Dramático en el Institut del Teatre de Barcelona, y después entró en el mundo de las letras estudiando Traducción e Interpretación (Universitat de Vic). Posteriormente, se formó como fotógrafa en Fuga (antiguo Centro de Fotografía Documental de Barcelona). Actualmente, trabaja como actriz de teatro y doblaje, fotógrafa, traductora y profesora universitaria de la Universitat de Vic. Está interesada en la fotografía de viajes, de paisaje y de retrato, pero especialmente en la fotografía analógica y las técnicas tradicionales como la cianotipia. Su última exposición de cianotipias, “El mar és blau”, en el Centre d’Art Contemporani de Vilanova i la Geltrú, LA SALA, que hubiera sido inaugurada en abril/2020, fue aplazada a octubre, debido al tema de la cuarentena.

Thais presenta para esta exposición la serie “Past is past”, panorámicas realizadas en Berlín, en 2018.

Técnica: Fotografia analógica. Cámara panorámica Horizon 202. Película Kodak T-Max 400, blanco y negro.

Resumen de la artista: Past is past. Berlin, 2018

En esta serie de cuatro fotografías panorámicas, hablo de la banalización de los símbolos del pasado. Las fotografías, hechas en Berlín en 2018, muestran espacios históricamente emblemáticos banalizados por el turismo, con personas anónimas visitando lugares donde otras personas anónimas vivieron, sufrieron e incluso murieron. Unos monumentos a las miserias del ser humano convertidos en destinos turísticos, rodeados de souvenirs, riadas de gente, selfies, autocares, audioguías y trabajadores disfrazados que alimentan la nostalgia y la morbosidad.

La cámara utilizada es una Horizon 202 de fabricación rusa, un artefacto totalmente mecánico que el fabricante KMZ lanzó al mercado en 1989 (aunque el primer prototipo se presentó en 1947). Y 1989 es, precisamente, el año en que cayó el muro de Berlín.

Noelia Buitrago (Sabadell, Barcelona, 1984) @noeliabuitragofoto

Noelia es traductora de profesión, ha vivido en diferentes ciudades como Barcelona, Vigo, Madrid, Burdeos y Montreal. Siempre se sintió atraída por el mundo de las artes y la fotografía. Sin embargo, hasta que no se cruzó la fotografía estenopeica de @fotolateras y redescubrió la fotografía analógica no empezó a desarrollar su faceta más creativa. Actualmente investiga con técnicas experimentales como la cianotipia, la múltiple exposición, el polaroid lift, las cámaras estenopeicas y las intervenciones con bordado.

A Noelia le encanta conocer nuevas culturas y lugares. De su último viaje a Chile trae para esta exposición esta serie de fotografías analógicas, “Nacer en 18”.

Técnica: fotografía analógica. Cámara Nikon FA. Película LomoChrome Purple XR 100-400 ASA, color.

Resumen de la artista: Nacer en 18. Chile, 2020

“Un recorrido por unos días marcados por la alegría del reencuentro para la autora y una convulsión social sostenida en un país que grita cansado reclamando al gobierno la justicia social y la dignidad que les fueron arrebatadas desde antes incluso que se sentaran las bases del Estado chileno, el 18 de septiembre de 1810.

En las imágenes seleccionadas, tomadas entre el 18 y el 25 de enero de 2020, asistimos a protestas en Santiago de Chile, tres meses después del estallido social. En ese mismo carrete, las fotografías de las protestas se van intercalando con escenas íntimas y cotidianas de Carla y su hija Noelia de tres meses, nacida el 18 de octubre de 2019, día del estallido social en Chile.

El pueblo chileno hoy sigue luchando por sus derechos un año después y el 25 de octubre de 2020 debería celebrar un referéndum con el objetivo de llevar a cabo una reforma constitucional”.

Noelia, la autora/fotógrafa, nació el 18 de septiembre de 1984.

Esther Domínguez (Barcelona, 1963) @narabcn

Esther viene del área de la salud, donde estudió psicología y enfermería, trabajando veinte años en este sector. Aficionada a la fotografía desde siempre, principalmente en sus viajes por el mundo, es una fotógrafa innata, que prima la composición y estética de sus imágenes. Ha empezado con cámaras analógicas, y luego se pasó al formato digital, echando de menos lo otro. Valora el  registro fotográfico como documento social, e intenta vivir la esencia de la vida en cada momento, y guardar esos recuerdos en su memoria a través de las imágenes.

De sus visitas a varias comunidades indígenas de África y Latinoamérica, Esther trae para esta exposición la serie “Tribus i nens”, un popurrí de ‘collages de nens’ de diferentes lugares. Unos retratos de niños que emocionan y tocan la fibra sensible de cualquiera.

Técnica: Mixta. Collages en papel dinA4/90g, con impresiones en blanco y negro, y color, de fotografías digitales.

Obs.: Los collages fueron realizados por Etel Reis con las fotos de Esther Domínguez.

Resumen de la artista: Tribus i nens. Barcelona, 2020

La foto más antigua de mi serie, la de los niños gambianos, fue tomada en el 2004. Este viaje me impactó bastante porque fue el primer país del África negra que visité. La sonrisa de estos niños, a pesar de las carencias que presentaban, era inigualable.

Las dos fotografías de las niñas fueron tomadas hace unos cinco años (2015), en Panamá, visitando una reserva de los indígenas Emberá, que significa “Hombre de maíz”. Estos amerindios viven en el Parque Nacional del río Chagres. Resultó ser una experiencia inolvidable poder navegar por la selva, y llegar a su poblado donde nos mostraron sus maneras de vivir, sus costumbres, sus cantos y bailes, sus tatuajes de pigmentos, que a parte de decorativos, sirven para ahuyentar los insectos. Increíble como mantienen tradiciones ancestrales con la adaptación a la sociedad de estos días.

Y por último, la fotografía más actual (enero/2020), del niño rubio mulato, llevado por su mamá, nos muestra la gran diversidad étnica que existe en Brasil.

Laurence Lalloué (Bagnols-sur-Cèze, Francia, 1976) @lau_lalloue

Laurence estudió fotografía analógica en la misma época en que estudió la facultad de Farmacia, en Montpellier. Luego vivió durante 15 años en Brasil, donde trabajaba como profesora en la Alianza Francesa, y continuó practicando la fotografía, participando y organizando exposiciones individuales y colectivas, siempre incluyendo el ser humano y su relación con el medioambiente.

De vuelta a Francia, en 2017, Laurence retorna a la fotografía analógica, y ahora construye esta serie “Entre pierres et mémoires”; fragmentos del cotidiano de una pequeña ciudad del Sur de Francia. Sus recuerdos entremezclan, entre piedras y memorias, al final creando una ciudad imaginaria, ideal y utópica.

Técnica: Fotografía analógica. Cámara Canon EOS 500. Películas Kodak Gold 200, color; y Ilford FP4 Plus, blanco y negro.

Résumé de l’artiste: Entre pierres et mémoires. France, 2020.

De retour sur ma terre natale après 15 ans d’exil au Brésil, que reste-t-il de la région de mon enfance?

Revisitant ces lieux anciennement si familiers, je ne puis que constater que la distance créée entre mes souvenirs et la réalité est imprévisible. Car que sont les souvenirs, sinon une mémoire empreinte de subjectivité? Entre les pierres, ressurgissent inévitablement les mémoires de mon enfance, provoquant une émotion tangible qui n’a d’égale que celle de l’émoi de ne pouvoir retrouver de fait le pays où je suis née. Mémoires, souvenirs, temps et espaces se mélangent dans un présent qui me dérange... Un présent qui ressemble à un futur mal conjugué.

On peut se mettre à distance de son présent comme on peut se mettre à distance de son futur. Le passé, quant à lui, est gravé à jamais sur les négatifs de nos photographies.

Obs: Pour ce projet les photos couleur ont été prises avec des négatifs Kodak Gold périmés, datant de l’époque où je vivais en France, avant mon exil.

Resumen de la artista: Entre piedras y memorias. Francia, 2020 (Traducción: Noelia Buitrago)

De vuelta a mi tierra natal después de quince años de exilio en Brasil, ¿qué queda de los lugares de mi infancia?

Al volver a transitar por estos lugares que solían ser tan familiares para mí, me doy cuenta de que la distancia formada entre mis recuerdos y la realidad es imprevisible. Y es que ¿qué son los recuerdos sino fragmentos de memoria impregnados de subjetividad? De entre las piedras vuelven a surgir, inevitablemente, los recuerdos de mi infancia, y generan una emoción tangible que solo puede compararse con el sentimiento de no conseguir reencontrarme con el país donde nací. Memorias, recuerdos, tiempos y espacios se entremezclan en un presente que me incomoda... Un presente que parece un futuro mal conjugado.

Se puede tomar distancia del presente así como se toma distancia del futuro. El pasado, por su parte, queda grabado para siempre en los negativos de las fotografías.

Nota: Para este proyecto, las fotografías a color se tomaron en negativos Kodak Gold caducados, originales de la época en que yo vivía en Francia, antes de exiliarme.

Tânia Tomoko (Presidente Venceslau, São Paulo, Brasil, 1967) @tania_tomoko

Tânia es hija de familia nipón-brasileña que emigró a Brasil. Ella hizo el camino reverso que sus padres, y emigró a Japón en 2005, donde vive ahora en la provincia de Fukuiken. Está licenciada en Arquitectura y Urbanismo por la PUC-GO de Brasil, desde 1990. Empezó a fotografiar paisajes y personas en 2013, y a partir de 2016 empezó a dedicarse más profesionalmente a la fotografía. Actualmente está especializada en newborns, embarazadas y fotos de familias mestizas de nipón-brasileños, japoneses y peruanos.

Para esta muestra, Tânia propone re-fotografiar sus fotos digitales con una cámara polaroid, clasificándolas en las 4 estaciones del año: otoño, invierno, primavera, verano. En cualquiera de las 4 es ‘Tiempo de familia’.

Técnica: Mixta. Re-fotografías de fotos digitales en formato Polaroid. 

Resumen de la artista: Tiempo de familia. Japón, 2020

Intento captar la esencia de esas familias, con las peculiaridades de una vida adaptada en un país que es suyo, pero no lo es al mismo tiempo. Esas fotografías son el hilo de conexión con sus parientes lejanos. Tengo varios relatos de abuelos que se emocionaron y lloraron al ver, y literalmente abrazar esas fotografías. Son muy significativas para ellos por la distancia y los vínculos familiares tan fuertes.

La experiencia con las fotos Polaroid fue muy divertida, y a partir de ahora regalaré a mis fotografiados algunas polaroides de las sesiones fotográficas. Todos muy contentos.

Belén Vilanova (San Juan, Argentina, 1985) @belenvilanova

Belén es licenciada y profesora en Artes Visuales, graduada en la Universidad Nacional de San Juan. Vive en Mataró, Barcelona. Fue artista invitada por el Festival Internacional de Fotografía Experimental en Barcelona (EXP.20), y ahora publica el libro Into, a través de la editorial del festival.

Su interés por las Ciencias Naturales, la Psicología y las Artes Visuales, la llevaron a la experimentación y el pensamiento a través de juegos entre estas tres disciplinas que se unen en su producción, para interrogar constantemente sobre la posibilidad de “una vía de explorar el sentido de las cosas y de uno mismo”. Trabaja sobre imágenes fotográficas personales que interviene física y/o químicamente para cambiar su sentido aparente. Así, reflexiona sobre los recuerdos, el paso del tiempo, aquello que cambia, la materia, y la identidad, entre otros temas.

Belén preparó especialmente para esta exposición una serie de retratos realizados en la playa de Mataró, Lo sentimos. Evidencia e intervención.

Técnica: Mixta. Fotografía analógica manipulada, y objetos. Cámara Nikon F-801. Película Kodak 400.

Resumen de la artista: Lo sentimos. Evidencia e intervención. Mataró, Barcelona, 2020

Serie de retratos analógicos realizados en la playa de Mataró, intervenidos con agua de mar y pequeños objetos encontrados en la misma playa.

El proyecto habla de nuestro arrepentimiento, del daño que nos hacemos y le hacemos al planeta. Es un diálogo con el mar, donde se muestran evidencias de nuestras “huellas”; y el mar, de cierta manera, nos responde…

Carolina Yedrasiak (Buenos Aires, Argentina, 1979) @carolinayedrasiak

Carolina es diseñadora gráfica por la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Profesora de la materia Ilustración experimental, y docente en la materia Fotografía de la carrera de diseño gráfico FADU-UBA. Es investigadora de la UBA, becaria de proyectos de Ciencia y Tecnología, y coordina ‘Subversión de la imagen’, un espacio de investigación, experimentación y producción fotográfica. Está especializada en el desarrollo de proyectos de transformación social a través de la fotografía estenopeica. Fue artista invitada por el Experimental Photo Festival de Barcelona (EXP.20).

Carolina trae para esta exposición la serie “Amazonas”. En ella veremos algunas imágenes estenopeicas, aún inéditas, de los niños del lugar.

Técnica: Fotografía estenopeica. Cámara estenopeica fabricada artesanalmente por la propia artista. Película Kodak color 100.

Resumen de la artista: Amazonas. Brasil, 2015

Hice estas fotos estenopeicas mientras recorría el río Amazonas en barcos de carga, haciendo cámaras de cajas, latas o madera con los niños de las comunidades locales. Revelaba en el propio barco con un cuarto oscuro portátil, y daba talleres a los chicos. Creo en la fotografía analógica, creativa y experimental como una potente herramienta para la transformación social. Es algo que me apasiona.