La mente puede ser un lugar peligroso, y esto es justo lo que busca reflejar Martha en su álbum debut, una armoniosa, sensible y sobre todo estimulante obra de arte que pone los nervios de punta en cada canción, llevándote a través de una desolación palpitante y arrolladora. Um posee una producción juguetona a nivel neuronal, un delicado trabajo en las frecuencias usadas, el control del espacio sonoro, una combinación de elementos percutivos con instrumentos de cuerdas modificados así como una presencia deleitable de piano, una voz bastante bien trabajada y también acudiendo al uso de tarareos y jadeos que abrazan a los oídos, resultando en una experiencia auditiva trascendental. Un álbum totalmente onírico, experimental y precioso con una estructura perfecta de principio a fin.

3 años después del poderoso Happier Than Ever, Billie Eilish junto a su hermano Finneas siguen superando las expectativas, esta vez con un hermoso conglomerado de exquisitas ejecuciones una tras otra, adoptando diferentes ángulos de su potencial. Una de las cosas más notables es el cambio que tomaron las vocales de Billie, algo que marca verdaderamente la evolución de su talento como cantante. La satisfactoria variedad de estilos musicales empleados de forma funcional es otra de las cosas que enriquecen al álbum, ya que se supo amoldar constructivamente en la secuencia de las canciones con la ayuda además de transiciones bien elaboradas, las cuales es una de las cosas que caracteriza grandemente al proyecto, incluso cuando ya se hacía presente en su álbum pasado, aquí se permite explorar mucho más en ello. Líricamente predomina más un sentido más romántico, explorado algunas veces desde un punto más melancólico, también tocando temas acerca de su sexualidad o simplemente siendo letras bastante sutiles pero encantadoras y en algunas ocasiones hasta divertidas. Cada canción resuena individualmente y son importantes dentro del álbum. Estructura, interpretación y producción son tres cosas que se complementan perfectamente en este proyecto. Es una diferente Billie Eilish, son canciones que uno no esperaría que vinieran de su parte, pero que maravilla por que haya sido así.

Sería un verdadero insulto tratar de encasillar Nathy en algún estilo musical, ella es su propio estilo musical, por mucho de las artistas hispanohablantes más versátiles de la actualidad. Grasa es de los álbumes más variados y completos del año, y a pesar de que muchas veces esto no es algo que vaya a funcionar del todo, esto no se aplica a este álbum, ¿Vocalizar en diferentes estilos? ¿Romperla rapeando y lanzando versos bien estructurados? ¿Hacer buenos storytellings? ¿Transmitir sensualidad, respeto y emocionalidad? ¿Hacer suyo cada genero? ¿Lograr ser serio y divertido al mismo tiempo? ¿Juntar todo eso en un álbum de manera tan natural? Si, todo eso y mucho más fue capaz de hacer la argentina en este proyecto. Algo que también es bastante aplaudible y super importante resaltar es la producción, la cual es de primer nivel estando a cargo de una gran variedad de productores incluyendo entre ellos al talentosísimo Blood Orange. Si ya no habían suficientes razones ya para darle su lugar a Nathy Peluso entre las artistas más imponentes de la escena, GRASA es otra, y una muy grande.

Después de sacar dos muy lindos EPs, este año la cantautora y guitarrista británica-brasileña lanza finalmente su álbum de estudio debut, el cual es de las obras más encantadoras y vigorosas de este año. Cada canción tiene una estructura y atmósfera completamente abrazadora, ideal para dejarse llevar por su sutileza y la composición introspectiva y a su vez romántica, no sólo desde el enamoramiento sino también desde del romanticismo en el entorno. Cada interpretación es bastante integra desde su composición lírica hasta instrumental, cada elemento en ella es hermoso e increíblemente sereno, intensificado aún más por la susurrante voz de Liana. Un álbum sumamente recomendable para aquellos amantes del bossa nova así como los que no lo son también.

8 años desde su último álbum, regresa una de las mejores bandas de metal de la década pasada, y como es costumbre, encapsulan todo un material en algo sumamente corto, que a pesar de serlo, la estructura inmersiva no te permitirá darte cuenta de cuanto tiempo ha transcurrido desde que empezaste el álbum. Letras agresivas, riffs de guitarras sacados de otro mundo, una interpretación alucinante de parte de Todd Jones y un eterno clímax cargado de vehemencia. Every Bridge Burning no sólo solidifica la calidad de la discografía de Nails sino que también extiende  el reinado de la banda en el grindcore. Nada más que excelencia dentro de su energético y absolutamente poderoso último proyecto.

La música de jazz experimental caribeño-belga ha sido conocida por sus composiciones de jazz ambiental, en las que toca principalmente el arpa de pedal, el sintetizador modular, los teclados y el piano. Este año, Nala trae al mundo su segundo álbum de estudio, un profundo y hermoso concepto sobre el ciclo de la existencia dividido en 10 partes en las cuales se presenta un continuo arpegio que será quien lleve las riendas de la interpretación y vaya interactuando con gran cantidades de composiciones instrumentales y sintéticas creando así un atmósfera única y placentera, en donde viaja al infinito y explora lo desconocido, siempre haciendo énfasis en la espiritualidad, el cosmos y la sanación. Como punto clave y característico del álbum, está esa fusión entre el Jazz ambiental con los sonidos electrónicos, esta fusión de elementos se logra gracias a su colaboración con instrumentistas de Londres, con quienes hace realidad y es el resultante de algo maravilloso para la música. Nala Sinephro no solo ofrece un viaje sonoro, sino que muestra que tanto en la música como en el universo, el límite es solo una ilusión. 

La música puede ser un buen instrumento para la disociación y el productor londinense lo tiene bastante claro. Este siendo su tercer álbum, del cual cuenta que lo llegó a hacer mientras vivía en una casa inundada y llena de óxido en una extraña ciudad costera del Reino Unido, en la que al parecer estaba sumida en una tormenta interminable. El productor consigue emular de manera efectiva un sonido distópico y ahogante a través de la música electrónica. Pasando desde trazos frenéticos y alucinantes hasta atmósferas apaciguantes introduciendo al oyente en un trance, expulsándolo de su zona de confort y transportándolo a otra realidad. El álbum cuenta con un elemento importante cómo lo son fragmentos hablados en diversas partes del álbum, que aumentan el concepto de estar perdido en el sonido. Inmersión absoluta es lo que obtienes con Tidal Memory Exo.

El cuarto álbum de estudio de la cantante, compositora y productora paquistaní ahonda en el Folk-Jazz sin limitarse, apoyándose en la esencia de la música indostánica y occidental, lo que da como resultado una bella carta de amor hacia la música. La producción es sólida, cómoda y ensoñada, aún así sin opacar la airosa voz de la artista, la cual se hace con una fuerte interpretación que se desplaza desde lo melancólico a lo pacifico, sonando totalmente vivificante. En cuanto a las letras, van desde palabras de la poeta Mah Laqa Chanda, la cual fue la primera mujer en publicar una colección de obras en urdu, otras letras siendo originales de Aftab tanto en español como en urdu y otra inspiradas más en poemas improvisados de la amiga de la cantante. Uno de los más grandes y muy gratificantes proyectos de este año.

La banda canadiense viene siendo aclamada desde finales del siglo pasado por sus increíbles álbumes así como su forma tan épica y cinematográfica de hacer música. Este año, regresan con su octavo álbum de estudio, el cual es una aire fresco para el regreso de la calidad de la banda. El titulo hace alusión al número reportado de muertes Palestinas a causa de ataques Israelitas entre el 7 de octubre de 2023 y el 13 de Febrero de 2024 durante el genocidio en gaza según el Ministerio de Salud de Gaza, cifra que posteriormente iría en crecimiento. Todo el asco moral que genera el genocidio en Gaza se plasma en este nuevo disco de los canadienses, pero no es un álbum eminentemente triste, al menos no de entrada, ni siquiera particularmente furioso, más bien a ratos parecen querer reflejar la parálisis que genera tanto horror. Siendo un álbum netamente instrumental a excepción de un poema en español al final de la primera mitad, es hasta ahora de las expresiones sonoras más completas de la banda en mucho tiempo, gran variedad de instrumentos e interpretaciones con un sentimiento abismal, jamás dejando de ser una completa experiencia, y una bastante aislante y reflexiva.

Si hay algo que necesita la música en español, son más álbumes conceptuales, y este año, Dillom logra algo fantástico no sólo en composición, que ya de por sí es bastante impresionante y es lo que te mantiene expectante, sino también su muy buena selección de sonidos y cómo a pesar de ser diversos, Dillom logra adaptar una interpretación perfecta en ellos. En una narrativa que se va volviendo incomoda y sádica, Dillom va desarrollando el trastorno del protagonista y describiéndolo desde varios escenarios, todos desde la perspectiva del mismo, desde aquella situación con su madre, las diferentes exposiciones a factores insalubres mentalmente, la caída en la paranoia, la evolución antisocial y la creación de un psicópata, con un final bastante interpretativo. Sin lugar a duda un proyecto bastante ambicioso y logrado de forma sencilla, con producción, composición, interpretación y estructura más que admirable, una verdadera joya de álbum.