La experiencia de oír este álbum podría simular a la de sintonizar una emisora de radio fantasma, a través de 2 horas de sólo interpretaciones bien elaboradas e interpretadas, es increíble como en 32 canciones no haya ninguna que baje el nivel de entrega, e incluso a pesar de su larga duración, esta no llegue a ser abrumante o excesiva. Es un álbum muy completo y obtienes más de lo que podías esperar, variando entre instrumentos, lineas de bajos, coros, distintos efectos en guitarra, y hasta elementos que te hacen cuestionar qué es pero al mismo tiempo le brinda a la canción completa personalidad y se siente totalmente bien, combinando la composición pop pura con explosiones de retroalimentación confrontativa. Se siente cómo un álbum que se pudo haber hecho hace décadas atrás pero aún así portar un sonido muy fresco y atemporal. Dulce, variado, interesante y sobretodo digerible a pesar de su extensa duración. Lo mejor que le ha pasado al Lo-fi Pop en muchísimo tiempo.

Es arriesgado pero placentero cuando se logra unir influencias de géneros vecinos o incluso más cuando tienden a ser muy diferentes, casi que incompatibles, precisamente este contraste lo logra la banda australiana Civerous con su nuevo álbum, pudiendo ser tan caótico como armonioso. Presenta un muy buen trabajo acústico en una combinación entre el Death, Black y Doom Metal, cada detalle en el álbum es integrado a posta de un sonido totalmente diferente a lo cotidiano en el genero, desde lo más venenoso hasta lo más curativo. Maze Envy logra formar un atmósfera espectacular casi cómo meditar para luego atacar progresivamente, los riffs de guitarra son gloriosos, cada estructura en el álbum está muy bien hecha desde las canciones más cortas hasta las más largas. Un verdadero ejemplo de la calidad musical a la que se puede llegar a tener en los contrastes si se les trabaja adecuadamente.

A prácticamente una década desde "In Colour" el cual podría ser de los mejores álbumes de House Psicodélico de la década pasada, Jamie Smith regresa con una vibra mucho más fiestera y enérgica en su nuevo álbum. Ya sea sampleando, recortando, paneando o manipulando toda clase de sonidos, Jamie hace sonar a este álbum masivamente contagioso. Con la colaboración de un puñado de artistas y productores que le aportan más belleza y satisfacción al proyecto desde Romy y The Avalanches hasta Panda Bear y la legendaria Robyn. Las interpretaciones vocales también logran sumarle bastante al álbum ya sean cantadas o habladas, cada cosa en el proyecto sólo va sumándole más y más a la experiencia, lo que hace que no sea para nada difícil dejarse llevar por cada sintetizador, percusión, melodía o coro presente en él. Un álbum imposible de no bailar.

Algo que caracteriza a Brittany Howard es su infinita forma de sentir la música hasta sus entrañas, dándolo todo con su impresionante voz y en el que cómo hacer para conectar perfectamente con la instrumentación presente, realmente sentirlo y lograr transmitir eso a quien lo oye. El álbum contiene influencias que van desde el Jazz, el Rock, la música electrónica y el R&B, encarnando en un sonido tan agradable como brutal. Líricamente Brittany se permite ser bastante libre sin que se sienta algún tipo de incoherencia en la estructura de álbum, desde letras de amor hasta otras más introspectivas sobre cómo tenemos el poder de la decisión en nuestras vidas y también la importancia de prestarle atención a nuestras emociones y en lo que ellas pueden llegar a accionar. Electrizante, completo, espiritual, empoderante, diverso, divertido y totalmente lleno de vida, What Now es de las mejores cosas para oír lanzadas este año.

Julia Holter ha sacado álbumes conmovedores, hermosos y aplaudibles en tantos aspectos, pero este en particular, su sexto álbum de estudio, se siente cómo renacer. Inspirado en su hija recién nacida, Holter buscaba capturar una alegría infantil en el álbum más nocturno de su carrera, con un espíritu de incertidumbre en tonalidades del jazz, sin ser un álbum de jazz, con distintas pinceladas de sonidos reverberizados y una clara referencia a la música ambient, va animando a la evocación mareada de la artista, la cual está presente en tiempos cambiantes dentro del álbum. Son capas y capas de detalles que inducen a encontrar algo nuevo en las producción en cada escucha, emerge cómo un lienzo sónico en el que puede plasmar sus emociones e impresiones sobre la vida, la creatividad, la conexión humana y la maternidad. Nuevamente, Julia Holter entregando arte en su máxima expresión.

La violonchelista, cantante y compositora guatemalteca en su tercer álbum de estudio, tuerce trompetas, tambores y violonchelo para liberar una de las expresiones más interesantes y minuciosas de este año, cambiando entre las estructuras y texturas de la música experimental, el Post-rock, el Jazz y la música clásica. Sentir Que No Sabes es una desconstrucción elegante de elementos que intentan hacer de la crudeza personal un hogar, mirando, acariciando y cuestionando cada poro existente. Una producción flexible y desgarradora junto a la vulnerable voz de Fratti hacen el equipo perfecto. Todo se oye de cabeza, también como si se rompiera y luego se expandiera cada pedazo de si, y en temblorosos pero frágiles movimientos todo se va desmoronando. A pesar de ser un proyecto que te hace sentir perdido en el espacio sonoro y por momentos puede emanar soledad, también puede llegar a ser muy consolador. De los mejores álbumes de música experimental en español que he oído.

Para ser alguien a quienes el mundo les parece un pepinillo y todo gira en torno a la comedia del Internet, Joey y Brae se tomaron esto verdaderamente enserio, entregando uno de los mejores proyectos del año. Con una influencia demasiado notable de los Bestie Boys, este dúo imita su estilo con una esencia y letras más adecuadas a esta generación. Combinar el Rap Hardcore con la música electrónica y cualquier cosa que les viniese en gana para utilizarlo como sample es algo que les funcionó a estos dos en esta ocasión. Versatilidad a morir, buenas barras, magníficas instrumentales, actitud tremenda y una estructura perfecta para sentirte el protagonista del álbum. Cada canción es no sólo rapeable como todo un maestro del oficio sino que además cada una de ellas es absolutamente bailable, por lo que tienes que elegir entre sentirte en un concurso de baile o ganar una batalla de rap. Sin duda un álbum que vale toda la pena.

Escalofríos es lo que se podría llegar a sentir al tener una escucha atenta de este álbum. Abordando temas sobre su sexualidad, el duelo y el dolor interno tan privativo como paralizante desde el Noise, el Post-Punk, el Death Metal, la música de catedral, la música Industrial y las matices más oscuras de la música Ambient. El álbum posee una producción que comparte desde lo más disruptivo y claustrofóbico hasta lo más tenso y sombrío, creando escenarios atónitos acompañados por susurros, gritos o sonidos descompuestos bastante estimulantes. La artista australiana logra a su vez transmitir ese remordimiento, pena, dolor y cansancio a partir de sus interpretaciones vocales, volviéndolo esencial en la percepción del álbum y su estructura bastante sólida. Un buen álbum para esas personas a quienes les gusta la crudeza y el horror dentro de la música.

Completamente hecho en el estudio de su casa y portando esa vibra completamente hogareña, recogiendo tanta intimidad y belleza como tranquilidad en un álbum sin percusión en lo absoluto, Laura Marling vuelve a lograr encantar con su octavo álbum. Con una narración poética, hay toda una historia en estas canciones, todas expresadas desde una honestidad palpable, desde la más alegre "Child Of Mine" hasta la más seria "The Shadows". El álbum se convierte en un espejo de la percepción de la artista sobre la maternidad, la cotidianidad y la sutil pero importante influencia que tiene cada pequeña o gran cosa que nos rodea diariamente. Un factor destacable para la inspiración de este álbum podría ser su hija pequeña así como el ambiente más hogareño que ha adaptado Laura a su música. Una vista relajada y realista del comienzo y continuidad de las cosas y la vida en sí, así como todas aquellas cosas que logran ser constitutivas de una intima visión del día a día, siendo estos "Patrones que se repiten", ya sea para bien o mal. Un álbum hermoso que abraza el crecer y ese ciclo de lo que está destinado a ser o a repetirse de forma optimista.

En una discografía que lleva más de dos décadas desarrollándose y evolucionando de manera abismal e inigualable, la banda de música experimental Xiu Xiu sigue demostrando una creatividad infinita en cada oportunidad, ahora en su decimocuarto álbum de estudio, deja salir el lado más contagioso de su sonido. Sin dejar de aportar esa imagen enigmática, esta vez se puede apreciar cómo a comparación de la mayoría de sus trabajos con tonos más oscuros y deprimentes, este álbum se muestra mucho más colorido y entusiasta, que ya de por sí hacer música triste que se pueda bailar siempre ha sido uno de los fuertes de la banda. Acordando con la banda el impulso para este álbum vendría siendo "La destrucción de nociones estéticas previas por parte de la reciente mudanza del dúo de Los Angeles a Berlin". Como es costumbre, Angela Seo y Jamie Stewart suelen profundizar líricamente en temas de introspección obsesiva, esta ocasión sus letras se direccionan más hacia la sexualidad y la libertad del deseo en ella, narrativas descriptivas de la soledad, también sobre el caos controlado y una imagen que suele deleitarse de la perversidad y que tiene un insaciable requerimiento personal de enloquecer. Tan visceral como siempre, es un álbum que destaca bastante en su amplia discografía.