Desde el primer acorde, el álbum te logra envolver en un mundo sonoro íntimo y nostálgico. La voz etérea de Pratt, con timbre suave y melancólico, se entrelaza perfectamente con las melodías delicadas que caracterizan su estilo. Las letras son poéticas y evocadoras, explorando temas de amor, pérdida y la búsqueda de la identidad, cada canción se siente como un susurro personal, invitando a la reflexión y a la conexión personal. La producción es minimalista, lo que permite que la autenticidad de su voz y la belleza de sus composiciones brillen con claridad, la instrumentación, que incluye guitarras suaves y arreglos sutiles, complementa su estilo Folk, creando una atmósfera envolvente que transporta a quien lo oye a un lugar de calma y contemplación, siendo este un espacio perfecto en el que Pratt demuestra su habilidad para contar historias a través de su música. Misterioso, apaciguante, oceánico, encantador, hipnótico, el cuarto álbum de estudio de la artista es un lindo recordatorio de la eminente belleza que existe en el Folk.

Regresa la banda que le da vida al hiperviolento personaje japonés, con su típica adicción por el Cyberpunk y romper los límites de la música Breakcore, ya habiendo experimentado antes con sonidos no propios del genero y explotando su capacidad para encajar entre el frenético mundo de Machine Girl, en este nuevo álbum, la banda logra aglomerar todos estos sonidos del Punk, el Noise, el Dream Pop, el Dance, el Ambient y el Desconstructed Club dentro del Drum & Bass y el Breakcore de manera casi formulada, sin integraciones forzadas ni huecos estructurales. A comparación de sus otros álbumes, los cuales otorgan una escucha más abstracta y retorcida, MG Ultra logra desenvolverse muy naturalmente, pasando de un estilo a otro en segundos sin perder la complejidad o la atención en ello, algo que es poco común en su discografía. El álbum te transporta a miles de universos tan extraños posibles y aún así totalmente divertidos, es explosivo, infeccioso y sobre todo muy bien ejecutado. Al buscar algo diferente, raro pero contagioso y que pueda despertarte y llenarte de adrenalina, definitivamente este álbum es de las mejores opciones.

Después de más de 20 años de la disolución de una de las bandas más importantes para el Trip Hop como lo fue Portishead, la vocalista Beth Gibbons lanza su primer álbum como solista, volviendo tan legendaria como en aquel entonces. Sin abandonar esos toques del Trip Hop, su voz quieta y nocturna ni tampoco la expresividad de sus composiciones, en este álbum Beth entrega una de las experiencias más pacificas y cuidadosamente multi instrumental del año. Una producción magnifica la cual se encarga de brindarle su debido espacio a cada sensible y suave interpretación de algún instrumento de viento, los golpes exactos de la percusión en ocasiones reverberizadas, las cuerdas de cada violín, viola y violonchelo presente, guitarras algunas veces más protagonistas que otras, susurros de ondas viniendo de sentidos diferentes, cada una de las cosas cediendo el espacio a sus acompañantes y logrando formar una calidad sonora hermosa, lo que ocasiona una grata escucha, la cual en ocasiones es bastante minuciosa. Por su supuesto, jamás sin dejar de reconocer la tan increíble interpretación de Beth Gibbons en cada una de las canciones y sus letras sobre redención, espiritualidad y las consecuencias del comportamiento humano. La reina de Trip Hop ha vuelto, y con toda la perspicacia del mundo.

Si ya de por sí Red Moon In Venus fue un deleite total, tan sólo un año después, ORQUÍDEAS es la continuación perfecta siendo este incluso más delirante y ambicioso. La artista colombiana deslumbra con su tan completa interpretación a través de los sonidos más sensuales y serenos del R&B hasta desconstrucciones interesantes del Reggeaton, el Merengue, el Soul, el Afrobeat, el Bolero, la Cumbia, el Trap Melódico y el Pop Psicodélico. Sin duda una de las mejores cosas de este álbum es su tan intuitiva estructura, un inicio sólido, un primer desarrollo bastante confortante para entrar en ambiente hasta finalmente empezar a conseguir texturas más profundas del proyecto, cuando crees ya estar cómodo en él, te saca de esa zona de confort y logra extrapolarte a sonidos que no esperarías que conectaran tan bien con lo anteriormente escuchado, posteriormente poco a poco introduciéndote en algo más movido y diferente como "Muñekita", la cual es una de las canciones mejores ejecutadas en todo el álbum. Manteniendo esa esencia del perreo, el álbum va desenvolviéndose en diferentes ángulos de esta, hasta desencadenar en una de las conclusiones más versátiles en la carrera de Kali Uchis. Líricamente llega a ser tan divertido y completo, nadando entre el amor, el erotismo o el disfrute. Un álbum espectacular de punta a punta.

De la forma más emotiva posible, una de las bandas más influyentes y legendarias desde la década de los 80s regresa después de 16 años de inactividad marcando uno de los mayores puntos de la música en el 2024. Songs of the Lost World es un viaje sonoro que reafirma su estatus como íconos del rock alternativo. Este álbum no solo captura la esencia melancólica y etérea que caracteriza a la banda, sino que también presenta una evolución en su sonido, mostrando una madurez artística que resuena profundamente. Desde el primer tema, el álbum sumerge al oyente en un paisaje sonoro envolvente, donde las guitarras reverberantes y los sintetizadores nostálgicos crean una atmósfera casi onírica. La voz inconfundible de Robert Smith, cargada de emoción, guía a través de letras introspectivas que exploran temas de pérdida, amor y la búsqueda de significado en un mundo caótico, siendo la muerte del hermano de Robert algo clave en la composición del proyecto. Este álbum es un testimonio del legado de The Cure, un álbum que no solo satisface a los fanáticos de años, sino que también atrae a nuevas generaciones. Con su mezcla de nostalgia y frescura, este trabajo se posiciona como una de las obras más destacadas de su discografía, reafirmando que, a pesar del paso del tiempo, The Cure sigue siendo una fuerza vital en la música contemporánea. 

A manera de continuación al espectacular RENAISSANCE, como segundo acto pasamos del Dance al Country, teniendo este una duración mucho más larga, en la que conteniendo covers transformados, interpolaciones y canciones originales, Beyoncé deja más que claro lo multifacética que puede llegar a ser, no sólo con la absolutamente impresionante interpretación que tiene en el Country y en la manera en que la logra hacerlo totalmente algo suyo, sino en la tan impredecible composición que tiene en esta, desde la representación cultural afroamericana que viene defendiendo de hace mucho tiempo, hasta la funcionalidad familiar. Usa diferentes elementos como sintonizar emisoras de radio o presentar fragmentos hablados para enriquecer la estructura y poder llevar una experiencia para nada aburrida y hacerla más completa aprovechando la larga duración de la misma. Tan seria como también divertida, COWBOY CARTER jamás deja de ser interesante pasen las canciones que pasen. Se podría decir que es una gran colección de grandes interpretaciones del Country con guiños a influencias de gran variedad de géneros, poseyendo además una buena estructura y concepto, además de que sea imposible que logre bajar la calidad en alguna de las canciones. Libertad es la que le sobra a Beyoncé a la hora de crear álbumes de esta magnitud, siendo bomba tras bomba al pasar de los años. De los mejores álbumes del año sin espacio para ponerlo en duda.

Colorida, optimista, enérgica y nostálgica son palabras para describir esta nueva era de Porter Robinson. Con una producción muy pulida y llena de nostálgicas melodías, fragmentos extraídos de otras partes que convergen perfectamente en el concepto del álbum y letras que pueden defenderse por si solas, Porter hizo un gran trabajo este año, pudiendo entregar algo que te hace vivir el momento y bailar joyas con estructuras fáciles de disfrutar. Gran elección en la parte instrumental añadiendo los toques acústicos adecuados para las baladas, una integración peculiar de la voz de Lil Wayne así como también transiciones excelentes dentro del álbum. Cada canción es totalmente llena de emoción y sentimentalismo y contienen letras que ofrecen un vistazo cómico y reflexivo sobre el mundo moderno, usando las redes sociales, la imagen de la generación actual, los memes, el contacto con el universo digital, la inteligencia artificial, el autodiagnostico, la expresión del amor propio y hacia otra persona, y hasta incluso Pinterest, como temas para abordar dentro de las canciones manteniéndose divertidas y al mismo tiempo autoreflexivas. Ya sea un buen momento para estar enamorado o no, feliz o no, introspectivo o no, este álbum es una hermosa, colorida, reconfortante y maravillosa compañía de inicio a fin. Una excelente combinación de indie rock y electropop en lo que puede ser su mejor álbum hasta la fecha, bien hecho Porter.

Teniendo en cuenta la no tan buena racha que ha tenido Bobby los últimos años, uno pensaría que él iba caminando por el estudio, se resbaló y accidentalmente terminó haciendo uno de los mejores álbumes conceptuales y más ambiciosos del año. Siguiendo con la estética y formula de "EVERYBODY", su álbum de hace casi una década desde su estreno, pero aquí se respeta mucho más su propósito a comparación de aquél entonces, no sólo en su estructura y la dirección de las canciones sino en el concepto mismo, siendo esta vez algo con mucho más cuerpo y libertad sin sentirse forzado o divagante, partiendo de la cinematográfica situación de un capitán y su compañero en el espacio que comparten opiniones y gustos mientras se van conociendo el uno al otro, pasando de hablar de sus directores de cine favoritos, jugar ajedrez o un juego interactivo de realidad virtual del pasado, ya que estos se sitúan en el futuro, aparte de tener la presencia de una inteligencia artificial a la que le cargan todo tipo de información sobre el arte existente e interactúan con ella preguntándole sobre anime. La estructura del álbum está totalmente bien armada considerando la diversidad de temas que tiene que dividir entre canciones e interludios, y aún así, el resultado es más que bueno. La versatilidad y talento de Logic siempre se ha evidenciado, pero no era de negar el que a veces no sabía cómo organizarlo, siendo este proyecto un paso gigantesco en su madurez cómo artista. La producción es masivamente demencial, a veces más simple y directa, otras más complejas pero sin duda siempre brindando texturas diferentes a medida avanza. Letras inteligentes, instrumentales con su debido cuidado y una estructura sólida hacen de este álbum la mejor propuesta del rapero en mucho tiempo. Todos aquellos que nunca perdieron la fe en Logic, no estaban equivocados.

La vocalista de la banda Big Thief vuelve a atacar al corazón con otro álbum en solitario. Algo que es indiscutible es el talento de Adrianne como compositora, y aquí lo vuelve a dejar más que claro en una de sus facetas más vulnerables y transparentes. Entre letras de desamor, luto y busca del sentido, cada canción es una carta de amor a la música Folk. Instrumentales bastante orgánicas y lo suficientemente rellenas para que Adrianne pueda resaltar con su increíble voz. El paso entre canción y canción hace a la estructura algo perfecto para oír en momentos concretos, e incluso es adecuada para oír tanto individualmente como en su totalidad. Líricamente se torna aún más hermoso, Adrianne abre su corazón en la composición para hablar sobre meditar el paso del tiempo, el deseo de amar y de ser amado, la simpleza de las cosas que te alejan de la muerte, y la reflexión de sobre esta misma desde un punto conmovedor. Ya con Big Thief tenía acostumbrado a su público a entregar canciones que inducen a llorar y al sumergirse en lo emocional profundamente, ya como solista, lo hace de nuevo. Un fuerte y precioso álbum de parte de Lenker, que esperemos tenerla por muchísimos años más.

Está la realidad virtual y luego está Absolute Elsewhere, siendo una de las experiencias más épicas y rica en instrumentación que hace que te transportes a escenarios de lo más fantasiosos. Contiendo 6 canciones que se dividen en 3 pertenecientes al "The Stargate" y 3 al "The Message", la estructura del álbum es concisa y al mismo tiempo bastante completa, además de contener transiciones perfectas no sólo entre cada canción sino durante cada una de ellas también. La sensación de espacialidad entre los ambientes de las canciones, los instrumentos de viento que le otorgan misticismo al paso del álbum, las guitarras a su vez empujándote a algo más caótico de forma repentina, como si pasaras por una maquina que te va procesando de distintas formas a medida avanzas por ella, los desenfrenados riffs de guitarras y la batería enajenada te sumergen aún más en el basto clima que posee este álbum, los solos de guitarra son un locura, la voz gutural le otorga más intensidad a lo instrumental, y está esa ejecución exacta para pasar también por arreglos de piano y hasta elementos de la música más occidental. Cada canción es una vivencia diferente que se convierte en algo sumamente cinematográfico y que automáticamente te induce a lo visual sólo desde el sonido. Blood Incantation ha logrado hacer de su cuarto álbum de estudio una obra totalmente demencial para el Death Metal, la cual vale cada una de las escuchas, detectando en cada una de ellas cosas nuevas de lo tan relleno de elementos que está. Nuevamente, Absolute Elsewhere es una proyección extasiante de música llevaba a extremos visuales y que destaca gigantemente dentro de lo más épico en sonido de este año.