Si tenemos que hablar de lo más performático en la música de este año, The Last Dinner Party sería el tema central. Tomando de ejemplo participes de gran talento en la música en forma teatral yendo desde Prince hasta Queen, esta banda británica es firmemente el resurgimiento de esa expresión artística en una medida increíble, manteniendo esta postura no sólo en su música, sino también en su estética, presentaciones en vivo y hasta videos musicales. Tomando todo el glamour de época, y partiendo de estilos que según en palabras de la banda "buscan crear una conexión entre lo gótico y lo romántico", su identidad visual es tan importante para ellas como su música, en el escenario aparecen ataviadas con ropa gótica como corsets y togas al estilo medieval, un cruce de estilos que va de Cumbres Borrascosas a lo Kate Bush hasta el Punk de Siouxsie and the Banshess, o el romanticismo de Florence Welch. Musicalmente, el quinteto logra algo hermoso, completamente artístico y deleitable de oír, poseyendo una producción de lo más adecuada al concepto, 12 canciones ricamente tapizadas en terciopelo, un reboso de florituras barrocas, instrumentos de vientos con lazos, giros en zigzag, pasando de un imagen de vals a una más rebelde, enormes solos de guitarra, el uso de mandolina en canciones como "Gjuha", piano en "The Portrait of a Dead Girl" o palmas complementarias en "My Lady of Mercy" la cual adopta la clásica iconografía gótica de lo sexy-religioso, el contoneo del bajo de Georgia Davies en "Caesar on the TV Screen", las suaves flautas en "Beautiful Boy", coros entusiastas, y sin omitir toda la sangre, el pecado y el sufrimiento. Hay que abrir un espacio para hablar del exquisito y masivamente poderoso aporte de Abigail Morris, la vocalista de la banda, quien es de las principales encargadas de hacer las canciones tan puras, perfomáticas y llenas tanto de belleza como de grandeza con su voz impresionante que encaja perfectamente con la imagen de la banda. Inspiraciones desde la era victoriana, guiños a la cinematografía de Sofia Coppola y los banquetes de María Antonieta, la lujuria y el hedonismo, siendo líricamente lo suficientemente rico histórica, romántica, elegante, teatral, conceptual e intelectualmente. Uno de los mejores debuts de todos, en el que la banda demuestra que está a la altura de cualquier exagerado pronóstico sobre su carrera.

Se podría pensar que el meter en una licuadora al Rock, el Rap, la música orquestal, la música electrónica, el Jazz, el Funk brasileño, el R&B y el Folk para luego poner el resultado en un álbum esperando que todo suene bien junto y no deje un mal sabor podría ser algo difícil de imaginar, bueno, de hecho esto es lo que hizo JPEGMAFIA en su quinto álbum a tan solo un año de su álbum colaborativo con Danny Brown, el cual fue para muchos (incluyéndome) el mejor álbum del año pasado. Para quienes vienen siguiendo el trabajo del rapero y productor, sabrán que lo normal o sencillo son dos cosas que no entran en su sistema, excepto si estuviéramos refiriéndonos a la segunda para describir la facilidad con la que Peggy puede volver cualquier cosa random que quiera en música, incluso siendo este su álbum más digerible hasta la fecha, no deja de ser un completo collage de elementos, estilos y sobre todo de producción. Sampleando desde una escena de la aclamada serie de HBO "Succession" en "don't rely on other men" hasta una canción del rapero Future hecha con inteligencia artificial en "either on or off the drugs", realizando cortes en situaciones espontaneas e incluso añadiendo arreglos instrumentales que sólo aumentan la complejidad de las canciones. Con colaboraciones en esta oportunidad de parte de Vince Staples, Denzel Curry y Buzzy Lee, de los cuales los tres tienen un aporte increíble al álbum, el estilo tan marcado Vince Staples en un verso tan serio como divertido en "New Black History", la impresionante compatibilidad que tienen Denzel Curry y Peggy en "JPEGULTRA!", y la hermosa, placentera e introspectiva interpretación vocal de Buzzy Lee sobre guitarras acústicas y una sección orquestal en "Don't Put Anything On The Bible". Líricamente Peggy se expresa respecto a traumas internos generados por experiencias vividas, el ser crónicamente online, sobre amor y despecho, también por supuesto tirando versos cómicos o de defensa abierta por diversión, dilemas por el quienes apoyan su música pero no respetan sus decisiones a la hora de involucrarse con artistas que no son del actual agrado público, más sin embargo son figuras importantes en la evolución e influencia de Peggy, expresando su amor y odio por sus fans y lo fieles pero tóxicos que pueden llegar a ser a veces, también su falta de responsabilidad con los medios y su repudio a estos en ocasiones de tergiversar información, también reflexiona sobre hasta donde ha llegado, sus remontadas a pesar de sus múltiples decaídas personales y lo agradecido que se siente con los frutos que viene cultivando desde hace más de un década, siendo la última canción "i recovered from this" en la que incluso se siente satisfecho y emocional al finalmente terminar el álbum. I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU es otra de las grandes demostraciones musicales de hasta donde puede llegar el excesivo talento del artista, y suficiente para empezar a considerarsele (si ya no se le había hecho) uno de los mejores productores y artistas en general de esta generación.

Samantha Rodrigues es una artista digital, animadora y productora musical brasileña aún muy poco conocida con un talento verdaderamente grande, la cual en esta ocasión me pareció imposible no integrar su tercer y último álbum oficial hasta la fecha. A Lonely Sinner retrata el concepto sobre una oveja que experimenta el amor en su naturaleza, siendo esta una expresión de lo que a ella se adentra cada día, entre tópicos que van desde el abuso hasta el redescubrimiento del amor, usando una oveja como metáfora a través del álbum. Había comentado que ciertas canciones no sabía si verían la luz dentro del álbum, pero quería lanzarlas por diversión. Tomando inspiraciones como "The Seer" de la banda Swans, "The Glow Pt. 2" de The Microphones y "Javelin" de Sufjan Stevens, todas las canciones fueron creadas en su habitación, grabando una larga porción de instrumentos por su cuenta pero también usando una colección de artículos del hogar, como cajas y latas de refresco, para crear una paleta de sonidos más inmersiva. También utiliza samples de bandas o artistas como Swans, Björk, Merzbow, Natural Snow Buildings, Yves Tumor y Low, así como también de otros lado como el soundtrack del videojuego Silent Hill 2 (específicamente de la canción "White Noiz"), el tema principal de la pelicula japonesa "La Princesa Mononoke" de 1997, y también la adaptación cinematográfica japonesa del anime y drama de aventuras de 1978 "Chirin's Bell" o "Chirin no Suzu", la cual es una referencia perfecta para el concepto del álbum y el personaje principal del mismo. Como dato extra, la portada del álbum fue dibujada por ella misma. Este álbum no sólo es la más emotiva y envolvente representación del Post-rock y Shoegaze del año, sino una expresión tan personal y profundamente intima, en donde refleja lo dolorosa que esta relación es, a su vez que se va hundiendo en el contexto religioso, retratándose a si misma como una pecadora solitaria, ya que no sólo no puede refugiarse en el consuelo de la seguridad, sino que también le es imposible no identificarse como el sacrificio para la satisfacción y necesidad del lobo, esperando que esta no sea en vano, y por otro lado, aceptando la naturaleza de su muerte, en la esperanza de que algo bueno estará por venir. En la canción "Storge" se puede oír el sample de Chirin's Bell en el que la oveja quiere aprender a convertirse en un temible lobo, cansada de estar asustada para hacer cualquier cosa, "I don't wanna be killed, I wanna be strong!" remontándose en una busca de libertad entre su insatisfacción y dolor. Tanto la producción como las letras de este álbum son algo maravillosamente hermoso, convirtiéndolo en un completo viaje a través del mundo de la artista.

Tan impredecible como de costumbre, el 22 de noviembre Kendrick decidiría sacar su sexto álbum de estudio de forma completamente sorpresa, teniendo así un increíble alcance sin singles, sin promoción y sin señales de nada más que un pequeño fragmento de la canción "squabble up" en el video de "Not Like Us". Uno de los focos de entreteniendo y eventos más grandes de este año en la música fue sin duda la disputa entre Kendrick Lamar con Drake, dando mucho de lo que hablar y múltiples canciones que consumir, incluyendo lo que es por mucho el más grande y escalofriante diss track de todos los tiempos "Meet the Grahams" para luego lanzar la más divertida e inteligente bomba "Not Like Us", la cual esta última sería la probada de un Kendrick mucho más influenciado por el sonido del West Coast Rap clásico, el cuál se fue haciendo cada vez más presente a medida avanzaba el año, sin dejar uno de los más impresionantes espectáculos en vivo reuniendo Bloods y Creeps (enemigos culturales) en un solo escenario y teniendo de invitados a un gran puñado de artistas importantes para el genero. Definitivamente no hay manera de que Kendrick suene igual en sus álbumes, siempre es un nuevo sonido, un nuevo Kendrick, un nuevo estilo, un nuevo concepto, un mundo completamente diferente al anterior, el punto límite de creatividad y destreza no parece llegar nunca, como si Kendrick silenciosamente perfeccionara, entrenara y evolucionara constantemente su forma de crear arte. Este álbum es quizá la mayor muestra de la destreza tan grande que puede portar al momento de adaptarse a lo que sea, en este caso, sin la necesidad de abrigarse en algún concepto estructurado de inicio a fin, Kendrick demuestra lo que es capaz de hacer incluso cuando no está siguiendo un guión, siendo el álbum más libre, divertido, chill y variado, mostrando a Kendrick lo más cómodo posible, cómo si estuviera en el recreo drenando talento por diversión sin tener que partir de mucho para defender su titulo del más grande sin siquiera mucho esfuerzo. "squabble up", "hey now", "tv off", "dodger blue", "peekaboo" y "gnx" siendo las canciones más divertidas, bailables y contagiosas del álbum con estribillos pegajosos e instrumentales sencillas pero perfectas al momento en el que Kendrick integra sus interpretaciones y versos dentro de ellas, rapeando con toda la determinación, los cambios de voz, interpretaciones cantadas e incluso sonidos con la boca repentinos que se vuelven esencial en el disfrute de cada de esas canciones, sin dejar de lado las múltiples referencias a la cultura rap de las décadas pasadas, recalcando durante todo el álbum la importancia que han tenido tantas piezas determinantes pero desapercibidas en el genero, a las cuales Kendrick decide hacerles homenaje. "wacced out murals" siendo el punto introductorio del álbum en el que Kendrick deja de salir varias cosas de la forma más transparente y tomando completa responsabilidad sobre sus palabras, ya vengan siendo dirigidas para personas especificas dentro del genero o generalmente a la cultura que lo representa, diciendo "Al carajo el doble sentido, quiero que se sienta esta mierda" repudiando el ataque pasivo-agresivo y lo metafórico, dejando claro claro que irá lo más agresivo-agresivo que pueda. "man at the garden" siendo una de las más introspectivas canciones del álbum con una connotación religiosa respecto a qué merecemos realmente y qué simplemente no nos pertenece, tomando de reflejo las buenas voluntades y el deseo detrás de cada intención, haciendo surcos entre la insatisfacción y la autosuficiencia, pero también en el reconocimiento de nuestros esfuerzos que por más pequeños que puedan ser contribuyen a nuestra integridad como seres humanos. "luther" que es de las mejores canciones de amor que Kendrick ha hecho en toda su carrera dirigida a su esposa, acompañado de la siempre compatible con él al momento de hacer una canción: SZA. "reincarnated" es otra de esas canciones en las que Kendrick demuestra lo inmaculada que puede ser su habilidad para escribir canciones y magnificarlas a través de un storytelling que eriza la piel, esta vez tomando la dinámica de la reencarnación en dos grandes músicos del pasado y cómo se relacionan finalmente con su tercera vida, la de Kendrick Lamar, reflexionando sobre las decisiones que ha tomado en su vida y como esto podría llevarlo a la muerte, tal como le pasó a los primeros dos personajes. "heart pt. 6" no sólo demuestra con el titulo que le importó poco la utilización del mismo por Drake, sino que encima termina siendo una canción en la que no tiene nada que ver con él, y más bien agradece por su equipo de trabajo, colegas y amigos que lo ayudaron e inspiraron en sus primeros años de carrera. Como track final "gloria" es de las canciones más emotivas para quienes vienen siguiendo su carrera de hace años, siendo esta una carta de amor para la música refiriéndose a ella como su pareja, una persona con la que ha tenido sus diferencias pero siempre ha estado ahí para él, siendo una de las canciones más hermosas no sólo del álbum sino de toda su discográfica. Producción, letras e interpretaciones de primer nivel como siempre, siendo este un álbum muy centrado en celebrar su ciudad, su cultura, su familia, su música, sus compañeros y amigos, y sobre todo su vida.

El rapero, productor, cantautor y youtuber Benjamin Lasky hizo algo este año digno de toda apreciación, provocando sentimientos realmente fuertes a través de este mixtape de 15 canciones totalmente producidas y escritas por él mismo, con dos únicas colaboraciones dentro del álbum de parte de brakence y Kevin Abstract en el segundo y último track del proyecto. Quadeca canta, rapea, grita y hasta llora a lo largo de la experiencia de SCRAPYARD, la producción es impresionante, pasando de un momento a otro de algo psicodélico y elevador a algo más centrado y sereno, la modificación de cada instrumento y elemento presente, la inteligente y repentina manipulación vocal que le da otro angulo a las palabras que usa y las oraciones que pronuncia, desde coros armoniosos y angelicales hasta retorcidas y dolorosas interpretaciones, el ágil desplazamiento de sonidos en una sola canción es algo realmente delirante y a eso habría que sumarle la desconstruida voz del artista. El mixtape retrata la etapa de ruptura y el duelo amoroso, al menos al principio ya que a medida va avanzando el álbum, Quadeca va excavando más y más profundo en el dolor y la introspección de quién es él, qué quiere, todo el arrepentimiento que le han traído sus decisiones hasta ahora, y la creciente lucha con ser él mismo, aprender a amarse y tratar de llevar una vida tranquila. En "A LA CARTE" reflexiona sobre las cosas que le recuerdan a su pareja poniendo de principal referencia poemas que les dedicó. "PRETTY PRIVILEGE" retrata la manera en la que su pareja podría ver cosas grandiosas en él, las cuales para él eran difíciles de conseguir, todo esto comprimido en la frase "Why did you say I was pretty? I wanna know what you mean". "EASIER" es la mirada evasiva de poner excusas acerca de que si ciertas cosas fueran sido diferentes fuera sido más fácil amarle. "EVEN IF I TRIED" es la parte donde se rehúsa a soltar y expresa que se cree lo suficientemente capaz de lidiar con sus problemas por su cuenta. A medida va progresando el mixtape, la visión de Quadeca lo hace con él, tornándose extremamente personal, desolante y doloroso para luego desembocar en un reflexivo, emotivo, y hermoso florecimiento de esperanza en busca de un cambio en su vida. "U TRIED THAT THING WHERE UR HUMAN" podría ser la perfecta representación del clímax en el proyecto, donde simplemente con la dolorosa pero al mismo tiempo esperanzadora interpretación de Quadeca puede llegar a ser muy difícil no empatizar con el sentimiento que intenta expresar. En la canción final del proyecto "TEXAS BLUE" el artista desarrolla en versos cantados ese satisfactorio momento de realización, en el que reconoce que ambos habían escondido sus propias emociones en una relación para complacer a alguien más, como resultado, empieza admitir que pretender que todo está bien, en cualquier mínima situación en las que se es lastimo, se va tornando en algo demasiado doloroso, en el miedo de si esto podría reforzar o romper la relación, están en conflicto respecto a si continuar escondiendo sus sentimientos o hablarlo con su pareja y "ser honesto", referenciando también a la canción que abre el álbum "DUSTCUTTER" en el que se busca razones o personas para culpar de su ruptura. Todo el mixtape está completa y eficientemente ejecutado desde su producción maximalista hasta sus poderosas letras y tan comprometida interpretación de Quadeca, convirtiéndose en uno de los más grandes proyectos de este año.

La banda neoyorquina regresa con su quinto álbum sonando de una forma tan desafiante como jamás lo habían hecho antes. Only God Was Above Us es un conjunto de 10 canciones, cada una ellas con una aparente vida propia, siendo una por una un completo himno, desde su tan bien trabajada producción, el tan excelente manejo de una cantidad bárbara de instrumentos, así como también una interpretación vocal excelente de Ezra Koening, tocando temas como la herencia, la decadencia, la disonancia generacional y la delicada idea de elegir el optimismo. Este álbum marca un hito en la evolución musical de Vampire Weekend, una banda que ha sabido reinventarse a lo largo de su carrera. Desde su debut homónimo en 2008, la banda ha explorado una variedad de estilos, fusionando elementos de rock alternativo, música clásica y ritmos africanos, y con este nuevo trabajo, Vampire Weekend no solo reafirma su lugar en la escena musical contemporánea, sino que también se adentra en temas más profundos y complejos, tanto lírica como musicalmente. Desde el primer tema, se siente una madurez palpable en la producción, la instrumentación es rica y variada, con arreglos orquestales que evocan una sensación de grandeza, a cargo de la banda y de su colaborador habitual, muestra un enfoque meticuloso que permite que cada instrumento brille, las guitarras, los teclados y las percusiones se entrelazan de manera armoniosa, creando paisajes sonoros que invitan a la reflexión y al mismo tiempo al disfrute de la música. La banda utiliza metáforas y referencias culturales que permiten profundizar en el propio entendimiento de la vida y la fe de cada persona. El álbum se siente tan acogedor a pesar de su variabilidad de ejecución, haciendo pensar en el Pop Barroco de los 60s pero también en el Rock Alternativo de los 90s y a su vez la música africana se siente muy presente. En la optimista pero severa “Gen-X Cops”, se enfrenta a la idea de que ahora se está convirtiendo en la vieja guardia, “Cada generación hace su propia disculpa” canta, sabiendo que es solo una excusa para cualquier problema que esté destinado a causar, las perlas que está destinado a agarrar. El cambio de perspectiva representa, tal vez, el de Koenig y sus compañeros de banda a medida que envejecen ya no son idealistas juveniles que critican el mundo que los rodea, sino adultos resignados que luchan con su lugar en él. Ayuda que esta banda sea tan propensa a la automitología, durante mucho tiempo ha sido imposible hablar de Vampire Weekend sin “hablar de Vampire Weekend” y de todos los comentarios sobre privilegios, apropiaciones e identidades que conlleva, ahora, son ellos los que “hablan de Vampire Weekend”, pero en sus propios términos, haciendo canciones sobre la historia y sobre quién la escribe "los más crueles entre nosotros", quién determina el ascenso de clase "la gente que cierra la puerta tan pronto como recibe las llaves del ático", y qué pasa cuando has conseguido todo lo que creías que querías "todavía estás bastante vacío". La última canción de Only God Was Above Us parece encajar con la canción que abre el álbum, “Ice Cream Piano”, ya que ambas hablan de “yo” y “tú” y parecen conversaciones que Koenig tiene consigo mismo, “Todos somos hijos e hijas de vampiros que drenaron los cuellos del viejo mundo”, canta, todavía en busca de una paz que aún está por llegar, el nombre de la banda, por supuesto, no es especialmente draculino, solo un guiño al título de una película casera que Koenig hizo un verano y readaptó para el cuarteto, otra broma interna en una historia llena de ellas, sin embargo, hay algo conmovedor en invocar a los chupasangres para examinar quiénes han sido. El pasado es lo que es, en toda su riqueza y estatura, reconócelo y descubre algo nuevo en su interior, algo que se puede extrapolar perfectamente al irracional odio que sólo parte de razones históricas y más bien no racionales, "I hope you let it go". Con su mezcla de sofisticación musical y profundidad lírica, el álbum invita a los oyentes a explorar no solo la música, sino también sus propias creencias y experiencias. Es un trabajo que, sin duda dejará una huella en la discografía de la banda y en el panorama musical actual. A medida que se sumerge en sus melodías y letras, se encontrarán no solo disfrutando de la música, sino también reflexionando sobre su propio lugar en el mundo. 

A todo genero siempre se le puede sacar el mayor provecho posible, siempre se puede ir más allá, siempre se puede ser innovador y siempre pero siempre estará la posibilidad de que incluso venga algo que lo mejore. Este álbum es justamente el ejemplo perfecto para abordar esto, ya que el Metalcore jamás había sonado tan masivamente legendario como en este álbum. Pasa pocas veces que un escalofrío recorra tu cuerpo cuando escuchas los primeros compases de un álbum, y exactamente eso es lo que puede ocasionar al empezar a sonar "Thirst", invadiendo la convicción de que se está ante un disco importante, no sé si el futuro dirá que referencial, pero una vez escuchado al completo puedo decir es que lo mejor que ha dado a luz el metalcore gracias a Knocked Loose, a pesar de la corta duración el tema llega como agua fría, empieza con una especie de ambiente siniestro dejando claro la tónica general que tendrá el álbum. "Piece By Piece", veloz y adictiva, con unos riffs de guitarra muy groovys y disonancias características del proyecto, da paso a "Suffocate" uno de los triunfos del álbum, la colaboración con la musa inclasificable Poppy es un acierto, con su voz desquiciada al servicio de la banda, que no solo brilla Poppy sino que la producción de las voces es inmejorable, construyendo distintas capas de gritos que otorgan una profundidad increíble, se pone incluso mejor cuando Poppy hace una especie de susurros mientras se oyen los gritos de Bryan de fondo, complementándose a la perfección y luego está ese cambio de ritmo en  la batería hace un patrón rítmico de reggaeton, que se erige como uno de los momentos más álgidos de un álbum lleno de ellos. Con "Don’t Reach For Me" consiguen la cosa más cercana a un “hit según Knocked Loose”, estribillo, aporte melódico, caos y breakdown que te sumergen en un estado de ansiedad ideal para afrontar la caótica "Moss Covers All" de tan solo 43 segundos de duración, cuyo punteo tenso final de guitarra es el nexo de unión con "Take Me Home" con percusión tribal y un final denso y apoteósico con un sonido mucho más industrial. El álbum posee tan buena estructura y ejecución que ya has rebasado la mitad del disco y no te has dado cuenta, es una salvajada, es frenesí, son ellos más empoderados que nunca. "Slaughterhouse 2" con participación de Chris Motionless tiene un puente y un giro arrebatador, sin perder el nivel ni la elevación y a su vez preparándote para las ultimas tres canciones. "The Calm That Keeps You Awake" tiene tantas capas que la aproxima a lo mostrado a su último EP "A Tear in The Fabric Of Life", al puro estilo del Punk Hardcore y acompañados de coros, este tema posee un break muy caótico, mucho ruido y es muy rápido para procesar en una sola escucha, además de mencionar que tiene uno de los finales más alucinantes y eufóricos de todo el álbum. "Blinding Faith" es un torrente de fuerza concentrada que convertirá el pogo en un vívido infierno, rápida, intensa y enfadada con unos cambios de percusión completamente efectivos. Y en la final "Sit & Mourn’" hasta coquetean con el Black Metal, el álbum hace un cambio de lo melódico y ambiental a algo totalmente disruptivo y épico, lleno de riffs que parecen estar volando al rededor de ti, manteniendo el zumbido que viene siendo pieza fundamental durante todo el álbum y elemento de conexión, cerrando el álbum de la mejor forma posible. La producción ha conseguido una tormenta sónica clara y abrasiva al mismo tiempo. Las oleadas de breakdowns son ejecutadas de forma quirúrgica, precisa e intensa, elevando este noble arte a otra dimensión. Imparten toda una clase de cómo sacarle punta a ese recurso base de giros de batería imposibles, desatados por un riff de la guitarra o la voz de Garris. Pensar que quedaron en el tintero 30 temas más es bastante loco. Los 10 elegidos forman un corpus cohesionado que convierten a You Won't Go Before You're Supposed To en un tercer disco colosal y expeditivo, que toma elementos, percusiones y estructuras de otros estilos de forma arriesgada para adaptar al metalcore y funcionando perfectamente, lanzando todo a su alcance para erigirse como estandarte del nuevo metal hardcorizado. Un álbum tan excitante como innovador, que no sólo está entre lo mejor de este año sino que marca un punto importante para el genero.

Sin duda un dúo que estaba revolucionando el Synthpop desde hace algunos años pero pasando un tanto desapercibido era Magdalena Bay, con su primer álbum en 2021, Mercurial World, los argentinos lograron que el sonido psicodélico, divertido y romántico vuelva, sobre todo con una producción mucho menos minimalista que la que tienden a poseer las distintas bandas o artistas a lo largo de las últimas décadas. Este año, armaron todo un concepto de fantasía envuelto en conflictos extraterrestres, espejos mágicos, clones, personajes míticos y un romance entre una humana y un ente espacial, con el grandísimo aporte cinematográfico, fotográfico, estético e incluso interactivo, a través de una página que hicieron para conectar aún más con este universo que crearon. Imaginal Disk es más que sólo un álbum, es de las mejores experiencias musicales en lo que va de esta década, con un concepto maravilloso, una estructura impoluta que permite que funcione ese concepto, una interpretación vocal preciosa de parte de Mica y una producción de ensueño por parte de Matthew. Cada melodía, cada elemento presente, cada verso, cada instrumento, cada efecto y ambiente manipulado, cada transición, cada arreglo, cada solo, cada trazo, cada interpretación, cada contraste, cada mínima partícula en este álbum funciona de manera casi mágica, haciendo algo absolutamente hermoso de oír. Desde que te adentras a "She Looked Like Me!" se vuelve difícil tomar camino de regreso, vocales mixtas de Mica y una instrumental melódica pero después elevadora que va acompañando a la letra introductoria de la historia, hacen de ella una comienzo despertante. "Killing Time" contiene uno de los tonos más reconfortantes de todo el álbum, te hace sentir totalmente parte de la propia historia narrada, pasando de el ambiente de un videojuego sereno a una creciente atmósfera de emociones fuertes. "True Blue interlude" es masivamente dulce y funciona perfectamente como puente al destino inevitable de "Image", el nuevo tú, la producción en esta canción logra transmitir justamente lo que va narrando la canción, una transformación, mientras al mismo tiempo te hace dejarte llevarte por lo divertido y electrizante que puede ser esperar por ello. "Death & Romance" es uno de los puntos de inflexión del álbum, retratando la relación de la protagonista y su amante, transmitiendo perfectamente el sentimiento de extrañar a alguien y al mismo tiempo la intensidad que representa este amor en particular llegando al nivel de compararlo a un punto tan máximo como la muerte, y aún esto, la producción colabora en la explosiva emoción. Después de una transición perfecta pasa a "Fear, Sex" la cual contiene elementos peculiares durante el desarrollo de esta, sintetizadores que emulan sonidos de respiración cortados entre ellos, otros sintetizadores de aire más evocadores de espacio dentro de la canción y una interpretación de Mica que se va adaptando a los cambios de esta, siendo una canción totalmente progresiva y de conexión pero aún así sin dejar de ser tan esencial dentro del álbum, desembocando en "Vampire in the Corner" quizá la canción con producción más suave e intima del álbum, entre melodías de teclado y elementos paneados de forma sugerente a la letras de Mica, la cual a través de interpretación parece inspirar deseo y al mismo tiempo autocompasión. "Watching T.V." parece a primera vista una balada en la que líricamente retrata la desconexión, la soledad, la confrontación de miedos, problemas personales y la necesidad de instropección, la repetición de la línea "Too much watching TV" sugiere el escapismo que existe a través de la misma, hasta que la canción hace una increíble transición a través de repeticiones en corte para dar paso a letras como "It's time to meet the monsters around you" y "it's time to meet the monsters inside you". "Tunnel Vision" es de las canciones más épicas dentro del álbum, pasando de una melódica y onírica producción e interpretación, transmitiendo incluso nostalgia, a algo completamente disruptivo a través de matices mucho más Post-Punk. "Love Is Everywhere" parece sacada de un cuento, tan carismática y llena de color en la que la letra induce al observar la presencia del amor en las cosas más pequeñas, y que sólo es cuestión de estar abierto a verlo. "Feeling DiskInserted?" ideal como interludio y previsor del final del álbum. "That's My Floor" la canción con la vibra más rockera y al mismo tiempo fiestera del álbum, siendo el single más divertido que anticipaba el álbum. "Cry For Me" es la invocación de ABBA en un sonido mucho más oscuro, una balada melancólica que invita a la reflexión sobre la vida, el amor y la inevitabilidad de la perdida, a través de un explosivo y envolvente desarrollo de la misma. "Angel on a Satellite" con sus pianos taciturnos, unos tambores tocados suavemente con las manos y una guitarra acústica impresionista, anuncia el final del álbum haciendo una alegoría sobre al carpe diem. "The Ballad of Matt & Mica" retornando a la melodía y coro de la primera canción canción pero esta vez con una interpretación mucho más alegre como dando a entender que fue un final satisfactorio después de todo. Imaginal Disk es un álbum fantasioso que logra y ejecuta todo lo que se propone de manera ideal, álbum que, con toda la seguridad se levantará entre los mejores álbumes que el Synthpop haya podido tener.

Después de la sorprendente separación de la mítica banda Black Midi, el talentosÍsimo Geordie Greep saca lo que es su primer álbum como solista, rescatando todo lo trascendente del sonido de su ex-banda pero ahora combinándolo con las diversas influencias que alimentan la creatividad de Greep, desde elementos de géneros latinos hasta  guiños hacia la música de hace siete décadas, siendo en todo instante del álbum tan expansivo como meticuloso, logrando así, algo verdaderamente orgásmico musicalmente. Estilísticamente, el álbum recorre todo el mapa, desde canciones cabaret y jazz fusión con influencias latinas hasta pop teatral y rock progresivo enrevesado, Puede parecer una mezcla caótica, y en cierto modo lo es, pero también es sorprendentemente cohesivo, especialmente con el estilo vocal distintivo del artista y las letras que lo unen todo. El álbum crea su propio mundo extraño e inquietante, que le da a Greep una variedad de fondos contra los cuales puede escenificar sus narrativas surrealistas. La mayoría de las once pistas del álbum están construidas alrededor de narraciones en primera persona, lo que permite a Greep habitar el protagonista de cada canción y hablar directamente con los otros personajes, es un estilo que comenzó a desarrollar en Black Midi, especialmente en su último álbum Hellfire. Temáticamente, las canciones a menudo se centran en narradores que se ponen un exterior pulido, pero cuyas vidas privadas esconden profundas inseguridades, proclividades sexuales inusuales e impulsos violentos. Las acrobacias vocales de Greep son el vehículo perfecto para estos cuentos inquietantes, dándoles una sensación de autenticidad que combina perfectamente con la música. En "Blues", la cual es una forma bastante épica de iniciar el proyecto, presenta guitarras progresivas entrelazadas y diferentes estructuras musicales y líricas que van construyendo algo hasta concluir en un frenético clímax de Jazz-Fusión, presenta ya a un personaje con delirios de grandeza que se cree un semental y un intelectual pero que en realidad está completamente carcomido por sus inseguridades. En "Terra" se hace evidente el gran interés de Geordie Greep por el folclore bailable latinoamericano, mientras va describiendo un escenario que aparenta representar un lugar donde están personas fallecidas. "Holy, Holy" es el santo gríal de todo el álbum, no sólo siendo delirante en interpretación, instrumentación y estructura, sino que contiene una de las letras más interesantes, la canción crítica la cultura de la fama y la obsesión por la imagen, donde las relaciones se convierten en transacciones y las personas en objeto de deseo, ofrece una exploración intrigante del ego, el rendimiento y la interacción de la intimidad y las relaciones transaccionales. La canción captura a un personaje que irradia confianza y busca validación a través de encuentros con mujeres, sin embargo, hay una desesperación subyacente que revela capas de inseguridad. Greep esboza un retrato del romance moderno, resaltando cómo las conexiones personales a menudo pueden sentirse superficiales o transaccionales, con el narrador intentando mantener una imagen de santidad mientras se involucra en lo que parece ser una seducción cuidadosamente coreografiada. A lo largo de la letra, Greep utiliza una combinación llamativa de lenguaje conversacional y metáfora extravagante para transmitir la perspectiva del narrador. Por ejemplo, frases como "Todos saben que soy santo" yuxtaponen la reverencia espiritual con la naturaleza superficial de las interacciones nocturnas, mezclando imágenes de fama con las intenciones sexualmente explícitas del narrador. Las referencias a varias ubicaciones globales, desde "las costas de La Habana" hasta "Moscú y Tokio", sugieren un sentido de universalidad en la experiencia del narrador, indicando que la seducción y la búsqueda de validación son experiencias humanas comunes en todas las culturas. Mientras que el narrador parece presumir de su encanto y el atractivo de ser conocido, hay un toque de soledad debajo, especialmente cuando pregunta: "¿Vienes aquí a menudo?", apuntando a su búsqueda de una conexión genuina en medio de los encuentros superficiales, cosa que le genera una necesidad de volver a ese lugar cada semana. "The New Sound" es una canción completamente instrumental que engloba todo el estilo que Geordie busca darle a su inicio como solista, estando esta llena de llamativos y muy caribeños. "Wake Up" es un collage de elementos y estructuras, que puede ser o muy agresivo y violento o muy bailable y fiestero, en esta canción cuenta que la trabajadora sexual de la que se ha enamorado posiblemente le ha transmitido una enfermedad de transmisión sexual que después descubrimos es "incurable", pero él está contento porque, como canta en ‘Through the War’, significa que esta mujer será "parte de él para siempre". A medida avanza el álbum Greep sabe narrar con gran habilidad el paso de la locura a la decadencia de su estrafalario personaje. En "Bongo Season" parte de las influencias de la música brasileña para entregar la composición más corta del álbum, el cual parece ser un poema en el que expresa el romanticismo que ciega al personaje. "Mortobike" es otro reflejo de crudeza en la producción, a cargo de la interpretación fuerte del único colaborador Seth Evans, donde narra un escenario en el que el personaje no parece interesarle mucho lo que está pasando a su alrededor y en su lugar deja que sus deseos hablen por él. Quizás la mejor de estas baladas sea "As if Waltz", donde una estructura alterna de sórdidos versos disco y coros de pop tradicional estallan con el chirrido de un solo de guitarra distorsionado, los dos estilos dispares se unen para crear un fondo melancólico para la canción, solos entusiastas que suenan como el día del juicio final en la pista de baile de los setenta. Más allá de la irreverencia y la depravación de todo esto, algo sobre dónde deja las cosas llega directo al hueso, algo inusualmente conmovedor en la imagen de “el cónyuge felizmente casado que aún muere solo” en la épica de 12 minutos "The Magician", que termina preguntándose: “¿Qué queda del soñador, que sueña y sueña y sueña, pero piensa que no está soñando... Cree que es libre?” Greep no proporciona respuestas, por supuesto, ni un sonido totalmente nuevo. Su final con una versión de la canción de Frank Sinatra "If You Are But a Dream" parece sugerir que nada de este anhelo fantasioso es nuevo, tampoco, pero su propia reimaginación es algo distinto, y es suficiente para dejarse llevar. The New Sound es un trabajo muy bien estructurado y pensado, y es evidente la influencia que Greep quiso vaciar en su álbum, una mezcla de Battles, Benjamin Clementine, Steely Dan y Willie Colón. Es un álbum tan impredecible como cautivante, es un viaje caleidoscópico de caos que rompe con los géneros y cohesión melódica, es simplemente Geordie Greep siguiendo con su amor a la música, al crear personajes e historias y a su forma de hacer arte que no murió con Black Midi.

Sin ningún tipo de sorpresa, hay un claro álbum que rompió con todo pronóstico en el 2024, y ese es nada más y nada menos que brat, logrando redimensionar el Pop, romper los estándares del marketing y prácticamente crear una nueva cultura. Este álbum no simplemente resuena perfectamente en un público contemporáneo sino que logra extrapolarse a estéticas pasadas y al mismo es un guiño de lo que podía ser el sonido del pop del futuro. Para entender de lleno lo influyente e importante que llega a ser brat dentro del panorama artístico, habrá que tener en cuenta la evolución que ha tenido la música de Charli y su proyección dentro del género, llegando a atribuírsele ser la pionera, reina y contribuyente numero 1 del Hyperpop, este subgénero que viene siendo desarrollado por PC Music, un sello discográfico y colectivo artístico creado en 2013 por el productor A.G. Cook, uno de los principales colabores en la carrera de Charli. Su música siempre buscó maximizar el pop, alterarlo, desconstruirlo, saturarlo o simplemente distorsionarlo mientras tocaba temas que satirizaban el pop mediático, buscando ser el punto principal la introspección cruda y la diversión, poniendo el sentir la música por encima de la imagen que te proporcione esta. Proyecto tras proyecto Charli buscó enfatizar cada vez más lo transparente que quería que fuese su música, y lo logró, ahora con Brat pudo incluso llegar también a un estado de absoluta cohesividad, siendo su álbum con mejor estructura y naturalidad, el más fácilmente digerible de todos sin duda, pero sin ser completamente innovador. Brat se convierte en el vehículo confesional perfecto para que Charli pueda mostrarse vulnerable sin dejar de devorar en el proceso, en palabras de la artista, el álbum refleja la aceptación de nuestro caos interno, el ser fieles a las cosas que nos hacen ser nosotros mismos y nos representan, eso por supuesto englobando nuestras aficiones, nuestras cualidades, nuestras relaciones interpersonales, nuestras percepciones de lo que nos rodea así como también nuestros tormentos y disyuntivas internas. Empezando con "360" que funciona como el tema introductorio perfecto, muy de presentación con un patrón de sintetizadores creando una de las melodías más contagiosas y características dentro del álbum, esta canción vendría siendo una pasarela de autoestima estilizado, empezando el álbum dándose su propio lugar en una escena en la que referencia el iconísmo inspirativo, no desde un punto de vista pretencioso sino inductor a la vibra que sostendrá el álbum y la encarnación de participar en él, la bienvenida a Brat. Con un sample de un video antiguo de ella y la fascinante combinación del Jersey Club con el House, "Club Classics" abre las puertas al espíritu fiestero de Charli, por un lado siendo un homenaje a la música electrónica y los grandes exponentes que la han influenciado y hacerla amar el genero, viendo los clásicos de los clubes como himnos para ella, y por otro lado también enfatizando en la referencia personal y las personas que la rodean, expresando que quiere bailar en el club mientras oye sus propios temas y los de cada uno de sus compañeros, reflejando al mismo tiempo su deseo por compartir los frutos de su carrera junto a las personas que siempre estuvieron con ella, "Yeah, I wanna dance to me, I wanna dance to A.G., I wanna dance to Sophie, I wanna dance to HudMo", para finalizar la canción repite varias veces el verso en el que quiere bailar oyéndose a sí misma, teniendo en cuenta que algo que siempre ha expresado la artista es el amor que tiene por su propia música. A partir de "Sympathy is a Knife" conocemos la dualidad del álbum, ya que es aquí donde Charli empieza a mostrar sus dilemas internos y el tono lírico cambia, pasando de ir a bailar al club y pasarla bien a encarar las dudas de Charli, que, a pesar de la imagen de derroche de autoconfianza dentro del álbum, de igual forma todavía sufre la presión de la opinión pública, sugiriendo que la simpatía fingida de los demás la corta como un cuchillo, aunque la pretensión es que la "simpatía" tiene como objetivo "salvar" su ego, en realidad le resulta difícil entender si alguien está siendo sincero con ella o si se está comportando artificialmente para no comprometer su imagen, como resultado ella se encuentra "en espiral", sintiéndose benevolente y en ocasiones injusta y tristemente ingenua o paranoica. La producción e interpretación pasa a ser mucho más explosiva, una complementando a la otra en el desahogante desarrollo de la canción. "I might say something stupid" es verdaderamente uno de los temas más hermosos y emotivos que Charli ha interpretado, en esta canción la producción apunta prácticamente al ambient convirtiéndolo en una completa balada que se esfuma totalmente de cualquier sonido fiestero y pone el foco en una cara radicalmente opuesta a la que presentaba en los temas anteriores, en esta, Charli muestra un lado más inestable e inseguro de sí misma y con un sentimiento de distanciamiento hacia si misma y desconexión con su entorno, algunas lineas a resaltar serían: "podría decir algo estúpido hablando conmigo misma en el espejo", "no me siento nada especial", "la puerta está abierta, adentro está lleno pero aún estoy afuera", "me veo perfecta desde las gradas" expresando que aveces siente que no merece ser el centro de atención así como también lo incomoda que se siente en eventos y fiestas de celebridades, siendo su síndrome del impostor algo recurrente en el álbum, cuestionándose si realmente merece ese éxito y fama, mientras en la primera canción del álbum decía que ella era lo que mirabas al verte al espejo, en esta canción dice que mirarse en el espejo supone una tortura para ella que no cree ser lo suficientemente buena. Luego pasamos a la juguetona, coqueta y divertida "Talk Talk", en la que la retrata todo el nerviosismo y adrenalina de estar en el mismo lugar que alguien con quien has estado hablando por meses a través de mensajes, describiendo las miradas constantes, la inocencia de quienes les rodean sobre lo que pasa entre ellos y por supuesto el deseo por el hablarse. Entre claps enérgicos, un patrón rítmico del House y muchas sendas arcoíris de sintetizadores, el álbum retorna a un ambiente más bailable, para posteriormente pasar a "Von dutch", una canción visceralmente hedonista al Dance en el que la artista se proclama como clásico de culto mientras da por hecho que este álbum no tiene nada que demostrar pero sí mucho que celebrar, siendo este el primer el single y vistazo que se tuvo de brat, la canción ponía la brecha bastante alta con una electropop experimental, siendo el primer paso para cambiarlo todo y hacer un álbum digerible pero absolutamente memorable "Un clásico de culto, pero sigo haciendo Pop". "Everything Is Romantic" es una de las joyas indiscutibles del proyecto, con una de las influencias más marcadas como la de Rosalía en Motomami, la canción es una constante metamorfosis, la orquesta que en el pasado abría la grandiosa "Baby" en su último álbum se transforma en un electrónico Funk Brasileño aún sin romper la seriedad o la creciente satisfacción que va dejando en la interpretación y letra, que consigue colocar a Charli en un punto medio entre el Rap y el coro como formula para alcanzar el más poderoso romanticismo de la artista, totalmente agradecida por quienes les rodea, por su vida y por las cosas más pequeñas que la hacen seguir sintiendo amor por lo que hace y por la vida en general, dando una visión general de lo que sería siempre saber que habrá motivaciones diferentes y cosas que te devuelvan las ganas de vivir, mostrándose en un estado de felicidad genuina, "fall in love again and again, fall in love again and again, fall in love again and again, fall in love again and again" son las últimas lineas que repite una y otra vez mientras el ambiente de la canción se va volviendo cada vez más envolvente y puro. "Rewind" explora el deseo de retroceder en el tiempo para escapar de las inseguridades y presiones que enfrenta en su vida actual, estableciendo un tono nostálgico y reflexivo, a lo largo de la canción va desarrollando el recurrente pensamiento de los momentos en que no tenía que analizar cada acción que fuese a tomar por estar dentro del ojo público, expresa el anhelo por un pasado en el que las cosas se sentían más fáciles o menos cargadas de inseguridades, la letra se sumerge en momentos específicos donde recuerda sentirse más despreocupada y menos autoconsciente, la referencia a quemar CDs y pintar uñas en su habitación alude a un tiempo más simple en su juventud, resaltando la inocencia y la simplicidad del pasado. La mención del éxito comercial y las listas de Billboard sugiere una lucha con las demencias de la industria musical y presión de cumplir con ciertas expectativas, aumentando aún más su deseo de retroceder en el tiempo. La canción contiene cortes y bases de la mano de A.G. mientras también se introduce guiños al ambient del legendario Aphex Twin. "So I" es una conmovedor homenaje a la cantante, compositora, productora y DJ así como compañera y amiga de Charli, Sophie, quien falleció en 2021. En la canción Charli hace principalmente referencia a la canción de Sophie "It's Ok To Cry", mientras de forma cruda y emotiva habla sobre el arrepentimiento y dolor que siente de alejar a una amiga cercana como ella, mientras va honrando los recuerdos que tiene con ella y lo influyente e inspiradora que fue para su carrera y su vida ene general, siendo sin duda el momento más emotivo dentro del álbum, en un beat lento y triste, al cual Charli menciona que espera le guste teniendo en cuenta lo rápida que le gustaba hacer la música a Sophie, "Cuando hago canciones, recuerdo cosas que solías sugerir, 'Hazla más rápida', me pregunto si te gustará esta". En la reversión de brat, Charli cambia la letra y el beat de la canción orginal, el remix siendo la canción donde pasa del duelo a la celebración de la vida de Sophie. "Girl, So Confusing" la canción que empezó siendo de las más controversiales de todo el álbum, con todo un contexto que se remonta a una década atrás y el detonante perfecto para poner fin a una de las rivalidades más grandes del pop que había inventando el internet, Charli a través de versos habla de cómo se siente ella en cuanto a su comparación y su supuesta rivalidad con Lorde, canción la cual tendría su remix con la misma Lorde unos días después del estreno de Brat, siendo esta una de las colaboraciones más épicas para el genero, en donde Lorde responde al como se sentía Charli respecto a su relación con ella, concluyendo en un increíble desenlace que se volvería un meme referencial para personajes que aparentan tener cierta rivalidad, mientras Kendrick Lamar y Drake tenían su guerra, Charli XCX y Lorde creaban su reconciliación, volviéndose un recurso el decir "arreglarlo en el remix" a partir de ese momento. La producción encaja tan perfectamente con la esencia que brinda la interpretación, el coro es tan memorable y la manera que tiene Charli para desahogarse en versos es simplemente maravillosa. "Apple" es quizá la canción con el beat más fresco y atractivo, sintiéndose totalmente libertina y llena de carisma pero realmente teniendo una letra que habla sobre la introspección a nivel familiar, Charli canta sobre lo que ha descubierto de sí misma observando a sus padres, lo cual le produce miedo y le genera ganas de conducir, convirtiendo esto en el acto de escapar, mientras Charli canta sobre su relación con sus padres utiliza manzanas como analogía de los rasgos heredados, que a veces termina siendo la parte podrida de ella, "Creo que la manzana está podrida hasta el centro, de todas las cosas transmitidas, de todas las manzanas que vinieron antes, dividí la manzana en líneas simétricas, y lo que encuentro es un poco aterrador, me hace querer conducir", exponiendo de manera inteligente y sencilla el trauma familiar. Además cabe mencionar que es precisamente esta parte de la canción la que se hace viral en TikTok con su propio baile. "b2b" es un reflejo de la lucha interna que se produce al intentar alejarse de una relación que ya no es beneficiosa, la repetición de la frase "back to you" sugiere un patrón de volver a la relación o situación a la que se le reconoce es dañina o no deseada, lo progresivo y transitorio de la producción hace que ese sentimiento se intensifique, tanto como el clímax de la canción donde Brat sigue demostrando su potencial para romper las barreras de la música electrónica experimental, siendo una de las canciones más envolventes, eufóricas y bailables de todo el álbum. "Mean Girls" es otro de los temas con una de las producciones más eminentes, combinando sintetizadores chirriantes, una percusión contagiosa y una piano que le otorga toda la personalidad, un himno dedicado a las chicas que desafían las normas sociales y abrazan su lado más rebelde y hedonista, desde el inicio, la letra nos presenta a una persona que, a pesar de su apariencia o distintos factores personales, exuda una confianza y una actitud desafiante. La referencia a Lana Del Rey y el uso de AirPods sugieren una conexión con la cultura pop contemporánea y una cierta idolatría por figuras que representan la melancolía y el glamour decadente. "I think about it all the time" vuelve a los tonos más introspectivos del álbum, con una percusión rápida pero una interpretación lenta y desnuda así como órganos alterados de fondo que te meten de lleno a una de las canciones más intimas no sólo del álbum sino de toda la discografía de la artista. La canción explora temas profundos y personales relacionados con el paso del tiempo, la maternidad y el propósito de la vida. A través de una narrativa introspectiva, la artista reflexiona sobre su futuro y las decisiones que podrían cambiar su vida de manera significativa. La letra revela una preocupación constante por el tiempo que se escapa y la posibilidad de que la maternidad pueda darle un nuevo sentido a su existencia, abordando la tensión entre la carrera profesional de Charli XCX y su deseo de tener un hijo, la conversación sobre dejar de usar anticonceptivos refleja una lucha interna entre su ambición y su deseo de experimentar la maternidad, la canción cierra con la misma reflexión persistente sobre el tiempo, dejando al oyente con una sensación de incertidumbre y contemplación sobre las decisiones que definen nuestras vidas. Para cerrar el álbum, "365" funciona como una especie de reversión o remix de la canción que abre el álbum, resaltando más esta vez la tan determinante frase "bumpin' that", siendo esta quien lleve la riendas de toda la canción y el final del álbum. Esta canción representa el espíritu de fiesta imparable, funciona como bautizo definitivo al mundo Brat, a través de una instrumental que va evolucionando e intensificándose cada vez más, es de los finales más ideales, adictivos y representativos que pudiera tener un álbum. Brat se ha convertido es una de las expresiones más gigantescas y efectivas que ha tenido la música en mucho tiempo, convirtiéndose en todo un fenómeno referencial y cultural, tal como ella lo representa, al punto de volver el color verde neón algo a lo que se le es imposible no familiarizarlo con brat, o la increíble influencia del texto Arial en baja resolución en un fondo verde o blanco, característico de la portada original de brat y la de la versión deluxe, convirtiéndose en un recurso del internet para lo que sea. Hay que mencionar las otras dos versiones del álbum ya que lo que haría sería aumentar la fiebre por esta obra maestra, primero "Brat and it's the same but there's three more songs so it's not" que sería la versión deluxe que trae tres canciones más, cada una de ellas con un desborde de calidad y siendo opciones impredecibles. La reversión final del álbum, lanzada 4 meses después de la original y contiene los remixes de cada canción es "brat and it's completely different but also still brat" con la presencia de nombres bastante importantes dentro de la industria y en su mayoría siendo artistas cercanos a Charli, yendo desde Ariana Grande, The 1975, Billie Eilish, Bon Iver, Julian Casablancas, Caroline Polachek, Shygirl, The Japanese House, Tinashe, Troye Sivan, bb trickz, Yung Lean, Robyn, Addison Rae, A.G. Cook, Jon Hopkins y Bladee, siendo fiel al punto de realizar un remix, partir de un mismo concepto y otorgarle un aire completamente diferente, y no simplemente añadiendo un verso a una canción que suena totalmente igual. El tour con Toye Sivan y las impresionantes interpretaciones en vivo, la fiebre del "Brat Summer", definitivamente Charli logró algo histórico en la música con brat, siendo de los proyectos mejor ejecutados y más genuinos de los últimos tiempos, convirtiéndolo así en un verdadero clásico instantáneo y la mayor razón por la que 2024 fue un peak en la calidad musical.