Dibujo Comic

Contando ya con un guión terminado y revisado pasamos a la fase de dibujo de las páginas del comic en las cuales dibujaremos no sólo las escenas del guión, sino daremos una mirada como dibujante y lector del comic, ya que podría ser que alguna escena no funcione bien para la dinámica de la secuencia gráfica dibujada o que la escena necesite un cambio de vista del plano, para que se acople mejor a la dinámica de la secuencia gráfica. Finalmente cabe decir que es el dibujante quien tiene la última palabra en la composición de las viñetas.

En la narrativa gráfica del comic, los tres elementos fundamentales para explicar la historia son las viñetas, las páginas y los diálogos. De estos tres elementos, la unidad individual más pequeña es la viñeta.

Físicamente, una viñeta es un espacio - de formas y tamaños muy diversos - en el interior del cual se representa una acción concreta. Suele estar rodeada por un marco que también tiene formas y características únicas y varias, e incluso en algunos casos nos encontraremos con la ausencia de este marco.

En cuanto al contenido, cualquier opción es posible. Por tanto, queda claro que en el asunto de las viñetas hay más excepciones que reglas por lo que fundamentalmente, una viñeta es una herramienta para explicar la historia, y no todo el mundo narra del mismo modo.

Pero incluso sin ir más lejos de la viñeta, el lector debe interpreta muchos mensajes ocultos en la imagen y el texto; solo podrá hacer si está familiarizado con el lenguaje de los comics.

Lo que nos interesa de esta demostración es que las dos versiones son igual de válidas para el lector, ya que es un "participante activo" de la historia. La viñeta central sólo aparecerá si al autor le interesa. Además, es fácil imaginar la misma escena en 10 viñetas, con la mano de Yuka acercándose como un misil, un montón de planos de explicaciones, discusiones, etc. Esta versión también sería correcta: la narrativa es correcta, la escena se entiende.

Para finalizar mencionaremos los otros elementos o recursos con que cuenta el dibujante para narrar la historia.

• EL ENCUADRE

El encuadre es la parte seleccionada en la viñeta. Lógicamente, al mismo fragmento escogido, se le pueden aplicar diferentes encuadres en función del objetivo perseguido. Los personajes y decorados tienen un volumen en la viñeta mayor o menor según la importancia del papel que desempeñen. Esta dimensión visual se denomina plano. Éstos son dramáticos si se centran sólo en los personajes o recogen un determinado detalle, y descriptivos, si combinan los personajes con el decorado.

LA COMPOSICIÓN

La composición de una viñeta consiste en distribuir y organizar todos los elementos que la integran. En la composición tienen un papel muy importante la simetría o asimetría en la distribución de los elementos, el equilibrio de masas o compensación de pesos y volúmenes, la profundidad y la perspectiva.

• LA PERSPECTIVA

Un objeto se ve más pequeño cuanto más lejos está. Para conseguir este efecto sobre un plano de dos dimensiones se utiliza la perspectiva, y para ello se determina el punto de fuga en la línea del horizonte (como muestra el autor del cómic con el Sol). Esta línea puede estar dentro o fuera de la viñeta (en este caso dentro). La profundidad se consigue dibujando con trazos más firmes y gruesos lo que está cerca, y más finos y desdibujados lo que aparece más lejos (huellas)

• LAS ONOMATOPEYAS

Las onomatopeyas son un recurso muy frecuente y útil en los cómics, que consisten en imitar sonidos a través de las palabras. Pueden estar dentro o fuera del bocadillo y suelen estar formadas por texto e imágenes.

• EL MOVIMIENTO

Para expresar el movimiento, el cómic recurre al cambio de lugar y tamaño de la figura, por medio de las distintas perspectivas, y también mediante la llamada figura o línea cinética: La línea cinética es un recurso del autor para indicar la dirección, sentido, velocidad, etc. de un movimiento.

• LA ILUMINACIÓN

La iluminación es un elemento del cómic y un recurso del autor fundamental para iluminar una viñeta y dotarla de volumen y profundidad. La luz del día se obtiene iluminando desde arriba, y la noche se consigue con sombras alargadas y con el contraste entre el negro y un foco de luz.

• EL COLOR

El color es un recurso del autor que no sólo sirve para iluminar las historias. Los autores profesionales saben "narrar" con el color. El color define y separa secuencias, lugares y tiempos, y además expresa sensaciones y sentimientos.

• LA GESTUALIDAD

La expresividad del cuerpo (expresión corporal) y de la cara (expresión facial) es un recurso fundamental del autor que se emplea para reflejar estados de ánimo o maneras de ser de los personajes.

• EL BOCADILLO Y EL CARTUCHO

El texto suele aparecer en el cómic de dos formas: en el bocadillo o globo, y en el cartucho o cajetín.

Un bocadillo puede tener formas muy diversas (normalmente ovalada), y sirve para que los personajes del cómic hablen. En él se distinguen la silueta (superficie donde se escribe el texto) y el delta (que apunta hacia el personaje). Los más utilizados y conocidos son: de diálogo, de pensamiento, colectivo...

El cartucho suele ser de forma rectangular y lo utiliza el narrador para aclarar la viñeta, localizarla espacio-temporalmente, explicar la acción, etc.

Los planos y los enfoques que usamos en los comics vienen del lenguaje del cine, cada uno cumple una función en particular en la narración visual del comic.

Lo ideal es que la página tenga una variedad de planos y enfoques, esto da riqueza visual y no aburre al lector. Imaginen una página totalmente dibujada en primeros planos, sería muy aburrida de ver, además de no entender en qué lugar transcurre la acción, lo mismo ocurriría con una página con solo planos generales extremos, no sabríamos las emociones de los personajes, o sus acciones.

Tengamos en cuenta que cada plano cumple una función, y no podemos usarlos “porque si”, es muy importante conocerlos y saber que momentos nos ayudan a narrar.

En términos generales se reconocen los siguientes tipos de plano (todas las indicaciones son aproximadas y flexibles).

Según el tamaño del plano

Plano panorámico: general extremo o gran plano general: muestra un gran escenario. El o los personajes no aparecen o quedan diluidos en el entorno. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre en comparación con el entorno.

Plano bajo: muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una 1/3 y una 1/4 de la cámara. Tiene un valor descriptivo de personas o un ambiente determinado de valor descriptivo, narrativo o dramático.

Plano entero: cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies.

Plano americano: El Plano americano, o también denominado 3/4, o plano medio largo, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es óptimo en el caso de encuadrar a dos o tres personas que están interactuando. Recibe el nombre de "americano" debido a que este plano apareció ante la necesidad de mostrar a los personajes junto con sus revólveres en los westerns americanos.

Plano medio: Presenta la figura humana cortada por la cintura. Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.

Plano medio corto: muestra la figura humana (busto) desde el pecho hasta la cabeza.

Primer plano (big close up): va desde las clavículas hacia arriba.

Primerísimo plano (close up): muestra desde la barbilla hasta la frente, es un primer plano muy cerrado.

Plano detalle: se centra en un objeto (un bolígrafo, un despertador, etc.)

Plano de situación: puede ser de lugar o temporal y se utiliza para localizar la acción tanto temporal como espacialmente.

Ángulo visual​

ángulos de cámara fotográfica o de cine o televisión. El ángulo que la cámara o pintor tenga con respecto al tema u objeto(s) de interés, alterará tanto el carácter como los planos de cada toma.

Normal o neutro: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo y se encuentra a la altura de los ojos o, en caso de ser un objeto, a su altura media.

Picado: es una angulación oblicua superior, es decir, por encima de la altura de los ojos o la altura media del objeto y está orientada ligeramente hacia el suelo. Normalmente, el picado representa un personaje psíquicamente débil, dominado o inferior.

Contrapicado: opuesto al picado. Suele representar un personaje psíquicamente fuerte, dominante o superior.

Nadir: la cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo.

Cenital: la cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular.

Plano holandés o aberrante: Cuando la cámara está ligeramente inclinada, por lo regular a un ángulo de 45 grados. Esto demuestra inestabilidad.

Subjetiva. La cámara nos muestra lo que el personaje está viendo, es decir, toma por un momento la visión en primera persona del personaje.

Semisubjetiva. La cámara nos muestra parte del personaje (Generalmente desde detrás de este) además de lo que está viendo.

Lateral. La cámara se encuentra a 90º grados mostrando una vista "de lado", muchas veces utilizado como plano subjetivo.

En una oración está referido a: Como poner junto todos los dibujos y elementos de una viñeta y que sea agradable a la vista.

Una buena composición debe resolver dos aspectos fundamentes: la narrativa de la historia y la composición de la página. Eso significa, por tanto, dedicar más espacio a lo que importa más, y no equivocarse con el reparto de espacios en las viñetas. Lo mejor es evitar las composiciones demasiado regulares si se trata de una escena con muchas emociones y con momentos de mayor intensidad dramática. Las distribuciones de viñetas regulares son más útiles en la exposición de la historia, aún que un buen autor no deja que esto le impida usarlas.

El encuadre es generalmente rectangular, tanto si se trata de una viñeta como de una fotografía, un cuadro, un cartel, una película o pantalla de un televisor. Dentro del encuadre aparece la imagen, pero no toda ella tiene la misma importancia: hay un centro de atención principal, una zona secundaria y otras zonas marginales. Teniendo en cuenta estas zonas, los elementos de la viñeta (personajes, fondos, objetos, bocadillos, onomatopeyas, etc.) se distribuyen de una forma concreta. Si fuera un cuadrado se hablaría de "composición", pero en viñetas se habla de "encaje". Encaje - poner en una caja - es casi lo mismo que Encuadre - poner en un cuadro -, pero el término tiene un sentido mucho más amplio, pues hace referencia a todos los elementos de una viñeta, no solo a la imagen.

El encuadre puede interpretase de formas muy distintas pero lo más habitual es hablar de encuadres "cerrados" o "limitados", y de encuadres "abiertos". En los cerrados se intenta, de alguna manera, abarcar totalmente la realidad desde nuestro punto de vista en ese cuadro. Por el contrario, en los abierto se da que existe más realidad que la que vemos recogida en el marco, ya que solo se ha representado un fragmento de ella. En términos del observador, encuadre equivale a "campo visual" pero como ya ocurre en el cine, encuadrar significa que espectador verá solo aquello que se le ofrezca.