ASSEMBLAGE

Prenez un objet / Faites-lui quelque chose / Faites-lui autre chose. [Répéter].

(Jasper Johns, note de carnet de croquis, 1964)

L'utilisation de l'assemblage comme approche artistique remonte aux constructions cubistes de Pablo Picasso, avec les œuvres tridimensionnelles qu'il a commencé à réaliser à partir de 1912. Un des premiers exemples est Nature Morte de 1914, réalisée à partir de bouts de bois et d'une frange de nappe, collés ensemble et peints. Picasso a continué à utiliser l'assemblage de manière intermittente tout au long de sa carrière.

DADA & Surréalisme

Bien que le surréalisme et le mouvement Dada à Paris sont souvent associés un à l'autre, les deux mouvements proviennent d'époques et de contextes culturels très différents.  

Pendant la Première Guerre mondiale, d'innombrables artistes, écrivains et intellectuels opposés à la guerre se sont réfugiés en Suisse. Zurich, en particulier, était une plaque tournante pour les artistes en exil, et c'est là que Hugo Ball et Emmy Hemmings ont ouvert le Cabaret Voltaire le 5 février 1916. Le Cabaret était un lieu de rencontre pour les artistes d'avant-garde les plus radicaux. À la croisée d'une boîte de nuit et d'un centre d'art, les artistes pouvaient y exposer leurs œuvres parmi la poésie, la musique et la danse d'avant-garde.

Réagissant à l'essor de la culture capitaliste, à la guerre et à la dégradation concomitante de l'art, les artistes du début des années 1910 ont commencé à explorer un art nouveau, ou "anti-art".

Bien que les artistes Dada se soient proclamés "anti-art", les exilés de Zurich s'opposaient à l'art traditionnel et à ses idéaux bourgeois. Loin d'être opposés à l'idée fondamentale de l'art, les artistes Dada s'efforçaient de trouver des façons de faire de l'art d'une nouvelle manière.

Ils voulaient réfléchir à la définition de l'art et, pour ce faire, ils ont expérimenté les lois du hasard et les objets/images trouvés. Il s'agit d'une forme d'art basée sur l'humour et des tournures astucieuses, mais à la base, les dadaïstes posent une question très sérieuse sur le rôle de l'art à l'époque moderne. 

Cette question est devenue d'autant plus pertinente que l'art Dada s'est répandu - en 1915, ses idéaux avaient été adoptés par des artistes à New York, Paris et au-delà - et que le monde a été plongé dans les atrocités de la Première Guerre mondiale.

Hausmann laisse entendre avec sa Tête Mécanique que, comme les assemblages, les humains sont devenus esclaves des dispositifs qui les entourent. Ils sont devenus dépendants de ces objets pour prendre des décisions. 

Hausmann était désillusionné par le manque de créativité et d'émotion chez l'humain. Les gens ressemblaient davantage à cet assemblage en bois, incapables de laisser entrer quoi que ce soit dans leur esprit, comptant uniquement sur des outils et des appareils pour survivre. 

Il a créé cette œuvre pour avertir que l'"esprit" de son époque n'en était pas vraiment un. Les gens étaient devenus froids et mécaniques.

Le surréalisme est apparu au cours d'une décennie de paix et de prospérité. 

Les blessures laissées par la guerre ont été soit ignorées - comme dans la négligence des vétérans survivants - soit célébrées - comme dans l'érection de nombreux monuments commémoratifs.  

Le surréalisme est essentiellement une retraite cérébrale de survivants qui ne veulent pas regarder en arrière.  

Les poètes, écrivains et artistes visuels surréalistes se retirent psychologiquement de la réalité, qu'elle soit passée ou présente, et recherchent ce que le poète Guillaume Apollinaire appelait la "sur-réalité", c'est-à-dire un réalisme qui se situe en dehors et au-delà de la réalité perçue.  

La différence cruciale entre Dada et le surréalisme est que pour le mouvement Dada, l'art est intrinsèquement basé sur la réalité et ouvertement politique, et la vie n'a pas de sens, pas de raison, pas de but, pas de logique.  

Pour le surréalisme, la vie a un sens ; il faut en trouver la logique en déverrouillant les codes visuels et verbaux privés, cachés dans les chambres de l'inconscient où l'on trouve l'"étrange familier" de Freud.

L'artiste surréaliste Meret Oppenheim est devenue célèbre en 1936 avec Objet, une tasse à thé recouverte de fourrure qui est devenu son œuvre la plus emblématique.  

Aux côtés de ses contemporains surréalistes Man Ray, André Breton, Dora Maar et Max Ernst, Oppenheim a développé une pratique multidisciplinaire extensive qui embrasse l'étrange et le psychosexuel. Dans ses peintures, ses dessins, ses bijoux et ses œuvres mixtes, elle s'inspire d'objets quotidiens et explore les thèmes de la féminité, du fantasme, des rêves, de l'identité et de l'érotisme.

Cette Femme égorgée d’Alberto Giacometti, jambes écartées, côtes ouvertes et décharnées, presque acéphale, semble secouée d’un ultime spasme tenant tout à la fois de l’agonie et de l’extase. Elle révèle la proximité entre pulsion de plaisir et pulsion de mort - Eros et Thanatos - décrite entre autres par Sigmund Freud et Georges Bataille. Femme égorgée est un « objet désagréable, à jeter », comme l’écrit Giacometti à propos de sa production surréaliste : un objet menaçant, non identifiable et instable, mais d’une beauté « convulsive », à la fois féminine (seins et jambes), animale (araignée, mante religieuse ou scorpion) et végétale (feuille et tige).

Arte povera signifie littéralement "art pauvre", mais le mot "pauvre" fait ici référence à l'exploration, caractéristique du mouvement, d'un large éventail de matériaux au-delà des matériaux traditionnels que sont la peinture à l'huile sur toile, le bronze ou le marbre sculpté.  

Né d'un sentiment de désillusion collective, l'arte povera avait pour but de critiquer la commercialisation de la culture, de l'art traditionnel et les avantages de la modernité technologique en créant des œuvres conceptuelles souvent satiriques à partir de matériaux industriels et des matériaux jetables, remettant ainsi en question les frontières entre le monde de l'art et le monde ordinaire

Le terme a été introduit par le critique d'art et conservateur italien Germano Celant en 1967. En parlant d'arte povera, il n'évoquait pas vraiment le manque d'argent, mais plutôt le fait de faire de l'art sans les contraintes des pratiques et des matériaux traditionnels. Ses textes et une série d'expositions clés ont fourni une identité collective à un certain nombre de jeunes artistes italiens basés à Turin, Milan, Gênes et Rome. L'Arte povera a émergé au sein d'un réseau d'activités culturelles urbaines dans ces villes, alors que l'Italie était en proie à l'instabilité économique.

Dans les années 1950 et 1960, l'assemblage s'est largement répandu. Les artistes américains Jasper Johns et Robert Rauschenberg ont adopté une approche presque anti-esthétique avec leurs créations artistiques. Ils utilisent des matériaux de récupération et des objets trouvés, ainsi que de la peinture pour créer des reliefs et des sculptures expressionnistes, ce qui leur a mérité le nom d'artistes néo-dada.

Artistes contemporains

Sources:

https://www.tate.org.uk/art/art-terms/a/assemblage

https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre/ljE55On

https://www.widewalls.ch/magazine/surrealist-movement

https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/dada-115169154/

https://www.masterclass.com/articles/arte-povera

https://arthistoryunstuffed.com/comparison-of-dada-and-surrealism/#:~:text=And%20here%20it%20the%20crucial,one%20finds%20Freud's%20%E2%80%9Cuncanny.%E2%80%9D