Ensayos personales

Un ensayo sobre mi relación en tercera persona con Lubezki. 

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EL Chivo

Hace algunos años atrás hablar de un Director de Fotografía era muy difícil, a excepción del equipo técnico de un rodaje era casi imposible que alguien supiera la existencia de este cargo, a pesar de que gracias a ellos las películas existen de por si, y estoy hablando del 70% de la obra porque son ellos quienes crean cada fotograma que observamos en la pantalla.

El Director (que anteriormente era un jefe de actores) se encarga del estilo de la obra y en especial de los actores, es la máxima autoridad en el set de filmación, y puede opinar en todas las áreas para así lograr que la película sea como  la previsualizo. El Director de Fotografía por otro lado es un subordinado, pero es la mano derecha del director, se encarga de la luz, así de simple, se les considera “Los Maestros de la Luz”.

Dios llego y dijo hágase la luz y el mundo ya no estuvo mas en tinieblas y así sus hijos lo verían todo. La película es luz, y los DP se encargan de crear esas bellas imágenes que nosotros observamos, colocan la cámara en la mas hermosa posición y literalmente pintan imágenes que luego son reproducidas a 24 fotogramas por segundo.

Hoy en día esta labor es mas valorada y reconocida, los Directores de foto ya no están en la sombra, relucen como nunca, son unos verdaderos Rock Stars, y no podemos seguir hablando de esto sin mencionar a una persona que salió de Ciudad de Mexico para cambiar completamente las reglas de “Que es ser un Director de Fotografía”.

Emmanuel Lubezki, ganador del Premio de la Academia por tres años consecutivos a la mejor Cinematografía es hoy el mas talentoso DP que exista, ademas de ganar múltiples premios en su área en las mas reconocidas academias de cine al rededor del mundo. Posee un estilo visual único he innovador que con solo ver un fragmento de película se puede reconocer que fue hecha por su mano.

El Chivo, como es conocido, esta en su mejor momento, tanto que el ya no se adapta al estilo del Director, si no que la visual de la película es absorbida y transformada en su estilo propio y como el a admitido (no con las palabras exactas) que a superado a sus maestros, como lo es Roger Deakins, a quien el y otros de los mejores DP del mundo se fueron a casa sin el preciado Oscar porque El Chivo no le deja nada a nadie.

Es muy curioso pero a este punto de la historia todos se preguntan como el personaje llego aquí, cual fue su pasado, como fue su viaje del héroe y la verdades es que la primera pista de este sujeto esta en su apodo “El Chivo”.

Hace un tiempo tuve la oportunidad de conocer a un Cinematographer venezolano llamado Emiliano Leon en un taller de producción de cine en Agosto del 2016. Su charla fue mas de su vida que de como hacer una buena fotografía, pero sus vivencias lo definieron todo y lo que quiero decir es que todos tenemos nuestro propio viaje del héroe y para entender como se relaciona Emiliano con Emmanuel debo contar primero esta historia. Nacido en Caracas, se fue a Inglaterra a probar, consiguió un trabajo en la SONY, en el departamento de edición donde paso tres largos años editando para esta gran compañía, un día a uno de sus compañeros le hacen una fiesta porque era su décimo aniversario en el departamento y fue allí donde Emiliano se dio cuenta que estaba perdiendo su vida. Hizo un curso de fotografía, área donde no sabia absolutamente nada, cosa que cambio el curso de su historia. Un día llega un superior diciendo que hay un director que no podrá asistir a un Festival de Cine en Europa y necesita grabar un video enviando saludos, nadie sabia grabar excepto Emiliano quien hizo su curso de fotografía así que le dieron la labor.

Le dijeron al sitio que debía ir y le dieron los equipos para la entrevista, llega al lugar prepara todo y espera al director, y al llegar Emiliano se lleva una gran sorpresa, resulta que el director que va a entrevistar es nada menos que el actual ganador de 4 Oscars Alejandro Gonzalez Iñárritu. Empieza la entrevista normal y al parecer Iñárritu es muy jodedor así que hablaron de muchas cosas hasta que mi tutor no lo soporto y le pregunto por El Chivo, y este le contesto con “¿Tu sabes porque le dicen El Chivo?”, obviamente no lo sabia así que le dijo que no y este le respondió “le dicen El Chivo porque el aceptaba cualquier basura de trabajo, como el animal comiendo cualquier cosa”.

Este hecho es confirmado en una entrevista que Lubezki realizo con un reportero de la revista Life & Style que estuvo siete años detrás de el para que le concediera una exclusiva. El mismo Emmanuel dijo “Aprendi destruyendo los cortometrajes de los que querían ser directores”. Una curiosidad es que el Chivo quería ser director pero no podía, así que le toco ser fotógrafo, luego sus compañeros al hacer cortos le daban la cámara y así poco a poco le fue gustado esa área. 

Volviendo a la historia anterior, luego que Iñárritu le comentara esto a mi tutor le hizo la segunda pregunta “¿Quieres conocerlo?” por lo que, como se diría al mejor estilo del padrino “Le hizo una oferta que no pudo rechazar” y juntos salieron caminando del estudio a unas cuantas cuadras en donde llegaron al set de rodaje de Gravity del mexicano Alfonso Cuarón, quien también gano el Oscar como mejor director, y allí estaba Emiliano junto a Cuarón, Iñarritu y Lubezki…

Seguiré con la historia después, pero con respecto al señor Leon, se retiro de la SONY, empezó a grabar y viajar por el mundo haciendo documentales, luego volvió a Venezuela y vio que tenia mucho potencial y se quedo filmando para HBO y otras compañías sobre  este país y su naturaleza. Vive en Galipán, es ecologista, se baña todos los días en una cascada y hace todo lo que nunca hubiera imaginado o hecho si se hubiera quedado editando en SONY por diez años.

Lubezki es en la actualidad una gran fuente de inspiración para los futuros cineastas, porque es un claro ejemplo de cómo llegar a ser grande después de comenzar de cero. Estudio cine pero no termino la carrera, algunos rumorean que lo expulsaron, otros que simplemente le falta cursar un semestre para obtener su titulo, cosa que quizás ya es innecesaria al tener 3 Oscars, como dijo él a obtener uno de ellos “Le doy gracias a mis maestros, no todos ellos pero si algunos”, aunque hay que recalcar que para el e incluso para los cineastas con una buena visión sobre el arte saben que los premios no lo son todo, es algo que llega solo y es el reconocimiento por tu trabajo para impulsarla y no de ir en busca de la fama.

Ya que entramos en ambiente sobre este personaje podemos hablar de una forma más técnica. Su fotografía se divide en dos facetas, la clásica y la experimental. Cabe recalcar que siempre le gusto el uso de la luz natural, en su primer trabajo reconoce que fue muy forzado, usando la fotografía de forma muy técnica y no dejaba que los personajes se desenvolvieran en su entorno, algo que corrigió en sus predecesoras, y como, bueno dejando de usar la luz artificial y empezando a usar la cámara en mano.

Estas dos características fueron y son los recursos más utilizados por el cinematógrafo, dado que siente que el actor se libera en el rodaje y conecta con el público, porque no es algo milimétrico ni calculado como la mayoría de producciones con respecto a los movimientos de cámara y la luz. Esta técnica combinado con el estilo clásico de filmar, significa Plano General, Plano Medio y Primer Plano para la respectiva edición obtuvo así sus primeras nominaciones al Oscar por “La Princesita” y “El Jinete sin Cabeza”.

Pero esta faceta no duro toda la vida, dado que se dio cuenta del potencial que tenían los objetivos Gran angulares que captan mayor luz natural y no se necesitan de focos. Estos lentes casi no se usaban en la industria desde hace mucho porque distorsionan un poco la imagen, en especial cuando están cerca de los actores y sus rostro se ven grandes y asimétricos, provocando que fueron menos estéticos, por eso se utiliza el clásico 50mm. Pero esto a Lubezki no le importo y vio mucho potencial en ellos.

Empezó a usarlos en las más recientes películas, “El Nuevo Mundo” (primera colaboración con Terrence Malick) y en “Hijos de los Hombres” de Alfonso Cuarón, su compañero de clases en México, y antiguo colaborador.
Bien, ahora vamos con Malick. Un realizador muy particular, hizo dos películas, una de ellas con una de las mejores fotografías de la historia “Days of Heaven”, luego desapareció 20 años hasta que volvió con “La delgada línea roja”, una película que tenia los principios de su nuevo estilo poético con voz en off, hermosa música, solo luz natural mucha fotografía experimental, después tardo 7 años hasta realizar “El Nuevo Mundo” donde llamo a Emmanuel y allí empezó todo.

Para mi ellos dos son el dúo perfecto, como si fueran hechos el uno para el otro, El Chivo quería experimentar y se consiguió con este director que ni siquiera se deja ver (su ultima foto en público es de hace unos 20 años) y además muy reservado, bueno es un poeta, que mas puedo decir. Y el Chivo, otros poeta, no tan extremista como Terrence pero lo importante es que ambos comparten el mismo concepto.

Cuando Malick lo llamo para hacer el esta película le dijo que no importaba lo que grabara, que experimentara todo lo que quisiera y el vería que le funcionaba en edición, claro esto aplico mas en su sucesora “El Árbol de la Vida”. La película se despego de lo convencional y Lubezki impresiono con su fotografía natural, así comenzando su segunda faceta de experimentación.
Con esta fue la primera de 5 colaboración con Malick, luego vinieron “El Árbol de la Vida”, “To the Wonder”, “Knight of Cups” y la mas reciente y por estrenas este año 2017 “Song to Song”.

Pero The Tree of Life es quizás la obra maestra de Malick, y para mí de El Chivo. Esa película provoca orgasmos visuales, sin duda de las cosas mas hermosas que se puedan ver en la vida, para este punto este cinematógrafo ya había llegado muy lejos, acumulando nominación tras nominación pero ya en este punto se había graduado ya de Director de Fotografía.

Hijos de los Hombres de Alfonso Cuarón es considerada la tesis de graduación de este DP, en ella descubrió la perspectiva usando los gran angulares, regreso con su cámara en mano para crean una experiencia de otro nivel al grabar la película con un estilo periodístico documental en donde deja que la sangre de los protagonistas caiga en el lente y pasar al lado de las explosiones de este mundo caótico. Además de usar su perfeccionada técnica del Plano secuencia por la que se haría famoso los años venideros.

Lubezki aquí ya no era un niño, sabía exactamente lo que hacía, se convirtió en un fotógrafo camaleónico, adaptándose a cada director. Incluso se comenta en la actualidad que los Directores ya no lo buscan para que se adapte a ellos, lo buscan por que quieren su estilo, así que la película se adapta a Lubezki.

Así que llegamos hasta su sexta nominación al Premio de la Academia en 2013. Gravity. Al igual que los actores y los nuevos métodos súper realistas de preparación, donde se encierran en una habitación durante semanas, o no comen durante meses, El Chivo estudio con científicos para saber cómo se comporta la luz en el espacio y llego hasta un punto tan alto de perfección que es la primera película rodada sin gravedad, solo porque él quería que el espectador realmente viviera lo que siente un astronauta en el espacio, cosa que fue alabada por la NASA diciendo que era perfecta. Y tan solo con los primeros 15 minutos de la película lo sabemos, porque es un ininterrumpido plano secuencia en donde vemos a Sandra Bullock quedar completamente perdida y sola en el espacio después de ver las impresionantes imágenes del transbordador siendo destruido por una lluvia de escombros espaciales.
Era imposible que Emmanuel no ganara el premio a la mejor cinematografía ese año, pero es un hombre muy ambicioso y no se detuvo allí, sino que fue por mas, esta vez con un director que estaba ya en un gran punto de su carrera, después de pasar de ser un locutor de radio a cineasta estaba realizando su quinta película “El Renacido”.

Es nada menos que “El Negro” Alejandro Gonzalez Iñarritu. El Renacido era un proyecto que estaba muriendo después de haber sido pospuesta su realización durante años, llego este Mexicano y tomo el reto y llamo al ya famoso “Chivo” para que lo ayudara, pero pronto se vieron envueltos en problemas de producción dado que la película era cada vez más costosa y difícil de realizar, además de la contaminación global acabo con el hielo en el rodaje, ambos realizadores dejaron el proyecto parado para realizar otro que era considerado por Iñarritu como caminar por la cuerda floja entre las dos torres gemelas (hazaña que realizo el francés Philippe Petit) esto porque él le envió a todo el equipo de rodaje la imagen de este artista, con lo que básicamente decía que quien se subiera al barco estaba dando la cara por algo muy difícil que quizás sería un desastre total, y estamos hablando de “Birdman: o la inesperada virtud de la ignorancia”.

Admito que la primera vez que la vi no me gusto, y la segunda no la entendí pero a la tercera me encanto y la he visto cerca de 10 veces, y cada vez que la miro me parece más increíble, en especial la fotografía y aquí es donde volvemos con nuestro centro de atención, El Chivo. En esta ocasión se inspiro en “La Soga” de Alfred Hitchcock, donde se utilizo el recurso nada perfeccionado del corte invisible. Muchos consideran que es el plano secuencia más largo de la historia, pero no lo es, para mi es “El Arca Rusa”, pero si es el plano secuencia falso más largo. Lo innovador de esta fotografía es que el punto de cámara cambia de forma fluida durante la película lo que demuestra el gran virtuosismo del cinematógrafo al coreografíar el movimiento de la cámara de forma perfecta, además de usar el gran angular y luz artificial-natural, si suena raro esto último pero la cosa es que el utilizo la luz del teatro original, es artificial pero no uso nada más para mejorarla así que en otras palabras se puede decir que es una luz natural de un espacio, como la luz normal de tu habitación o la sala de tu casa, sin ningún otro foco puesto intencional.

Birdman le valió su segundo Oscar consecutivo, pero siquiera tuvo tiempo de asimilarlo porque como dijo Iñarritu luego, “Fuimos al Oscar y al otro día ya estábamos rodando, apenas hasta ahora me doy cuenta que gane 4 Oscars” (no son las palabras exactas, pero dijo algo similar en una entrevista).

Con esto quiero decir que apenas terminaron La Inesperada Virtud de la Ignorancia retomaron “El Renacido”, rodaje muy complicado, donde la mayoría renuncio, dañaron unas tres cámaras y Emmanuel quería llevar una nueva propuesta en donde grabar todo real, sin pantalla verde, sin luz artificial… Así que se lazaron a la naturaleza con la cámara y Leonardo Dicaprio, grabaron solo en la hora mágica así que tenían cerca de 4 horas de rodaje por día y lo hicieron en 3 países distintos, dado que siempre pasaba el invierno rápido y se les acabo la nieve producto de la contaminación, cosa que tocaron luego, incluso en un documental disponible en Youtube de esta película, donde tuvieron que cargar camiones de nieve de un lado a otro para rodar.En fin, Lubezki logro la perfección en esta película, algo floja en trama, pero nos centramos en la fotografía, producto del tema de este ensayo y hay que destacar que fue impecable, dando a ver el perfeccionismo de este DP con sus proyectos donde no se toma nada a la ligera. Gracias a ello consiguió su tercer Oscar consecutivo en 2016.

Pero es curioso como la vida toma ciertos rumbos, como sería si te despertaras cinco minutos antes o cinco minutos después, con quien te conseguías, como un “Hola” con un desconocido puede ser el inicio de una hermosa amistad, así como Emmanuel consiguió cuando niño una cámara vieja en su casa sin usar, que hubiera pasado si esa cámara no estuviera allí, que hubiera pasado si se quedo viendo clases de cine y tendría su titulo como realizador, ¿tendría sus tres Oscars? Qué pasaría si yo no hubiera hecho ese taller en Caracas en 2016 y no hubiera conocido a Emiliano León y no me hubiera contado su historia, si Emiliano siguiera editando en SONY y nunca hubiera hecho ese curso de fotografía, jamás hubiera conocido a Iñarritu, y por ello no conocería a Cuarón ni Lubezki y por eso el jamás me hubiera contado lo que me dijo ni yo a usted, quizás ni siquiera estuviera viendo esta materia porque me habría desanimado el primer semestre y estaría estudiando Ingeniería. Pero esa no es la historia, y todo lo que paso paso, Lubezki es lo que es, al igual que Emiliano, usted y yo, y por eso me sé la historia completa.

Cuando Emiliano se acerco a Lubezki y le pidió una bendición para ser tan grande como él, este le respondió “Chinga tu madre, colócate a trabajar duro y deja de estar esperando bendiciones” e Iñarritu, Cuarón y Lubezki le dieron la espalda y se fueron sin decir más. Y así es como Emiliano trabaja para HBO y me dijo que no le pidiera bendiciones para seguir estudiando esta locura.

Gracias Chivo.

Ver Cinematografía de El Chivo: https://www.youtube.com/watch?v=noTP-616WR4

2do semestre, Historia del Cine I, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: A. Xavier Gonz Varela

Profesor: Carlos Díaz.

Publicación original: 15 de diciembre de 2017

“De pronto, el cinismo se convirtió en algo digno de admiración”.

Leer original y COMPLETO: https://sirzavier.tumblr.com/post/188462480875/12-anos-de-hambre-culpable-steve-mcqueen-sirzavier

12 AÑOS DE HAMBRE CULPABLE

Una ciudad nublada en el viejo mundo. Lluvia constante. Octubre de 1969 en la capital Inglesa. Un Jueves 5 nació un niño, uno el cual su descendencia se remota a sus antepasados afrocaribeños. Lo llamaron Steve McQueen y no, no es el actor de westerns.

Hablo de Steve Rodney McQueen, cineasta británico que ha dado de que hablar en los últimos años con sus densos y crueles dramas.

La cita mencionada al principio corresponde a su segunda obra “Shame”, conocida en español como Deseos Culpables. Pero antes de entrar a su filmografía regresemos a Londres.

Steve no solo es Director, en sus inicios fue fotógrafo y escultor, un artista multifacético y dedicado de lleno a él. Estudiando así Arte, Diseño, Bellas Artes y Cine en tres escuelas diferentes en donde abandono la última en 1993 y aquella donde se intereso por el Cine el Goldsmiths College porque sentía que no progresaba, como el dijo tiempo después: “No te dejan arrojar la cámara al aire”, refiriéndose a que no explotaba su estilo experimental.

En ese entonces proyectaba sus películas sobre una o dos paredes simultáneamente, las rodaba en blanco y negro con un estilo minimalista y en la mayoría de ellas él mismo las protagonizaba, ha admitido tomar influencia de la Nueva Ola Francesa. Su debut fue en 1993 con un cortometraje experimental titulado Bear.

Este primer trabajo deja observar lo que sería más adelante su estilo particular, incluyendo elementos en ella como la desnudez humana, planos largos, intensos Primeros Planos y el contacto físico, usualmente agresivo.

Otras de sus obras experimentales antes de empezar a realizar largometrajes fueron Deadpan del 97, un cortometraje donde cae una fachada de una casa sobre él y Drumroll del 98, una obra a color y sonido grabada con tres cameras simultáneas, aparatos que Steve monto una a cada lado y otra delante de un barril de petróleo que hizo rodar por las calles de Manhattan.

Una década más adelante en el 2008 realiza su primer largometraje titulado “Hunger”, protagonizada por un hasta entonces desconocido y quien sería su actor fetiche al pasar el tiempo Michael Fassbender, un irlandés con descendencia alemana quien interpreta a Bobby Sands, un trabajador encarcelado en Irlanda durante las protestas de 1981 quien él junto al grupo de reos deciden realizar una huelga de hambre. 

Inauguro la selección “Un certain regard” en el Festival de Cannes generando dos posiciones. Muchos espectadores abandonaron la proyección mientras que la otra mitad la alabo con aplausos al finalizar. Es una película muy cruda y fuerte, utilizando los elementos que McQueen experimento en sus primeras obras: Planos largos, contacto físico brutal, la desnudez humana… No hay nada reservado en una película como esta ni autocensura de ningún tipo.

Otras características que se explotarían más adelante en la filmografía del director serian la simetría y asimetría, las posiciones incomodas con relación sujeto-fondo…
Entre los múltiples premios que gano se encuentran la Caméra d’or en Cannes. Mejor Dirección en los BAFTA y Mejor película en New York Film Criticas Circule Award.

McQueen vuelve tres años después con una obra escrita por el mismo junto a Abi Morgan y como ya se sabia, el impacto visual no se quedo atrás, a diferencia de Hunger y su escenas de torturas.

“Shame”, como así se titula se va mas a lo interior del personaje y sus conflictos personales. Un hombre solitario, adicto al sexo con problemas familiares quien es interpretado nada menos que por Fassbender.

Brandon, un hombre quien no puede llegar a sentir nada por una mujer y la única forma de tener intimidad con ella solo pagando, sino no obtiene placer en ello. Es un personaje muy bien construido con grandes traumas y problemas personales, la soledad se impone en cada fotograba de la película, acompañada de su hermana interpretada por Carey Mulligan (Drive, El gran Gatsby) una mujer depresiva producto de los mismos problemas de la infancia que su hermano, traumas que salen a relucir conforme avanza la historia.

“NO SOMOS MALAS PERSONAS. SOLO VENIMOS DE UN MAL LUGAR”

Con esta frase se enmarca toda la película, Peter Traversa de la Revista Rolling Stones la cataloga como: “Shame es demasiado devastadora y brutal como para resultar reconfortante.” Todd McCarty de The Hollywood Reporter dijo: “Shame es un autentico paseo por el lado oscuro.” Mientras que Roger Ebert del Chicago Sun Times menciono que “Este es un gran acto de filmación. No creo que sea capaz de volverla a ver.”  A pesar de su gran impacto paso desapercibida en la entrega de premios. Pero esto no detuvo al director quien dos años después regresa por lo mas alto con…

12 AÑOS DE ESCLAVITUD

“Negro corre, negro huye… El Negro rasga su camisa en dos. ¡Corre, corre bien, porque el guardia te va a alcanzar!”.


La tercera y hasta los momentos última película de Steve McQueen (Widows cuarta obra con Liam Neeson estrena en 2018).

Se basa en la autobiografía de Solomon Northup, un afroamericano libre quien es secuestrado y esclavizado durante 12 años. El director estaba escribiendo un guión similar hasta que su esposa le apunto sus semejanzas con el libro de Solomon que él no conocía, desde entonces combinando lo ya escrito con este libro termino creando el guión de 12 años de esclavitud junto a John Ridley.

Steve se llevo a casa el premio de la Academia como mejor directo, siendo la primera persona de color en ganar en esta categoría. Además la película gano mejor guión adaptado y mejor actriz para Lupita Nyyong’o, una actriz mexicana que salir a relucir con esta obra (actualmente sale en la ultima trilogía de Star Wars).

Chiwetel Ejiofor tenia miedo en aceptar este papel aludido que era uno de los mas difíciles en su carrera, incluso menciono que quizás era el papel de su vida y no quería estropearlo.

La película se estreno en el 160 aniversario de la liberación de Solomon. Para Steve fue un honor realizar la película basada en un libre que el incluso lamenta no conocer, al igual que la mayoría de la gente, un trozo muy importante de la historia Estadounidense, acatando que debería considerarse tan importante como “El diario de Ana Frank” en Europa.

La película se rodó en las locaciones reales de la historia original, el protagonista menciono “Saber que estábamos allí mismo, en el lugar donde ocurrieron estas cosas era tan poderosa y emocional. Esa sensación de bailar con los fantasmas, es palpable”

Así como en Hunger, Steve busco referencias en la pintura, especialmente de Francisco de Goya “quien pintó las cuadros más horribles de violencia y tortura” según sus palabras.

Steve McQueen a demostrado una maestría como realizador en tan solo tres largometrajes. Tu estilo brutal, cargado de imágenes fuertes y profundos sentimientos del personaje, su cercana relación con el cuerpo humano como agente causante y no solo un actor interpretando un papel lo convierten en uno de los mejores directores de los últimos años.

He tenido la oportunidad de ver todas sus películas el cuales me conmovieron e inspiraron a hablar de él. No es mi director favorito. Tampoco entra entre los 5 mejores según mis gustos, tomando en cuenta Christopher Nolan el mejor (un polo totalmente opuesto a Steve).



Admito que he usado el estilo de este artista como inspiración para dos de mis nuevo documentales que espero sacar “Mérida, Tiempo y Naufragio” y “Los Hijos del Silencio” (en sus ideas originales, 2017) mis siguientes obras que espero marquen la historia al igual que los grandes, como Steve McQueen. Y citándolo para finalizar:

“HAY QUE TIRAR LA CÁMARA AL AIRE”.

Gracias.

3er semestre, Historia del Cine II, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: A. Xavier Gonz Varela.

Profesor: Carlos Díaz.

#sirzavier

¿ES EL CINE UNA ARTE VIVENCIAL DE EXPERIMENTACIÓN FILOSÓFICA? 

Ver ensayo original: https://sirzavier.tumblr.com/post/188312938857/es-el-cine-un-arte-vivencial-badiou-sirzavier 

Ciertamente cuando uno va a ver una película se tiene la noción de desconectarse de la realidad y entrar a un nuevo mundo, que nos arropa y nos deja llevar a un viaje en el que durante 120 minutos entraremos en la vida de alguien más. Puedo admitir que no es la realidad y de por si las películas tampoco pertenecen al mundo histórico. Es “realismo”, reflejo de la vida.

Pero hay una particularidad y es que frente a la cámara se pueden mostrar partes de nosotros que no siempre son visibles al ojo humano. Como si la imagen lograra mostrar y despertar verdaderos sentimientos, conceptos universales que cualquier persona del mundo podrá percibir, que en la realidad no es tan simple.

El cine se termina convirtiendo en algo más humano que nosotros mismos. Un arte que puede traspasar dimensiones como ninguna otra y que trata de mostrar algo más que el mundo histórico, intenta mostrar aquello que sentimos en nuestro interior que no sabemos qué es, y es lo que realmente somos.

Siempre el hombre a tratado de crear arte y encontrar en el respuestas de su ser, conocimiento que satisface tanto a su creador como el espectador porque nos da más pistas para así, aunque no lo pensemos en un principio acercarnos más entre nosotros y conocernos mejor, descubrir las razones de nuestra existencia para así lograr tener una vida más placentera.

Todos nosotros somos parte de una trama que va más allá de nuestra comprensión. Todos somos parte de un mismo arte. una conexión trascendental, la película de la existencia. El cine nos muestra fragmentos de ella y la razón por la cual nos conmueve tanto es que en el fondo todos somos ella. Esa imagen, ese actor, ese amor, ese dolor…

Quizás nosotros somos el experimento y no el cine. Porque al final esto es la verdad, lo único que quedara en el implacable tiempo. Jamás se podrá borrar una película del tiempo pero si la existencia de cada uno de nosotros.

Existe una experimentación, pero no se puede definir su origen. el cine es solo una herramienta y no la única para intentar descubrirnos a nosotros mismos, es un propósito filosófico, pero también de la humanidad. Porque nunca en nuestra existencia hemos estado tranquilos con respecto a la vida y siempre tratamos de encontrarle explicación a todo. El cine nos brinda la oportunidad de decir lo que no se puede expresar con palabras ni acciones, los sentimientos.

Por eso existe en primer lugar, era su destino y es difícil que muera. Ya venía dentro de nosotros y apenas hace poco mas de 100 años logramos encontrar la forma de hablar, hablar sin decir una sola palabra, hablar con el alma y así sacar nuestras emociones y compartirlas con el mundo, acabar con la represión y por fin dar un paso más en la búsqueda de lo que somos y poder morir en paz. Y como alguien congelado en el tiempo dijo una vez: “Este es el inicio de una hermosa amistad.”

Gracias.

HERMENÉUTICA EN LA NARRATIVA AUDIOVISUAL (4TO SEMESTRE), Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: A. Xavier Gonz Varela.

Profesora: Elizabeth Benitez

COMPRENDER E INTERPRETAR UN FILM

Ver original: https://sirzavier.tumblr.com/post/188312934668/comprender-e-interpretar-un-filme-bordwell-sirzavier

No creo que sea casualidad que las mejores películas. Aquellas que trascienden en el tiempo son aquellas que no importa cuántas veces tengas la oportunidad de apreciarlas, al analizarlas siempre e descubrirá un nuevo detalle que nos hemos perdido y creando así una constante transformación de nuestra percepción de la obra.

El texto hace ilusión el tema de, tanto como el realizador logra interpretar una obra y el autor como plasma su visión, además de que es aquello que realmente quiere transmitir. A esto último lo conozco como subtextos, y así como el el escrito de Bordwell, hay que excavar para lograr conseguir esos subtextos.         

Este método es una de las herramientas más ricas que tiene el arte, no solo el cine, pero esta por tener más canales y profundidad en su contenido se puede crear una infinita cantidad de posibilidades. Tanto el autor como espectador disfrutan de esa profundidad porque muchas veces allí radica el verdadero significado de la obra, además de llevarnos a un estado de conciencia más cercano al alma, obteniendo así un conocimiento que como menciona Aristóteles, produce placer al intentar buscar respuestas o crear nuevas incógnitas de la vida, la existencia, además de acercarnos un poco más a la naturaleza y el mundo ideal. 

Es cierto que muchas veces llegar a este tipo de lectura se requieren ciertas habilidades del saber. dado que no todos llegan a comprender, o muchas veces ni siquiera intentar ver más allá de la historia superficial presentada en pantalla. También muchas veces el autor escondió tanto los significados que son imperceptibles, o en ocasiones fueron mal planteadas. un claro ejemplo es El Gabinete del Doctor Caligari, una obra que mas allá de una obra expresionista quería abordar temas serios de la sociedad que no podían mencionar a simple vista por la censura, pero que la ocultaron tanto que se perdió esa crítica y no fue hasta tiempo después que fue descubierta la verdadera intención que era criticar al gobierno alemán, los actos de la gran guerra en incluso la premonición del nazismo.  

Actualmente, con el paso de los años hemos desarrollado estrategias para manejar mejor el cómo desarrollar una historia con subtextos y también el público, muchas veces críticos también como comprender la película, en primera plano y luego interpretarla con profundidad y develar su verdadero ser.    

Como mencione al principio, en la actualidad la mejores películas son aquellas que siempre generar un constante descubrimiento en sus imágenes, recordándome un pasaje en el libro donde mencionan que se pueden obtener tanta información de lectura de un simple párrafo. y aunque Platón prefería que los textos fueran directos, no hay mejor estrategia que la planteada por Aristóteles con respecto a la profundidad.   

Sin duda cualquiera podría comprender una obra pero no interpretarla. y es un trabajo mutuo, autor/espectador. El primero en generar contenido que motive al público a ver más allá y por otro lado el espectador intentar buscar las verdaderas respuestas (o preguntas) que plantea la obra sobre la existencia. y así como las películas, el ser humano es igual de profundo y muchas veces no terminamos conociéndonos lo suficiente, por ese siempre existirá una necesidad de plantearnos interrogantes que cada vez nos ayudaran a comprender más sobre la naturaleza y de nosotros. el cine es uno de los múltiples medios utilizados y el más cercano a nosotros mismos que nos pueden ayudar a obtener esas respuestas.

Gracias.

4to semestre, Introducción a la Filosofía, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: Anthony Xavier. #sirzavier

Profesora: Fabiola De Navia Guerrero.

Un ensayo de análisis del libro “La pantalla global” de Gilles Lipovetsky.

Ver ensayo original: https://sirzavier.tumblr.com/post/188161714571/cine-y-cultura-actual-lipovetsky-sirzavier

CINE Y CULTURA ACTUAL

La muerte del cine es algo que se a venido avecinando desde a principios del siglo XXI, teorías respaldadas por grandes cineastas como Steven Spielberg quien comenta que en un futuro muy cercano las personas ya no asistirán a las salas de cine, preferirán ver el contenido desde sus casas y que en esos locales de entretenimiento las películas, algunas pocas, se mantendrán en cartelera durante meses.

En la actualidad es mucho mas económico comprar un servicio como HBO Go o Fox+ en donde por un precio considerable puedes ver todas las películas nuevas, con apenas unos 6 meses después del estreno (o menos) en alta calidad y que ser pueden disfrutar tanto en los nuevos televisores LED 4k, que son hiperrealistas en comparación a las proyecciones de cine o en celulares o Tablet inteligentes, con la cantidad de personas que deseen y todo por una tarifa mensual que equivale a lo mismo que salir con un grupo de amigos al cine, comprar las entradas y cotufas para una sola película.

Esto ha desatado que muchos cineastas chapados a la antigua estén colocando nuevas cláusulas a sus obras para no ser exhibidos en servicios como Netflix, tal caso es el de Christopher Nolan quien desagrada completamente la experiencia digital de las películas y desaprueba la exhibición de las suyas propias.

Por otro lado recuerdo muy bien que por ella en el 2012 -2013 Netflix empezaba a sacar sus primeras grandes producciones como “Beast of no Nation” que en esos tiempos quedaron fuera de los premios de la academia por ser películas de streaming que iban en contra de las reglas del certamen, y tan solo uno o dos años después tuvieron que cambiar sus políticas y aceptar películas de plataformas online como la misma Netflix y Amazon.

Y en mi caso en particular me agrada mucho más ver las películas en la comodidad de mi casa que ir a una de las únicas dos salas de cine en Mérida, Venezuela (que en mi opinión personal son pésimas). Solo voy al cine en Caracas donde por suerte abrieron los nuevos cines Premium de alto calibre (pero nada que envidiar a los extranjeros) donde solo veo las películas mas esperadas como: Whiplash, Dunkirk y Star Wars. A excepción de esos casos, que solo es una vez cada 6 o 9 meses que voy de visita a la capital, no coloco un pie en un cine.

 A pesar de eso, como mencione, realmente no es que no me guste ir, sino que donde vivo no existe un lugar agradable. Y con respecto al avance de la tecnología admito que estoy en la oposición de algunos aspectos de ella. Llegando a pensar que las nuevas redes son un medio controlador monopolizado en donde nos obligan a ver lo que ellos quieren y nada más.

Un caso de ellos es Disney quien a comprado casi todas las franquicias y estudios creando todo un universo cinematográfico que es igual, donde utilizan la misma forma de super éxitos. Como el caso de Star Wars, que antes solo los nerds, quieren eran acosados y burlados por ver esas obras y ahora todo el planeta es fan de la saga solo por las ultimas dos películas que sacaron, sin ver la trilogía original.

Otro de los aspectos en los que no estoy de acuerdo, aunque tiene sus contrapartes es la actual facilidad de producir material audiovisual. En donde ahora cualquier puede ser fotógrafo o Filmmaker solo por tener un iPhone con las nuevas super cámaras f1.2 que tienen la calidad de igualar a Stanley Kubrick con Barry Lyndon (creador de este tipo de diafragmas en las cámaras).

Me gustaría parafrasear a Andy Warhol cuando dijo “En el futuro todo el mundo será famoso en 15 minutos.” Algo completamente cierto, en donde lo que puedo llegar a criticar es como las personas menos capacitadas del mundo ahora son quienes gobiernan el mundo de la fotografía y el video. Al publicar fotos genéricas (aunque de muy buena calidad de imagen, gracias a la tecnología) en Instagram o también los famosos Youtubers que acaparan toda la atención mientras gente que trabajo duro por crear cosas nuevas y dejar una marca en el mundo pasa desapercibidos por no tener suficientes Likes, Shares, Followers o Suscriptores.

En la contra parte, dejando de un lado mi lado mas critico y progresando con el último grupo de personas quienes están buscando nuevas formas de narrar, podemos aprovechar la tecnología para lograr lo antes inimaginable. Ya no es necesaria una gran cámara y costosa, y gastar en rollos de cinta celuloide que solo duran 11 minutos para hacer una película. Algunos de esta nueva generación de cineastas que aprendieron editando en Final Cut y grabando con cámaras digitales son cineastas como Robert Rodríguez, el Tarantino mexicano maestro en películas de bajo presupuesto hecho con el nuevo modelo de “Hágalo todo usted mismo”. Otro mencionaba es Sebastián Lelio, el argentino radicado Chile quien acaba de ganar el Oscar a mejor película extranjero por “Una Mujer Fantástica” (segundo Oscar para el país, primero como película) quien en una entrevista comento que aprendió desde su casa a editar y fue una bendición nacer en el momento indicado de la tecnología digital, además de justo al mismo tiempo cayo la dictadura que había mantenido el arte extinto durante todos esos años y forma parte de esa primera generación de cineastas chilenos que regresaron al séptimo arte.

Yo también me considero afortunado dado que todos los trabajos que he realizado hasta ahora es gracias a la facilidad de los nuevos softwares de edición y las cámaras DSLR que grabar con una calidad considerablemente buena con respecto a su precio. Pero que desgraciadamente nos quedamos atrás dado que en el extranjero cualquier tiene una Sony Alpha 4k de $2000 mientras aquí apenas tengo una Nikon de $500 el cual es la misma que usan en otros países para tomarme fotos en cumpleaños o frente al espejo. Pero que le saco el máximo provecho y en este caso citando a Robert Rodríguez con su filosofía de “Hacer mucho con poco y así cuando tengas mucho encantaras al mundo entero”.

Por otro lado considero que dado a la gran apertura de los medios a la facilidad de las masas se han creado una increíble cantidad de contenido genérico en donde cualquier ahora puede ser bueno en eso, llamándose así mismo artistas pero que considero un gran error. A la vez por otro lado esto ha generado que los verdaderos grandes creadores estén innovando en sus formas de narrar surgiendo nuevas películas en los últimos años que como se menciono en el texto, son propuestas innovadoras de historias que antes no fueron contadas y desde nuevas perspectivas, en donde se han dejado varios tabúes y se ha abierto a un nuevo mundo de posibilidades.

El cine independiente ha estado en su más grande apogeo y el cine de autor también. Aunque no se compara a las obras de La Nueva Ola Francesa con respecto a su rebeldía. Estos se basan mas en ir en contra de los cánones Hollywoodenses y las grandes super producciones monopolizadas. Surgiendo así nuevas películas que aunque no tiene ese estilo de autor como David Lynch, buscan en algunos aspectos clásico del cine combinándolos con las nuevas películas y surgiendo obras como “El Hijo de Saul” grabado en el olvidado formato de 4:3 o películas de bajo presupuesto como “Moonlight” donde juegan a grabar con un estilo documental en pocos días, locaciones reales, basado en experiencias propias y mezclando la poética con nuevos trucos de cámara que solo se pueden a las nuevas compactas cámaras de alta calidad.

Además de a la vez buscar acercarse mas a un cine ambiguo basado en los sentimientos del hombre, siendo películas mas existencialistas sobre la soledad, sin finales felices pero a la vez muy reflexivos de la vida. El autor ahora tiene el poder de decir sin miedo lo que siente y lo que opina del mundo. Tratando temas polémicos que antes eran pasados por debajo de la mesa.
Consta que esta libertad a la vez tiene una doble cara y moral. Parece que ahora la gente tiene el poder de contar lo que antes no se podía, pero a la vez han surgido nuevos movimientos en contra de los mismo. Ahora cualquier cosa es polémica. Si dices la verdad te juzgan por ello y si no la dices entonces eres un mentiroso.

El mundo del audiovisual, como el cine se acerca a una era donde las personas solo escuchan y ven lo que quieren del mundo. Eso a motivado a películas criticas como la sueca nominada al Oscar (que perdió contra Una Mujer Fantástica) “The Square” que habla de como el mundo actual y las redes sociales han creado un sociedad donde por no apoyar a ciertas cosas como la homosexualidad por asuntos religiosos, o no decir apoyar una mayoría en un tema político, decir cosas como que el pueblo Israelita esta masacrando a los Palestino en la Franja de Gaza  son comentarios que te pueden condenar de por vida, aunque tengas razón o simplemente quieras exponer tu punto de vista al mundo, este y sus ejércitos de Twitteros, Instagramers te atacaran sin piedad.

La era moderna nos ha dado nuevos limites de libertades dentro de un esclavitud. Pero el cine sigue siendo uno de los últimos medios donde se pueden llegar a decir ciertas cosas criticas al mundo sin ser juzgados del todo, dado el apogeo de lo que mencione anteriormente como contar historias inéditas, nuevos puntos de vista, jugar a la ambigüedad y ser completamente reflexivos que buscan hacer pensar al espectador sin llegar a atacarlos por sus ideales, solo dejando abierto nuevas opiniones que podrían considerar.

El cine como lo conocemos esta destinado a morir pero no desaparecer. Esta naciendo un nuevo séptimo arte con un grupo fresco de creadores que antes eran ignorados por las grandes producciones. Estamos empezando a cuestionarios sobre la vida realmente y se están abriendo oportunidades a grupos antes oprimidos. La nueva tecnología le esta dando la voz a las masas y son ahora ellas quienes deciden que temas hablar en vez de las productoras imponerles el contenido que deseen (en un cierto sentido de la palabra).

Si no fuera por estas nuevas herramientas una persona como yo no estaría estudiando una carrera como esta ni siquiera realizando el contenido que actualmente he desarrollado. Trabajos audiovisuales en donde expongo mis sentimientos, mi opinión sobre la vida y el mundo que simplemente no puedo expresar con palabras y aunque lo hiciera se irían con el viento.

En la actualidad no existe un mejor momento para crear la nueva generación de realizadores, un nuevo cine en el mundo esta a la vuelta de la esquinas y como dice el refrán chino “El mejor momento para plantar un árbol fue hace 20 años. El segundo mejor momento es ahora”. Quien desaproveche esta oportunidad no encontrara una mejor en muchos años y en mi caso particular no la dejare pasar.

Y sin importar que tanto cambie el mundo y cuanto tecnología nos empiece a remplazar, el arte es algo que jamás morirá. Desde los principios el hombre busco una salvación en el arte y la seguirá consiguiendo en ella, sin importar como sea al pasar el tiempo. Empezamos con dibujos en cavernas y ahora podemos ver el mundo en las pantallas que están en la palma de nuestras manos, pero fueron esas mismas manos que nos llevaron hasta este punto y el gran dese del hombre por contar historias para la posteridad.

El Cine siempre existirá en algún rincón del universo como el mayor exponente del sentido del hombre. Ningún arte ha llegado a contar como la hecho el este y eso es algo que vivirá por la eternidad porque la muerte de algo es realmente el único propósito de la vida. 

Gracias.

4to semestre, Introducción a la Filosofía, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: Anthony Xavier. #sirzavier

Profesora: Fabiola De Navia Guerrero.

Un análisis plano a plano de unos de los videoclips mas impactantes de Massive Attack protagonizada por Rosamund Pike.

Ver Original: https://sirzavier.tumblr.com/post/188014865016/massive-attack-voodoo-in-my-blood-sirzavier

Ya han pasado mas mas de dos años de aquel 23 de febrero cuando la banda Massive Attack publico por sorpresa uno de sus videos musicales mas extraños de sus discográficas hasta la fecha, tomando en cuenta que fue 24 horas antes del “Día del amor y la Amistad” y

Además contando con la interpretación de Rosamund Pike quien para la fecha ya había rodado unos de los papeles femeninos mas bizarros en la historia del cine como Amy Dunne en la película de David Fincher, Gone Girl, basado en el libro del mismo nombre escrito por Gillian Flynn (Sharp Objets) que le valió nominaciones al Oscar y el Golden Globe.

Al igual que en la película, el videoclip cuenta la extraña historias de una mujer (hasta aquí la relación) que es poseída e incluso violada por un robot en el pasillo vacío de una estación de metro en Londres (la película es sobre una mujer desaparecida el día de su aniversario donde se culpa al esposo por las extrañas circunstancias). Da a pensar que el video se relaciona más con la polémica obra del argentino Gaspar Noe, Irreversible.

El video si esta relacionado con películas del pasado, pero más allá de estas relaciones subconscientes se trata de un tributo que el director Ringan Ledwidgec, quiso hacer a algunas películas de su infancia que lo marcaron de por vida, obras que no son tan reconocidas o resonantes pero que este cineasta quiso honrar.

La primera gran referencia proviene de una película de terror de 1981 llamada Possesion del director polaco Andrzej Zulawski (quien casualmente murió de cáncer una semana antes del estreno del videoclip). La película fue censura en Inglaterra hasta 1999 pero eso no impidió que Ringan la pudiera ver a sus 12 años y recrear la escena mas icónica de la obra donde la protagonista sufre una aparente ataque epiléptico o quizás una posesión infernal en el pasillo de un metro.

El director llego a comentar que: “En el rodaje me sentí como si estuviera viendo algo que no debí haber visto” , esto con respecto al hecho de tener a la protagonista de Gone Girl recreando una de sus escenas favoritas del cine, llegando a admitir que estuvo obsesionado con la actriz de esta película luego de verla en ese estado tan desconcertante, extraña y original.

Por otro lado sin quitarle mérito esta la película de bajo presupuesto Phantasm (1979) de Don Coscarelli, considerada una obra de culto en donde el protagonista utiliza unas esferas metálicas que vuelan y atacan a las personas con herramientas que desprende de su interior.

Creando así algo nuevo con estos clásicos. La conexión entre la belleza y la tecnología, tema que la banda aborda en este EP “Ritual Spirit”.

Fueron seleccionadas las estaciones Edgware Road y Joe Strummer del metro de Londres como locación del videoclip por su paleta de colores (me recuerda los colores de Chacaíto en Caracas, para una posible recreación).

La propuesta visual era recrear las películas de los 70s y las tonalidades cálidas usadas por John Cassavetes y Stanley Kubrick.

A diferencia de sus referencias Possesion y Phantasm, que utilizaron tonos fríos y tenebrosos en este caso se jugo con lo contrario obteniendo resultado magníficos porque la secuencia perturbadora de Rosamund y el robot es mucho mas extraña dado que no es lo que esperas en un lugar así.

Massive Attack, es una banda que ya lleva 30 años dando una perspectiva distinta a la música electrónica desde sus vertientes mas oscuras, confinando el Rock experimental, Rap y Jazz en sus composiciones con tonos de misticismo tétrico que tienes momentos depresivos y otros esperanzadores creando así un rompecabezas sonoro.

Cabe destacar que su música fue usada en The Matrix de 1999 en las escena mas intensa y eufórica de la película cuando Neo va en busca de Morfeo.

Deconstrucción

El Videoclip comienza con un plano general cámara en mano, esté cual estará presente en el resto del video como una marca personal que ayuda al suspenso del mismo. Luz natural, bien iluminado con un tono frío londinense. Luego de unos segundo vemos aparecer nuestra “Gone Girl” al sonido de sus pasos acercarse y unas llaves en la mano que no es mas que parte de la composicion de la banda y también es una entrada al misterio del lugar. La canción comienza con la siguiente estrofa:

Ver Videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=ElvLZMsYXlo )

(ENG/Original)

Voodoo in my blood is living

Blood take I’m chillin’

Chill me got the soul of a mimic

It’s not quite right, you must be silly

Sign of the wars is my grinning

Come in to my time and see me

Suck it to me suck it to me timid

Dentro del pasillo la iluminación cambia. Se aprovecho la luz del día como una luz de fondo (luego vemos que es un error de Raccord conforme avance el video, nada de que morir) y se utilizo la luz fluorescente del pasillo del metro que lo mas probable colocaron todos los bombillos nuevos para el rodaje.

La tonalidad es verdosa, muy estilo de David Fincher curiosamente, las sombras en el rostro de la actriz son suaves y la cámara se mueve al compas de la actriz, algo tensa dando giros en 180º y con respecto a la composición tiene preferencia la regla te tercios, la protagonista siempre en un lado del cuadro y del otro puntos de fuga del pasillo con una ligera profundidad de campo. Debieron usar un diafragma algo neutro para mantener la iluminación y el foco en correcto estado.

(ENG/Original)

I’m yours I’m yours

Why does the blood never stick to your teeth

Momma stop giving me grief

Why does the blood always stick to your teeth

Momma stop giving me grief

(ENG/Original)

Barely barely grieving

Keep the front door open

Wipe that cheeky grin and come on down

Esa es la estrofa que da introducción a nuestro villano de este video. El conflicto. La locura…

En esta momento la cámara se mueve mas calmada. Como vimos arriba fue filmado con un Easy-rig y en la aparición del robot se utilizan unas subjetivas de su movimiento hacia Rosamund muy sutiles.

Otro rasgo importante que podemos ver es que el suelo esta húmedo, quizás por el clásico clima de Londres o por decisión (posiblemente) en pro de la visual, dado que refleja la luz y ayuda a iluminar la locación, mas en esta parte de adentro donde no existe la luz natural de fondo y que posiblemente solo se utilizo la luz fluorescente de unos 5000K y la luz extra que cargaban en un monopod (foto arriba) con un difusor para ayudar el rostro de la actriz y moverse mejor con la cámara sin tanto equipo.

En este momento es donde empiezan a aparecer las primeras referencias de los clásicos de terror de los 70s y 80s.

Luego de una parte instrumental de la canción llena de ironía Rosamund es penetrada por una aguja en el ojo, un guiño a una secuencia de Phantasm (1979), referencia donde proviene el robot esférico asesino.

Cabe mencionar que el director es un fanático de la tecnología y con esta esfera afirmo que es una metáfora de  su obsesión por ella de una forma bizarra, que a la vez tiene que ver con los ojos del nuevo mundo y sus dispositivos móviles. Un poco lo que abordo Massive Attack con este EP de tan solo cuatro canciones.

Aquí en adelante la canción no tiene variaciones, la mayor parte del video es instrumental y la letra tan solo cambia algunas palabras imperceptibles del coro. Pero quizás es el momento mas famoso, eufórico y perturbador, un largo climax sin sentido. La cámara empieza a utilizar ángulos picados y contra-picados con movimientos mas salvajes y subjetivos, además de distorsiones en el eje, grabando con planos aberrados y muchos cortes en la edición para masificar la sensación de locura. Otro detalle importante es que vemos el pasillo de noche y mojado, el diafragma se bajo para aumentar la entrada de luz y crear fondos mas borrosos y con poca profundidad de campo, en especial los primeros planos de la actriz, esto también ayuda al precario estado que se intenta transmitir. También se utilizo lentes anamórficos, lo que ayudo a tener planos tan abiertos y con flares naturales en la cámara.

A pesar de su gran parecido a los clásicos, se creo un concepto diferente, la idea no era ser tan oscuro y misterioso sino crear esta sensación en los limites de lo contrario con mucha iluminación y colores vibrantes, cálidos y una coreografía menos infernal sino sensual. 

Ciertamente se puede concluir que es un video con hermosos momentos de locura, con una propuesta visual única e interesante, cargado de mucho cine. Una música de un grupo que no le gusta la moda y el conformismo, llevando sus composiciones a un limite de lo visceral y merecen mucho este video, además de plasmar muy bien su concepto, su estilo y con una increíble actuación de Rosamund Pink sin decir una sola palabra y transmitir con su cuerpo líneas y curvas visuales tangibles para el espectador que se agradecen para la cinematografía del videoclip en donde se trabajo con menos para dar mas.

La única nota importante de este video es que jamás pasa algo bueno es un pasillo del metro vacío y aun mas, nada bueno pasa cuando una Gone Girl se te cruza en tu camino.

Gracias.

5to semestre, Taller Especialización Fotografía I, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: Anthony Xavier.

Profesora: Ines Chacón.

Good Times, la revelación de Cannes 2017 llevado a su nivel cinematográfico.

Leer ensayo: https://sirzavier.tumblr.com/post/187872292426/good-times-la-revelacion-de-cannes-safdie-sirzavier

Ya se han visto muchas películas del pasado en donde se narra la historia de un único día temporal donde se desarrollan todo tipo de acontecimientos catastróficos para los personajes y Good Time no es la excepción hasta este punto, pero no lo es. La ultima película de los hermanos Josh y Benny Safdie le da un aire fresco a este tipo de narrativas caóticas donde cada vez los personajes se van cerrando en el cuello de una botella hasta eventualmente explotar.

Una película que paso por debajo de la mesa en los cines pero fue alabada en su presentación en Cannes 2017 y quizás una de las mas importantes del año cuenta la historia de dos hermanos (casualmente) Connie y Nick quienes deciden robar un banco pero todo resulta mal y el ultimo termina en prisión presionando así a Connie a hacer todo lo posible esa noche para sacar a su hermano quien presenta una condición mental especial de la prisión y así poder cumplir un frustrado sueño de salir de Nueva York.

Con un Robert Pattinson como Connie dando quizás la mejor interpretación de su carrera, dejando atrás la película para adolescentes “Crepúsculo” y en el papel secundaria se encuentra nada menos que el mismo Ben Safdie co-director de la película realizando una actuación perfecta en el papel de una persona con una condición especial (que en un punto llegue a creer que era un no actor interpretándose a si mismo) que le sigue los pasos a su descuidado hermano mayor en los malos caminos de la vida.

Los hermanos Sadfie son conocidos por sus películas Neoyorkinas independientes de bajo presupuesto en donde sus propios amigos, familiares he incluso personajes reales se interpretaban así mismos en sus películas de cine guerrilla grabadas sin permisos ni pre producciones en los sitios recurrentes de su vida, usualmente los suburbios pobres de Nueva York.

Todas sus películas hasta el momento fueron filmadas con estilo documental de Cinema Verite y Good Times fue su primera película de gran presupuesto con un actor profesional y reconocido en el mundo del entretenimiento. Fue un salto a un nuevo tipo de cine mas comercial y dramático pero aún así no dejaron su sello característico que fue muy bien recreado por su Director de Fotografía Sean Price Williams, quien esta entre la lista de los mejores DP del cine independiente de Estados Unidos.

La propuesta visual de Williams fue muy interesante dado su estilo de rodaje. No le gusta leer los guiones solo hasta el momento del rodaje y muchas veces se deja llevar por sus instintos en el set de filmación.

El principal detalle de la película es que fue rodado en 35mm luego de haber hecho pruebas de cámara con el formato digital y 16mm. La decisión fue darle a la imagen un aspecto de nostalgia al formato clásico, tener mucho grano en la imagen y no tener el control total de la luz.

A pesar de ser una gran producción que vino de la mano de A24 que ha traído grandes películas como Moonlight el rodaje se mantuvo como si fuera de cine guerrilla utilizando la cantidad mínima de elementos para realizar las escenas.

Como se comento de la elección de 35mm fue como una decisión de experimentación, en si los resultados no eran tan perfecto como el digital, en especial las escenas nocturnal que ocupan la mayor parte de la película. Williams afirmo que llevo el 35mm hasta el limite de entrada de luz y aún así el aspecto producido creaba una mejor atmósfera que las ideas iniciales que se tenían para la fotografía donde se usaron muchas referencias del cine de Nicolas Winding Refn, Michael Mann y Martin Scorsese, este ultimo por sus hermosos paisajes nocturnos de Nueva York, en especial “Taxi Driver”.

Los Colores

La paleta de colores fue a partir de una broma entre ellos y ver la capacidad de este formato para capturarlas, así fue como se creo el concepto de utilizar tonos fosforescentes de colores fuertes como el azul turquesa, verde manzana, púrpura y rojo, además del blanco fluorescente.

Con el arte y vestuario sigue la misma dinámica, los personajes siempre llevan ropa color amarillo, rojo o azul royal que los ayuda a resaltar de los fondos, utilizando un juego especial entre tonos cálidos y oscuros para resaltar a los personajes del fondo.

A pesar de no tener los planos hiperrealistas de Michael Mann (Heat) o las delicadas composiciones de Nicolas Winding Refn (Drive)es una obra que no tiene nada que envidiar y le da un aire nuevo y fresco a este tipo de dramas con mucha euforia y tensión.

La planimetría es fiel al estilo de los hermanos donde se combinan planos abiertos con primerísimos primeros planos filmados en la mayoría de las veces con teleobjetivos para reforzar la sensación de intimidad con los personajes y así remarcar sus emociones y angustias convirtiendo las obras y en especial esta en algo muy personal.

Su cámara también tiene dos técnicas principales, cámara fija en trípodes en especial para los primeros planos mencionados y una cámara en mano grabado con lentes tele que reafirman el más mínimo movimiento, dándole un estilo documental y de tensión con unos cuentos steadicam muy puntuales que sirven para crear una sensación voyerista del espectador sobre el sujeto y la incógnita de que va a conseguir mas adelante, muchas veces la cámara hacia un tracking hacia atrás siguiendo al personaje a un destino incierto.

En definitiva es una película que es una prueba viviente donde menos es más, donde la fama y el presupuesto no van por encima de la pasión de un cineasta por contar una historia en donde inclusive termines actuando en tu primera super producción y donde sigas grabando medio escondió aunque tienes permisos para cerrar toda una calle y no escatimas el dinero en grande acrobacias, una película donde apenas tiene dos planos aéreos como tributo a Heat y en donde un grupo de personas desconocidas como los hermanos Safdie, un director de foto del circuito independiente y un actor encasillado en papeles de adolescentes pueden lograr crear algo fresco de una historia clásica y cliché de una noche que se sale de control.

Una película donde se cuenta todo y nada, donde la cámara hace interesante lo ordinario y te conectas con estos personajes, me tomo el atrevimiento de llamarlos “antiheroes” que comentes errores como un ser común al igual que todos nosotros.

Good Times es sin duda unas de las mejores películas del 2017 que no hay que dejar pasar, gran inspiración para nuevos creadores y una gran lecciones para las grandes producciones en un tiempo donde la gran apuesta esta en las pequeñas historias con grandes consecuencias.

Gracias.

5to semestre, Técnicas Cinematográficas, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: Anthony Xavier. #sirzavier

Profesora: Belimar Román.

El siguiente ensayo es un trabajo de análisis de la obra “La actualidad de los bello” de Hans-Georg Gadamer y el arte como Juego, Símbolo y Fiesta llevado a las obras de el artista contemporáneo “Banksy” y la película sueca “The Square”. 

Leer ensayo: https://sirzavier.tumblr.com/post/187723877654/actualidad-de-lo-bello-gadamer-banksy-sirzavier

El arte en los últimos años a venido evolucionando con nuevas formas plásticas bastantes cuestionables con relación a los cánones clásicos y las primeras impresiones artísticas de la humanidad, llegando a considerarse que esta misma a muerto desde hace muchos años pero este presagio se viene profetizando desde hace unos siglos atrás por cada uno de los expertos de su época. En parte quizás sea por una reacción del hombre en pensar que el tiempo pasado fue mejor que el presente y encontrarle un cierto lado pesimista a lo actual y contemporáneo que al pasar los años se convierte en innovador.

Ocurre en todas las áreas, películas de los 70s que son mejores que las recientes, la música de Pink Floyd es mejor que Linkin Park, el Batman de Adam West supera a el de Ben Affleck (el mas contemporáneo, Batman v Superman)… Existe un cierto juego que nos hace recordar a aquella comedia de Woody Allen “Media noche en París” donde su protagonista quería estar en los años 20s junto a Picasso y Dalí tomando unos tragos en un bar lleno de vanguardistas, mujeres con vestidos elegantes y escuchando música con la textura de los discos de vinilo en un tocadiscos. Y que a la vez estos querían estar en una época pasada junto Mozart o incluso Miguel Ángel. Considero que uno no es del todo un ser humano si no ha cuestionado su presente con algún tiempo pasado mejor.

Aunque ciertamente hay que admitir volviendo al arte actual tiene un cierto toque de provocador (quizás es porque soy parte de está era contemporánea). Se nos presentan la cosa mas ordinaria y lo venden como algo revolucionario, por si no es de nuestro gusto estamos estamos fuera de moda.

Y es aquí donde a veces surgen ciertos artistas que es difícil definir su trabajo estético y considerar si es realmente una obra de arte o es simplemente un buen negociador. Entre uno de los mas resaltaste de estos años está BANKSY. Siguiendo la tendencia de los autores anónimos como Daft Punk, Banksy es simplemente un nombre, supuestamente un hombre, supuestamente británico. Nadie lo conoce, no da entrevistas, o las que hace sale con la voz y el rostro distorsionado, sus obras aparecen en muros al rededor de Inglaterra sin que nadie lo allá visto pero es considerado un genio.

Posee muchos retractores que lo criticas de solo un grafitero callejero sin estilo ni talento. Uno mas entre miles de artistas callejeros. Que oculta su identidad solo para ser mas comercial y sus mensajes políticos son tan banales como una canción de Reggaetón. Pero a la vez están sus aliados, gente que ve en sus murales mensajes muy potentes sobre las políticas actuales y las desigualdades del mundo, su identidad anomia es quizás parte de algo mas profundo, donde no se quiera identificar un individuo como el artistas sino hablar de que cualquiera puede ser Banksy, hombres, mujeres, niños y sus criticas sociales nos unes como una comunidad.

Lo que si es cierto es que este autor es el mas vivo ejemplo contemporáneo sobre el arte y los estudios de Gadamer que le dedico en su libro “La actualidad de lo bello” con respecto a los temas sobre la estética, la muerte del arte o su evolución constante a nuevos significados del arte.

El arte clásico era mucho mas directo, regulado, planificado. Lo que se mostraba era lo que quería decir. No trataba de exponer mensajes ocultos (en muchos de los casos), cumplía las normas de los cánones clásicos, las proporciones, los colores, el “Tratado de la pintura” de Da Vinci se exponía como debía ser realizado una pintura para ser estética para la época. Claro, eso no dice que ellos fueran revolucionarios o incluso provocadores en ciertos aspectos. Pero en torno a todos los autores en general seguían unos objetivos similares.

Esa es una de las grandes diferencias que existe con el arte contemporáneo y fue una de las bases para creer que el arte había muerto. Al romperse con todas esas reglas desde las Vanguardias y empezar un proceso de experimentación que colocaría en duda si eso podría ser llamado “Arte”.

Lo que ocurrió fue que Gadamer entendió que no podía ser comparado los objetivos artísticos de distintas épocas dado que en cada una de ellas perseguían algo nuevo en particular estas nuevas formas de crear son parte del proceso de aprendizaje, parte del “Juego” del ser humano en exponer sus inquietudes sobre la vida. Ver la naturaleza de una forma distinta y realizar una mimesis distorsionada de la misma que hable mas sobre sus conflictos internos y no tratar de mostrar un mundo perfecto y bello. Sino buscar otros significados sobre la belleza en algo que no sea solo estéticamente bonito para la vista.

El juego que describe Gadamer es esa interacción entre el autor y el espectador, este como co-autor de la obra. Mas allá de la creación de Banksy el público es quien le otorga el sabor a esos murales, viéndose reflejados en el como un espejo, jugando con su conciencia, con su ser.

Es una participación activa con ella y otorgado así una permanencia a lo fugitivo con la ayuda de sus co-autores que están en una búsqueda personal de conocimiento para saber la verdad sobre las cosas.

El Juego es un proceso individual tanto del autor como de cada uno de sus co-autores (espectadores), pero además de un asunto cognitiva es uno palpable. La implementación de ciertos medios y técnicas para crear la obra, en primer lugar como una necesidad del autor para exponer sus enigmas y en segundo lugar la interacción de cada individuo con este medio peculiar que lo cautiva y hace pensar.

Banksy además de arte callejero también ha trabajado en instalaciones, happening e incluso el cine documental. Su mas reciente película “Exit through the gift shop” fue clamada por la critica y recibió una nominación al Oscar como Mejor Película Documental.

Una película producida y co-dirigida por el mismo que creo un gran revuelo, no porque fuera una película estéticamente hermosa con composiciones de imagen bien planificadas. Sino por ser una obra amateur, tan simple y mal grabada, con incluso una sinopsis aun peor. Hecha por un artista desconocido que aparece en las sombras crear un mensaje profundo sobre la sociedad basado en las banalidades de la vida de unos grafiteros que realizan obras copiadas y mal Photoshopeadas (admitido en la película) de Andy Warhol y crear nuevos productos que se vuelven una sensación mundial en donde se critican en particular las políticas actuales Europeas y Norteamericanas sobre la libertad.

Hay ciertos puntos respecto a la estética y la belleza que se tocan con las obras de Banksy que en un modo superficial podrían considerarse absurdos pero el “Símbolo” es lo que cobra resonancia en este aspecto porque mas allá de ser en algunas casos productos descuidados, quizás ese es el problema de algunos de los espectadores. Verlo como un producto, que debería ser elegante, pero esto lo que busca es la polémica en lo banal, lo cotidiano. Lo que no puede ser arte convirtiéndose en una especie de ReadyMade, algo que se pueda conectar con todos de forma hermenéutica a escala mundial, un tessela hospitalis y es aquí donde entra “The Square”.

Tan solo en los primeros minutos de esta película sueca el director de un museo de arte contemporáneo decide retirar de su entrada una escultura (parecida a el de la película Nostalgia de Tarkovsky), ser demolida y en cambio ser puesta en su lugar un cuadrado hecho con tizas en el suelo porque es mucho mas actual, expresivo y profundo en donde la temática es: “Dentro de este cuadro todos somos iguales”.

La película esta basada en una instalación de arte real que hizo el director de la película antes de decidirse ficciones su propia obra al crear una película sobre una artista argentina llamada Lola Arias, quien en la vida real jamás llego a crear dicho “The Square”.

Entre estos y muchos mas la película busca la polémica y la sátira en todos sus sentidos.

Logrando la cúspide al ser nominada al Oscar a Mejor Película Extrajera en 2018 (bajo muchas miradas bochornosas, no peor que la obra de Marvel “Pantera Negra” como mejor película dramática en 2019 junto a “Roma”) y que gracias a dios no gano. No obstante la obra no es mala sino mas bien una cruda representación del arte contemporáneo y que me recuerda mucha Banksy, sus seguidores y retractores también.

Sin hacer spoiler entre algunas de las secuencias de la película se puede destacar una donde el director del museo dice: “Si agarro tu bolso y lo coloco en medio de una sala gigante y blanca vacía ¿podría llamarlo arte contemporáneo?” o en otra donde se jugo una especie de película dentro de otra película, el museo realizo una reunión con gente de la alta sociedad Sueca y el director menciono que filmarían el evento. Lo que realmente paso fue que un actor entro actuando como un simio a la sala donde estaban todo este grupo de gente y sin saberlo se convirtieron en un Happening en vivo donde este “Hombre Simio” ataco y atemorizo a la gente mas culta de Suecia, tanto que todos se fueron asustados de la sala y el director les explico la situación diciéndoles al final que era parte de una película.

Además de eso se llega a apreciar un simio real actuando como un Hombre y creando una pintura.

Sin duda una película que en mi opinión pone en perspectiva algunas opiniones de Gadamer sobre el arte, la estética y su muerte además su relación con el arte callejero de Banksy y su simbología.

El Símbolo es el origen del significado antes del significado, lo que esta oculto. Una necesidad interna de saber lo familiar de esas imágenes, lo universal. Una especie de alegoría, una confrontación.

En estos aspectos es donde se resalta el genio de Banksy al crear obras que hablan y conectan con el espectador y su entorno. Entre ellas se pueden destacar:

•  El hijo de un inmigrante: Es el co- fundador de Apple, Steve Jobs cargando una computadora. Fue realizado en un campo de refugiados Sirios en Europa.

• Well Hung Lover: Un hombre desnudo trata de escapar por una ventana. El sitio donde se realizo en un clínica de salud sexual. Fue atacada con balas de Paintball, tiempo después fue dejada como parte de la obra.

• Crayon for closure: Un niño de color sostiene una ametralladora con balas pintadas de crayones en un sitio prohibido estacionar. Se hizo en Hollywood, semanas antes de que la Academia considerara “Exit through the gift shop” de Banksy para la nominación al Oscar en tiempos donde su arte era considerado vandalismo, pero ocurrían masacres en países africanos.

• Slave Labour: Un niño cociendo banderas Británicas. Se realizo al lado de una tienda de ropa durante los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Se vendió por $1.2 Millones.

Y luego llega la “Fiesta”. El todo por el todo. El pasado y presente, sin distinción ni diferencia. El momento de conexión entre todos los presentes viendo algo nuevo, pensado en sus recuerdos y deteniéndose los años o segundos suficientes para llegar a entender las obras presenciadas. Una construcción de experiencia con los años no solo por parte del publico sin del autor y es aquí cuando Banksy llego a crear su Jugada, su Símbolo en una congregación de personas a la expectativa de su nuevo trabajo y eso fue lo que ocurrió con “Girl With Balloon”.

Mientras se realizaba la subasta de una de sus obras al momento de golpear el mazo por un valor de $1.4 millones la pintura “Girl With Balloon” se auto-destruyo (sol hasta la mitad, por un error de Banksy) por un trituradora que estaba oculta en el marco dejando a todos con una gran sorpresa. La mayor sorpresa seria incluso para Banksy que no se termino de demoler y al quedar a medias fue titulada “Love is in the bin”, duplicando su valor original y siendo catalogada como la primera obra de arte creada en vivo durante una subasta (eventos muy recurrentes para los coleccionistas y amantes de las obras famosas).

La idea principal de Gadamer para la Fiesta es ese proceso colectivo que se toma su tiempo para reflexionar sobre la obra y nuestro propio “ser”, intentando de forma culminante dar con las respuestas necesarias o las preguntas acertadas acerca de nuestra propia naturaleza.

El arte no ha muerto porque siempre anda en un constante cambio y mutación. Buscando nuevas vías y herramientas. Y cuando miramos hacia atrás no comparamos el arte clásico con el contemporáneo sino que todos son uno, un ciclo, una linea que se ha venido desarrollando y lo que Banksy hace hoy no seria posible si aquellos hombres no hubieran dibujado los bisontes en las paredes de sus cavernas. Es una Fiesta, una celebración del genio humano que nos ha traído hasta este momento de la existencia.

Todavía nos seguimos cuestionando todo y cometiendo los mismos errores. Aún no desciframos el sentido de la vida y creamos grandes dilemas por simples cosas. Pero no seriamos lo suficientemente humanos sino hubiéramos dudado de muchas decisiones o tomado los lados equivocados. Allí radica el arte del hombre, esa necesidad interna de exploración y la aventura a lo desconocido, de hablar con el alma y dejar una pequeña huella en algún rincón del universo. Una marca como la celebración y fiesta de la vida. Un pequeño detalle que perdure y mejore a millones con el tiempo. El arte es el lenguaje humano mas antiguo y mientras exista la humanidad él también.

Gracias.

Alumno: A. Xavier Gonz Varela.

Estética 5to semestre, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Introducción:

Ensayo de análisis de los libros “Diseño de Narrativa Transmediática” de Andrés Felipe Gallegos y “Guía para la Producción y Distribución de contenido Transmedia” de la Universidad Católica de Chile. Para la materia del 4to semestre Nuevas Tecnologías II de Raymond Marquina de la Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Venezuela. 

Leer ensayo: https://sirzavier.tumblr.com/post/187635725720/dise%C3%B1o-narrativa-transmediatica-sirzavier

Diseño de Narrativas Transmediáticas. Guía de referencia para las industrias creativas de países emergentes en el contexto de la cibercultura.

Andrés Felipe Gallego Aguilar

Capitulo I: Introducción a las narrativas transmediáticas.

Las Narrativas transmediáticas buscan construir una interacción profunda entre una obra u objeto y el espectador. Mas allá del simple hecho de consumo, se desarrolla todo un mundo en donde los espectadores o usuarios pueden consumir una gran cantidad de contenido relacionado con un mismo objeto que enriquece su experiencia. El objetivo es dejar de ser algo pasajero para formar parte de un entorno social. El cine es uno de los medios done tiene mayor aplicación.

En el vemos como antes de el estreno de una película se desarrollan campañas de marketing que abordan trailers en distintos medios como la TV, Internet y antes de otras películas. Además de la distribución de imágenes promocionales en las distintas redes sociales que generan curiosidad y mas preguntas que respuestas, así generando una comunicación con el usuario, generando misterio, especulaciones y expectativas en torno a la obra.

También, muchas de las películas sacan sus propias paginas web, juegos de video en línea o algunos que son sacados en simultáneo con la obra para consolas populares de masas como PlayStation o XBOX, que no solo funcionan para llamar la atención, sino que enriquecen la obra, dado que añaden mas información que ayuda a expandir el universo, en este caso cinematográfico y además pasar a formar parte de la cultura del espectador, trascendiendo con el tiempo y generando en ultima instancia, mayor interés y muchas mas ganancias para la franquicia.

Un gran ejemplo seria Star Wars, los cuales actualmente fueron comprados los derechos por DISNEY, incluyendo sus personajes en sus parques de diversiones, sacando nuevos juegos de video como Battlefront II que además se actualiza con cada nueva película que sacan. Han desarrollado una nueva trilogía para el nuevo espectador joven y enriquecer a los viejos seguidores de las anteriores 6 películas. También desarrollaron una nueva línea argumental de Spin Off que completan las películas anteriores y sin contar los innumerables juegos de video, comics, libros, eventos en la Comic Con, concurso de disfraces e incluso existe una festival de cine exclusivo donde los fans desarrollan cortometrajes independientes dentro del universo Star Wars. Y sin dejar por fuero los juguetes, incluyendo los famosos LEGOS.

Capitulo II: Cultura participativa y modelos de creación colectiva en el diseño de narrativas transmediáticas.

Así como se menciono anteriormente en el caso de Star Wars, en este capitulo se aborda las posibilidades de expansión de las franquicias producto del apoyo creado por los usuarios. Esto incrementa en la mayoría de los casos la fama e incluso las ganancias de los creadores de contenido originales, dado que sus fans ayudan que sus ideas trasciendan distintas culturas.

Aunque aquí se plantea un problema que a venido en incremento con el pasar de los años y la libertades que genera el internet y es la creación de contenido original basado en ideas ya existentes, donde en muchos casos los autores originales consideran un hurto además de la modificación de la idea original para crear algo nuevo no autorizado.

A pesar de ser algo mal visto y muy juzgado en la actualidad, tiene su lado positivo, el cual es en la mayoría de los casos. Cederle algo de control al usuario hace que se involucren mas personas con el objeto, llamando su intereses y haciéndoles un llamado a que se una y formen parte de algo que les gusta, el resultado final es un espectador satisfecho por formar en una minúscula parte de algo que le agrada, no solo se beneficia el autor original o este usuario en concreto, sino muchos mas llegan a formar parte de él, hablando al respecto y creando su propio material que se expande a través de la red a todas las culturas y lugares del mundo, dado que el publico siente una afinidad por la obra y al ver que sus fans pueden formar parte de ello lo convierte en algo mas cercano a su mundo y no algo exclusivo de famosos creadores, por ejemplo George Lucas a quien es muy poco probable que lleguen a conocer.

Las nuevas narrativas transmediáticas proponen ceder ciertas libertades a su publico para así engancharlos a sus productos al hacerles sentir un poder sobre el contenido que quieren visualizar, como dice el texto y algo muy famoso en el modelo Norteamericano “Hágalo usted mismo”.

Capitulo III: Componiendo una sinfonía transmediática

Para lograr una buena sinfonía transmediática, el uso de muchos medios para la expansión de un contenido no necesariamente se basa es “Más-Mejor”. Lo que propone es un estudio donde se definan cuales son los mejores medios para la transmisión del contenido.

Todo comienza por una estructura y la biblia, esta el cual se especifica las palabras clave, personajes, historia y conflicto, en base a esto se desarrollan los mensajes correctos y necesarios que aporten a el contenido original. Además plantea que no todos los mismos mensajes funcionan en todos los medios, sino crear en contenido extra correcto de acuerdo a el tipo de medio y su audiencia.

Así un video en YouTube es completamente diferente a las imágenes publicadas en Instagram, o los textos en Twitter. Cada uno tiene su particularidad, su mensaje propio que funciona correctamente en su plataforma, no solo eso sino que alienta a su publico a ir en busca de mas respuestas y tener que buscarla en las otras plataformas, en donde existen un material nuevo y distinto así el publico siempre tiene algo mas que buscar y siempre conseguir preguntas y respuestas que incentiva a ir por más.

No puede ser algo a la suerte, la buena planificación y estudio de mercadeo son los que garantizan el éxito de una campaña de marketing transmediática, llegar al publico correcto he impulsarlos a formar parte del mismo, de sentirse identificados y querer compartirlo para que otros sepan lo que les gusta, o un producto o película que dicen como piensan, como el en ejemplo del capitulo “Avatar” de James Cameron donde el pueblo Palentino se identifico con los NAVIS y su lucha contra un pueblo militarmente superior quienes los tienes reprimidos en su propia tierra (en este caso los Israelitas).

Otro caso moderno seria The Revenant de Alejandro González Iñárritu que es su campaña contó con Tráiler que mantenían el suspenso del publico, un Leonardo DiCaprio en uno de sus mas intensos papeles (y sin ganar Oscar) y todos los comentarios del publico por ganar un Oscar. TNT lanzo una campaña cómica que DiCaprio merecía es codiciado premio. Además de eso el tráiler uso de Iñárritu como el director ganador de 3 Oscar un año antes, además de ser mexicano. La productora lanzo poco antes del estreno de la película un documental por Internet del proceso de filmación, además del trasfondo cultural de la obra que trataba sobre los Indio Nativos de USA, además de su similitud con la cultura Maya Mexicana hizo de la película de un tema local, basada en un hecho real una obra que trasciende culturas. Y sin contar el lanzamiento de la banda sonora anticipada por Ryuichi Sakamoto, el famoso compositor japonés retirado por su enfermedad que regreso para crear una hermosa sinfonía sobre la muerte, que estaba muy relacionada con el protagonista de The Revenant. La campaña de esta película es un  buen ejemplo de una sinfonía transmediática.

GUÍA PARA LA PRODUCCIÓN Y DISTRIBUCIÓN DE CONTENIDOS TRANSMEDIA PARA MÚLTIPLES PLATAFORMAS. Facultad de Comunicaciones, Pontificia Universidad Católica de Chile

Capitulo II: Contenidos transmedia: orígenes y conceptos.

Ya en el comienzo del siglo XXI se avecinaban muchas cosas, como el fin del mundo. Quizás así fue, pero no de la vida sino de la forma en como esta se desarrolla. Empezó a aparecen la tecnología digital y aunque muchos fueron exceptivos en el principio, como KODAK, el tiempo les quito la razón, en el caso de la impotente marca de cámaras quebró.

En esta nueva era el Internet llego de lleno a la vida de las personas, y se expandió con los nuevos dispositivos móviles, ya nadie tenia que tener una costosa y grande computadora que estaba fija en un sito, sino que llevan todo el consentido a donde quiera que vayan.

Los tiempos de escuchar la Radio y ver la TV juntos pasaron, ahora la cantidad de contenido en la red es gigantesca y esto ha traído tanto beneficios como desventajas (depende del punto de vista). Con respecto a los creadores de contenido se les abrió el mundo para llegar a una audiencia que nunca antes habían conocido, no solo eso sino además conocerlos y saber que es lo que quieren para adelantarse a sus necesidades y darles justos lo que quieren. Por otro lado facilito a muchos individuos a comenzar sus carreras profesionales e hicieron que el mercado fuera mas ajustado y vivimos en unos tiempos donde el publico si no es convencido en 5 segundos de un producto, comercial, video, canal, programada de radio, foto… Simplemente lo deja pasar, creando así cada día un publico mas exigente, mas culto en estética y donde ya no se convence por cualquier cosa y tampoco son poca corporaciones monopolizadas quienes controlan el mundo.

Esta nueva era ha hecho que los creadores sean mas creativos y siempre estén innovando y ajustando a su nuevo y constante publico exigente. Aunque parece algo que en muchas ocasiones a derivado de decisiones apresuradas y contenido genérico, en muchos casos los creadores van hasta nuevos limites nunca pensados, llegan a una mayor audiencia y han tenido mas beneficios, entre ellos los de llegar a tener reconocimientos que en la era analógica quizás hubieran pasado debajo de la mesa, en unos tiempos donde solo un selecto grupo de personas eran los grandes directores, artistas y músicos. Ahora el poder lo tiene el publico y de el mismo publico han surgido los nuevos artistas del siglo, de unas necesidades mas locales y de allí deriva la mayoría del contenido actual en la red.

Capitulo III: Cómo crear contenidos transmedia.

Así como se menciono anteriormente y utiliza como eje este capitulo, el usuario es el centro. Una era donde las necesidades de publico son escuchadas, es crea el contenido que desean en vez de desarrollar un producto y obligarlo a consumirlo. Muchas de las actuales series o películas se basan en temáticas actuales que muchas veces son de los temas mas comentados en las redes sociales, un claro ejemplo es el cortometraje nominado en los Oscar de este año (2018) que trataba sobre una masacre en una escuela publica, un tema muy hablado en lo que va de este año. O incluso la película Chilena y primera en ganar el Oscar para ese país “Una Mujer Fantástica” que trata sobre la transexualidad, otra temática muy hablada en nuestros días. Estas dos obras llegaron de cierta forma en el momento correcto, pero solo llegaron a ser creadas porque sus realizadores escucharon al publico y vieron que estos eran los temas de un futuro cercano.

Las actuales técnicas de marketing se basan en escuchar al usuario, no solo eso sino conocerlos en profundidad para así saber a quien va destinado el producto, que edad tienen, su raza, país, que horarios utilizan viendo TV, en la Radio o usando Internet, que redes sociales utilizan…

Por otro lado y algo también mencionado en el capitulo anterior, juega mucho la creatividad del creador y el como puede llegar a crear algo único en un mercado tan competitivo que sea especial, no viste y que convenza con un primer vistazo. Eso me recuerda a un consejo de unas de mis profesoras con respecto al actual proyecto en que estoy trabajando. ¿Cuál será mi visión de el tema que sea única y distinta con respecto a otros obras con la misma temática?  Y que no sea reiterativo (un documental sobre boxeo).

Tanto Sebastián Lelio (director Una mujer Fantástica) y yo, he creado un concepto nuevo con respecto a la temática del boxeo, añadiendo un estilo surrealista además de involucrar una temática social local (El Vigía, Mérida) y nacional que es la juventud de Venezuela y su futuro incierto reflejado en un boxeador, y como su lucha es una metáfora de la lucha de muchos otros, en especial en las protestas, tiempo en el cual se filmo parte del documental. Un documental que surge de los comentarios del pueblo venezolano y además incluir un tema polémico como las protestas, que me tomo cierto atrevimiento de asociar con la película chilena y su hermosa visión de la transexualidad en nuestra sociedad actual.

El futuro del contenido viene de temas locales, de la voz de las personas que antes eran ignoradas y generalizadas. Allí esta el futuro del contenido transmediático.

Gracias.

Profesor: Raymond Marquina.

Alumno: A. Xavier Gonz Varela. #sirzavier

Nuevas Tecnologías II, 4to semestre de la Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Venezuela.

El Sur es una perfección inconclusa. Un tiempo incompleto que valoriza aún más sus imágenes sobre la vida. No me parece coincidencia que está película al igual que el ‘mundo histórico’ se base en una constante historia sin fin en donde cada ser humano en esta tierra solo a formado parte de una minúscula fracción de ella y jamás llegara a saber cual será su fin. Tampoco me parece que casualidad que Agustín (personaje principal de la trama) interpretado por el Italiano Omero Antonutti se parezca a una persona del mundo real, un ser humano que yo conozco, un hombre que ya no existe.

Leer Ensayo: https://sirzavier.tumblr.com/post/187568592535/el-sur-retrato-intimo-del-tiempo-sirzavier 

La película surgió entre el romance entre Víctor Erice y Adelaida García Morales quienes serian la futura escritora y director de la obra. Varios años de relación que gestaría lo que será “El Sur” diez años después de su primera película “El Espíritu de la Colmena”. Basada en un relato de la misma Adelaida, Víctor terminaría creando una de las obras españolas más reconocida de todos los tiempos (tomando en cuenta que jamás la termino).

Narra la historia de una niña llamada ‘Estrella’ (Estrellita, como le decían sus conocidos) y sus recuerdos del pasado tratando de entender la cólera de su padre, un doctor, brujo y poeta que recuerda con dolor una vieja relación de hace varios años luego de reencontrarse con la mujer de su vida a través de la pantalla de un cine, conllevando a la infancia de Estrellita a vivir día tras día el deseo de dejarlo todo atrás así como en cierta forma lo está haciendo su padre.

La película sufrió los temores mayores de cualquier autor enfrentándose a problemas de presupuesto en pleno rodaje. Inicialmente se tenia planificado más de 80 días de filmación y una propuesta inicial con una duración mínima de 2 hora o más. Existen distintas versiones de los hechos pero entre ellas las discrepancias entre el Director y Productor con respecto al dinero, otras en donde el productor argumenta que al ver el material que ya se había filmado la consideraba suficiente para contar la película. En cualquier caso los detalles de la película que fueron excluidos son la adolescencia de Estrella y su viaje al Sur, su sueño anhelado que cumplió luego de la trágica muerte de su padre. En esta sección de la obra ella iba en busca de Irene Rios (la antigua amante de Agustín) y donde conocía a un hermano mayor, primogénito de su padre.

El Hombre encargado de la Dirección de Fotografía fue nada menos que el maestro José Luis Alcaine. Reconocido artista español con 50 años de trayectoria nacido en Marruecos, estudiantes y egresado de la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid en donde consiguió entrar gracias a la ayuda de un amigo puesto que fue rechazada por realizar su bachillerato en Francia. Con más de 150 películas en su haber he innumerable de premios es uno de los Cinematógrafos más cotizados en Europa.

De sus 17 nominaciones a los GOYA ha ganado en 5 oportunidades considerando los premios bastante injustos: “Tengo cinco Goyas y estoy convencido de dos de ellos, pero no de los otros tres. A veces pienso que no los merecía”. Comenzó su afición al cine gracias a su padre quien tenia y rodaba películas casera en 16mm.

Su más reciente trabajo (al igual que El Sur en su momento) ‘Dolor y Gloria’ estuvo presente en Cannes, una película de Autoficción sobre la infancia de Pedro Almodóvar: “La mayoría de los directores de cine conciben la imagen con respecto a otra película y no tienen las ideas claras, salvo Almodóvar y Erice”. Recibió una ovación de pie de 12 minutos y dejo un premio a Antonio Banderas por Mejor Actor.

Entre sus otras películas se destacan ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ y ‘La piel que habito’ en donde recuerda lo siguiente: “Me molesta que me feliciten por él (Mujeres al borde de un ataque de nervios), porque yo jamás habría fotografiado la película de esa manera. Hice lo que el guion pedía, pero el resultado me parece casi detestable, en ‘La Piel que Habito’ apenas tuvimos que decirnos nada, y me dio una libertad absoluta” (Almodóvar).

Destacando una última acotación sobre la relación entre el DP y el Director (Almodóvar): “El encuadre debería hacerlo el director, pero algunos te lo clavan absolutamente y otros dejan que lo propongas. A mediados del siglo pasado, los directores de fotografía llevaban la batuta, porque los directores eran antiguos guionistas o procedían del teatro. Hoy vienen de las series y de la publicidad, saben de imagen pero no de dirigir personas. Por eso los actores solicitan a Almodóvar”.

Cómo autor de la Luz en sus películas con un estilo europeo alejando de los estereotipos Hollywoodenses. Una iluminación realista y original por cada película en donde no le gusta repetirse. Destaca mucho el hecho de que una buena fotografía no puede salvar la historia de la película, a pesar de eso le gusta mucho improvisar, casi siempre llega con unas ideas simples al Set y a partir del ambiente natural desarrolla la iluminación del momento.

Destaca el uso del color, considerando que esté da verosimilitud. Con la aparición del cine a color la gente vio las películas tal cual como la vida misma y es un recursos que no se puede olvidar. Cada Film practica una cierta innovación, incluso destaca el miedo como una ligera motivación y el hecho de que en el mundo actual existe mucha competencia y no puede quedarse con algo que paso de moda. Viendo la escena como una escultura que se debe esculpir con la luz, “Esculpir en el Tiempo”, tampoco me parece coincidencia que El Sur tenga ciertos tintes Tarkovskianos, siendo una de las cosas que más me fascino en lo personal.

“La imagen debe trabajar al servicio de la historia para transmitir emoción, y no tratar de llamar la atención sobre sí misma. Hay mucha gente que piensa que todo lo que necesita una película para tener una buena fotografía son un par de amaneceres y atardeceres, pero no es cierto”.

El Sur además de en su primera impresión recordarme películas del poeta ruso Andrei Tarkovski, posee una carga pictórica en la forma como están construidas las composiciones cinematográficas. Alcaine es un gran aficionado a la pintura medieval y renacentista, considerando ella como su principal inspiración, en una época en donde no existía tanto la televisión y todo lo que aprendí fue de los libros de arte. Caravaggio es quizás la mayor fuente referencias con esta película, donde se logra un hermoso claroscuro que resalta misterio del padre y sus habilidades sobrenaturales. Algunos otros pintores recreados son de Tiziano, de Velázquez, de Rembrandt. Uno de sus trabajos más recientes fue una tesis en donde explicaba cada fragmento del “Gūernica” de Pablo Picasso y como esté se influencio de las películas de los años 30 para recrear los horrores de la guerra y así mismo (Según Alcaine, Picasso es el Toro de la pintura).

Es un pintor frustrado, que solo tiene talento con la cámara. Su sisaseis se basa en como la cámara oscura cambio las pinturas entre los 1300 a 1420 sugiriendo que estas nuevas imagines fueron la inspiración para aquellos artistas de la época en crear otras imágenes más cercanas al realismo histórico del mundo real. Es muy reconocido por la introducción al cine de la Luz Fluorescente como fuente principal para toda escena generando una imagen muy suave y contrastada. Con mucho volumen y carga emocional.

Tanto el Opening como la escena del restaurante (casi al final) están en la lista de las mejores escenas del cine español. Un ciclo que abre y cierra con un paso del tiempo muy definido. La secuencia inicial es un paso temporal de las distintas estaciones del año en un plano secuencia con tintes oníricos (que es la base de toda la propuesta fotográfica a lo largo del filme) en donde Estrella se despierta y ve el péndulo de su padre que luego este es revelado de entre las sombras junto a su madre, justo antes de que ella naciera en el momento exacto en que Agustín sabia que su hija se llamara Estrella. Un recuerdo que fue inventado por ella misma, de un momento en el que aun no existía. Acto seguido se encuentran en el tres llegando a su nuevo hogar, mismo tren que el padre pensaba utilizar para abandonarlas.

El paso del tiempo es fulminante y sobrecogido. Construido de una forma muy sutil como la infancia de una niña en donde la juventud parece eterna pero luego en la adolescencia los días se alargan y se convierte en un lugar insoportable para vivir. El paso del tiempo en su mayoría son enmarcadas en un mismo plano en distintas épocas o a veces en una misma toma donde la luz aparece y desaparece lentamente demarcando el paso de las horas y la vida. A continuación una serie de fotogramas del paso del tiempo de esta película.

La iluminación funciona como elipsis temporal y emocional como se puede apreciar arriba. La misma planimetría facilita la identificación rápida de elementos similares en tiempos distintos.

El cambio de la niña es demarcada con planos similares a lo largo de la obra. El más resaltan es el hermoso elipsis donde se aleja en bicicleta junto al perro y cuando regresa es una mujer.

Sin duda alguna es el aspecto más importante, resaltante y hermoso de está película. No seria lo mismo sin ella y es totalmente comprensible porque se necesitaban tantos meses de rodaje y su eventual falta de presupuesto. Era una película sobre la vida y requería tomarse todo el tiempo del mundo con ella.

Lo más sobrecoger es que Agustín me recordó inmediatamente en los primeros segundos que apareció en pantalla a mi Bisabuelo. Lo recordé a el y sus dotes mágicos para curar personas. Siempre que se enfermaba algún familiar o yo mismo el se aparecía y con solo mirarme ya me curaba de inmediato. Un brujo, vidente, no lo se. Sus habilidades jamás las llegue a entender. Era su heredero por cosas del destino para adquirir sus dotes pero con el paso del tiempo me fui olvidando de el y perdí la fe. Murió sin llegar a decirle a nadie de donde sacaba su energía (así como Estrellita se lo pregunta sobre Agustín). Su hija, madre de mi padre tampoco lo entendió, lo que si me llego a decir que obtener este conocimiento conllevaba a una gran carga, puesto que personas con ese poder debías sufrir consecuentemente una muerte larga y dolorosa (Agustín moría lentamente cada día hasta armarse de valor y acabar con ello quitándose la vida).

Es una película que sin duda tiene un lugar muy especial para mi, por los eventuales recuerdos que me trae tan similares como la trama misma. Como mencione anteriormente, es una película de la vida misma y los señores Erice y Alcaine realizaron una de las obras más destacadas que se puedan conocer. Es de esas extrañas ocasiones donde algo inconcluso causa tanto placer y es un detalle tan humano como un romance no realizado por la cobardía de no dar el salto de fe. Me gustaría hablar mas de mi bisabuelo Ramón pero no lo conocí realmente así como Estrella a su padre. Lo único que me quedo de su posesión son unos viejos discos de vinilo que los tengo en mi cuarto, aún así sus genes no murieron y mi tía tiene un camino muy interesante con el péndulo y otras creencias, que yo mismo he probado y puedo confirmar que una extraña energía corre por ese metal para revelar verdades de mi vida incluso antes que pasaran y no lo se, tal vez hasta yo mismo aun tenga ese poder, pero la carga de una muerte larga y dolorosa es algo que quizás no pueda soportar, aunque eventualmente esto ayude a muchas personas. El cuarto de mi bisabuelo sigue cerrado y su energía merodea por allí y creo que es mejor no abrirla porque eso incluso Estrella lo comprendía, hay que dejar lo desperfecto de la vida en su lugar y por esa misma razón decide ir al Sur.

GRACIAS

Alumno: A. Xavier Gonz Varela. #sirzavier 

6to Semestre, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela. Sensitometría

Profesor: Rafael Lacau.

Tres años antes de la aclamada Good Time (Cannes 2017) los hermanos Ben y Joshua Safdie realizaron una de sus primeras incursiones en los circuitos de festivales mas importantes con una película muy peliculera que algunos describen como “El sueño de un cineasta nunca realizado”. 

Leer ensayo: https://sirzavier.tumblr.com/post/187410398823/heaven-knows-what-ensayo-safdie-sirzavier

Heaven Knows What es el punto medio en el que estos hermanos definieron su sello característico y ciertamente en un ensayo precursor de su hermano mayor Good Time, una película que no es perfecta pero las intensiones son profundas y es un claro ejemplo de como hacer “mas con menos” sin caer en caprichos y simplemente dejarse llevar por la ocasión, el entorno y sus personajes pasajeros, los de la vida misma que son los actores de esta película.

Basada en el libro no publicado titulado “Loco amor en Nueva York” escrito por Arielle Holmes basada en sus experiencias como adicta a la heroína y su romance con Ilya (otro drogadicto) en los suburbios de esta ciudad, además de protagonista de esta obra donde hace el papel de una versión ficcionada ella misma.

Todo comenzado cuando los Safdie terminaron de rodar un documental y estaban en búsqueda de una nueva temática para su siguiente película. Su idea era realizar otro documental sobre los Dealers del lugar donde transcurre esta obra y un día se consiguieron a Arielle Holmes, la siguieron hasta el metro pensando que era una chica que trabajaba para algunos de los Rusos de la zona.

Se acercaron a ella, intercambiaron números, le consiguieron un trabajo y luego desapareció por tres meses. Un día ellos reciben una llamada y era ella para contarles que acababa de salir del hospital por un intento de suicido. Luego de esto los hermanos le insistieron en que escribiera un libro sobre su vida el cual lo hizo utilizando una computadora de una tienda Apple estando de pie durante 9 horas al día hasta que la corrieron del lugar. Le prestaron una laptop para terminar sus memorias y el resto es historia.

La película contó con un electo de personas reales interpretándose a si mismos en donde destaca Buddy Duress (Good Time) en su primer rol, uno que según el le salvo la vida de las adicciones y como nota curiosa apenas un día después de finalizar el rodaje fue arrestado, como una de las 8 veces que ha estado en prisión.

Y Caleb Landry Jone (Get Out) con un cambio físico impresionante, si no es por los créditos no lo reconozco en un rol que convence aunque nada que envidiar de su personaje secundaria en Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Oscars 2018).

Al igual que Good Time, Sean Price Wiliams estuvo a cargo de la fotografía de esta película en lo que podría llamarlo una practica de estilo visual que repetiría en la siguiente obra de una forma magistral. Quizás no estaba dominada del todo en el momento de realizar Heaven Knows What pero eso quita mérito y añade un gran valor a ambas por sus similitudes en propuesta visual y aun mas importante en la evolución visual en tan corto tiempo que obtuvieron tanto Sean Price como los codirectores de la obra.

Heaven Knows What es la historia de una chica (Harley) y su romance con dos sujetos muy importantes, Ilya y la heroína.

Es un retrato fuera de lo convencional del mundo de los adictos donde vemos todas las peripecias y dramas diarios que deben vivir para obtener un poco de dinero para su placer personal. Ciclos repetitivos pero muy personales donde la heroína tiene una cierta aura sensual, para nada grotesca en donde en ves de juzgar a estos individuos los seguimos en su búsqueda de un sueño con finales destructivos difíciles de dejar atrás.

Un poco Documental, un poco ficción.

Como se menciono anteriormente, los Safdie estaban en búsqueda de una nueva temática documental cuando se toparon con Arielle en sus vidas. Además se ser ellos quienes la invitaron a escribir sus memorias y procedente a esto se tomo la decisión de hacer la película sobre su vida.

La aparición de drogadictos reales en sus espacios recurrentes llenan a la película de un estilo de Cinema Verité muy marcado y especial, además de autobiográfica la interpretación de Arielle como ella misma sobre su amor hacia Ilya (Caleb Landry), un sujeto real que incluso murió de una sobredosis poco tiempo después de haber sido culminada la obra el cual esta dedicada en su memoria.

Los Safdie junto a su director de fotografía Sean Price dotaron de realismo mágico y una perspectiva nueva y fresca de este submundo. Una obra que se mezcla entre biopic-ficción-documental, un ejercicio muy importante en sus carreras y que merece la pena ver.

Teleobjetivo.

Los directores llegaron a admitir que la fotografía llego a ser algo complicada dado que la mayoría de las escenas eran rodadas a distancia, incluso a dos calles con cámaras escondidas utilizando lentes Teleobjetivos y micrófonos de balita en los personajes. El cual muchas veces eran difíciles controlar las circunstancias del mundo real a la hora de realizar los planos, pero que a la vez era la propuesta deseada.

Varias de las razones de esta decisión se encuentran:

1. La falta de permisos para rodar en las calles de Nueva York.

2. No intimidar a los personajes (no actores).

3. Hacer un reflejo fiel de este submundo en tiempo real, sin dobles.

4. Incursionar en el aislamiento de estos individuos y resaltarlo narrativa y visualmente en un mundo que pasa alrededor de ellos mientras permanecen en las sombras.

Planos Secuencia.

Los planos secuencia son un recurso recurrente en la película, en especial el que da inicio a la película donde la cámara sigue a Harley en un hospital psiquiátrico con una mirada voyerista sobre ella y los demás pacientes del lugar donde no se juega ser algo perfecto pero si verosímil en su movimiento donde inclusive las personas llegan a mirar a la cámara en algunas ocasiones rompiendo la cuarta pared.

Travelling.

Enfatiza el entorno y adentra a los personajes dentro de su circulo de adicción. Ademas de pasar por rostros de personas reales contando anécdotas de la vida que le da un ambiente mas cercano y familiar al espectador.

Close Up.

Un juego de planos enteros y primeros planos conforma uno de los sellos característicos de estos hermanos para intensificar las emociones de los personajes y adentrarnos en ellos.

Planos Detalle.

Son un recurso muy utilizado que ayudan a llevar la historia con nun buen ritmo de montaje, funcionan igual que los primeros planos pero sin agotar el recurso.

Iluminación.

Por lo general existieron tres tipos distinto de locaciones, exterior día, noche e interior. La gran mayoría de la iluminación es natural, reforzando mucho en las ventanas para ayudar los ambientes. De noche casi siempre son contraluces con sombras marcadas, que lo mas probable son de la locación y no impuestas para así no romper con el toque documental. Y por ultimo los interiores siempre son luces mas coloridas y saturadas, los lugares de vulnerabilidad de los personajes, sus cuartos, sus camas y en donde muchas veces se inyectan la heroína, algo eróticas con flares llamativos.

Ciertamente en una película con muchas fallas y nada comparable con Good Time pero sin duda es un acercamiento bastante acertado con una vision original y diferente sobre las drogas, con unas actuaciones hermosas y un efecto catártico de esos individuos el cual se abrieron totalmente a mostrar sus vulnerabilidad para crear una ficción de sus vidas que quizás es el mejor reflejo que podremos llegar a ver.

Heaven Knows What marca un antes y un después tanto de sus directores como del director de fotografía y la prueba viviente de la evolución de ellos, como lograr contar buenas historias de lo cotidiano que nos rodea y aun mas de llegar a lo alto y luego tener la oportunidad de hacer una superproducción sin olvidar sus raíces y aun mas importante, hacerlo muy bien.

Gracias.

Técnicas Cinematográficas, Escuela de Medios Audiovisuales, Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

Alumno: A. Xavier Gonz Varela. #sirzavier

Profesora: Belimar Román.