La melodia di Tranquillo Cremona - 1874 

Nel dipinto, la pianista è colta mentre esegue il suo pezzo al pianoforte. I colori luminosi e trasparenti, stesi a macchie fondono la figura con lo strumento, a simboleggiare il trasporto della musica.

La ragazza, unica protagonista del quadro, impegnata a suonare il pianoforte, è colta in un momento di grande ispirazione e concentrazione ed appare trasportata e rapita dalla melodia che sta suonando. Non ci sono contorni, il corpo della ragazza sembra unirsi con lo strumento in un'unica figura.

Ancora una volta è presente il contrasto cromatico: rosso-violaceo dello sfondo e del pianoforte, e bianco del vestito, e dello spartito. L'accostamento di questi colori dà  un forte impatto visivo al quadro, che visto nel complesso ci travolge, quasi ci spinge a seguire la ragazza nel suo canto, ma allo stesso tempo contrasta con particolari che trasmettono una grande calma (come le mani o il viso rosato della fanciulla).

Ciò che conta non sono le forme, ma la volontà  di trasmettere l'armonia e la tranquillità che solo la musica può dare. La pittura non può certamente riprodurre la melodia di una canzone, ma secondo Cremona può dare le stesse emozioni, la malinconia e la serenità. In questo quadro vediamo realizzato il pensiero di Cremona: la pittura può commuovere come una canzone.

Reference: https://www.geometriefluide.com/it/trenquillo-cremona-melodia/

Vanitas, natura morta con strumenti musicali di Cornelis De Heem  - 1661

Questo splendido dipinto evoca la memoria dell'età d'oro della natura morta olandese. Particolarmente affascinante è la sontuosità degli strumenti. La più importante tra queste è la viola da gamba intarsiata a sei corde appoggiata alla sedia, con una testa di leone per la decorazione e una buca a forma di "S" (più caratteristica del violino). 

Sulla tavola, riccamente imbandita di frutti e oggetti d'oro, sono i tradizionali simboli della Vanitas. Per illustrare la transitorietà dei piaceri ottenuti dalla ricchezza, dall'abbondanza e dal mangiare e bere, c'è una brocca di vino capovolta da cui il suo contenuto si è versato a terra, a simboleggiare che il piacere terreno è di breve durata e l'uomo tornerà alla polvere. In questo contesto gli strumenti sono simboli dell'amore fisico. 

Accanto a loro il pittore ha raffigurato una lumaca a terra. Si credeva generalmente che questo animale fosse nato dal fango, quindi divenne il simbolo del peccato. Al contrario, l'edera che striscia sul muro sullo sfondo promette l'immortalità. La pesca, il melone e il fico, dal momento che vengono tagliati e si rivelano i loro semi, simboleggiano la rinascita e la resurrezione. Questa immagine rende meno cupo il messaggio del dipinto, anche se il suo intento ammonitore è inequivocabilmente riconoscibile.

Reference: https://www.wga.hu/html_m/h/heem/cornelis/vanitas.html

Alice nel paese delle meraviglie di George Dunlop Leslie - 1835–1921

La giovane protagonista Alice del libro "Le avventure di Alice nel paese delle meraviglie", è l'ispirazione per questo dipinto di George Leslie Dunlop. È raffigurata su un divano, rannicchiata vicino a sua madre. Anche se fissa direttamente lo spettatore, la sua attenzione è altrove. Assunta dalla storia della madre, è stata trasportata dalla sua immaginazione in terre lontane piene di divertimento e avventure, ma dove anche il pericolo è in agguato.

Leslie usa uno sfondo semplice per non distogliere l'attenzione dall'espressione serena e amorevole della madre. Il motivo distintivo sul divano è un espediente artistico che risale al Rinascimento italiano ed è un trucco della prospettiva utilizzato per inserire profondità in un'opera dove altrimenti non esiste. In grembo alla fanciulla riposa un mazzo di ranuncoli. I vittoriani usavano i fiori per trasmettere messaggi nascosti, il cui studio è noto come floriografia. I ranuncoli esprimevano sia la ricchezza che l'innocenza dell'infanzia. La bambola del bambino sul cuscino fornisce più di un semplice equilibrio visivo alla composizione; riflette la morale dell'epoca. Vestita di nero e sdraiata orizzontalmente, la bambola significa la morte dell'innocenza mentre la sua scarpa mancante indica una morale dissoluta. 

Reference: https://michaelescolme.wordpress.com/2020/05/27/alice-in-wonderland-by-george-dunlop-leslie-1835-1921/

Gruppo musicale su un balcone di Gerrit van Honthorst - 1622

Honthorst è nato a Utrecht; lì fu allievo di Abraham Bloemaert. Si dice che sia stato a Roma già nel 1610-12, ma non è documentato fino al 1616. Nulla si sa della sua attività artistica fino all'ultimo anno del decennio, e non un'opera dipinta prima che andasse a sud è stata scoperto. Divenne il più noto seguace olandese di Caravaggio. Un tipico esempio dei suoi dipinti religiosi eseguiti in Italia è il Cristo davanti al Sommo Sacerdote (National Gallery, Londra).

Sebbene Honthorst abbia continuato a rappresentare scene della Scrittura dopo il suo ritorno a Utrecht nel 1620, le immagini religiose che ha realizzato a Roma sono da molti punti di vista il culmine del suo lavoro di pittore di temi biblici. Durante il 1620 dipinse opere in stile arcadico che mostrano che aveva guardato i Carracci così come il Caravaggio mentre era in Italia. Oltre a scene religiose e mitologiche dipinse almeno un soffitto illusionistico, Gruppo musicale su un balcone, che fu realizzato per la sua casa a Utrecht. Il dipinto, conservato solo in parte, è il più antico soffitto dipinto illusionistico olandese esistente.

Reference: https://www.wga.hu/frames-e.html?/html/h/honthors/1/10musica.html

Lezione di musica di Frederic Leighton - 1877

Il magistrale intreccio delle due belle forme, tipica e ideale, che siedono fianco a fianco sulla panca di marmo bianco e nero, è segnato da un'intensa sincerità. Nulla può superare la delicata articolazione delle mani delle due figure: madre e figlia, o sorella. I loro piedi sono castamente disposti e cesellati con il tocco più gentile. La posa è facile e aggraziata. 

Il modo amorevole con cui la figura anziana pone le mani del bambino sulla chitarra mentre con l'altra mano accorda lo strumento è naturale e convincente. 

L'intera composizione respira un'atmosfera di pura raffinatezza ed è l'incarnazione stessa del ritmo. I drappeggi orientali sono meravigliosamente disposti, ogni piega aggiunge la sua luce o ombra in debita proporzione. Il semplice abito azzurro pallido della bambina si accorda perfettamente con i suoi teneri garofani; mentre la veste bianca e ricamata d'oro della ragazza o della donna più anziana - ampia ed elegante - è di stretta osservanza, per quanto riguarda il buon gusto e la vera sequenza dei colori. I pezzi di melograno, così spesso usati come punti più alti da Leighton, sono meravigliosamente dettagliati. 

Reference: https://en.wikipedia.org/wiki/The_Music_Lesson_(Leighton)

Lezione di musica, Donna seduta al virginale di Johannes Vermeer - 1662–1665 

La lezione di musica è un dipinto di una giovane allieva durante una lezione di musica condotta da un uomo. La bocca dell'uomo è leggermente spalancata dando l'impressione che stia cantando insieme alla musica che sta suonando la ragazza. Ciò suggerisce che esiste una relazione tra le due figure e l'idea che l'amore e la musica siano collegati insieme. 

Questo era un tema comune nell'arte dei Paesi Bassi in questo periodo di tempo. Vermeer ha utilizzato costantemente gli stessi oggetti all'interno dei suoi dipinti come il tappeto drappeggiato, la brocca d'acqua bianca, vari strumenti, pavimento piastrellato e finestre che trasmettono luce e ombre. Questo dipinto fu uno dei pochi conservati nella sua casa fino alla sua morte nel 1675.

Reference: https://en.wikipedia.org/wiki/The_Music_Lesson

La culla di Berthe Morisot - 1872 

Nel quadro la Morisot coglie un momento di struggente intimità familiare, raffigurando la sorella Edma mentre veglia sul sonno della figlioletta Blanche. Berthe riesce a porre grande attenzione al fresco naturalismo della rappresentazione, enfatizzando al tempo stesso l'affettuosa quotidianità del soggetto. Edma, infatti, ha un'espressione intensa e amorosa ed è assorta in chissà quali pensieri. Mossa da un innato istinto di protezione materno, inoltre, la donna sfiora un lembo della tendina e lo interpone tra l'osservatore la neonata, ponendolo così a protezione della culla. Blanche, invece, dorme beatamente e le sue delicate fattezze sbocciano come un fiore prezioso attraverso la candida trasparenza del velo. Sia la giovane madre sia la bambina vengono raffigurate con un braccio piegato, come a sottolineare un'affinità psicologica.

L'intera opera lascia trasparire un sentimento tenue e delicato, e ci si sente quasi di troppo nel prendere parte a una scena così tenera e affettuosa. Il connubio tra madre e figlia viene accentuato dalla diagonale ideale che, unendo l'angolo in alto a sinistra della tela e quello opposto, allinea lo sguardo teneramente pensoso di Edma con gli occhi chiusi della piccola Blanche. La culla, che occupa tutta la metà destra della tela, accoglie la piccola dormiente: pur nella sua impalpabilità, ha una sagoma che descrive una massiccia struttura piramidale. I colori, infine, sono applicati sulla tela senza passaggi chiaroscurali, e sono giustapposti in modo da esaltarsi vicendevolmente.

Reference: https://it.wikipedia.org/wiki/La_culla_(Morisot)

Ritratto dei coniugi Arnolfini di Jan Van Eyck - 1434

Le opere fiamminghe sono note per lo studio approfondito della luce e degli effetti luministici e per la cura dei dettagli. Oggetti di uso quotidiano, piante, fiori, espressioni del volto e abiti: nessun particolare sfugge ai pittori fiamminghi che sono abilissimi nel riprodurre anche i più piccoli dettagli e il Ritratto dei coniugi Arnolfini di Jan van Eyck, del 1434, riporta tutte le caratteristiche della pittura fiamminga. 

In questo dipinto vediamo Giovanni Arnolfini, un ricco mercante lucchese, ritratto insieme alla moglie Giovanna. L’intero quadro è una documentazione dello status sociale ed economico degli Arnolfini: i mobili, lo specchio alle spalle dei personaggi, il lampadario.
Tutto è collocato in quella stanza per raccontarci la storia di questi due sposi e, per alcuni studiosi, si tratterebbe della rappresentazione della celebrazione del matrimonio tra i due.

L’artista descrive tutto fedelmente e riproduce esattamente una delle tante ricche residenze dei commercianti che vivevano nelle Fiandre nel Rinascimento.
Van Eyck dipinge gli oggetti e sembra quasi di percepire la consistenza dei tessuti e l’odore del legno dei mobili.
Dall’ottone cesellato del lampadario alla pelliccia morbida delle vesti dei coniugi Arnolfini, tutto è descritto fedelmente. Tuttavia, sono tanti i simboli presenti, come il cane che rappresenta la fedeltà coniugale, oppure la mela sul davanzale che è il simbolo della Passione di Cristo, oppure l’unica candela accesa sul lampadario ricorda la brevità dell’esistenza terrena.
Lo spazio della stanza, inoltre, è mostrato da un diverso punto di vista attraverso lo specchio sul fondo. Questo stratagemma dilata lo spazio dipinto e permette a noi che osserviamo di diventare spettatori, come se accadesse tutto davanti ai nostri occhi.

Reference: https://www.theartpostblog.com/ritratto-coniugi-arnolfini-curiosita-descrizione/