DU 31 Mai au 14 juin 2021

La culture mandingue et le djembé

L'empire Mandingue et ses nombreuses ethnies (Bambara du Mali, Malinké de Guinée, Dioula de Côte d'Ivoire...) a placé le djembé au centre de sa culture musicale.

L'instrument a franchi les portes d'Afrique de l'Ouest dans les année 1950 avec les tournées des Ballets africains de Guinée, avant que de grands maîtres comme Mamady Keïta ou Famoudou Konaté ne l'exportent en Europe, puis dans le reste du monde.

Si l'étymologie ne peut définir de façon exacte l' origine du mot ''djembé'', l'instrument porte plusieurs appellations dans la tradition africaine, dont celle de ''yembé'' qui se traduit en langue Soussou par :

''un morceau de bois et une peau d'antilope''.

Le djembé est un tambour fait de bois de dougoura, de linké (bois rouge) ou d'iroko. Sa forme est dite en ''calice'', rappelant la forme évasée du mortier à piler le grain. Il est garni d'une peau de chèvre ou d'antilope, tendue par un tressage de cordes. On y appose souvent des sonnailles métalliques appelées ''séssés'' ou ''oreilles''. L'instrument est frappé à mains nues et présente une grande richesse de timbres: son mat, son claqué, son étouffé, son basse...

Les ballets Nationaux africains sont devenus dans la seconde moitié du XXème siècle de véritables vitrines pour des pays comme la Guinée.

La musique traditionnelle mandingue est reliée à son contexte social. Elle accompagne les évènements de la vie : mariages, naissances, baptêmes, funérailles ... Elle est indissociable de la danse et du langage gestuel.

DU 12 mai au 31 Mai 2021

Musiques berbères, au cœur de l'Atlas

L'Atlas est une dorsale montagneuse qui s'étend sur une vaste superficie du Maroc. Ses habitants, les Berbères, vivent sur les haut-plateaux en bonne communion avec leur environnement naturel.

Leur musique traditionnelle, basée sur la poésie, les chants et les danses, présente une riche diversité de couleurs selon les régions.

Ils pratiquent une musique ancestrale, intimement liée à leur mode de vie agricole et leur foi en la fertilité de la terre divine. Ainsi est-il proscrit de jouer à certaines périodes de l'année, et nécessaire de le faire à d'autres ( labours, moissons).

La poésie, les proverbes, préceptes moraux ou adages sont au cœur de la tradition orale ou chantée. Dans le cadre de fêtes ou rituels, on l'accompagne de gestes ou de danses.

De nature rurale, la musique se pratique le soir autour du feu. Les danses et les chants sont soutenus par des ensembles instrumentaux essentiellement rythmiques. Le rythme est en effet un fondement de la musique berbère, ce qui confère un rôle important aux tambours.

On distingue trois sortes de danses et chants selon les trois grandes zones linguistiques: l'ahouach, dans le bassin du Souss; L'ahidous, du Moyen Atlas et La guedra, du sud du Maroc, originaire du Sahara.

Le saviez-vous ?

Le bendir ou allun est un tambour sur cadre formé d'un cerclage de bois de micocoulier, muni d'une peau de chèvre et d'un timbre de cordes en boyau fixé le long de cette peau.

Le gambri est un luth basse dont la table de résonance est garnie d'une peau de dromadaire tendue.

DU 26 avril au 12 Mai 2021

Pour cette période nous vous proposons de vous entraîner à chanter avec le nom des notes Davy Crockett et la Marmotte. Pour vous aider, nous avons préparé deux petites vidéos avec la partition qui défile.

DU 07 AVRIL au 22 avril 2021

La Norvège, le folklore, et Grieg...

Comme quelques autres pays en Europe, la Norvège exalte depuis le Moyen Âge une tradition de musique folklorique particulièrement vivace.

La musique norvégienne est intimement liée à celles des autres pays scandinaves, en particulier celles du Danemark et de la Suède.

Les chansons traditionnelles sont rassemblées sous le vocable folkeviser. On y trouve des ballades, des chants à danser, des chants courts improvisés, des chants de travail, des chants de pâturages, des hymnes, des berceuses...

Les sujets de prédilection, typiquement nordiques, dont elles font narration sont : l'univers des trolls, des géants et des visions de la vie après la mort, selon les croyances religieuses et les craintes profanes.

Au Nord, on retrouve les communauté des Saamis (ou Lapons) avec leur expression vocale particulière appelée joik.

Edvard Hagerup Grieg est né le 15 juin 1843 à Bergen et élevé dans une famille de musiciens.

Ayant pris goût à l'histoire, aux légendes et au folklore, Grieg s'installe à Christiania ( aujourd'hui Oslo), où il fonde en 1867 l'Académie Norvégienne de musique. C'est ainsi que les premières œuvres du compositeur auront déjà la saveur des mélodies authentiques, et la gaieté des rythmes de danses paysannes.

Il s'éteindra le 04 septembre 1907, salué par son peuple comme l'un des grands bienfaiteurs de Norvège.

Le violon hardingfele

Ce violon est un instrument très décoré. Il présente quatre ou cinq cordes dites ''sympathiques'' qui entrent en résonance avec les cordes frottés par l'archet. Le violon est considéré comme l'instrument national en Norvège.

Parmi les autres instruments traditionnels de la musique folklorique norvégienne, on peut retenir la cithare langeleik, la guimbarde munnharpe, la corne de bélier bukkehorn, la trompe de bois lur, ainsi que diverses flûtes.

Petites questions :

• Que trouve t'on dans le vocable folkeviser ?

• Quels sont les sujets de prédilection ?

• Quel instrument est considéré comme ''l'instrument national'' en Norvège ?

• De quelle époque appartient Grieg ?

DU 22 MARS AU 06 AVRIL 2021

La Finlande, le Kalevela et Sibelius...

De la Finlande, le monde de la musique connaît en premier le grand représentant national que fut Jean Sibelius, qui vécut entre le XIXème et le XXème siècle. Il s'inspira autant des mythes et croyances de la culture finlandaise que des splendides beautés de sa nature.

Les musiques populaires finlandaises sont revenues au grand jour depuis quelques décennies, cependant qu'au nord du pays, les peuples Saami perpétuent leurs propres traditions musicales.

Aux racines de la musique finlandaise se trouvent les mélodies et paroles de la musique traditionnelle Carélienne, du nom de la Carélie, ancienne province de l'est de la Finlande.

La culture carélienne est exposée dans le Kalevala, qui contient plus de deux millénaires d'histoires et de légendes finlandaises. Sa première publication date de 1835, et fut le fruit du travail d'Elias Lönnrot (écrivain, 1802-1884) qui rassembla plus de 40 000 vers d'anciens poèmes des peuples finnois.

Au Nord, pour le peuple Saami, le chant traditionnel est le joik (se prononce ''yoïk''). Issu des traditions chamaniques, ce fut d'abord un chant à vocation spirituelle avant de devenir un mode d'expression pour chacun.

Le joik est normalement exécuté a cappella, bien qu'il soit parfois accompagné d'un tambour traditionnel. C'est un chant de gorge dans lequel la coloration ou le timbre ont beaucoup d'importance quant à son sens. Il a pour fonction de dresser le portrait musical d'une personne, d'un animal (renne, oiseau, phoque, ours, loup) ou de décrire un lieu (forêt, lac).

Le kantele est le principal instrument de musique traditionnel finlandais. c'est une cithare en bois comportant 5 cordes (36 pour la version moderne de concert), dont la caisse triangulaire est en forme d'aile.

Jean Sibelius (1865-1957) est d'abord considéré dans l'univers classique comme l'un des plus grands symphonistes du début du XXème siècle. Il composa plusieurs partitions directement inspirées par des scènes du Kalevala : la fresque symphonique avec chœur et solistes Kullervo, Les légendes de Lemminkäinen, la fille de Pohjola et l'ultime poème symphonique Tapiola.

Son oeuvre majeure, Finlandia (1900), illustra la résistance finlandaise vis- à- vis de l'occupation russe et devint le symbole de la naissance de l'identité nationale.

Petites questions :

• Qui est Jean Sibelius ?

• Dans quel siècle vécut- il ?

• Donne le nom de son œuvre majeure.

• Qu'est-ce qu'un Kantele ?

DU 08 MARS AU 22 MARS 2021

La Bulgarie, des folklores aux chœurs officiels

Les Balkans, qui furent longtemps sous influence ottomane, ont hérité de traditions musicales d'origine turque.

La musique bulgare, qui s'inscrit dans cette histoire, est représentée en son sommet par le chœur féminin de la télévision bulgare "Le mystère des voix bulgares", qui fut couronné d'un Grammy Award en 1989.

Comme c'est généralement le cas dans les pays de l'Est, la musique folklorique est au cœur du patrimoine culturel bulgare.

Vie paysanne, fêtes calendaires, danses, cérémonies de mariage ou funérailles sont autant d'occasions d'afficher des traditions musicales très préservées.

Les danses folkloriques ont la particularité de présenter des combinaisons rythmiques asymétriques, comme on en entend dans la plupart des musiques des Balkans, et sont perçues comme très complexes pour les oreilles occidentales.

Voici maintenant 2 dernières vidéos : Musiques issues des Balkans

Petites questions :

• Quelle particularité possède la voix de Smilyana Zaharieva ?

• Citez deux occasions d'afficher des traditions musicales bulgares ?

• Citez 3 instruments que tu reconnais dans la vidéo n°4

• Quel est le nom de la formation instrumentale dans la vidéo n°5 ?

DU 09 février AU 07 MARS 2021

La Russie, les chœurs et la balalaïka

La musique russe, faite de musiques traditionnelles, populaires et classiques se caractérise par un important répertoire vocal et choral.

Sur le plan instrumental, c'est la balalaïka qui fait figure d'instrument national, avec une sonorité qui évoque un folklore venu du froid.

Un peu d'histoire !

L'interdiction en 1648 par le tsar Alexis 1er de Russie des instruments de musique, considérés comme diabolique par l'église orthodoxe, est l'une des causes indirectement fondatrices du développement de la musique vocale et de la polyphonie.

Les chants ont des fonctions multiples : chants lyriques, chants satiriques, chants à danser, chants de mariage, militaires, religieux...

Fondés en 1928 par Aleksander Aleksandrov ( professeur au Conservatoire de Moscou), les chœurs de l'Armée Rouge regroupaient des soldats de la Révolution qui chantaient pour soutenir le moral des troupes engagés sur les fronts militaires et civiles.

Durant la Seconde Guerre Mondiale, l'ensemble donna plus de 1500 concerts sur les deux fronts soviétiques et dans les hôpitaux.

En 1946, après la mort d'Aleksander Aleksandrov, c'est son fils Boris Aleksandrov qui prit la relève jusqu'au moment de sa retraite en 1987.

Les chœurs de l'Armée Rouge, désormais appelés L'Ensemble Académique de Chants et Danses de l'Armée Rouge Aleksandrov, sont devenus les dignes représentants de l'art soviétique, se produisant toujours dans leur impeccable uniforme militaire.

Leur vaste répertoire est inspiré des musiques traditionnelles russes, musiques sacrées et airs d'opéra.

La Balalaïka

La balalaïka est un instrument de musique à cordes pincées populaire de Russie. Elle est le symbole de la musique folklorique russe. C'est un luth à manche long qui se distingue par son corps triangulaire en sapin. Son enseignement est aussi élevé et technique que celui d'un instrument classique, ce qui lui autorise l'interprétation du grand répertoire. Elle a à ce titre attiré l'attention de grands compositeurs romantiques et modernes.

Il existe en Russie de nombreux ensembles réunissant des balalaïkas de tailles différentes. Vous pourrez découvrir dans les vidéos ci-dessous la balalaïka contrebasse. Elle se joue exactement de la même manière qu'une basse sauf que le plectre est un gros morceau de bois taillé qui se tient à pleine main. Magnifique instrument avec un son acoustique impressionnant !

Du 25 janvier au 07 février 2021

Musiques tziganes, la virtuosité en famille !

La musique est une composante essentielle dans l'identité des peuples tziganes. Ils ont développé un style de jeu familial, ou chacun est souvent multi- instrumentiste et luthier.

Les grands compositeurs romantiques ont été les premiers au XIXème siècle à identifier et reconnaître leur art musical, avant que le cinéma et le jazz ne les accueillent à leur tour.

Un peu d'histoire !

Originaires du Nord-Ouest de l'Inde, les tziganes ont émigré vers le Moyen-Orient et l'Asie Centrale, avant de s'établir en Europe Centrale au début du XVème siècle. Là, ils ont été soumis à de nombreuses persécutions en raison de leur vie errante et marginale.

Leurs sources de subsistance furent diverses, allant du commerce de chevaux aux métiers du cirque, en passant par la vente ambulante ou l'artisanat.

Leur musique traditionnelle inspira particulièrement de grands compositeurs des XIXème et XXème siècles comme Franz Liszt, Anton Dvorak, Johannes Brahms, Bela Bartók et Maurice Ravel.

Au XXème siècle, Django Reinhardt fut un grand représentant de la musique gitane en posant les bases du jazz manouche.

Souvent inspirées des airs populaires ayant cours dans les pays traversés, les musiques tziganes sont jouées par de petits orchestres lors de fêtes ou cérémonies.

Les instruments qui les caractérisent sont le violon, l'accordéon, la guitare, la contrebasse et le cymbalum.

• Le cymbalum est une cithare originaire du Proche-Orient, incontournable des orchestres tziganes.

On peut le comparer à une sorte de piano sans clavier, en forme de trapèze. Il se joue à l'aide de deux marteaux avec lesquels on frappe les cordes.

Les performances musicales sont réputées pour leur très haut niveau de virtuosité, poussant chaque instrument vers des prouesses en termes de vitesse d'exécution, ponctuées de multiples syncopes, trilles et appoggiatures. Les musiciens acquièrent non seulement un très vaste répertoire, mais aussi de remarquables capacités d'improvisation.

Petites questions :

• Citez deux compositeurs qui ont été inspirés par la musique tzigane.

• Dans une des vidéos, une formation est différente des autres, laquelle ?

• Qu'est-ce qui la différencie ?

• Comment s'appelle la formation dans la vidéo n°4 (All of me) ?

• Qu'est-ce qu'un Cymbalum ?

DU 11 JANVIER AU 24 JANVIER 2021

LE REBETIKO, la plainte des pauvres

Style aujourd'hui emblématique du folklore grec, le rebetiko a longtemps eu mauvaise réputation.

Musique de la nuit et des quartiers défavorisés, il fut à l'instar du fado portugais, du tango argentin ou du blues américain, la seule expression audible pour ceux que la société bourgeoise ne voulait pas prendre en compte.

Né dans les ports et les quartiers grecs d'Asie mineure au XIX siècle, le rebetiko est arrivé en Grèce dans les années 1920.

Un million de grecs, chassés de leur terre natale, se retrouvèrent comme des étrangers dans leur propre patrie. Vivant dans les quartiers pauvres, parfois dans la clandestinité, ils furent des laissés-pour-compte qui ne subsistaient que de petits vols et trafics en tous genres.

La musique et la danse furent ainsi leur exutoire. Ils chantèrent leur condition, leurs persécutions et la prison, en s'accompagnant au bouzouki.

Le bouzouki est considéré comme l'instrument national en Grèce depuis le milieu du XXème siècle, il accompagne les danses et les chansons folkloriques.

C'est un luth au long manche fretté, connu pour son effet typique de trémolo.

Le mot bouzouki dérive du turc ''bozuk'', se traduisant par ''cassé'' ou ''déraciné''. On retrouve d'ailleurs en Turquie, dans les Balkans et dans les pays de la Méditerranée orientale des instruments de même facture.

Il fut longtemps écarté de la culture grecque, car il était associé aux réfugiés d'Asie Mineure et au monde de la criminalité.

Le Sirtaki est la danse grecque par excellence, elle a pourtant été inventée pour le film ''Zorba le Grec'' sur une musique de Mikis Theodorakis. Son nom vient du mot grec ''Syrtus'' désignant les danses à pas lents, existant depuis la Grèce Antique, combiné au ''Pidiktos'' signifiant les danses rapides avec des sauts et des rebonds. Pendant cette danse, les liens sociaux se renforcent, tout le monde est invité à partager ce moment, le rendant authentique et joyeux.

Même si cette danse n'est pas si traditionnelle, les Grecs se sont appropriés le Sirtaki et aujourd'hui, il fait parti de la vie festive des habitants.

Petites questions :

• Dans la première vidéo, quelle formation voyons- nous ? a) quintette b) trio c) quatuor

• As-tu reconnu les instruments ? Si oui, nomme-les ?

• Le bouzouki est reconnu pour son effet typique. Lequel ?

• Qu'est-ce que le Sirtaki ? a) une musique orientale b) une danse

• De quelle manière est apparu le Sirtaki ?

DU 07 DECEMBRE AU 18 DECEMBRE

CHANSON NAPOLITAINE: l'Italie lyrique

Séduisant mélange d'opéra et de chanson populaire, canzone napoletana est un incontournable de la culture lyrique à l'italienne.

L'amour, son principal sujet, lui assure un succès permanent à travers le monde, et nombreuses sont en Italie les stars du chant pour lesquelles elle aura été un passage obligé.

Derrière la légèreté et le romantisme de la chanson napolitaine se dissimulent les trésors d'une civilisation vieille de trois millénaires, ayant de tous temps cultivé le chant comme un art de vivre.

Roberto Murolo, (1912-2003) le maître incontesté

"une voix, une guitare et un peu de lune", ainsi Roberto Murolo décrivait-il son art. Il voua sa vie à la chanson napolitaine. Sa voix chaleureuse, toute de justesse et d'élégance, lui attira les faveurs des mélomanes italiens et lui ouvrit les portes du cinéma.

Pour son accompagnement instrumental, la canzone napoletana emploie généralement la guitare et/ou la mandoline.

Petites questions :

• Quels sont les instruments joués par le Trio ASSURD ?

• A) B) C)

• Font-ils tous partis de la même famille d'instruments ? OUI NON

• Citez le nom de leur famille.

• A) B) C)

• Quel sujet principal retrouvons-nous dans les chansons napolitaines ?

• La guitare et la mandoline font-elles parties de la famille des :

• A) Cordes frottées B) Cordes pincées C) Cordes frappées

Partie exercices : lecture de notes et de rythmes

Lis les notes le plus régulièrement possible Lis les rythmes en tapant la pulsation

DU 23 NOVEMBRE AU 07 DECEMBRE

Notre découverte : Le fado, la voix du Portugal

Emblème de la musique portugaise, le fado (du latin "Fatum" = fatalité, destin) est le chant national qui incarne l'âme de ce pays.

L'histoire d'un chant

On tient les origines du fado autant des chansons de troubadours du Moyen âge, des chants rapportés par les marins au long cours, des chants arabes et juifs, que du lundum brésilien et de la modhina (ancienne chanson de salon portugaise et brésilienne).

L'ascension sociale du fado date de la fin du XIX siècle. Il est interprété dans des tavernes ou des "casas de fado", souvent par une femme vêtue de noir que l'on nomme fadista. Sa voix soliste est en dialogue avec les guitares.

Les thèmes récurrents du fado sont le plus souvent: la solitude, le mal de vivre, l'exil, le deuil, l'amour inaccompli, la tristesse, la jalousie, la vengeance et les histoires passées et présentes.

Une séance de fado est un évènement émotionnel complexe où chanteurs, musiciens et public communiquent de façon verbale, musicale et gestuelle.

Lié au vieux quartiers de Lisbonne, le fado a pour voix légendaire celle d'Amalia Rodrigues, (née en 1920 et décédée le 06 octobre 1999) dont le timbre si particulier restera longtemps gravé dans les mémoires.

Voici 2 vidéos ci-dessous à découvrir où vous pourrez vous laisser emporter par les voix envoûtantes de la "Reine du fado"et d'Ana Moura fadiste portugaise reconnue dans le monde entier.

"Le fado est un état d'esprit " Amalia Rodrigues

Du 09 NOVEMBRE AU 22 NOVEMBRE

Flamenco : feu l'Andalousie !

Musique, chant et danse indissociable de l'Andalousie, le Flamenco est né au XIXe siècle dans les familles gitanes.

Puisant des éléments aussi bien dans les mélodies arabes et les chants religieux juifs que dans la musique andalouse, le flamenco s'est trouvé un caractère propre et original pour devenir un folklore flamboyant qui est aujourd'hui la plus belle couleur de l'Espagne.

Exprimé à l'origine par la danse, le flamenco a progressivement évolué vers une interprétation dans laquelle chant, danse et guitare ont trouvé un équilibre.

Musique très animée, puisant son feu dans l'accompagnement énergique de la guitare, le flamenco est vécu par son auditoire de façon active. Celui-ci manifeste ses exclamations par interjections (jaleo), claquements de doigts (pitos) et frappements de mains (palmas).

Les mélodies, les textes et les danses sont improvisés, tout en suivant des suites d'accords traditionnels et un rythme caractéristique.

Les hommes dansent en frappant au sol avec la plante du pied et le talon ( zapateado). Les femmes dansent en effectuant avec grâce leurs mouvements de mains.

Voici quatre vidéos qui vous feront voyager et vous mettront du soleil dans vos cœurs !

Et pour terminer... Asturias ! Guitare et castagnettes ! Tout simplement sublime !

Bonne écoute !

DU 12 OCTOBRE AU 06 NOVEMBRE

Paghjella, Corsica...

Magnifique cartes postales sonores de "l'île de beauté", les polyphonies corses sont une marque d'identité et de fierté pour le peuple corse.

Avec leur vocalités aux intonations si particulières, elles sont enracinées dans la vie des bergers qui chantaient durant leur séjour en montagne des paghjelle pour raconter leur quotidien.

Ces polyphonies sont restées un moyen de transmission de l'histoire et de la culture insulaire.

Expression musicale première en Corse, la paghjella est un chant de partage ( profane et d'origine pastorale) qui se pratique en voix masculines solistes, disposées en cercle étroit.

Les chanteurs placent souvent une main à l'oreille pour mieux contrôler la ligne de leur chant tout en ressentant mieux ainsi la circulation du son.

"Empruntée au magnifique groupe corse "Barbara Furtuna", ce chant raconte l'histoire d'un homme qui revient avec beaucoup d'émotion dans le village de son enfance et retrouve sa belle "Anghjulina", après de longues années passées loin des siens, comme en exil."

Et pour terminer notre petit voyage Corse... Petru Guelfucci ... Juste magnifique !!!! à écouter sans modération ;-)