PARCIAL 1

Síntesis

La creación de una dimensión sonora para cualquier audiovisual es una tarea de suma relevancia, siendo aquella la encargada de construir el mundo que rodea a las acciones, volviendo verosímil lo que se ve y el contexto en el que ocurre.

Esta tesis de grado recorrerá el proceso de diseño sonoro de lo que no existe, pudiendo ser criaturas fantásticas, otros mundos o en este caso un monstruo sobrenatural. Se hablará de la búsqueda por sonidos que logren fabricar un universo verosímil y a su vez que logren generar un ambiente tenebroso.

Palabras clave: Dimensión sonora, Diseño sonoro, Terror, Monstruo, Verosímil

Resumen

El trabajo de graduación que propone el grupo es un corto de aproximadamente 8 minutos titulado “Cuando cae la noche”. Es una producción ficcional de género Terror, donde acompañaremos a Sofía, una cuidadora de ancianos, quien se quedará a cargo de acompañar a Don Luis por la noche. Lo que ella no sabe es que este será el último trabajo que hará en su vida.

El relato plantea una focalización externa centrada en la cuidadora, compartiendo el mismo grado de información que ella, como así también todo lo que ve y (lo que nos interesa discutir en este texto) escucha. Las acciones ocurrirán en el hogar de Don Luis, una casa situada en un barrio tranquilo, alejado de la ciudad. Es por esto que hemos decidido trabajar un tratamiento sonoro naturalista, alejándonos de música y efectos extradiegéticos, y concentrarnos en producir de forma fiel los verdaderos sonidos de los objetos, personas y ambientes.

Partiendo de esta base hay una pregunta que se torna cada vez más evidente: ¿cómo representaremos el universo sonoro de una criatura que no existe? A diferencia de pasos, puertas, o gritos, no podemos simplemente grabar al monstruo sino que tendremos que pensarlo dentro de su propio universo, entender su origen, su fisiología y su forma de interactuar con su entorno para empezar a pensarlo de forma sonora.

Al revisar el guión nos dimos cuenta que debíamos otorgarle una naturaleza propia al monstruo. De esta forma decidimos que su origen no es fantasmal o demoníaco, sino que se trata de una criatura corpórea, de carne y hueso, con comportamientos instintivos de cazador. Estas pautas nos ayudarán a la construcción sonora de Don Luis, en la búsqueda y experimentación de diferentes sonidos que den cuenta de estas características, anclándolo en un universo verosímil e integrándolo en la historia.

Por otro lado trabajaremos el silencio como un elemento de contraste. Donde la comodidad de los personajes se sitúa en los ruidos cotidianos, el silencio se posiciona como un opuesto, como una ausencia. Esto nos permitirá generar inquietud y alerta a lo que se avecina, a lo que irrumpirá.

Bibliografía

● Chion , M. (1993). La audiovisión. Introducción a un análisis conjunto de la imagen y el sonido. Barcelona: Paidos .

● Robles Guzmán Lima (2016). EL EXORCISTA: UN ESTUDIO DE SU TRATAMIENTO SONORO Y DE SU INFLUENCIA EN EL CINE DE TERROR CONTEMPORÁNEO Perú: Universidad de Lima

● REDONDO NEIRA,Fernando (2018). FOCALIZACIÓN, DISTANCIA Y TRATAMIENTO TEMPORAL. ESTUDIO DE LA IMPLICACIÓN SUBJETIVA EN EL DISCURSO FÍLMICO A TRAVÉS DEL ANÁLISIS NARRATOLÓGICO. España: Universidad de Santiago de Compostela

Abstract:

La producción audiovisual independiente no tiene una estructura fija sobre cómo realizarla debido a todas las variables de contexto y recursos que puede haber. Se presenta un método utilizado por una tesis de grado que busca utilizar de manera productiva las redes sociales de les estudiantes para poder llevar adelante un proyecto audiovisual.

Palabras clave: producción audiovisual, independiente, metodología, redes sociales, estudiantes.

Resumen:

Producir cine independiente es una ardua labor, comúnmente es necesario articular diverses conocedores de diferentes disciplinas y habilidades, en pos de una obra en común. Preparar el terreno para un buen resultado final. Este rol, tan complicado pero tan ignorado muchas veces, aunque no varíe en sus objetivos, sí varía en su metodología. Se teoriza sobre cómo es la forma de producir, pero lo que se suele enseñar es cómo hacerlo desde un contexto privilegiado 1, los referentes utilizados suelen ser hombres blancos europeos con una productora que los ampara. Sus métodos y recursos son muchos más y muy diferentes de los que se tienen en una producción autogestiva.

El cine independiente, al no tener una industria que lo respalde y le otorgue comodidades, debe organizarse en pro de esto. Buscar igualar la metodología de la industria, cuando se trata de un proyecto independiente, es una sinrazón, ya que no se cuenta con un mecanismo instaurado, ni con los recursos suficientes. Se deben buscar formas diferentes de las que se enseñan en el ámbito universitario, y esta es la parte difícil; cuando un estudiante, aún no sale de los círculos universitarios, es más difícil encontrar que alguien pueda guiarle por los caminos sinuosos de la producción independiente, muchas veces debe valerse por sus propios medios.

El proyecto “Cuando Cae la Noche” es un cortometraje de terror dirigido por Rodrigo Martinez Conte y producido por Ona Lihuen Rodriguez Granados. El mismo es una producción independiente realizada por estudiantes de cine y próximos licenciades de la UNLP de no más de 25 años. Este proyecto artístico gestado de esta manera y en este contexto, encontró su metodología al valerse de las redes sociales, tanto digitales como del plano físico y real. Una Red Social Física (RSF) es comprendida como “estructuras sociales compuestas de grupos de personas, las cuales están conectadas por uno o varios tipos de relaciones” Castillo Rivera, A. A., & Damián Martínez, A. (2015). Y una Red Social Digital (RSD) como estructuras sociales formadas en internet utilizadas en el cotidiano por la mayoría de personas para conectarse.

Este proyecto buscó la manera de poder llevar a cabo su producción, teniendo en cuenta sus condiciones, es así que ha conseguido recursos y personas dispuestas a trabajar a través de RSF, es decir, relaciones interpersonales, o intercambios de trabajo; y RSD, publicaciones en Facebook, invitaciones en Instagram.

Desde un comienzo, el guion del proyecto fue conseguido luego de realizar una búsqueda de ideas para cortometrajes de terror por la RSD Instagram, un amigo de la productora otorgó su guion originalmente llamado “Don Luis” el cual fue modificado para finalmente convertirse en “Cuando Cae la Noche”. Se recaudaron fondos al efectuar eventos en un centro cultural que brindó su espacio luego de un intercambio de trabajo, donde se ha asistido a tomar fotos con anterioridad. A su vez, se consiguieron más de 100 personas para el casting de los 3 roles principales, gracias a la difusión que obtuvo la convocatoria en diversas RSD. Se consiguió material para el departamento de arte mediante intercambios de trabajo con un local de ventas. El equipo técnico está completamente formado por RSF de les 4 integrantes de la tesis que se ofrecieron a trabajar de lo que les gusta.

Poder aprovechar al máximo los diferentes conocimientos y habilidades de tus círculos sociales, puede decirse que provoca que estos vínculos se refuerzan, ya que se suma la reciprocidad que esta metodología genera, vos hacés algo por mí, y yo hago algo por vos, y como dice Donati según el enfoque relacional, la reciprocidad es una condición central de lo social. Poder recibir ayuda, pero a la vez otorgar, es un intercambio que motiva a trabajar con empeño, y esto se puede observar en el cortometraje “Cuando Cae la Noche”.

El cine independiente, que busca gestarse entre les jóvenes, tiene una salida autogestiva. Una metodología que puede acercar la cultura a más personas, puede generar un trabajo cooperativo, una sensación de comunidad; como ocurrió con los centros culturales autogestivos nacidos luego de la crisis del 2001 (Cervellera, 2019). Esta capacidad de intercambio con otras personas, que no se produce solamente mediante dinero, permite abrir puertas a formas de trabajo diferentes de las planteadas por la academia, y otorga oportunidades a quienes no forman parte de una industria privilegiada.

Recursos:

1 Material mostrado en clase de Producción Audiovisual II UNLP como ejemplos

1.1 Maqueta de Hogwarts realizada para la franquicia Harry Potter

1.2 Storyboard que se dió de ejemplo en clase: Pixar, 1995. Presentación del Storyboard de “Toy Story” (1995). [video] Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=GgNy-fjAYoc el 30 de Junio de 2022.

1.3 Storyboard que se dió de ejemplo en clase: Oda, E., 2012. “Malaria” (2012). [video] Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=t6tQJtIRavA el 30 de Junio de 2022.

Bibliografía:

Ávila Toscano, J. H. (2012). Redes sociales y análisis de redes. Barranquilla, Colombia: Corporación Universitaria Reformada. Recuperado de: https://pdfslide.net/documents/dialnet-redessocialesyanalisisderedes-511130.html?page=2 el 29 de Junio de 2022.

Castillo Rivera, A. A., & Damián Martínez, A. (2015). Redes sociales: la Antítesis de las Relaciones Sociales. PsicoEducativa: Reflexiones Y Propuestas, 1(2), 45–48. Recuperado de: https://psicoeducativa.edusol.info/index.php/rpsicoedu/article/view/45 el 30 de Junio de 2022.

Cervellera, Ángela Irene. Centros culturales autogestivos. Producción y reflexión cultural alternativa. Arte e Investigación; no. 16. Diciembre, 2019 . Facultad de Bellas Artes. Buenos Aires, Argentina. Recuperado de: http://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/93356 el 30 de Junio de 2022.

Donati, P. y García Ruiz, P., 2006. Repensar la Sociedad: El Enfoque Relacional. Madrid: Ediciones internacionales universitarias.

Moreira Murillo, Ronnie Johan. Esmeraldas, 2021. Análisis de la producción audiovisual realizada en redes sociales durante la crisis del COVID-19 en la ciudad de Esmeraldas. Recuperado de: https://repositorio.pucese.edu.ec/bitstream/123456789/2720/1/Moreira%20Murillo%20Ronnie%20Johan.pdf el 29 de Junio de 2022.

Ortiz, María J. (2018). Producción y realización en medios audiovisuales. RUA Universidad de Alicante. Recuperado de: https://rua.ua.es/dspace/bitstream/10045/73827/1/2018_Ortiz_Produccion-y-realizacion-en-medios-audiovisuales.pdf el 24 de Junio de 2022.

Putnam, Robert D. 2002. Solo en la bolera. Barcelona: Galaxia Gutenberg, Círculo de Lectores.

Redes Sociales – Redes de Gestión. Modelo holístico para la gestión de la información y el conocimiento en proyectos colaborativos interdisciplinarios. Autores: Tripodi, Gustavo | Aciti, Claudio | Illescas, Gustavo | Xodo, Daniel. (2012). Recuperado de: http://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/19219 el 24 de Junio de 2022

Wolf, S., 2009. Cine Argentino. Estéticas de la producción. Buenos Aires: BAFICI (Festival Internacional de Cine Independiente), recuperado de: https://books.google.com.ar/books?id=J83mPZVZ6mAC&lpg=PA2&dq=%22cine%20argentino.%20Est%C3%A9ticas%20de%20la%20producci%C3%B3n%22&pg=PA3#v=onepage&q&f=true el 22 de Junio de 2022.

ZEPFilms, 2022. BEGOTTEN: La película más rara del mundo. [video] Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=Fd_f-onvaYM&list=WL&index=7 el 24 de Junio de 2022.

Abstract:

A la hora de montar una obra cinematográfica hay varias corrientes que apuntan a lo técnico de la actividad en conjunto con reglas establecidas para invisibilizar el proceso. En este Trabajo de Graduación se propone utilizar criterios más subjetivos, visibilizar el montaje e ir en contra de dichas corrientes para lograr emociones en el espectador.

Palabras clave: Montaje, Ritmo, Performance, Limitar, Emoción

Resumen:

El montaje de una obra cinematográfica es una actividad en la cual se puede consensuar que existe una reestructuración de cualquier idea que se haya planteado en primer instancia, en el guión. A pesar de su importancia se puede desmerecer su presencia en tanto existen perspectivas donde se propone que el montaje es un proceso que debe ser invisible, basándose principalmente en la búsqueda de la continuidad, o también algo que puede atentar contra la ontología del relato si no se utiliza dentro de límites precisos (Bazin, 1956)

W. Murch amplía esta propuesta al decir que el montaje, más que juntar y empalmar planos, se aproxima más a descubrir un camino a partir de ellos (Murch, 2003). La labor del montajista es reconocer ese camino e invitar al espectador a sumergirse en el mundo que ha creado. Convertirlo en un sujeto activo dentro del mismo, y para esto es necesario apelar a su sentir. De nada sirve apoyarse en todas las reglas conocidas del montaje si es que el espectador no puede percibir la emoción que intenta mostrarse. Murch (2003) menciona 6 ítems en orden de prioridad a la hora de decidir si un corte es óptimo de los cuales tomaré el primero y el tercero, la emoción y el ritmo, respectivamente.

“El ritmo, en el cine, se transmite a través de la vida del objeto visible, fijada en el plano” (Tarkovsky, 1984)

El ritmo es el concepto más técnico y más palpable que la emoción, todo aquello que se mueve tiene algún ritmo y éste se marca por ese movimiento. Reconocer el ritmo de cada escena y cada plano, percibir los cambios dentro de éstos y elegir como disponer de ellos es para lo que debe estar entrenada la mirada del montajista. La opción más lógica sería encontrar planos que empalmen en ritmo, que compartan cierta cadencia y así obtener el montaje invisible del cuál hablé al inicio, sin embargo, se encuentra mayor riqueza para la experiencia cinematográfica si se lo lleva a un lugar más orgánico. Para ésto es provechoso pensar el ritmo como el latido del corazón de la escena, que debe acelerar o disminuir en función de las sensaciones que se quieren hacer sentir al espectador.

Es pertinente mencionar brevemente la escena de la Señora Kersh en la película IT: Chapter Two (2019), para ejemplificar este punto. En dicha escena, se presenta una conversación entre dos personajes (Sra. Kersh y Beverly), con un ritmo bastante constante pero que propone rupturas dentro del mismo, en pos de lograr que la tensión y el terror aumenten. El momento más evidente dentro de la misma es cuando la anciana dice la frase “El que muere aquí no muere en realidad” y se genera una pausa en la conversación. Durante esta interrupción del ritmo estable en el que se encontraba la escena, se utiliza un plano donde la Sra. Kersh observa a Beverly casi sin moverse. Son casi 5 segundos de una imágen semi estática en la cual, si no fuese por la música, se podría pensar que la película se detuvo.

Esto fuera de ser un error, es una búsqueda. La interrupción del ritmo presentado y la detención total del ritmo interno de los planos llevan a un lugar de incomodidad al espectador, le hace sentir algo. La cadencia de la escena es rota para, a partir del ritmo lograr una emoción.

Murch (2003) ya planteó la preponderancia (mas no supremacía) de la emoción sobre los demás criterios que definen a un corte óptimo. Pero la emoción es algo complicado de explicar y no tan académico debido a su naturaleza subjetiva, algo que puede emocionar a una persona puede no emocionar a otras. Por esto es que me apoyaré en un criterio que no está incluído dentro de lo ya nombrado y es la performance del actor.

El actor es clave a la hora de elegir en qué plano se utiliza y cuánto dura el mismo ya que a través de él se conoce la emoción por la que pasa el personaje. Cada actuación tiene cierta energía y el trabajo del montajista es el de pasar esa energía entre cada plano mientras crea efectos en cadena con ella (Pearlman, 2015). Observar cada toma y elegir aquellas que cuentan con la mejor interpretación facilita en gran medida el montaje debido a que se puede apoyar en ella para conseguir esa emoción que necesita. Dentro de una actuación, Stanislavski (2008) diferencia las unidades de acción por bits y en una misma escena pueden existir diferentes bits a partir de la intencionalidad del personaje, poder reconocer los cambios entre éstos es muy provechoso a la hora de seleccionar el corte.

Con respecto a la escena presentada anteriormente de IT (2019), durante la conversación se ven diferentes bits a partir de la intencionalidad, y en el montaje se acentúan esos cambios. Antes de decir la frase que detiene el ritmo, la Sra. Kersh dice “Ya sabes lo que dicen en Derry…” lo cual se interpreta aún como una charla cotidiana con un habitante del pueblo que ha vivido siempre ahí, por lo que no se utiliza el corte para verla hablar. Sin embargo, en cuanto propone el diálogo anteriormente mencionado se da el corte, acentuándose y por tanto generando tensión a partir del aprovechamiento de un detalle en el cambio de tono de la actriz.

Con los dos criterios planteados anteriormente además del ejemplo dado, puedo concluir que no es necesario que el montaje sea invisible si su visibilidad tiene como objetivo producir alguna emoción o enriquecer la escena. Tampoco creo acertado el decir que la única forma de montar una escena es a partir de límites precisos y delimitados, debido a que toda escena puede ser montada por dos personas diferentes y obtener muy buenos resultados con distintas herramientas.

En relación al cortometraje “Cuando Cae la Noche”, la búsqueda que tendré como montajista es la de lograr la emoción terrorífica a partir del aprovechamiento de la performance de los intérpretes y de la disrupción de la cadencia rítmica.

Recursos:

Muschietti, A., 2019. It Chapter Two - Grandma Scene (HD). [video] Disponible en: <https://www.youtube.com/watch?v=SWt8NfN-gL4>

This Guy Edits, 2022. You Should Edit Like This.. [video] Disponible en: <https://www.youtube.com/watch?v=HSuH68TJcDM>

Bibliografía:

Murch, W. (2003). En el momento del parpadeo. Un punto de vista sobre el montaje cinematográfico

Pearlman K. (2015) Cutting Rhythms

Bazin A. (1956) Cahiers du Cinéma Nº 65

I. SÍNTESIS:

A partir de la realización de un cortometraje del género terror/body-horror, la siguiente tesis de grado expone las diferentes estéticas lumínicas implementadas y sus formas de aplicación. El objetivo, es la creación de un ambiente alarmante mediante las puestas de luces en pos de generar inquietudes en el espectador.

PALABRAS CLAVE: Iluminación - Estética - Terror - Representación - Ambiente

II. Resumen

El trabajo de graduación “Cuando cae la noche” es un cortometraje de 8 minutos de duración, que apoya sobre el género de terror para la construcción narrativa y visual de la obra. Se trata de Sofía, una joven que se dedica al cuidado de personas mayores, quien es contratada por Carla para que pueda asistir a su padre Luis, un hombre mayor en estado senil. Al caer la noche, Sofía comienza a vivir una pesadilla horrible.

Esta metodología se basará en el diseño de la estética de la iluminación cómo creadora de los ambientes.

De acuerdo a la propuesta narrativa del proyecto, la fotografía propone varios criterios y aspectos generales a conservar durante todo el cortometraje, y que tienen cómo objetivo, intensificar el suspense de la historia y los personajes.

En cuanto a la iluminación, la intención es que haga referencia a los sucesos de cada escena, disponiendo todos los factores que hacen al plano en función de la luz.

La selección de la locación fue elemental y determinante para decidir sobre cuestiones fotográficas en base a las características del espacio, las posibilidades y desventajas que este mismo ofrecía. En el caso de la primera escena, comienza de día con un ambiente luminoso, con luz diurna cálida, junto a una paleta de colores media desaturada, representando ese comienzo de día pero a la vez haciendo cierta referencia a lo tétrico que es estar en ese hogar junto al personaje de Don Luis. Además de las fuentes de luces que habrá en cuadro, la puesta de luces está pensada con luz natural cómo principal, pero aplicando luz artificial cómo refuerzo y, en los personajes, una luz de refuerzo con relleno negativo proporcionar ese contraste que buscábamos en los mismos.

Luego, el resto de las escenas suceden de noche, la iluminación es puramente artificial. Se intenta que sea suave, pero que, a su vez, produzca un contraste alto en el cuadro y en los personajes de Sofia, pero principalmente en Luis. (figura 1)

Un ejemplo es la secuencia en donde Sofía comienza a buscarlo a Luis y demuestra un poco el nerviosismo que maneja. Se presentan dos tratamientos de luz, el inicial, cuando está por abrir la puerta de la habitación, es solamente iluminada por la luz roja proveniente del baño. Sitúa al personaje casi cómo en silueta, proporcionando escasamente el aspecto del rostro del personaje.

En la oscuridad y acompañado por risas, encuentra a Luis parado frente a la ventana. Es una secuencia de más tensión para Sofia, ya que Luis se sitúa en penumbra (figura 2) y en los siguientes planos se presentará contrastado. Esto se produce por una luz cenital, se buscó que la iluminación este muy marcada y falsee una luz de luna bien fría, sugiriendo un tono intimidante, y al mismo tiempo oculta ese misterio en los rostros. La imagen posee un tinte diferente por la situación de incomodidad.

Un referente muy presente cuando se planteaba la estética de la iluminación para el cortometraje es la película La abuela (2022) de Paco Plaza, que a parte de ser un gran referente narrativo, su manera de iluminar a los personajes y espacios concuerda con lo que buscamos.

La elaboración de la estética de las imágenes, se centró en explorar el armado de las diferentes circunstancias del día junto a sus luminancias. Además de la utilización de luces, se seteó la cámara en una temperatura más fría para las escenas de noche y más cálida para las de día.

III. Referencias bibliográficas y audiovisuales

Bonitzer, P. (2007) Desencuadres: Cine y pintura. Santiago Arcos Editor, Buenos Aires

La abuela (La abuela, 2022) - Paco Plaza

IV. INSTRUCTIVO

En mi caso, fui una de las tantas que tuvieron que buscar grupo al inicio de la cursada por distintos motivos. Entre búsqueda y búsqueda, llegué al proyecto de “Cuando cae la noche” donde justo necesitaban alguien del área de fotografía.

Mis compañeros ya estaban bastante avanzados con las ideas del trabajo de graduación. Teniendo en cuenta esto, y de lo que querían narrar, lo sentí cómo un verdadero desafío, ya que considero que una buena iluminación es clave para la reproducción del clima de terror deseado.

De esta manera, iniciamos una aventura y me surgieron muchos disparadores: ¿Qué tanto contraste quiero conseguir? ¿Como puedo lograr una buena silueta o que luz poner para lograrlo? ¿Qué luces podrían servir cómo contraluz y cuál cómo principal?

Dentro del TG, además de realizar la dirección de fotografía, me desempeño detrás de cámara. Luego de esta primera prueba, a parte de haber tenido pequeños inconvenientes con las luces, considero que lo pude solucionar bien y que llegamos a muchos resultados que fueron satisfactorios y que convencieron en cuanto a la iluminación de los espacios.

Valoro y creo que fue un gran hallazgo el agregado del humo, ya que le dio un efecto y textura interesante a la escena.

A su vez, hubo varios desaciertos, que habría que repensar la manera para llevarlos a cabo, cómo por ejemplo, la luz que ingresa por la ventana de la habitación que falsea ser la luna, la cual fue una mínima desventaja, ya que no se podía subir del todo por temas de la locación. Por otro lado, habría que ajustar encuadres y la velocidad de los movimientos de cámara.

En líneas generales, considero que el proceso hasta el día ha sido bastante bueno, productivo y constructivo. Si bien hay que seguir trabajando, estoy bastante conforme con los resultados que vamos obteniendo y creo que vamos a llegar a un buen resultado.