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DELACROIX.

FRIEDICH.

CONSTABLE

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MONET.

CASSSAT

VAN GOGH

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CEZANNE

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El término Surrealismo, expresa estar fuera de la realidad, o por debajo de la realidad y fue un movimiento que nació hacia el año 1924.

Europa por estas fechas, se encontraba en fase de recuperación tras la primera Guerra Mundial, y movimientos anteriores como el Dadaísmo o la Metafísica, habían dejado el terreno abonado para el Surrealismo.

El surrealismo, vino a ser un movimiento revolucionario, y planteaba aquellos principios opuestos a la ley, el orden, la moral y las buenas costumbres, pues estos, no solo no habían servido para nada, sino que todo había resultado destruido y desmantelado.

El movimiento surrealista, rompera con todos los vínculos tradicionales, apelando al subconsciente.

En este sentido, el mundo del sueño será fundamental. Cuando soñamos no tenemos las ataduras diarias, sino que nuestros subconsciente se apodera de nuestro ser, con grandes dosis de fantasía y abstraccion de la realidad.

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https://artsandculture.google.com/category/artist

http://www.musee-rodin.fr/es

Joaquín Sorolla y Bastida, nació en Valencia en 1863 en el seno de una familia humilde. Tuvo una infancia difícil, ya que a los dos años quedo totalmente huérfano a causa de la muerte de sus padres por cólera, siendo él, y su hermana de un año, recogidos y criados por sus tíos.

Fue un mal estudiante, sin embargo, pronto apuntó buenas maneras para el dibujo.

A los 15 años, encontró su primer trabajo en el taller del fotógrafo Antonio García, que termina siendo su suegro al casarse el pintor en 1888 con su hija Clotilde, que sería su gran amor y la mujer de su vida. Como anecdotael artista le hacía llegar diariamente a Clotilde un ramo de flores. Estuvieron unidos hasta el fallecimiento de Sorolla en 1923.

Sorolla, siempre fue un pintor muy cuestionado por la crítica, pero adorado por el pueblo. Coincidió con el nacimiento de las vanguardias, lo que le situó en una posición comprometida, durante unas décadas, en las que el ideario vanguardista impuso sus postulados con la fuerza de una dictadura estética.

Sorolla, plasma su arte los en periodos del luminismo y el impresionismo, importantísimos para la evolución artística que desemboca en el arte contemporáneo.

Pero si por algo se caracteriza Sorolla, es por ser el máximo exponente en el dominio de la luz.

Su manejo del blanco como uno de los colores protagonistas, su pincelada fluida y su manejo del color, logran hacer que sus obras tengan una luminosidad inigualable y una marca propia que lo distingue fácilmente de otros pintores.

Su amplísima obra con más de 2500 obras catalogadas, (pese a que nos dejó en 1923 con tan solo 60 años), abarca los periodos impresionista, postimpresionista y arte moderno.

Aunque destacó como paisajista y luminista, también se prodigó pintando representaciones mitológicas, históricas y sociales (costumbrismo español), convirtiendose en un verdadero maestro en esta disciplina, pero fueron sin duda las escenas de playas valencianas y los efectos impresionistas de luz reverberante, las que hicieron que Sorolla fuera llamado por todos "el maestro de la luz".

Sus obras reflejan de forma magistral, toda la luz del mediterráneo en cada pincelada.

Otra característica relevante de don Joaquín, era que estaba dotado de una prodigiosa memoria visual que le permitia captar instantes y exteriores efímeros y convertirlos en obras de arte. Sorolla era capaz de recordar la luz y el movimiento de una escena a partir de un solo instante, y de plasmar después dicha escena en su estudio.

El impacto que la luz tuvo en su obra, quedo definida en la frase que Joaquín Sorolla, pronunció, a modo de sentencia, en 1912:

“El arte no tiene relación con la fealdad o la tristeza. La luz es la vida de todo lo que toca; así que cuanta más luz haya en la pintura, más vida, más verdad, más belleza tendrá”.

Que tengáis un excelente día, amig@s!!

GRACIAS A JOSE JUAN GARCIA LÓPEZ POR ESTA MAGNÍFICA BIOGRAFÍA

DELACROAIX

Nació el 26 de abril de 1798 en Charenton, Saint Maurice.

En 1806 se mudó junto con su madre a París donde estudió en el Liceo Louis-Le Grand. Fue admitido en la escuela del pintor Jackes Luis David en la que recibió una formación neoclásica y estudió el arte barroco. Conoció a Gericault en 1817, quien influirá en su pintura.

Su carrera artística inició en 1822 con su primer cuadro "Dante y Vigilio en los infiernos", éste fue aceptado en el Salón de París. En 1824 pinta "La matanza de Kios", obra con la cual obtuvo gran éxito y reconocimiento. Cabe decir que este pintor se inspiró de la poesía de Lord Brian para su obra "La muerte de Sardanapalus". También, creó 17 litografías para la ilustración de la versión francesa de Fausto de Goeth. Debido a su obra más destacada "La libertad guiando al pueblo" es considerado el pintor más importante del Romanticismo.

Por lo que respecta a su estilo, este pintor coloca en primer plano el gusto por el color y las imágenes exóticas, fruto de sus viajes a África. Por influencia de Constable y Turner utiliza barnices que provocan junto a los grandes contrastes y pequeños golpes de pinzeladas una vibración en sus obras.

Las figuras humanas que realiza este autor poseen una gran influencia de los modelos escultóricos del artista Miguel Ángel e introduce en estas expresiones llenas de sentimiento y emociones como el miedo, la rabia o la valentía. Normalmente Delacroaix presentaba en sus cuadros argumentos históricos, ambientados en el mundo oriental.

Entre sus obras más relevantes encontramos las siguientes:

La barca de Dante: En esta obra se puede admirar el color y la fuerza plástica de las figuras.

La matanza de Kios: Se trata de un suceso histórico donde se puede observar la violencia ejercida por los turcos hacia los griegos. Los rasgos faciales y corporales de los personajes expresan un gran dolor, característico de Delacroaix.

La libertad guiando al pueblo: Es su obra más conocida. Destaca la mujer, que representa a la libertad, alzando la bandera tricolor dirigiéndose a la muchedumbre. Los cuerpos de los personajes muertos y/o heridos aportan por su tonalidad y postura gran contraste. La obra presenta gran sensación de movimiento. Cabe decir que este autor tenía como costumbre autoretratarse en algunas de sus obras, precisamente en esta el autor se autoretrató como el personaje más valiente de entre todos los personajes.

Aurora H.Pérez

2 BAT ART.

http://www.miguelgarciavega.com/camille-claudel-una-artista-ignorada/

Felipe Jacinto Dalí i Doménech, nace en Figueres, (Girona, Cataluña, España), el día 11 de mayo de 1904, y fue un gran pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor del siglo XX, mundialmente reconocido.

En 1910, su padre decide inscribirlo en el colegio Hispano-Francés de la Inmaculada Concepción de Figueres donde aprende francés, su futura lengua de cultura. El joven Dalí quiere dedicarse a la pintura, pero su padre le impone como condición para ser pintor, ir a estudiar a la escuela de Bellas Artes de Madrid, para obtener un título de profesor que al menos le asegurase un porvenir si la pintura no le diera para ser su medio de vida.

Dalí lo acepta sin dudarlo y entre 1921 y 1925 estudia en la Academia San Fernando de Madrid, donde entabla amistad con el poeta Federico Garcia Lorca y el cineasta Luis Buñuel.

En 1925 la Galería Dalmau de Barcelona le organiza su primera exposición personal, a partir de la cual, Joan Miró y Pablo Picasso, empiezan a interesarse por sus trabajos.

Dalí se deja influir primero por el futurismo y después por el cubismo (1925). En abril de 1926 el artista viaja por primera vez a Paris donde visita a Picasso. En su segundo viaje a París, en 1929, asiste al rodaje de la película de Buñuel “El perro Andaluz“, de la cual Dalí es coguionista, y ese mismo año, Joan Miró le presenta al grupo de los surrealistas.

Dalí conoce a André Breton y descubre a Gala, su futura esposa y musa (casada en aquel entonces con Paul Eluard), y se adhiere al movimiento surrealista.

El genial pintor se interesa por las teorías psicoanalíticas de Freud y define su método como “paranóico-critico“.

Pinta en aquel periodo espacios oníricos y fantasmagóricos poblados de elementos simbólicos: relojes blandos, muletas, animales fantásticos y personajes retorcidos.

En 1934, en una parodia de juicio encabezada por Bretón, Dalí es expulsado del grupo de los surrealistas aunque participa todavía en las manifestaciones y exposiciones de este movimiento.

Después de la guerra civil española se compromete políticamente a favor del dictador Franco y partir de los años 40, marcha a Estados Unidos y declara que quiere acercarse a la realidad, retornando a una expresión pictórica más clásica, sin dejar de imprimir en sus obras su fantasía personal.

Los temas recurrentes tanto en su obra pintada como en la obra grabada son la mujer, el sexo, la religión y las batallas.

Dalí se exhibe en espectáculos peculiares a lo largo de su carrera, mezclando el arte y la vida, poniéndose en escena constantemente.

Estuvo 10 años en Nueva York y fue a su vuelta, en la década de los 50, donde a mi juicio realizó sus mejores trabajos, sobre todo utilizando temas religiosos.

Tras varios años de esfuerzos, Dalí abre su propio museo en su Figueres natal en el año 1974.

La última pasión de este catalán universal, fue la pintura “estereoscópica” a partir de 1975, y presenta su primera obra “hiper estereoscópica” en Nueva York en 1978. Dalí que se calificaba a sí mismo de “caníbal”, “megalomaníaco” y de “perverso polimorfo”, muere en Barcelona, (España), el 23 de enero de 1989, a los 84 años se edad, a causa de una insuficiencia respiratoria.

En una vista generalizada al lienzo, podemos distinguir hasta cuatro relojes, cada uno en una posición diferente, pero todos en un aparente estado de decadencia.

En una conocida entrevista, Dalí dijo que para la realización de estos relojes se había inspirado en los quesos Camembert, pues estos eran "extravagantes, tiernos, solitarios y paranoico críticos".

Uno de los relojes cuelga de las ramas de un árbol seco. En el mundo fantástico de Dali, podemos asociar este apartado al concepto de thanatos, o de la muerte.

Otro se encuentra apoyado en una especie de cara, que a la vez se apoya sobre una roca. Esta cara se ha relacionado con una roca real que se encuentra en el cabo de Creus, cerca de su casa, y que el pintor incluyó en otras obras.

Un tercer reloj se representa justo en el momento de estar cayéndose de un muro. Sobre este reloj, vemos una mosca, otro de los elementos más representados por Dalí, (célebres son sus fotos con moscas en los bigotes. Solía decir que era un apasionado de las moscas..... limpias).

Por ultimo, vemos un reloj que se aleja del concepto de los anteriores, pues responde a la tipología de bolsillo. Este reloj se encuentra repleto de hormigas, elemento que en la obra de Dalí siempre se ha relacionado con el erotismo. Hay que decir que estos relojes siempre se llevaban próximos a los genitales, por lo que esta relación parece mas clara.

En definitiva, Dalí nos presenta un mundo que no es real, con formas que no son consistentes, sino que se han ablandado, indicándonos así la fluidez del tiempo.

Los sentimientos, el erotismo reprimido, el mundo1 interior y sus patologías, son plasmadas con precisión fotográfica. Se aprecian las alusiones al mundo del subconsciente, reflejado por obsesiones y represiones eróticas.

La escena se sitúa en un lugar muy representado por el artista, que recuerda a las llanuras de Cadaqués. En este sentido, vemos algunas rocas al fondo y, como no, el mar de la Costa Brava en un espacio muy claro, luminoso y diáfano, con una enorme profundidad.

Como es mi costumbre, os pongo el cuadro, unos detalles y la ficha técnica del lienzo.

Disfrutad esta obra del excéntrico y genial pintor, que cuando le pedian que definiera el Surrealismo, su contestación era así de contundente:

El surrealismo soy yo!