Le fotografie di Giorgio Busignani si collocano con precisione chirurgica in un tempo rigorosamente successivo all’evento, abitando ciò che resta quando ogni dinamica si è dissolta e il rumore dell’urto è diventato un silenzio minerale.
Lo sfasciacarrozze perde qui ogni connotazione funzionale per trasformarsi in un paesaggio di fine, un deposito di un’esistenza meccanica in cui il tempo non scorre più ma si deposita come un sedimento irreversibile. Attraverso un bianco e nero inteso come necessità ontologica, l’autore isola la texture del collasso trasformando i cristalli infranti in costellazioni di luce e le vernici in pelle morta, rivelando una vulnerabilità che non appartiene più all’uomo ma ne eredita il destino. Distante dalle tensioni erotiche di Ballard o Cronenberg, il lavoro di Busignani opera una sottrazione radicale in cui il corpo è assente e il trauma appare ormai digerito dal tempo, lasciando il posto a una calma post-umana e a un accumulo entropico. Queste carcasse automobilistiche diventano monumenti contemporanei di un processo in cui la materia torna terra, configurando un Memento Mori industriale dove la fine non è un evento traumatico ma una condizione esistenziale. L’immagine si fa così archivio della perdita e soglia silenziosa, una superficie chiusa che non documenta la cronaca di un fatto ma insiste sulla sua assoluta e profonda ineluttabilità.
La montagna, nell’opera di Rino Alessandrini, accade come un evento puro, una presenza che si dispone come campo di tensione e modifica il ritmo dello sguardo, richiedendo una postura lenta ed esposta.
Le immagini affiorano come l’ultima pelle di una realtà stratificata in cui rocce, nevi e pieghe della luce articolano una presenza che si sottrae mentre appare. È una geologia dello sguardo dove il tempo si deposita sulla grana della fotografia e il gesto si avvicina alla materia con una prossimità vigile, un tocco che sfiora e abita la distanza. In questa pratica la fotografia diventa scrittura del limite e ogni forma è il risultato di un’attesa. Nel titolo, Il bacio degli occhi, risuona la suggestione di Jacques Derrida sullo sguardo che si fa contatto e l’occhio che tende al tatto, consumandosi in una vibrazione che attraversa la superficie senza esaurirla. Ogni immagine è una soglia, un passaggio sottile in cui lo sguardo sente la consistenza del mondo come pelle che incontra pelle in un riconoscimento silenzioso. Il volume, arricchito da testi in italiano e inglese, raccoglie queste costellazioni di sguardi in un transito essenziale che è, infine, un bacio degli occhi.
Kisha Harsh
We live in a world where hardships cut through us like a cold wind.
And yet, as Kisha reminds us, the point is not to remain still in the shadows, but to find the courage to step out: to walk, to meet, to breathe. Her photographs are born from this simple and radical gesture. Blurred, shaken images, fragile in form yet powerful in meaning, as if reality could only be glimpsed by those willing to follow it in its movement.
Harsh is a journey across South Korea, moving between urban fragments and natural openings, between scattered noises and sudden silences. It offers neither answers nor explanations: it is a gaze that sets out on a path and, in doing so, allows itself to be changed. Because every crossing, even the most uncertain, returns us to ourselves in a way that is different from who we were when we began.
In these pages, what wounds is often what heals. And every image, even the most imperfect, becomes an invitation: to step out of the darkness, to find what we love, and to keep walking.
Aure Minime
Aure minime è un libro che nasce dall’attesa della luce e dal desiderio di trasformare l’effimero in forma.
Laura Malaterra ci conduce in un viaggio intimo, dove ogni immagine è scena e ogni oggetto diventa attore. Le sue fotografie non documentano: evocano.
Tra ombre caravaggesche e bagliori improvvisi, il quotidiano si trasfigura in poesia, sospeso tra realtà e illusione. Un’opera che interroga il tempo, la memoria e il mistero delle presenze invisibili, invitandoci a scoprire la bellezza che abita nelle sfumature.
Skototropism
Skototropism is a photographic journey that overturns the traditional logic of vision.
Inspired by the botanical phenomenon where certain plants seek darkness instead of light, Berta Viteri transforms this impulse into a visual and philosophical stance. These images do not pursue clarity or order; they move toward what light cannot reveal—the hidden, impenetrable zone of the forest—where black is not absence but matter, root, origin.
Through lines, fractures, and glimmers emerging from silence, photography ceases to explain and begins to question, evoking archetypes and deep memory. Skototropism invites us to reconsider our gaze: to follow shadow and discover that what escapes light is not emptiness, but density, vertigo, thought.
Venezia Minore
Venezia Minore non è una mappatura topografica, ma una cartografia sensibile. Il progetto di Vince Franza esplora stati d’animo urbani e condizioni percettive più che luoghi, rivelando il metabolismo invisibile della città.
Biologo e fotografo, Franza indaga la marginalità come spazio privilegiato di osservazione, dove Venezia si sottrae al ruolo di icona e torna a essere esperienza.
Le immagini non descrivono scenari, ma registrano pause, echi e silenzi: una città che esiste negli interstizi, nella densità del tempo e nell’attesa. In un’epoca di sovraesposizione visiva, il libro propone un esercizio di sottrazione, invitando a disattivare il riconoscimento automatico per attivare la scoperta.
Ferrara Within
In Ferrara Within, Riccardo Agodi leads us along the paths of an interior geography, where the rigor of black and white meets the softness of the Po Valley mist. This is not merely a portrait of a city of art; it is the exploration of a landscape composed of ancient stones and long shadows, of porticos opening onto the void, and of horizons fading into uncertainty.
Through Agodi’s lens, the solid matter of Ferrarese brick seems to become ethereal, transforming every shot into a visual meditation on solitude, belonging, and the mystery that inhabits the places we call "home." A profound and rarefied tribute to the most secret side of Ferrara.
Linfe
Le sue fotografie in bianco e nero scorrono come una corrente silenziosa, dove la materia si fa segno e la luce incide una scrittura lenta, essenziale.
Ogni immagine custodisce un ritmo, una tensione che si trasmette allo sguardo. La linfa diventa principio vitale e metafora del gesto fotografico stesso: assorbire, trattenere, restituire. In questo movimento continuo, la fotografia si offre come nutrimento, come esperienza che attraversa e lascia traccia.
Tra richiami arcaici e sensibilità contemporanea, Linfe costruisce un paesaggio interiore in cui gli alberi emergono come presenze vive, colonne di un ordine profondo che unisce terra e cielo. Un libro che invita a rallentare, a sostare, a entrare in una relazione più densa con l’immagine e con il tempo. Testo in italiano e inglese.