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This piece offers a surrealist perspective on police brutality, highlighting issues of racism, hierarchy, and institutional violence. Influenced by the death of George Floyd at the hands of Officer Derek Chauvin, both figures are depicted with unsettling smiles. The work asks how a universal sign of happiness can be twisted into something sadistic. The officer smiles while inflicting pain, while the victim simultaneously smiles and cries, revealing the contradiction of seeking happiness while existing within a rigged system.
이 작품은 경찰의 폭력을 초현실주의적 관점에서 바라보며 인종차별, 위계질서, 제도적 폭력의 문제를 조명한다. 조지 플로이드가 경찰관 데릭 쇼빈에 의해 사망한 사건에서 영감을 받아, 작품 속 두 인물은 불편할 정도로 미소를 짓고 있다. 작품은 행복을 상징하는 보편적인 표정인 미소가 어떻게 잔혹한 의미로 뒤틀릴 수 있는지를 묻는다. 가해자는 타인에게 고통을 가하면서 미소 짓고, 피해자는 웃음과 울음을 동시에 보인다. 이는 불공정하게 설계된 사회 안에서 행복을 찾으려는 모순된 상황을 드러낸다.
This work documents the underground rave scene in London, spanning grime and drag subcultures. Through these images, Laks captures the raw connection created through music and the ways underground spaces bring people together.
이 작업은 그라임부터 드랙 서브컬처에 이르기까지 런던의 언더그라운드 레이브 문화를 기록한다. 작가는 이 사진들을 통해 음악이 만들어내는 날것의 연결감과, 언더그라운드 공간이 사람들을 하나로 이어주는 방식을 포착한다.
A small collection of people at work. Each picture is quiet, representing the whispers of their work and the unseen labour that goes into most jobs. This is for them; for most people.
일하는 사람들의 모습을 담은 작은 사진 모음이다. 각각의 사진은 조용한 분위기 속에서 노동의 속삭임과 대부분의 직업에 보이지 않게 들어가는 노력을 표현한다. 이 작업은 그들을 위한 것이며, 동시에 대부분의 사람들을 위한 것이다.
Rootbound is a debut poetry collection centred on a narrator coming to grips with the loss of her father and trying to find herself anew.
Rootbound는 아버지의 죽음을 받아들이는 동시에 새로운 자신을 찾아가는 화자를 중심으로 한 작가의 첫 시집이다.
Kingdom of Geumbotap explores the harmony between past and future by combining traditional East Asian architecture with robotic systems. Inspired by cultural heritage and futuristic imagination, the work presents a world where advanced technology coexists with centuries-old traditions rather than replacing them.
Through detailed visual storytelling, the work considers how innovation can preserve cultural identity, suggesting that even lines of code can carry the memories and values of our roots.
Kingdom of Geumbotap은 전통적인 동아시아 건축과 로봇 시스템을 결합하여 과거와 미래의 조화를 탐구한다. 문화유산과 미래에 대한 상상력에서 영감을 받은 이 작품은 첨단 기술이 수백 년의 전통을 대체하는 것이 아니라 함께 공존하는 세계를 그려낸다.
세밀한 시각적 스토리텔링을 통해 혁신이 어떻게 문화적 정체성을 보존할 수 있는지를 이야기하며, 코드의 한 줄에도 우리가 뿌리내린 기억과 가치가 담길 수 있음을 보여준다.
A ceramic decorative figurine of an apple and a worm, both happy and having a wonderful time together.
사과와 벌레가 함께 행복한 시간을 보내고 있는 모습을 표현한 세라믹 장식 조각이다.
A walking trail in Madeira.
마데이라의 한 산책로를 담은 사진이다.
A closed convenience store.
문을 닫은 한 편의점의 모습을 담은 사진이다.
Beyond being visually striking, this piece emerged from a period of emotional turbulence within a relationship. The artist describes feeling as though they were constantly leaping between opposing emotions, uncertain which path to take. By externalising this intense outburst of feeling, the work transforms an internal emotional battle into something visible.
시각적으로 강렬한 인상을 주는 것을 넘어, 이 작품은 한 관계 안에서 겪었던 감정적 혼란의 시기에 탄생했다. 작가는 어떤 길을 선택해야 할지 알 수 없는 상태에서 서로 반대되는 감정 사이를 끊임없이 오가는 듯한 경험을 했다. 작품은 이러한 격렬한 감정의 폭발을 외부로 끌어내어, 내면에서 벌어지는 감정적 싸움을 눈에 보이는 형태로 변환한다.
A stream-of-consciousness poem written after a period of creative blockage and personal loss. The work captures the writer’s creative rebirth and a renewed sense of self and belonging within their home city.
창작의 막힘과 개인적인 상실을 겪은 후 쓰인 의식의 흐름 형식의 시이다. 이 작품은 창작자로서 다시 태어나는 과정과 자신의 고향 도시 안에서 새롭게 자신과 소속감을 찾아가는 순간을 담아낸다.
A moment of freedom in Paris, where two friends reunite after a year of separation. More is said in the quiet moments than could possibly be expressed in words.
파리에서 포착한 자유의 순간. 1년간 떨어져 있던 두 친구가 다시 만난 장면을 담고 있다. 말로 표현할 수 있는 것보다 더 많은 이야기가 고요한 순간들 속에 담겨 있다.
Laetitia Fawwaz’s hand-drawn illustration depicts the Joker card as part of a larger series exploring imagined interpretations of a card set. Calder’s accompanying creative text considers the role of the “joker” both within society and as a card, combining contextual reflection with a short story.
Laetitia Fawwaz의 손그림 일러스트는 카드 세트에 대한 상상적 해석을 탐구하는 연작의 일부로 조커 카드를 표현한다. Calder의 동반 텍스트는 사회 안에서의 ‘조커’와 카드로서의 조커가 갖는 역할을 함께 바라보며, 이에 대한 맥락적 고찰과 짧은 이야기를 결합한다.
These two photographs form part of a series made during travels through Seoul, South Korea, between 2023 and 2024.
The series focuses on ordinary moments through a more intimate, silent, and familiar lens, presenting Seoul as a lived space rather than through the overstimulating clichés often associated with the city. The work explores the poetry of solitude within a densely populated urban environment.
이 두 사진은 2023년부터 2024년까지 한국 서울을 여행하며 제작한 연작의 일부이다.
이 연작은 보다 친밀하고 조용하며 익숙한 시선을 통해 일상의 순간들을 바라보며, 서울을 도시와 관련된 과도한 이미지나 클리셰가 아닌 실제로 살아가는 공간으로 보여준다. 작품은 인구가 밀집된 도시 환경 속에서 경험하는 고독의 시적인 순간을 탐구한다.
Faacia @faacia.or0
Coverage / Request Time Is Over / Living Room Routine / Callers
2024–2026 · Photography
Faacia @faacia.or0
Coverage / Request Time Is Over / Living Room Routine / Callers
2024–2026 · Photography
A collection of photographic works spanning four distinct moments and perspectives: coverage, request time is over, living room routine, and callers.
네 개의 서로 다른 순간과 시선을 담은 사진 작업으로, coverage, request time is over, living room routine, callers로 구성되어 있다.
Inspired by the traditional Korean chaekgado (冊架圖), this work reflects the scholarly spirit embedded within paintings of bookshelves and treasured objects, traditionally associated with prosperity, learning, and the desire to benefit the world.
The character “安,” meaning peace or safety, appears within the work as a figure beneath a roof. It expresses the hope that everyone might live safely and peacefully within their own home. The work ultimately carries a wish to correct one’s own heart, contemplate peace in the world, and arrive together beneath a roof of peace.
이 작품은 한국의 전통화인 책가도(冊架圖)에서 영감을 받았다. 책가도에 담긴 문방의 사물들은 풍요와 배움, 그리고 자신이 익힌 것을 세상에 이롭게 사용하고자 했던 선비정신을 상징한다.
작품 속에는 평안과 안전을 의미하는 한자 ‘安’이 지붕 아래 사람이 머무는 형상으로 등장한다. 이는 누구나 자신의 집에서 두려움 없이 안전하고 평화롭게 살아가기를 바라는 마음을 담고 있다. 나아가 자신의 마음을 바르게 하고 세상의 평화를 생각하며, 모두가 함께 평안의 지붕 아래 도달하기를 바라는 소망을 표현한다.
A poster created in support of the Palestinian cause, made from the perspective of a foreigner living in Korea. The work reflects on the difficulty of engaging politically from a position of distance and displacement.
한국에 거주하는 외국인의 시선에서 팔레스타인 문제에 대한 지지를 표현하기 위해 제작한 포스터이다. 이 작품은 타국에서 살아가는 사람으로서 정치적 행동에 참여할 때 느끼는 거리감과 소외의 어려움을 바라본다.
Mia Kaitlyn Lee / HMMM @miakaitlynlee / @hmmmbrand
Book With Pictures for Big Baby
2025 · Illustration / Fashion
Mia Kaitlyn Lee / HMMM @miakaitlynlee / @hmmmbrand
Book With Pictures for Big Baby
2025 · Illustration / Fashion
HMMM is a multidisciplinary art brand that fuses fashion and literature, with each clothing collection directly inspired by an accompanying piece of self-written and illustrated work.
Book With Pictures for Big Baby is a satirical children’s picture book for young adults. It examines the gap between the romanticised promise of young adulthood and the reality of growing up within an increasingly difficult political, social, and physical climate.
HMMM은 패션과 문학을 결합하는 다학제적 아트 브랜드로, 각각의 의류 컬렉션이 작가가 직접 쓰고 그린 문학 및 시각 작업에서 직접적인 영감을 받아 제작된다.
Book With Pictures for Big Baby는 오늘날의 젊은 성인을 위한 풍자적인 동화책 형식의 그림책이다. 젊은 시절을 황금기로 미화하는 기대와, 점점 더 복잡해지는 정치적·사회적·물리적 환경 속에서 성장해야 하는 현실 사이의 간극을 바라본다.
The frame created over time can eventually become a boundary that confines thought: the standards imposed by society, the standards we create for ourselves, and the gaze of others.
We constantly define and distinguish things, viewing the world from within these frames. Yet while remaining inside them, there are things we fail to see.
This series stands at the edge of that boundary, looking simultaneously within and beyond the frame. Rather than containing something, the frame becomes a space through which time and thought can flow beyond its edges.
Perhaps it is only when we step outside the frame that time begins to move differently, allowing us to see ourselves and the world anew.
시간이 흐르며 스스로 만들어낸 틀은 어느 순간 생각을 가두는 경계가 될 수 있다. 사회가 정한 기준, 스스로 만들어낸 기준, 그리고 타인의 시선이 그 틀을 만든다.
우리는 끊임없이 무언가를 구분하고 규정하며 그 틀 안에서 세상을 바라본다. 그러나 그 안에 머무는 동안 오히려 보지 못하는 것들이 존재한다.
이 연작은 그 경계의 가장자리에 서서 틀 안과 밖을 동시에 바라보고자 한다. 무언가를 담아두기 위한 프레임이 아니라, 시간과 생각이 그 가장자리를 넘어 흘러나갈 수 있는 공간으로서의 틀을 바라본다.
어쩌면 틀을 벗어난 순간에야 비로소 시간은 다르게 흐르기 시작하고, 우리는 자신과 세상을 새로운 모습으로 바라볼 수 있게 되는지도 모른다.
A selection of ceramic works.
세라믹으로 제작한 여러 조각 작품을 선보인다.
This piece captures the subtle vitality of flowers coming to life at dawn, as light gently diffuses into the fading night. Within the soft bleed of colours, the work invites the viewer to feel the quiet beat and gentle resonance of the scene.
밤이 지나고 빛이 퍼지는 새벽, 은은하게 살아 숨 쉬는 꽃들의 생명력을 담은 작품이다. 부드럽게 번지는 색채 속에서 조용히 고동치는 장면의 잔상과 여운을 느껴볼 수 있다.
One Eyed Jacques is part of an illustration series depicting imagined mythological creatures embodied as anthropomorphised female figures in everyday, slice-of-life settings.
The title references One Eyed Jacks casino from the television series Twin Peaks, with the titular demon girl Jacques lounging among her cartoon companions. The artist’s characters are created intuitively and without a predetermined plan, allowing the monster girls to take on new forms through improvisation, instinct, and playful fashion.
One Eyed Jacques는 일상적이고 소소한 상황 속에 의인화된 여성의 모습으로 등장하는 상상의 신화적 생명체들을 그린 일러스트 연작의 일부이다.
제목은 TV 시리즈 Twin Peaks에 등장하는 카지노 One Eyed Jacks에서 가져왔으며, 작품 속 주인공인 악마 소녀 Jacques는 만화 속 친구들 사이에서 여유롭게 시간을 보내고 있다. 작가는 사전에 정해진 계획 없이 직관적으로 캐릭터를 그리며, 즉흥성과 본능, 그리고 장난스러운 패션을 통해 매번 새로운 모습의 몬스터 소녀들을 만들어낸다.
Drawing on the artist’s British upbringing and four years living in South Korea, this photographic series explores human connection through the contrasting symbolism of the magpie.
In British superstition, a single magpie is an omen of sorrow. In Korea, the magpie (kkachi) represents joy and good news, while its sound echoes gachi, the Korean word for “together.”
Presented in pairs, the photographs contrast the isolation of the solitary British bird with intimate portraits from Korean festivals. The series documents how photography and friendship transformed a foreign landscape into a shared home.
영국에서 자란 경험과 한국에서 보낸 4년의 시간을 바탕으로, 이 사진 연작은 까치가 지닌 서로 다른 상징을 통해 인간의 연결을 탐구한다.
영국의 미신에서 까치 한 마리는 슬픔의 징조로 여겨진다. 반면 한국에서 까치는 기쁨과 좋은 소식을 상징하며, 그 발음은 ‘함께’를 의미하는 한국어 ‘같이’와도 닮아 있다.
사진들은 쌍으로 제시되어 외로운 영국의 까치가 상징하는 고립과 한국 축제에서 포착한 친밀한 순간들을 대비시킨다. 이 연작은 사진과 우정을 통해 낯선 풍경이 함께 살아가는 집으로 변화해가는 과정을 기록한다.
A live animation work combining an existing visual piece or a time-synchronised animation with an audio sequence. The audio is performed live via mini-synth, while the video is sequenced through an iPad.
기존 작품의 라이브 애니메이션 또는 오디오 시퀀스와 시간에 맞춰 동기화된 영상을 선보이는 라이브 애니메이션 작업이다. 오디오는 미니 신시사이저를 통해 실시간으로 연주하며, 영상은 아이패드를 통해 재생된다.
Grandma’s Hallway was painted in watercolour on paper from memory, recalling the details of the artist’s great-grandmother’s home.
Although hallways are usually places of transition, this hallway was a place of gathering: conversations continuing before goodbyes, quiet climbs up the staircase, and the possibility of hearing secrets through closed doors. The space now exists in a state of stasis, preserved through memory and nostalgia.
Grandma’s Hallway는 작가가 증조할머니의 집에서 보았던 세부적인 풍경을 기억을 통해 떠올리며 종이에 수채화로 그린 작품이다.
복도는 일반적으로 지나가는 공간이지만, 작가의 증조할머니 집에서 복도는 사람들이 모이는 장소였다. 작별 인사를 앞두고 이어지던 대화, 조용히 난간을 타고 올라가던 순간, 그리고 닫힌 문 너머의 비밀스러운 이야기를 엿들을 수 있었던 공간이다. 이제 그곳은 향수와 기억 속에 멈춰 있는 공간으로 남아 있다.
Like a view flickering past a train window, houses, windows, and human figures blur swiftly by. Familiar spaces merge with unfamiliar scenery as the journey moves continuously toward an unknown destination.
Some board the train yearning to leave; others board because they have no choice. The painting captures the moment of leaving the familiar behind—the tension between anxiety and anticipation, and the quiet longing to find a place to rest once more.
기차 창문 너머로 빠르게 스쳐 지나가는 풍경처럼 집과 창문, 사람들의 모습이 흐릿하게 지나간다. 익숙한 공간과 낯선 풍경이 뒤섞이며, 여정은 알 수 없는 목적지를 향해 계속 나아간다.
누군가는 떠나고 싶은 마음으로 기차에 오르고, 누군가는 선택의 여지 없이 기차에 오른다. 이 작품은 익숙한 것을 뒤로하고 떠나는 순간의 감정을 담아낸다. 불안과 기대가 교차하는 긴장감, 그리고 다시 머물 수 있는 곳을 찾고자 하는 조용한 그리움을 표현한다.
A red house, blue sky, and faint figures beyond a window overlap within a single landscape. A house can symbolise permanence, yet it can also become a place one must leave at any moment.
Rather than depicting a real location, the scene becomes an imperfect house constructed from layers of memory and imagination. Repeated lines and colours cling to a fading place, reflecting a gaze held simultaneously toward the home left behind and the new sanctuary yet to be found.
붉은 집과 푸른 하늘, 창문 너머의 희미한 인물들이 하나의 풍경 안에서 겹쳐진다. 집은 영속성을 상징하지만, 동시에 언제든 떠나야 하는 장소가 될 수도 있다.
실재하는 장소를 묘사하기보다는 기억과 상상이 겹겹이 쌓여 만들어낸 불완전한 집을 그린다. 반복되는 선과 색은 사라져가는 장소에 매달리듯 남아 있으며, 뒤에 남겨둔 집과 아직 찾지 못한 새로운 안식처를 동시에 바라보는 시선을 담아낸다.
Taken just before this year’s monsoon season, these photographs began when the artist noticed a woman photographing herself during golden hour. Her boyfriend soon ran toward her, and the two began taking selfies and laughing together.
without/you presents the photographs as inseparable parts of a single story. The first image, without, is soft and monochromatic, withholding the full extent of the scene. you introduces colour as the couple reunites, becoming both a “you” to one another and a “you” to the viewer.
The work draws on the French expression la vie reprend des couleurs—literally, “life gets its colour back”—a phrase describing the feeling that things are beginning to look up.
올해 장마가 시작되기 직전, 골든아워의 빛 속에서 한 여성이 혼자 사진을 찍고 있는 모습을 발견하면서 시작된 사진 작업이다. 곧 그녀의 남자친구가 달려왔고, 두 사람은 함께 셀카를 찍으며 웃기 시작했다.
without/you는 각각의 사진이 하나의 이야기 안에서 분리될 수 없는 부분임을 보여준다. 첫 번째 사진인 without은 부드러운 흑백 이미지로 전체 상황을 완전히 드러내지 않는다. 반면 you에서는 두 사람이 다시 만나는 순간 색채가 등장하며, 서로에게는 ‘너’가 되고 관람객에게도 하나의 ‘너’가 된다.
이 작품은 ‘la vie reprend des couleurs’라는 프랑스어 표현에서 영감을 받았다. 직역하면 ‘삶이 다시 색을 되찾는다’는 뜻으로, 상황이 다시 좋아지기 시작한다는 의미를 담고 있다.
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