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 소개

 2008년, 삶에 대한 강한 불안감을 느끼기 시작했다. 물론 이러한 불안감은 의혹과 질문의 형태로 항상 마음속에 존재하고 있었다. 그러나 실질적인 삶의 체험이 부정적인 예측과 답변을 가져오는 경우가 많아지면서, 불안감이 계속 커졌다. 그리고 이러한 불안은 나만의 것이 아니었다. 주변과 뉴스에서 듣게 되는 많은 이야기는, 우리가 불안에서 벗어나기 힘들 것이라는 사실을 끊임없이 확인해 주었다.

 이런 상황은 답답함으로 연결되었다. 그리고 이 상황에서 내가 할 수 있는 일은, 내 심리를 지배하고 있는 불안을 표현하고 전시하는 것뿐이었다. 그리고 그 일은 마치 친구와 수다를 떠는 것과 같은 효과를 가져다주었다. 한참을 이야기를 나누고, 불평하고, 어쩔 수 없는 수용과 수긍의 과정을 거치다 보니 조금이나마 마음의 평화를 찾을 수 있었다. 그러나 이때 제작된 작업과 진행된 전시가 내게 마음의 평화를 일정 부분 가져다주었을지라도, 그 원인인 불안은 전혀 사라지지 않고 항상 나와 함께하는 존재가 되었다.

 그래서 나는 불안에 대해 공부를 시작했다. 불안을 처음 실존적인 인간의 문제로 제기한 키에르케고르부터, 자아가 인식하는 위험의 동종신호로 해석한 프로이트, 그리고 욕망의 주체에게 필연적으로 발생하는 것으로 파악한 라캉을 거쳐, 임계점을 넘어선 불안을 장애로 다루며 그 신체적 작용 과정을 연구하는 신경 과학이나, 인간 진화의 원동력이자 동시대 사회적 변화의 압력으로 파악하는 진화 심리학까지, 가능한 만큼 이해를 해보고자 했다. 그리고 미술사에 기록된 불안을 다룬 작품을 찾아보며 작가의 생각, 당시의 사건, 그리고 표현 방식을 이해해 보려 하였다.

 이 공부의 과정은, 조금씩 나를 불안에 친숙해지게 만들었다. 그리고 그때마다 새롭게 느껴지는 것들을 통해 작업을 하고, 이를 모아 전시를 진행해 갔다.

 ‘불안’을 인간 심리의 깊은 곳에 존재하는 공리(公理, Axiom)적 부분이라 여기게 되면서 진행했던 전시 ‘공리적 풍경’.

 나의 삶이 불안과 그로 인해 생성된 불명확함 때문에 눅눅하고 축축하다는 것을 표현하고자 했던 전시 ‘습지’.

 습지에 있는 내가 이상향으로 꿈꾸게 된 햇빛에 바짝 마른 사막을 명확함이라 생각하며 진행했던 전시 ‘사구’.

 그런데 아무리 찾아도 그 바삭하고 명확한 이상향을 찾을 수가 없어서, 그저 그곳이 있을 것이라 짐작되는 방향을 바라보며 그 풍경을 그렸던 전시 ‘바짝 마른’.

 그리고 삶에 대한 고민이 시작된 청소년기에 십 년간 거주했던 ‘심곡(深谷)동’의 이름에 빗대어, 불안과 함께하는 삶을 표현하려 한 전시 ‘깊은 구지’.

 이 전시들을 거치면서, 어느새 불안은 내게 친숙한 존재가 되었다. 그리고 평생을 함께해야 할 친구라고 생각하게 되었다.

 이러한 맥락에서 내 작업을 보면 이해가 쉽다고 생각한다. 물론 소재와 표현법등, 중간 중간 누락된 이야기가 많지만, 그러한 것은 관람자의 상상의 영역에 맡기거나, 기회가 있을 때 설명할 수 있을 것이다.

 아직도, 의문만이 가득하다. 다만 예전과 다른 것은, 이 의문들이 밉지 않다는 것이다. 한가지 확신하는 것은, 쉽게 알 수 없고, 또 결론 내릴 수 없는, 그리고 해결할 수 없는 인간의 근원적인 심리인 불안이 예술의 유효한 한 가지 주제가 될 수 있다는 것, 그리고 이를 다루는 것이 가치 있는 일이 될 수 있다는 것이다.

 Introduce

 In 2008, I began to feel strong anxiety about my life. Of course, this anxiety has always existed in my mind in the form of doubts and questions. However, as practical life experiences increasingly brought negative predictions and answers, anxiety continued to grow. And this anxiety wasn't just mine. The many stories we hear around us and on the news constantly confirm that it will be difficult for us to escape anxiety. 

 This situation led to frustration. And in this situation, all I could do was express and display the anxiety that was dominating my psychological state. And it had the same effect as chatting with a friend. After talking for a while, complaining, and going through the inevitable process of acceptance, I was able to find some peace of mind. However, although the work produced and the exhibition held at this time brought me some peace of mind, the anxiety did not disappear at all and was always with me. 

 So I started studying anxiety. From Kierkegaard, who first raised anxiety as an existential human problem, to Freud, who interpreted it as a homogeneous signal of danger recognized by the ego, and to Lacan, who understood it as something that inevitably occurs to the subject of desire, and I tried to understand as much as possible about neuroscience, which considers anxiety beyond the critical point as a disorder, studies the process of physical action, and evolutionary psychology, which understands it as the driving force of human evolution and the pressure of contemporary social change. Then looking for artworks dealing with anxiety recorded in art history, I tried to understand the artist's thoughts, events at the time, and methods of expression. 

 This process of study gradually made me familiar with anxiety. And each time, I worked on things that felt new, collected them, and held an exhibition. 

 The exhibition ‘Undefined Scene’ was held based on the belief that ‘anxiety’ is an axiom that exists deep within human psychology. 

 The exhibition ‘Land of Humidity’ was an attempt to express that my life was damp and damp due to anxiety and the uncertainty created. 

 The exhibition ‘Shifting Sands’ was conducted with the idea of clarity in the sunlight-parched desert that I dreamed of as my utopia in a wetland. 

 However, no matter how much I searched, I couldn't find that crisp and clear utopia(desert), so I just painted the scenery while looking in the direction I assumed it would be in the exhibition 'Very Dry'.

 And the exhibition ‘Deep Valley’ attempts to express life with anxiety, alluding to the name of ‘Simgok(which means deep valley)’, where I lived for ten years during my adolescence when I began to worry about life. 

 As I went through these exhibitions, anxiety became a familiar thing to me. And It became a friend I would spend the rest of my life with.

 I think it is easy to understand when you look at my work in this context. Of course, there are many stories that are missing here and there, such as materials and ways of expression, but I will leave those to the people’s imagination or explain them when I have the chance.

 I am still full of questions. The only thing that is different from before is that I do not hate these questions. One thing I am sure of is that anxiety, which is a fundamental human psychology that is not easily known, cannot be concluded, and cannot be solved, can be a valid subject of art, and that dealing with it can be a valuable task.

늪, 습지, 사구, 그리고 곡이 있는 풍경

고충환 / 미술평론, 2022

 곡(谷)들은 나에게 프로히트의 계곡을 떠올리게 했다. Uncanny valley. 지금 나의 삶이 수많은 일들로 이어져 복잡하듯, 수많은 곡(谷)들이 내 삶을 감싸고 있었다. 난 언제나 내 삶이 햇볕에 바짝 마른 듯한 명확함을 보여주기를 바라지만, 실제는 그렇지 않다. 언제나 불명확한 부분이 있고, 판단이 어려운 부분이 있으며, 빛이 들지 않는 어두운 부분이 있다. 이것은 거대한 하나의 계곡이 되어 나에게 심곡, 내가 살았던 깊은 구지를 떠올리게 하였다. (작가 노트)

 미술을 하나의 형식으로 간주하고 순수한 형식을 추구한 모더니즘 패러다임에 의해 견인된 추상미술이 아니라면 그림들은 대개 어떤 식으로든 그림을 그린 사람의 인격 그러므로 창작 주체의 개성(아이덴티티)을 반영하기 마련이다. 인물은 물론이거니와 풍경이나 정물이 다 그렇다. 이런 광의의 층위에서 보면 다만 그 경우와 정도에 차이가 있을 뿐 모든 그림은 일정 정도 자기를 그린 그림 곧 자화상의 한 표현일 수 있다. 그럼에도 일반적인 의미 그러므로 협의의 층위에서 자화상이라고 하면 자기가 직접 등장하는 그림, 자기를 직접 대상화해 그린 그림을 의미한다. 작가 이주형의 그림을 초기부터 쭉 봐왔지만, 작가의 그림에서 이런 자화상에 해당하는 그림을 본 기억이 없다. 아마도 영 없지는 않을 것이지만, 여하튼 근작에서 이런 자화상을 그린 그림이 있어서 주목된다.

 반백의 머리에 안경을 쓴 작가가 얼굴을 비스듬하게 기울여 화면 아래쪽을 보고 있다. 캔버스가 층층인 것을 보아 아마도 작업실일 것이다. 뭘 꼭 본다기보다는 다만 얼굴 각도가 화면 아래쪽을 향하고 있는 것인데, 아마도 무언가 생각에 잠겨 있을 것이고 굳이 보는 것으로 치자면 자기 내면을 쳐다보고 있을 것이다. 그렇게 작가는 자기의 전면을 그렸는데, 의외로 그림의 제목이 <뒤>다. 전면을 보지 말고 그림의 이면을 보라는 말인가. 표면에 드러나 보이는 의미가 아닌, 이면에 숨은 의미를 읽어달라는 주문인가.

 실제로 그림을 보면 작가 뒤편에 뭔가 시커먼 덩어리가 숨어 있다. 그림자다. 흔히 그림자는 주체의 반영이고 분신이라고 했다. 그림자를 놓고 악마와 거래한 이야기도 있고(여기서 그림자는 아마도 영혼을 의미할 것), 그림자가 일어나 걸으면 그 사람이 죽는다는 이야기를 다룬 소설도 있다. 미술사에서도 보면 그림자에 각별한 의미를 부여한 작가들이 있었다. 에드바르트 뭉크와 프랜시스 베이컨 같은 작가들이 그렇다. 아마도 얼굴이, 표면이, 전면이 못다 한 이야기를 그림자가 대신해준다는 심층적인, 내면적인 의미를 담았을 것이다.

 그런데 그림자처럼 보이는 어둠 속에 또 다른 뭔가가 있다. 어둠 속에 숨어 있어서 잘 안 보이지만, 작가가 그린 모든 그림에 어김없이 등장하는, 그러므로 보기에 따라선 작가의 트레이드마크라고도 할 수가 있는, 머리칼 같기도 하고 털 뭉치 같기도 한, 알 듯 모를 듯한 형태가 있다. 나는 그림자에 나를 숨기고, 그림자 또한 나의 분신을 숨긴다. 나의 진실(실체)은 그림자에 숨어 있고, 그렇게 숨겨진 나의 진실(실체)은 나 자신만큼이나 분명한 실체(비록 알 듯 모를 듯한 형태지만)를 가지고 있다. 그렇게 작가의 모든 그림에 빠짐없이 나타나는 알 수 없는 털 뭉치(?)는 작가의 분신으로 봐도 좋을 것이다. 그러므로 작가는 자기가 그린 모든 그림에, 그림의 소재가 되었던 모든 장소에 자신의 분신을 보낸다. 일상적인, 존재론적인, 역사적인 사건 현장의 목격자로서 그리고 증언자로서 자기 사신을 보내 참여시키고 있는 것이다.

 그렇게 일단 알 수 없는 형태를 다름 아닌 작가의 분신으로 보면, 비로소 작가의 다른 그림들이 눈에 들어온다. <말풍선> 시리즈는 작가가 하고 싶은 말을 함축한 것이고(보기에 따라선 혀처럼도 보이는), <산의 언어>에서 분신은 설핏 웃는 것처럼도 보인다(보기에 따라선 수목처럼도 보이는). 여기에 형태적 유사성에 착안해 보자면, <이빨 요정>은 아마도 아기의 탈락된 젖니를 보관하고 있다가 이를 기념(기억)할 요량으로 그린 것이며, 외적으로 보아 풍경을 소재로 한 일련의 <곡> 시리즈 중 일부 머리의 뒤통수를 그린 것 같은 그림들이 주목된다. 비록 형태적 유사성으로 보아 뒤통수처럼 보이는 것이지만, 거기서 숨은 얼굴을 찾아보는 것도 재미있는 일일 것이다.

 미셀 투르니에는 <뒷모습>에서 사람의 뒷모습에 각별한 의미를 부여한다. 뒷모습은 앞모습보다 더 많은 의미를 함축한다(숨긴다). 앞모습은 그저 보이는 것이 다지만, 뒷모습은 애정과 연민과 근성을 가지고 보지 않으면 그 숨은 뜻을 볼 수도 읽을 수도 없다. 그러므로 애정과 연민과 근성이야말로 또 다른 제3의 눈인 것이고(촉각이 제2의 눈이다), 그 눈으로 본 뒷모습은 그 자체 또 다른 얼굴일 수 있다. 이처럼 그 자체 또 다른 얼굴인 뒤통수에서 작가가 보이는가. 작가의 무엇이 보이는가. 작가의 내면이, 작가의 무의식이, 작가의 번민이, 작가의 상처가, 작가의 자의식이 보이는가. 제3의 눈으로 본다면 비로소 볼 수 있을 것이다. 애정의 눈길을 보낸다면 비로소 보여줄 것이다.

 그럼에도 문제는 여전히 남는다. 왜 머리칼인가. 왜 털 뭉친가. 왜 알 것도 같고 모를 것도 같은 형태인가. 분신이라고는 하지만, 분신이 도대체 뭔가. 보르헤스는 거울 속에 타자들이 산다고 했다. 거울을 보면 그 속에 또 다른 내가 있다. 나를 닮았지만 내가 아니다. 자기_타자다. 그런가 하면 현재하는 내가 과거 속의 나와 만나기도 한다. 자기반성적인 기질을 가지고 있는 사람이라면 하루에도 몇 번씩 겪는 일이고 실제로도 일어나는 일이다. 그렇게 나는 다름 아닌 나 자신의 유령들과 산다. 후회하는, 상실된, 미련으로 남은, 돌이킬 수 없는, 말로 다 할 수 없는, 말로 표현할 수 없는, 억압된, 무의식으로 밀려난, 비록 의식하지 못하지만 무의식 그러므로 몸은 기억하고 있는, 그렇게 시시각각 데자뷰(설핏 나를 본 것 같은 착각)를 불러일으키는 유령들이다.

 프로이트는 두려움을 머리칼이 일서서는 것으로 표현했다(통속적으로도 그렇게 표현한다). 친근한 것이 생경해질 때(언캐니), 자신이 낯설어질 때(실존주의의 자기소외), 억압된 자신과 맞닥트릴 때(억압된 것들의 귀환과 부채를 청산하기 위해 되돌아온 실재계의 예기치 못한 출현) 머리칼이 일어선다. 머리칼을 닮은, 털 뭉치를 닮은, 알 것도 같고 모를 것도 같은 작가의 분신은 아마도 이 에피소드와도 무관하지 않을 것이다. 그렇다고 꼭 공포를 떠올릴 필요는 없다. 그 자체 형태도 색깔도 없는 자기반성적인 기질과 존재론적인 물음(성찰)이 육화된 경우로 보면 좋을 것이다. 자기_타자, 분신, 무의식적 자기, 몸이 기억하는 자기 그러므로 어쩌면 원형적 자기를 표상하는 것이라 해도 좋을 것이다. 단순하게는 존재의 정수에 해당하는 머리에 착안한 형태라 해도 좋을 것이다. 그렇게 작가의 분신이 작가가 그린 그림 도처에 서성거리고, 지켜보고, 번민하고, 부유한다.

 작가는 심곡동에서 유년의 상당 부분을 보냈다. 심곡은 깊은 계곡을 의미하며, 순우리말로는 깊은 구지(그 자체 근작의 주제이기도 한)라고 한다. 현재에는 반곡동에 사는데, 인근에는 둔곡이 있고 사곡이 있으며 지곡이 있고 백곡도 있다. 한때 능곡에서도 살았었다. 내가 사는 삶의 터전에는, 내가 지나쳐온 삶의 길 위에는 왜 이처럼 곡이 많을까, 혹 곡은 나의 인격과 무슨 의미심장한 관계라도 있는 것일까 하는 의문이 들었고, 그 의문이 그림을 그리게 했다고 한다(환경결정론에 의하면, 환경이 인격을 결정한다).

 주변을 둘러봐도 지명에 유독 곡이 많기는 하다. 아마도 자연스러운 지형에 따라 붙여진 우연한 지명일 것이다. 그렇다고는 해도 뭐 눈에 뭐만 보인다고, 다른 사람들이라면 쉽게 지나칠 수도 있는 일이 작가를 붙잡았을 것이다. 다른 사람들에게 무의미한 일이 작가에게 유의미하게 다가왔을 것이다. 그렇게 일련의 곡 시리즈를 매개로 작가는 어느덧 중년에 이른 자신의 삶을 되돌아보는 한편, 이를 계기로 존재론적 조건이라는 보편적인 물음을 물어 오고 있는 것인지도 모를 일이다.

 외적으로 보아 풍경의 형태를 보여주고 있는 일련의 곡 시리즈는 대개 능선과 공지선을 경계 삼아 화면 아랫부분의 땅과 화면 윗부분의 하늘로 나누어져 있다. 여기에 작가의 트레이드마크에 해당하는 형태가 때로 땅 위에 그리고 더러 하늘 위에 아니면 경계 위에서 서성이고 있다. 땅은 대개 파헤쳐진 벌건 속살을 드러내고 있는데, 실제 지형에 충실한 것이라기보다는 작가의 몸을 표현한 것일 터이다. 그곳에 대한 몸의 흔적을, 몸의 기억을 그린 것일 터이다.

 어떻게 그런가. 여기서 메를로 퐁티의 우주적 살 개념이 도움을 줄 수 있겠다. 주체와 객체는 우주적 살로 덮여 있어서 서로 분리할 수가 없다. 주체의 의식과 무관하게 주체는 이미 객체의 일부이다. 그러므로 객체가 없으면 주체도 없다. 그렇게 객체는 주체를 이미 자신의 일부로서 예정하고 있었다. 비록 거기에 지금 나는 없지만, 내 몸(몸의 흔적, 몸의 기억)이 풍경의 살이 되어 거기에 여전히 그대로 간직되고 있었다. 그러므로 지금 그곳을 방문하는 행위는 그 풍경의 일부인 나와 재회하는 것이 된다. 아니면 그저, 아니, 이마저도 이러한 사실(어쩌면 자의식)과 무관하지 않은 것이지만, 파헤쳐진 채 벌건 속살을 드러내고 있는 풍경 자체를 사실은 작가의 황량한 마음을 풍경에 투사해 본 것으로 보아도 좋을 것이다.

 땅 위에는 얼핏 점 같기도 하고 작은 막대 같기도 한 비정형의 형태가 패턴을 이루고 있는데, 차양막을 설치하기 위해 그리고 줄을 치기 위해 밭에다 심어 놓은 막대를 연상시킨다. 그렇게 실제 풍경의 일부를 떠올리게 하지만, 동시에 혹은 이보다는 그곳에 얽혀 있는 작가의 흔적을, 일종의 심상 흔적을 표상할 수도 있겠다.

 그리고 작가의 그림에서 흥미로운 것이, 유독 늪(늪의 언어)이 많고, 습지가 많고, 사구(사구가 보이는 풍경, 모든 것은 사막에서 마친다)가 많다. 그리고 여기에 곡까지. 작가는 자신의 삶에서 바짝 마른 명확함을 보여주고 싶지만, 정작 그런 명확함과는 거리가 먼 곳들이다. 늪도 그렇지만 습지도 하나같이 물인지 뭍인지 경계가 불명확한 곳이다. 그런가 하면 사구란 불어오는 바람에 따라 움직이는, 가변적인, 변화무상한 모래언덕이다. 그래서 정해진 형태가 따로 없다.

 여기에 곡은 어떤가. 질 들뢰즈의 <천 개의 고원>은 천 개의 곡으로 이루어져 있다. 의식을 표상한 것인데, 의식은 표면과 이면이 천 개의 주름으로 접힌 주름 구조로 이루어져 있다. 표면의 의식과 주름 속에 숨어서 의식의 레이더에는 포착되지도 않는 무의식으로 이루어져 있다. 의식을 간섭하는 의식의 그림자, 의식의 함정, 의식의 지향호(메를로 퐁티)라고 해야 할까(비록 이로 인해 비로소 의식이 가능하고 또한 수정되기도 하지만, 여하튼).

 바로 작가가 실제의 피부로 체감하는 삶의 질감이 그렇다고 해야 할까. 그렇게 작가는 이상과 실제, 표면과 이면의 거리감을 느낀다. 때로 표면과 이면이 뒤집힌 채 혼성되는 삶, 경계 위의 삶, 이중적이고 다중적인 삶의 그림자를, 양가적이고 가변적인 삶의 함정을 실감하는 것이다. 아마도 작가의 분신이 여전히 알 듯 모를 듯한, 그저 머리칼 같고 털 뭉치 같다는 막연한 이름으로 부를 수밖에는 없는, 그런, 유보적인 상황 논리와도 통하는 부분이 있을 것이다. 작가의 그림은 바로 그런, 유보적인 상황 논리를, 다만 상황 논리가 유보적이어서 그렇지 분명한 실체를 가지고 있는 존재론적인 조건을 다루고 있다는 점에 작가만의 아이덴티티가 있고 미덕이 있다.

Landscape with swamps, wetlands, sand dunes, and valleys

Kho, Chunghwan / art critic, 2022

 The valleys(谷) reminded me of the Valley of Freud. Uncanny valley. Just as my life is now complicated by many things, countless valleys(谷) enveloped my life. I always want my life to show the clarity of being sun-dried, but the real world isn't like that. There are always uncertain parts, there are ones that are difficult to judge, and there are also dark ones with no sunlight. These became a massive valley and reminded me of a deep valley, the Deep Valley where I lived. (artist's statement)

 Unless paintings do not belong to abstract art driven by the modernist paradigm that regarded art as a form and pursued a pure form, paintings usually reflect the personality of the person who drew the picture in some way and the personality (identity) of the creator accordingly. This tendency is the same not only for people but also for landscapes and still life. In this broad sense, there is a difference only in the case and degree, but every picture can be an expression of self-portrait to some extent. Nevertheless, a self-portrait in a general sense, that is, in a common sense, means a picture in which the self appears directly, a picture drawn by directly objectifying the self. I have seen artist Rhee, JooHyeong's paintings from his early stage, but I don't recall seeing any self-portrait in this artist's paintings. I don't think that there have been no self-portraits at all, but, among recent works, there is a painting depicting such a self-portrait, which draws my attention.

 In the painting, the artist wearing glasses with half-white hair is looking down at the bottom of the screen with his face tilted slightly. Given that there are multiple canvases, this place is probably his studio Rather than looking at something, his face is facing downwards on the screen, which is probably thought to be immersed in something. In this way, the artist painted the front of himself, but surprisingly, the title of the painting is <Back>. Does it mean to look at the other side of the painting instead of looking at the front, or is it a request to read the hidden meaning behind the picture, not the meaning that is visible on the surface?

 If we look at the painting, we can find that something dark is hidden behind the artist. It is a shadow. It is often said that the shadow is a reflection of the subject and an alter ego. Among the many stories about the shadow, there is a story about trading the devil (the shadow here probably means the soul), and there is a novel about the story of the person dying when the shadow stands up and walks. Even in art history, there have been artists who give special significance to shadows. Artists like Edvard Munch and Francis Bacon are such examples. Perhaps they might contain the deep and internal meanings that the shadow talks about the story instead that the face, the surface, and the front surface have not been able to talk.

 However, there is another one in the darkness that looks like a shadow. It's hard to see because it's hidden in the dark. However, it always appears in all the paintings the artist drew so it can be called the artist's trademark in a certain sense. In other words, there is an unknown form that looks like hair or hair tuft. I hide myself in the shadow, and shadows also hide my alter ego. My truth (substance) is hidden in the shadows, and my truth (substance) hidden in that way has a substance (although it is an ambiguous form) as clear as myself. As such, the unknown hair tuft (?) that always appears in all the artist's paintings can be regarded as an alter ego of the artist. Therefore, it can be said that the artist sends his alter ego to all the paintings he drew and to all the places that are a subject matter of the pictures. In other words, he sends his envoys to participate as witnesses and testifiers of ordinary, ontological, and historical incident scenes.

 Once we see such an unknown form as the artist's alter ego, the artist's other paintings come into view. The <The Speech Bubble> series implied the words the author wanted to say(in a certain sense it looks like a tongue), and in the <Language of the Mountain>, the alter ego seems to be smiling in a way(in a certain sense, it looks like a beard face.

 When paying attention to the morphological similarity here, it is said <Tooth Fairy> was probably painted to commemorate the missing baby teeth that were kept in storage. From an external point of view, among the series of many valleys(谷) which use the landscape as the subject matters, some paintings that seem to depict the back of the head are attracting attention. Focusing on morphological similarities, the paintings look like the back of the head, but it would be interesting to find hidden faces there.

 Michel Tournier gives a special meaning to the back of a person in <Vues De Dos(Back View)>. As for the front view, what is seen is everything, but as for the back view, it is not possible to see or read its hidden meanings without affection, compassion, and tenacity. Thus, affection, compassion, and tenacity are another third eye(The sense of touch is the second eye) and the back view itself seen with those eyes could be another face. Thus, we can ask the following questions: In this way, can the artist be seen from the back of the head where itself is another face? Which one do we see from the artist? Can we see the artist's inner side, the artist's unconsciousness, the artist's anguish, the artist's wound, and the artist's self-consciousness? We can see it only if we see it with a third eye. If we look at them with affection, they will show you themselves.

 Nevertheless, the following questions remains: Why hair? Why hair clumps? Why is it a form that seems to be known and not known? It's called an alter ego, but what on earth is the alter ego? Borges said that the others live in the mirror. When looking in the mirror, there is another me in it. It looks like me, but it's not me. It's self-other. On the other hand, sometimes I currently meet myself in the past. People with self-reflective temperament go through this several times a day, which actually happens. In this way, I live with none other than my own ghosts. Regretted, lost, having remaining unresolved feelings, irretrievable, indescribable, inexpressible, oppressed, pushed into the unconscious, unconscious of unconsciousness but functioning body memory, in that way they are ghosts that evoke deja vu(the illusion that I had seen myself) every moment.

 Freud expressed fear as the hair bristling(In a popular vein, it is also commonly expressed in this way). When familiar things become unfamiliar(uncanny) (self-alienation in the existentialism), when oneself becomes unfamiliar (existentialist self-indulgence), when faced with the oppressed self (the return of oppressed things and the unexpected emergence of the Real returned to liquidate debt), the hairs bristle.

 The alter ego of the artist that resembles hair, resembles hair tuft, seems to be known and does not seem to be unknown, is probably not irrelevant to this episode. However, there is no need to recall fear. It may be good to think of itself as a manifestation of self-reflecting temperament and ontological questioning (reflection) that has neither form nor color. Since this is the self_other, the alter ego, the unconscious self, and the self that the body remembers, so perhaps it may be good to represent the prototype self. Simply put, it may be good to be said that it is a form based on the head, which is core of existence. In this way, the artist's alter ego wanders, watches, anguishes, and floats all over the artist's paintings.

 The artist spent a significant portion of his childhood in Simgok-dong. Simgok means a deep valley, and in pure Korean, it is called a deep valley (It itself is the title of a recent work). He currently lives in Bangok-dong, and there are Dungok, Sagok, Jigok, and Baekgok in the vicinity. At one time, he also lived in Nunggok.

 He said that he had questions why there are so many valleys in the places of life where he live and on the road of life he have passed, or whether the valleys have any meaningful connection with his personality, and that questions made him to paint a picture. (According to environmentalism, the environment determines the personality.

 Even if we look around him, there are many 'gok' letters in the place names. They are probably an accidental place names given naturally according to the topography. Even so, like the saying that it takes one to know one. something that others could easily overlook may have caught the artist. Something meaningless to others would have been meaningful to this artist. In that manner, while the artist looks back on his life as a middle-aged man through a series of valleys, it may be that he is asking the universal question of ontological conditions using this.

 In terms of external appearance, a series of valleys that show the shapes of the landscapes are usually divided into the ground at the bottom of the screen and the sky at the top of the screen using ridges and sensible horizon as boundaries. Here, the forms corresponding to the artist's trademark sometimes are on the ground, sometimes wandering in the sky or on the border. The ground is usually revealing bare skin that has been dug up, which is probably an expression of the artist's body rather than faithfully reflecting the real topography, It may be thought that he painted the traces of the body and the memories of the body about the place.

 How is that possible? Here, the concept of cosmic flesh by Merleau-Ponty may be helpful. The subject and the object are covered with cosmic flesh and cannot be separated from each other. Regardless of the subject's consciousness, the subject is already a part of the object. Thus, if there is no object, there is no subject. As such, the object has already determined the subject as a part of it. Even though I am not there now, my body (traces of the body, memories of the body) became the flesh of the landscape and was still preserved there. Therefore, the act of visiting there now is to reunite with me, which is part of the landscape. Or even this is not irrelevant to these facts (or perhaps self-consciousness), but it would be good to regard the landscape itself, which is revealing bare skin that has been dug up, as a projection of the artist's desolate mind on the landscape.

 On the ground, an atypical shape, which looks like a dot or a small rod, is patterned, which is reminiscent of rods planted in the field to set up awning screens and to set ropes. These things remind us of a part of the actual landscape like this, but at the same time or rather, but they may represent traces of the artist or a kind of mental image entangled in it.

 And what interests us in the artist's paintings is that there are especially a lot of swamps, wetlands, and dunes (A view of the sand dunes, everything ends in the desert). And there are even valleys. The artist wants to show dry clarity in his life, but these things are far from such clarity. Both swamps and wetlands are places where the boundaries are unclear whether they are water or land. The sand dunes move with the blowing wind, is a variable, and unchanging dune. So there is no fixed form.

 And, how about the valleys here? Gilles Deleuze's "A Thousand Plateaus" consists of a thousand valleys. This consciousness has a corrugated structure in which the surface and the back are folded into a thousand folds. This is made by the unconsciousness as it is hidden in the surface consciousness and folds and is not even caught on the consciousness radar. Should this be called a shadow of consciousness interfering with consciousness, a trap of consciousness, a directional arc of consciousness (Merleau-Ponty)? (Although this only makes it possible to become conscious, and only may result in the modification, anyway)

 Should we say that this is the texture of life that the artist feels with his skin? In this way, the artist feels a sense of distance between the ideal and the real, and between the surface and the other side. Sometimes the artist realizes a life where the surface and the other side are turned upside down and mixed, the life on the border, the shadows of dual and multiple lives, and the pitfalls of an ambivalent and variable life. Perhaps there is a part that is also in line with the logic of the reserved situation in which the author's alter ego is bound to be called by a vague name as the author's alter ego seems to be still known or unknown and the artist's alter ego is just like hair or hair tuft. The artist's painting has its own identity and virtue in that it deals with reserved situational logic and deals with ontological conditions with a clear substance.