1. Проект: «Цвет и форма без границ»

(вдохновлено Кеном Прайсом, Ken Price)

Об авторе:
Кен Прайс — американский художник, известный своими фантастическими органическими формами с яркой акриловой росписью. Его работы соединяют в себе цвет, форму и психологическую "внутреннюю топографию".

Визуальный язык: органика, цвет, форма.

Цель проекта:
Развить свободу формы и работы с цветом, научиться думать нестандартно и работать с абстракцией.

План работы:
• Вводная беседа о современном искусстве в керамике. Что может быть формой?
• Просмотр работ Кена Прайса
(органические скульптуры, абстракции) • Лепка фантастических форм, «форм без назначения»: вулканы, существа, планеты
• Сушка, при необходимости — обжиг, грунтовка
• Окраска яркой глазурью, добавление текстур
• Придумывание названий и «историй форм»

Визуальные референсы:
Кен Прайс, Ron Nagle, Niki de Saint Phalle (по цвету)

Концепция выставки:
Инсталляция «Цветной архипелаг» — острова, обитаемые фантастическими формами. Можно расположить работы на цветной ткани, добавить свет и музыку.

2. Проект: «Призрачные формы: память и пространство в керамике»

(по мотивам Рэйчел Уайтрид, Rachel Whiteread) www

Об авторе:
Рэйчел Уайтрид — британская художница, известная своими скульптурами и инсталляциями, в которых повседневные объекты превращаются в призрачные реплики.

Визуальный язык: Призрачные формы, отсутствие функциональности, материальность и текстуры, масштаб и пространство, простота форм, социальная и культурная подоплека

Цель проекта:
создать серию керамических объектов, исследующих тему памяти и исчезновения через использование традиционных методов керамического литья. Основное внимание будет уделено трансформации повседневных предметов и форм в керамические работы, отражающие исчезнувшие или изменившиеся элементы архитектуры, напоминающие о том, что было когда-то, но уже ушло.

План работы:
Изучение творчества Рэйчел Уайтрид, её методов работы, подходов к теме памяти и пространства • Сбор визуальных референсов: фотографии пустых комнат, элементов архитектуры, конструкций, которые утратили свою первоначальную функцию • С использованием глины и гипса создать модели повседневных объектов или частей зданий (например, дверных проемов, оконных рам, столов, стульев) • Применить технику литья для создания "оттисков" этих объектов, напоминая работы Уайтрид, которая использует литые формы для запечатления пространства • Использование различных техник керамического литья (включая литье в гипсовые формы) для передачи тонкости и текстуры. Эксперименты с различными цветами глазури и текстурами • Декорирование и обжиг • Подготовка к выставке с целью показать, как традиционные керамические методы могут быть использованы для исследования концепций памяти, утраты и пространства.

Визуальные референсы: архитектоны Малевича, Ghost (1990) — скульптура, где пространство комнаты заморожено в бетонной форме. House (1993) — литая форма дома, как памятник утраченной архитектуре. Керамические работы, воспроизводящие старинные предметы интерьера и архитектурные детали. Фото пустых помещений, разрушенных зданий и забытых объектов.

Концепция выставки:
Выставка будет представлять серию керамических объектов, которые будто бы вырезаны из памяти и истории. Экспонаты будут расположены в пространстве так, чтобы посетители могли обойти их и почувствовать их "призрачную" природу. Некоторые работы будут выглядеть как воспоминания о былых временах — пустые формы, не имеющие функциональности, но наполненные силой исторического контекста. В выставке будут использованы световые и звуковые эффекты для усиления атмосферности, создавая ощущение временности и исчезновения.

3. Проект: «Взрыв ЦВЕТА»

(в стиле Такуро Куваты, Takuro Kuwata) www.takurokuwata.com

Об авторе:
Такуро Кувата — японский художник, создающий грубые сосуды, будто «взорванные» цветной глазурью. Его стиль сочетает традиции и эксперимент.

Визуальный язык: контраст хаоса и блеска

Цель проекта:
Развить смелость и свободу в работе с материалом, игра с фактурой и текстурой, научиться использовать случайность как часть замысла, видеть красоту в хаосе.

План работы:
• Разговор о «хаосе» в искусстве, что такое «хаос в керамике», как он выглядит?
• Быстрая лепка грубой формы
• Добавление рельефа, эксперименты с поверхностями: наслоения, дырки, отпечатки
• Добавление цветных деталей / эмали / песка / глины контрастного цвета • Работа с контрастными материалами
• Финальный этап — глазурование

Визуальные референсы:
 Сосуды, «растекающиеся» глазури, контраст между грубым и гламурным, контроль и случайность, Takuro Kuwata, Sterling Ruby, Anselm Reyle

Концепция выставки:
«Флэш-галерея» — на подиуме, в хаотичном порядке, с прожекторами на глянец и тени, везде цветные шары или шарики.

4. Проект: «Следы в городе»

(по мотивам Кейт Ньюби, Kate Newby) www.katenewby.com

Об авторе:
Кейт Ньюби — художница из Нью-Йорка, создающая крошечные керамические вставки и объекты, «вшитые» в городскую среду: асфальт, стены, тротуары. Её работы трудно заметить, но они меняют восприятие пространства.

Визуальный язык: керамика + городская среда

Цель проекта:
Соединить керамику с повседневной средой, научиться видеть «поэзию малых форм» в городском пространстве.

План работы:
• Беседа: где в городе может жить керамика?
• Создание малых форм (мини-арт-объектов): отпечатки, символы, плитки, «каменные пуговицы»
• Групповая работа: из кусочков собрать уличную композицию
• При наличии возможности — размещение на улице, во дворе или в школьной галерее
• Финальный круг: обсуждение «городских находок», обсуждение всей серии работ, впечатлений

Визуальные референсы:
 Мелкие керамические вставки в асфальт, стены, кирпич — работа с пространством вне галереи, маленькие керамические «сюрпризы» для улицы или школьного двора: след лапки, кусочек мозаики, «тайное послание», Kate Newby, Rachel Whiteread (мелкие следы), уличные мозаики

Концепция выставки:
«Город, который говорит» — маршрутная выставка. Карта с точками, где спрятаны керамические «свидетельства».

5. Проект: «Глиняный дневник»

(вдохновлено Грейсоном Перри, Grayson Perry) www

Об авторе:
Грейсон Перри — британский художник, создающий сложные керамические вазы с изображениями и текстами. Его работы — это ироничные и трогательные дневники о жизни, обществе и идентичности.

Визуальный язык: социальная критика, ирония, гендер

Цель проекта:
Научиться выражать чувства и идеи через керамическую форму, использовать сосуд (объект) как личную метафору.

План работы:
• Введение: сосуд как дневник: что можно «рассказать» через вазу или чашку?
• Примеры ваз с рисунками, посланиями, символами
• Лепка: ваза, кружка, скульптура
• Украшение: надписи, узоры, рисунки, от руки или с трафаретом
• Представление: рассказ о своей вазе - «Что рассказывает моя работа?».

Визуальные референсы:
Grayson Perry, Betty Woodman, Keith Haring (в графике)

Концепция выставки:
«Говорящие формы» — выставка с подписями к каждой вазе: «о чём она говорит?», сюжетные вазы и блюда с личными, политическими и социальными высказываниями. Сосуд как голос художника о любимом, тайном, важном.

6. Проект: «Тени на стене»

(в духе Беатрис Корон, Béatrice Coron) www.beatricecoron.com

Об авторе:
Беатрис Корон — художница из Франции, работающая с силуэтами и теневыми театрами. Её работы рассказывают истории через вырезанные формы и игру света.

Визуальный язык: резьба, силуэты, нарратив

Цель проекта:
Развить композиционное мышление и создать нарратив через форму и свет.

План работы:
• Просмотр силуэтных композиций
• Эскизы героев, животных, сцен
• Создание резных керамических панно, как бумажные театры. Истории без слов
• Работа с просветами
• Подсветка: создание теней, фотосессия

Визуальные референсы:
Béatrice Coron, Kara Walker, театр теней, керамика Betty Woodman.

Концепция выставки:
«Керамический театр теней» — затемнённое пространство, источник света, а на стене — ожившие силуэты людей, фигуры и очертания мест, напоминающие о чем-то важном. Тема взросления, многослойности жизни и отношений, утраченных связей и новых открытий.

7. Проект: «Совершенно несовершенное»

(в стиле Йесу Кён, Yee Soo-kyung и японского кинцуги) www.yeesookyung.com

Об авторе:
Южнокорейская художница Йесу Кён использует разбитые керамические сосуды, склеивая их заново и подчеркивая швы «золотом». Это отсылка к японской технике кинцуги, где трещины не скрывают, а подчеркивают.

Кинцуги  — японское искусство реставрации керамических изделий с помощью лака, смешанного с золотым, серебряным или платиновым порошком.

Визуальный язык: склейка битых сосудов

Цель проекта:
Переосмыслить понятие «ошибки», научиться видеть в разрушении начало нового, принять «несовершенство» и научиться творчески восстанавливать.

План работы:
• Знакомство с историей кинцуги
• Разговор: как можно красиво «починить»
• Работа с битой керамикой
• Склеивание и добавление «золотых» швов
• Декор: бусины, стекло, цветные элементы
• До/после: презентация «до» и «после» трансформации

Визуальные референсы: Разбей глиняную форму (специально!), а потом собери её заново — добавив «золотые швы», бусины, стекло, ракушки. Йесукён, японское кинцуги, El Anatsui

Концепция выставки:
«Красота трещин» — экспозиция с фото «до», «после», и описанием смысла, который появился после «исцеления». Композиции из склеенных осколков: новый объект как рождение из разрушения — «Новая жизнь предмета». Работа с темой исцеления.

8. Проект: «Путь и след»

(вдохновлено Павлом Альтхамером, Paweł Althamer)

Об авторе:
Павел Альтхамер — польский художник, скульптор, автор перформансов, инсталляций и видеоартов. Известен своими социально вовлечёнными художественными практиками, в которых особое место занимает соавторство, телесность и работа с коллективным опытом. Часто работает с группами людей с ограниченными возможностями, включая их в творческий процесс, где искусство становится формой взаимодействия, трансформации и эмпатии.

Визуальный язык: Темы его творчества — тело как медиум, социальное взаимодействие, духовность и трансформация. Его визуальный язык строится на символике тела, масках, протезах, скульптурных следах, а также на жестах, действиях, оставляющих отпечаток в материале и памяти. Он часто соединяет повседневные материалы с элементами ритуала и игры, создавая пространство для совместного переживания и художественного действия.

Цель проекта:
Исследовать, как тело взаимодействует с глиной и пространством, как движение может стать частью творческого акта. Развить представление о керамике как перформативной практике: глина фиксирует движение, отпечаток, след, становится документом действия.
Проект вовлекает участников в осознанное движение, в котором создаются не только объекты, но и события, память и жесты.

План работы:

1. Вводная беседа: «Какие следы мы оставляем?»
   – Личный и коллективный след.
   – Следы времени, памяти, тела.

2. Создание объектов движения:
   – Глиняные обуви, штампы, колёсики, приспособления для перформанса.
   – Протезы и удлинения тела как скульптурные формы.

3. Эксперименты с материалами:
   – Оставление отпечатков на глине, ткани, песке, бумаге.
   – Работа в паре: один человек движется, другой фиксирует след.

4. Перформативная сессия:
   – Пространство действия: участники «проходят» путь, оставляя отпечатки.
   – Фиксация на фото и видео: движение и его след.

5. Обсуждение и сбор документации.
   – Что мы «сделали» телом?
   – Где граница между объектом и действием?

Визуальные референсы:
Paweł Althamer — коллективные ритуалы, социальная пластика

–  Лучо Фонтана — движние, экспрессия, пространство
– Саша Фролова — скульптурные костюмы и тело-объект
– Paulo Nazareth — путь, тело, документирование
– Ana Mendieta — отпечаток, природа, женская телесность
– Marina Abramović — следы действия, тело как граница

Концепция выставки:
«Следы пути»
Инсталляция из отпечатков на глине и ткани, глиняных объектов-носителей движения (обувь, штампы), фото- и видео-документации перформанса.
Комната будет напоминать одновременно археологическое поле и лабораторию памяти.
Посетитель может пройтись по пространству, увидеть движение, ставшее материей.

9. Проект: «Дыхание земли»

(вдохновлено Хоаном Серрой, Joan Serra) joan-serra.com

Об авторе:
Хоан Серра — испанский керамист-минималист, работающий с «чистой» формой, приглушенными цветами и тактильной поверхностью. Его керамика — это медитация в глине.

Визуальный язык: глина как медитация, минимализм

Цель проекта:
Научиться слушать материал, концентрироваться на простом, развить тактильное и эстетическое восприятие.

План работы:
• Разговор: что значит «простота»?
• Лепка одной формы (сосуд, плитка) — минимализм
• Полировка, сглаживание, сосредоточенность
• Монохромное покрытие (ангобы, полировка)
• Тихая выставка с приглушенным светом

Визуальные референсы:
 Минималистичные, простые сосуды или плитки — с акцентом на форму и тактильность. Монохромные формы, почти «антидизайн». Сосредоточение на присутствии, весе, тишине. Глина как дыхание. Joan Serra, Edmund de Waal, Isamu Noguchi, Lucien Petit

Концепция выставки:
«Дыхание Земли» — это попытка прикоснуться к самому истоку искусства, к первозданному жесту человека, который однажды украсил глиняный сосуд не из нужды, а по велению внутреннего импульса. Этот момент — украшение ради выражения — стал рождением художественного жеста, первым вдохом искусства.

Керамика — один из древнейших носителей этого дыхания. Она сохраняет тепло рук и пульс земли, воплощая в себе одновременно утилитарность и поэзию, материю и дух. Сквозь объем, фактуру и цвет керамика позволяет нам исследовать пластические возможности формы, углубляться в тактильное восприятие, строить диалог с пространством. Каждый керамический объект — это результат взаимодействия человека и стихии, проявление глубинной связи с природой.

Выставка вдохновлена творчеством каталонского художника Хоана Серра, чьи работы несут в себе напряжение между первобытной силой и утончённой интуицией. В духе Серра участники выставки стремятся выразить внутренние ландшафты через язык глины — как форму медитации, как исследование, как дыхание.

«Дыхание Земли» — это не просто демонстрация керамических форм. Это — путешествие к истокам, где материальное становится выразителем нематериального, где глина говорит голосом земли и человека одновременно.

10. Проект: «Глиняные стихи и я»

(по мотивам Фаусто Мелотти, Fausto Melotti)

Об авторе:
Фаусто Мелотти — итальянский художник, создававший керамические скульптуры, похожие на стихи или музыку. Легкие, ритмичные формы, линии, подвески, «вес воздуха». Мелотти переработал в своих работах опустошение военного времени, вернувшись к принципам Возрождения гармонии, порядка, геометрии и музыкальной структуры, которые он интегрировал в очень личный, но общедоступный художественный язык, выражающий весь спектр эмоциональных переживаний в современном человеческом существовании.

Визуальный язык: керамическая поэзия, асимметрия, ритм, повтор, движение, форма

Цель проекта:
Развить чувство ритма, повторения, музыкальности в форме. Создать керамику, которая звучит и движется.

План работы:
• Ввод: визуальная поэзия и «керамическая музыка»
• Лепка элементов: бусины, подвески, колокольчики, пластинки и пр.
• Сборка мобильной композиции (объекта)
• Проверка звучания и движения
• Пространственная инсталляция: подвесы, занавесы

Визуальные референсы:
 Небольшие объекты с ритмичными формами: бусины, подвески, колокольчики. Скульптура — как музыка или стих. Легкие, почти воздушные формы, игра с асимметрией, повтором, ритмом. Объекты — как визуальные стихи. Керамика Лучо Фонтана, объекты Александра Колдера, Fausto Melotti, Ruth Asawa, японские ветровые колокольчики

Концепция выставки:
«Звучащая керамика», «Музыка в глине», «Скульптура как музыка» — подвесные мобильные объекты, звучащие от ветра или прикосновения, создающие музыкальный ландшафт.