L'inauguration de Notre-Dame de Paris
par Nikos Nikolopoulos, Ioulia Sokolaki
L’ « œuvre du siècle », Notre-Dame de Paris, caractéristique de l'architecture médiévale des cathédrales, classée au patrimoine mondial de l'UNESCO depuis 1991, est rouverte après l'incendie dévastateur de 2019.
C'est le 15 avril 2019 qu'un incendie s'est déclaré dans la cathédrale, vieille de 850 ans.
Le président français Emmanuel Macron a promis de reconstruire la cathédrale, « plus grande et plus belle », la décrivant comme « partie intégrante du destin de la France ».
La reconstruction de Notre Dame « à l'identique » a été entreprise par l'architecte Philippe Villeneuve, qui a suivi les instructions de l'UNESCO et a cherché à renforcer le lien entre le passé et le présent de la France.
Lors d'une grande cérémonie, le 7 décembre 2024, la France a célébré l'ouverture de la cathédrale Notre-Dame de Paris restaurée.
Quarante chefs d’État et de gouvernement du monde entier ont répondu à l’invitation du président français Emmanuel Macron. Les festivités ont débuté avec la pierre tombale de la cloche de la cathédrale, et l'archevêque Laurent Ulrich de Paris a claqué la porte de Notre-Dame à trois reprises. La cérémonie était accompagnée d'un chœur qui chantait des hymnes d'église.
L'inauguration a marqué le début d'une nouvelle ère pour le monument emblématique de la capitale française.
Notre Dame de Paris : Informations générales
Notre-Dame de Paris est la plus célèbre cathédrale de France. Construite pendant le Moyen Âge, c’est un chef-d’œuvre de l’architecture gothique. La construction de Notre-Dame a commencé en 1163 et a duré pour plus de deux siècles. L’architecture de la cathédrale est influencée par de plusieurs périodes historiques et, pour cette raison, elle constitue un des monuments les plus importants du patrimoine français.
Notre-Dame est connue pour les sculptures de rois et de saints qui décorent sa façade, ses peintures, ses tapisseries et sa collection d’objets liturgiques. Cette collection, constituée par des vases, des reliquaires etc., est caractérisée comme un trésor de l’héritage historique de Paris. La cathédrale est connectée à des évènements majeurs de l’histoire de la France, comme le mariage d’Henri de Navarre (futur Henri IV) et de Marguerite de Valois en 1572, le sacre de Napoléon en 1804 et la célébration d’un Te Deum lors de la libération de Paris le 26 août 1944. Elle a aussi inspiré de grands artistes à ses œuvres, comme Victor Hugo. Chaque année Notre Dame accueille plus de 14 millions de visiteurs, envoûtés par son histoire et sa beauté.
«La femme au parasol» (1886) du Claude Monet
par Hélène Sidiropoulou et Nassos Sochoritis
Claude Monet était un impressionniste français populaire qui était pecialiste aux paysages.La peinture de paysage a longtemps été en quête de reconnaissance officielle. Il faut attendre le 17ème siècle pour que le thème devienne un genre pictural à part entière, aux côtés de la peinture d’histoire, du portrait et de la nature morte. C’est au 19ème siècle qu’il connaît son développement le plus marquant, avec la naissance de l’École de Barbizon en 1830. (το πρόσθεσα αν θέλετε) Il est né en 1840 à Paris dans une famille prospère et grandi au Havre. Il est allé à l’Académie Suisse des Beaux-arts, mais ses connaissances fondamentales sur l’art se dérivent de ses échanges avec des artistes comme Manet et Renoir. L’Impressionnisme*, en fait est considéré d’avoir tiré son nom par son œuvre "Impression, soleil levant" (1872).
Un de ses chefs d’art c’est «La femme au parasol». Il illustre, comme son titre déclare, une femme debout qui porte un parasol vert dans une prairie multicolore. Ce qui est important de souligner c’est l’effet du vent qui souffle les fleurs, la robe et le voile de la femme, en caractérisant sans doute cette peinture, car il la donne du mouvement, du naturel et un ton de la grandeur. Les couleurs utilisées et les touches appliquées sont très vives, en classant la peinture à la catégorie d’Impressionnisme. De plus, le ciel clair à l’arrière-plan respire un sens de sérénité.
Cette peinture est vraiment une œuvre représentative de l'Impressionnisme et des millions de touristes visitent le Musée d’Orsay chaque année pour l’observer, en incluant nous-mêmes aussi pendant notre excursion scolaire à Paris le février dernier.
*Impressionnisme: Mouvement (plutôt) artistique qui est apparu en France des années 1870, centré sur la lumière, les couleurs vives et les scènes de vie quotidienne. Peignant en plein air, les artistes privilégient les touches rapides et les effets éphémères.
L'art moderne : Une Révolution Esthétique
Par Eleni Tsiligianni
L'art moderne, qui s'étend de la fin du XIXe siècle au milieu du XXe siècle, est une période marquée par une rupture radicale avec les traditions artistiques précédentes. Ce mouvement a redéfini les concepts de beauté, d'expression et de représentation, bouleversant les conventions et les attentes des sociétés de l'époque. L'art moderne est le fruit d'une quête de nouveauté, d'expérimentation et d'innovation, un désir de refléter les changements sociaux, politiques et technologiques qui secouaient le monde.
L'art moderne émerge dans un contexte de profonde transformation. La Révolution industrielle, la montée du capitalisme, l'urbanisation rapide, ainsi que les bouleversements sociaux et politiques qui ont marqué le XIXe siècle, ont inspiré les artistes à se détourner des formes classiques et à chercher de nouvelles manières de représenter la réalité. Des mouvements tels que le réalisme, l'impressionnisme et le post-impressionnisme ont ouvert la voie à une remise en question de l'académisme et des règles établies par les écoles d'art traditionnelles.
L'un des moments décisifs de l'art moderne fut la naissance du cubisme, initié par des artistes comme Pablo Picasso et Georges Braque au début du XXe siècle. Ces artistes ont déconstruit les formes traditionnelles pour les analyser sous différents angles simultanés, ce qui a conduit à une représentation plus abstraite et fragmentée de la réalité. Le cubisme a ouvert la voie à de nombreuses autres expérimentations formelles, où l'art ne cherchait plus à imiter le monde réel mais à l'interpréter d'une manière subjective et expressive.
Au-delà du cubisme, plusieurs autres mouvements ont jalonné l'histoire de l'art moderne, chacun portant son propre projet esthétique et philosophique.
1. L'impressionnisme (fin du XIXe siècle) : Les impressionnistes, tels que Claude Monet, Édouard Manet, et Pierre-Auguste Renoir, ont bouleversé les codes de la peinture en cherchant à capturer les effets de la lumière et de l'atmosphère à un instant donné. Ils ont abandonné les scènes historiques et mythologiques traditionnelles au profit de la vie quotidienne, en utilisant des coups de pinceau rapides et une palette de couleurs vibrantes.
2. Le surréalisme (années 1920-1930) : Sous la direction d'André Breton, le surréalisme a exploré l'inconscient et le rêve. Des artistes comme Salvador Dalí, René Magritte et Max Ernst ont créé des œuvres mystérieuses et oniriques, défiant les lois de la logique et de la rationalité. Le surréalisme a eu une influence profonde sur la littérature, le cinéma et même la psychologie.
3. L'expressionnisme abstrait (années 1940-1950) : Ce mouvement est né aux États-Unis, avec des artistes comme Jackson Pollock et Mark Rothko. L'expressionnisme abstrait s'éloigne de la représentation figurative pour explorer des formes pures et des couleurs. Les artistes cherchaient à exprimer des émotions profondes et des états d'âme à travers la gestuelle et l'utilisation spontanée de la peinture.
4. Le futurisme (début du XXe siècle) : Né en Italie, le futurisme, porté par des artistes comme Umberto Boccioni et Giacomo Balla, célébrait le mouvement, la vitesse et la modernité. Les futuristes ont cherché à capturer la dynamique de la vie urbaine et industrielle, rompant avec les représentations statiques du passé.
L'art moderne n'a pas seulement été une révolution esthétique ; il a également répondu aux enjeux sociaux et politiques de son époque. Les artistes ont souvent utilisé leurs œuvres pour critiquer les structures de pouvoir, dénoncer les injustices sociales et explorer des thèmes liés à l'aliénation, la guerre et l'inégalité. Des œuvres telles que « Guernica » de Picasso, qui dénonce les horreurs de la guerre civile espagnole, ou « Le Cri » d'Edvard Munch, qui évoque l'anxiété existentielle, sont devenues des symboles de l'engagement de l'art contre les violences et les souffrances humaines.
L'art moderne a transformé à jamais la manière dont nous percevons et comprenons l'art. Par son rejet des conventions et son engagement avec les réalités sociales, il a ouvert la voie à une pluralité d'expressions et d'interprétations. Si l'art moderne a parfois été perçu comme incompréhensible ou perturbant, il a pourtant contribué à une plus grande liberté de création et à une réflexion plus profonde sur la place de l'art dans la société. Aujourd'hui encore, les principes de l'art moderne influencent les artistes contemporains, faisant de cette période un moment clé dans l’histoire de l’art.
Ainsi, l'art moderne demeure une référence incontournable pour toute réflexion sur la beauté, l'émotion et la société. Il a marqué un tournant décisif dans l'histoire de l'art, non seulement pour ses innovations formelles, mais aussi pour son impact sur la façon dont l'art engage une conversation avec le monde.
La musique gothique
Par Anastassia Karabini
La musique gothique est un style musical créé à partir du pop-punk et du rock dans les années 1970 en Angleterre. Certains groupes célèbres, qui ont commencé comme pop-punk mais qui ont incorporé ensuite des éléments gothiques dans leur musique sont Bauhaus, The Cure, Joy Division et Siouxsie and the Banshees.
Les caractéristiques de ce genre musical sont les motifs de guitare faux, les lignes de basse aiguës qui usurpent souvent le rôle mélodique et les rythmes qui étaient hypnotiquement sinistres, soit tam-tam lourds et « tribaux ». Le rock gothique traite généralement de thèmes sombres abordés à travers les paroles et l'atmosphère musicale. Certains de ces thèmes incluent le romantisme, l'existentialisme et la mort, ainsi que les symbolismes religieux et le mysticisme surnaturel.
Comme je suis fan de ce style de musique, je recommanderais aux nouveaux venus de la sous-culture, également connue sous le nom de baby bats, d'écouter ces chansons :
1. Type O Negative, “Love you to Death”
2. Sisters of Mercy, “Lucretia My Reflection”
3. Christian Death, “Romeo’s Distress”
4. Depeche Mode, “Black Celebration”
5. Siouxsie and the Banshees, “Spellbound”
6. Joy Division, “Heart and Soul”
7. Bauhaus, “Bela Lugosi’s Dead”
8. Bauhaus, “The Passion of Lovers”
9. Pitch After Dark, “Torn”
10. Naughty Zombies, “She’s a Vamp”