VIII SVL, 12 e 13 set 2024

Palestras

VIII Simpósio Villa-Lobos

Auditório Lupe Cotrim (ECA-USP)

Entrada Franca

Mauren Frey

Elementos composicionais da Obra instrumental de Vieira Brandão e sua proximidade com Villa-Lobos

ÁLBUM BRANDÃO INSTRUMENTAL

Esta palestra apresenta um panorama sobre a obra instrumental com piano de José Vieira Brandão (1911-2002) com foco principal na sua proximidade com o trabalho de Villa-Lobos e de que maneira construiu sua própria linguagem composicional baseado neste contato. Apresento também questões de compreensão do texto musical que foram relevantes para o processo de construção da performance e gravação do Álbum Brandão Instrumental com 5 das obras de câmara do compositor que se apresentam como significativas para a aproximação com sua linguagem pessoal. Reconhecido como exímio pianista, estreou uma significativa parcela das obras para piano de Villa-Lobos. Contudo, ele não se dedicou a divulgar suas próprias obras com o mesmo ímpeto. De acordo com o catálogo disponível na biblioteca Vieira Brandão do Museu Villa-Lobos, escreveu para piano solo 5 obras didáticas; 1 Prelúdio, 4 estudos e 4 Serestas (Rodrigues, 2017; 2012). Já para conjuntos de câmara com piano, seu instrumento principal, escreveu 7 obras, todas para instrumentos de cordas friccionadas (Rodrigues, Dalmacio & Rossi, 2024). Apesar de não muito numerosas, as composições de Vieira Brandão caracterizam-se pela sofisticação técnica, coerência formal, preferência por aspectos melódicos de uma linguagem relativamente próxima do tonalismo e identificação com as correntes nacionalistas da música brasileira. Estabelecida uma relação deliberada de influência musical entre Brandão e Villa-Lobos, observa-se nas obras de Brandão características de elementos composicionais recorrentes que evidenciam esta proximidade ao mesmo tempo que são utilizados de maneira a conferir originalidade e assegurar o desenvolvimento de uma linguagem composicional particular. Podemos entender que a postura de Brandão se apoia na premissa de Bloom (2013), segundo a qual o compositor se apresenta como “poeta forte” no sentido de que estabelece relações inevitáveis com seus predecessores canônicos, ao mesmo tempo desenvolvendo sua autenticidade. De acordo com Straus (1990), ao incorporar elementos tradicionais, compositores do século XX dialogam com seus predecessores; e ao reinterpretar radicalmente estes elementos, injetam um espírito de revisionismo ao diálogo e tendem a (re)trabalhar elementos tradicionais para atender aos seus próprios interesses. A partir dessa premissa, consideramos também que a música de Brandão parece compartilhar mais semelhanças do que diferenças com a música nacionalista do início do século XX. Em suas obras instrumentais, Vieira Brandão homenageou compositores e intérpretes de destaque no cenário musical, e ao fazê-lo não divergiu das práticas musicais da primeira metade do século XX, permeada pela música do passado. Nomeou suas fontes de inspiração em sua Tese de Livre Docência (1949) e, principalmente, nos subtítulos das peças. Contudo, nem sempre estas referências estão explícitas ou passíveis de serem facilmente observadas na partitura. Em contrapartida o resultado sonoro da sobreposição dos elementos musicais é o que evoca auditiva e instintivamente o ambiente de um determinado compositor ou traços dos interpretes homenageados. A partir desse contexto apresento um panorama, com concisas considerações de cunho analítico, a fim de elucidar e exemplificar em excertos tanto das obras solo quanto de câmara estas características principais e recorrentes. Do ponto de vista técnico-musical, pode-se dividir os elementos composicionais característicos e recorrentes da obra de Brandão em dois grupos principais: Rítmicos (diferentes agrupamentos de semicolcheias; polirritmia) e Melódicos (melodias em notas duplas; cromatismos) sendo que, assim como na música de Villa-Lobos (Salles, 2009), destaca-se a sobreposição de camadas da textura, ampliando a sofisticação técnica e estrutural das obras. Por fim, entende-se que Brandão recorre a sonoridades, formas e gestos dos seus antecessores, distantes ou próximos. Como compositor, escreve a música do seu tempo e homenageia principalmente Villa-Lobos, mas também Guarnieri e toda uma geração de nacionalistas modernistas. Com isto, perpetua modelos e se insere na comunidade imaginada (Anderson, 2008) que cultua esta corrente musical.

Diretor de Estudos Orquestrais na Miami University, lançou o seu livro "Villa- Lobos e Modernismo: A Apoteose da Música Canibal" durante as comemorações do bicentenário da independência do Brasil e do centenário da Semana de Arte Moderna, omovimento que impulsionou o modernismo nas artes no país. O livro lançado em uma conferencia internacional na Universidade de Yale nos Estados Unidos, foi publicado pela Lexington Books, um selo da Editora Rowman and Littlefield. Agora o livro será lançado no Brasil dentro do VIII Simpósio Villa-Lobos, na Universidade de São Paulo.O livro trata da introdução do Modernismo na música no Brasil. O Modernismo foi um dos períodos maisempolgantes da história da humanidade: um momento em que cientistas fizeram descobertas revolucionárias, como a Teoria da Relatividade de Einstein e o conceito do subconsciente de Freud, que mudaram para sempre nossa percepção da realidade. A premissa principal do livro é que, enquanto na Europa o modernismo foi definido por uma série de movimentos contrastantes como expressionismo, surrealismo, futurismo, primitivismo, cubismo e outros, na América Latina houve um movimento equivalente que foi relegado para segundo plano devido a uma visão eurocêntrica da arte: o canibalismo cultural ou antropofagia. Em uma época em que aspectos referentes à diversidade e inclusão se tornaram prioridade na sociedade contemporânea, Averbach emerge como um pioneiro na introdução da inovadora noção de canibalismo musical e artístico. O canibalismo cultural é usado metaforicamente para definir um movimento cultural no qual artistas se identificavam com a população ameríndia na América Latina, que era canibal. O canibal não come por fome ou gula. O canibal come para assimilar a força do inimigo em um ritual. Da mesma forma, artistas brasileiros devoraram a cultura europeia em uma reação violenta contra o colonialismo e a fundiram com a cultura brasileira para regurgitar um novo tipo de arte que era um produto híbrido novo e original, com múltiplas influências. Além disso, o livro resgata Villa-Lobos como o compositor seminal cujas contribuições impulsionaram o modernismo a novos patamares, além de abrir as portas para outros compositores latinoamericanos ao criar uma ponte entre música clássica e a popular. Neste estudo profundo, Ricardo Averbach eleva o Canibalismo Cultural como uma grande manifestação da estética modernista, e Villa-Lobos como seu principal expoente no campo da música. O apetite antropofágico de Villa-Lobos por estéticas opostas ilumina através da justaposição de elementos contraditórios, deixando um legado de originalidade inigualável, um caleidoscópio brilhante de sons que se inspiram no poder radical de Josephine Baker até a extravagância ousada de Carmen Miranda, do Dadaísmo às descobertas científicas contraintuitivas de Einstein, do folclorismo à atonalidade.

Ricardo Averbach

Villa-Lobos e Modernismo: A Apoteose da Música Canibal

O Modernismo na arte foi um movimento do início do século XX que buscou criar uma ruptura com a arte tradicional europeia, cuja evolução costumamos reportar à antiguidade Greco-romana. O grande objetivo dos modernistas, independentemente de sua afiliação, era criar uma arte nova, original e autêntica. E assim surgiram múltiplos movimentos na Europa que receberam denominações tais como Expressionismo, Futurismo, Fauvismo, Neoclassicismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Primitivismo e outros. No início de século XX, a Europa atraiu um número significante de artistas brasileiros e da América Latina, que foram expostos a essas novas tendências revolucionárias na arte. Enquanto isso, a arte brasileira autêntica era considerada retrógrada, rústica e não sofisticada ao ser comparada com a refinada arte tradicional europeia. Com o passar do tempo, o Brasil abriu as portas para os movimentos de vanguarda trazidos da Europa, e a Semana de Arte Moderna constituiu um marco significativo desse processo, ao mesmo tempo que produziu uma nova mentalidade que abraçou a arte nacional primitiva como algo autêntico e original. Oswald de Andrade, que foi um dos fundadores do Modernismo no Brasil, considerou que o Primitivismo foi a maior conquista da Semana de Arte Moderna. Mas o primitivismo brasileiro era fundamentalmente diferente do primitivismo europeu. Para romper com a tradição na arte europeia, que podia ser traçada até a Grécia e Roma antigas, os artistas europeus tiveram que buscar inspiração nas culturas de civilizações de lugares distantes, tais como a África, Ásia e Oceania. No Brasil, a expressão artística do Primitivismo era muito mais fácil. Em vez de procurar terras e lugares distantes, tudo o que os artistas brasileiros precisavam fazer era olhar para o interior do país, onde a cultura nativa e primitiva do ameríndio ainda estava presente. O ameríndio brasileiro pode ser visto como o mais primitivo e fundamental dentre os povos primitivos, porque ele praticava o mais feroz e criminoso ato imaginável: canibalismo. Foi isso que levou Oswald de Andrade a conceber seis anos após a Semana de Arte Moderna, o movimento conhecido como Antropofagia ou Canibalismo Cultural. É preciso entender que o canibal ameríndio não come outro ser humano porque está com fome ou por gula. O canibal come outro ser humano para adquirir magicamente as qualidades do inimigo através de um ritual mágico. Assim, Oswald de Andrade usou a metáfora do canibal para definir o artista moderno brasileiro: alguém que devora a cultura europeia e sua própria cultura brasileira para regurgitar um novo tipo de arte que era um produto híbrido dessas múltiplas influências. Esse produto híbrido não seria inferior em termos de qualidade, mas teria um valor igual ou superior à arte do colonizador europeu. Em um processo revertido, a arte brasileira voltaria para a Europa e influenciaria os artistas de vanguarda europeus que foram originalmente devorados. No cerne do canibalismo cultural reside um dilema: “tupi ou não tupi? Essa é a questão.” O índio tupi constituía a maior população ameríndia durante a descoberta do Brasil. O dilema em questão pode ser entendido da seguinte maneira: se a prioridade máxima da arte moderna era produzir algo novo e original, ao devorar a influência europeia através do canibalismo cultural, a arte brasileira não se tornaria derivativa? É isso que tento responder no meu livro.Ao estudarmos a estética antropofágica na música, encontramos algumas barreiras. Com a perspectiva do tempo, hoje consideramos a antropofagia o movimento modernista mais influente no Brasil, a ponto do antropólogo Viveiros de Castro, considerá-la "a reflexão meta-cultural mais original jamais produzida na América Latina até os dias de hoje." No entanto, a antropofagia foi um movimento que, como muitos movimentos europeus, tem sido associada principalmente à literatura e às artes visuais, e não à música. Apesar de ter participado da Semana de Arte Moderna, foi mais difícil associar Villa-Lobos ao movimento antropofágico porque este foi lançado seis anos depois da Semana de Arte Moderna em São Paulo, enquanto Villa-Lobos foi um compositor carioca por excelência. A rivalidade entre São Paulo e Rio de Janeiro perdura até hoje, e contribuiu para a percepção de um distanciamento entre Villa-Lobos e o movimento antropofágico. Devido a esses desafios, durante a maior parte do século XX, Villa-Lobos foi visto como um compositor nacionalista que escrevia música exótica e inspirada, mas que em última análise seria derivativa. Por muitos anos, Villa-Lobos foi considerado essencialmente um compositor nacionalista, sendo para o Brasil o que Chopin foi para a Polônia, Liszt para a Hungria, Verdi para a Itália, Grieg para a Noruega, e assim por diante. Como muitos outros artistas, Villa-Lobos foi para Paris, que era a capital cultural do mundo no início do século XX. A “cidade luz” foi invadida por artistas tais como Josephine Baker, que satisfaziam o apetite das audiências parisienses pelo exótico. Josephine Baker refletia a fascinação pelo primitivismo africano, representando a figura sexualizada de uma mulher exótica de cor que liberava as fantasias atávicas reprimidas dos europeus. E isso também está relacionado com a antropofagia, pois essa ideia deriva do conceito freudiano de que o desejo sexual nada mais é do que um disfarçado apetite pela carne humana. Analogamente, Villa-Lobos, com sua personalidade exuberante, ficou conhecido como um compositor ameríndio, o “índio de casaca,” um compositor exótico dos trópicos. E ele se deliciava em usar essas estórias para autopromoção. Por exemplo, em dezembro de 1927, o jornal parisiense L’Intransigeant descreveu como Villa-Lobos foi feito prisioneiro por canibais durante uma viagem à região próxima do Paraguai. De acordo com o artigo, ele foi amarrado nu a uma árvore enquanto os índios celebraram sua captura, dedicando três dias de festividade em preparação para comê-lo, até que o compositor escapou através de um resgate milagroso. O artigo foi intitulado “L’aventure d’un Compositeur: Musique Cannibale” (A Aventura de um Compositor: Música Canibal). Tais estórias posteriormente contribuíram de maneira negativa para estabelecer a reputação de Villa-Lobos como um compositor exótico mas derivativo, e também dificultaram sua associação com o verdadeiro movimento antropofágico. Isso nos leva a questionar aonde reside a verdadeira contribuição de Villa-Lobos ao modernismo na música. E a resposta está justamente no seu papel como um legítimo representante da estética antropofágica, um movimento seminal que ficou deixado à periferia devido a uma interpretação historicamente eurocêntrica da música ocidental. No entanto, em uma época como os dias de hoje, quando estamos preocupados com aspectos de diversidade e inclusão, a antropofagia surge como um conceito que desafia a noção de hegemonia, permitindo uma permeabilidade mais natural entre diferentes culturas através de um processo de transculturação. Talvez tenha sido Stravinsky, considerado o compositor modernista mais influente, quem melhor entendeu intuitivamente o verdadeiro significado da antropofagia, quando afirmou que “o bom compositor não imita: ele rouba.” O nacionalismo exótico de Villa-Lobos é enganoso. Ao invés de construir seu estilo individual a partir do estilo nacional do Brasil através da apropriação do folclore, na verdade foi o estilo de Villa-Lobos que moldou o estilo nacional da música brasileira. Ele criou uma paisagem sonora deslumbrante e altamente imaginativa que captou a alma do povo brasileiro e a geografia do país, incorporando os ingredientes mais importantes da natureza: os sons da floresta, seus animais, insetos e monstros, os habitantes ameríndios e até mesmo o nascer do sol como representação das potencialidades de uma nação jovem.Em meu livro eu procuro descrever tecnicamente em detalhes o processo composicional antropofágico de Villa-Lobos, e como ele foi capaz de introduzir inovações significativas na estética modernista. Ao fazê-lo, ele integrou e transcendeu as influências culturais para criar uma nova e poderosa identidade artística. Um dos principais achados foi a predominância de elementos surrealistas na estética musical antropofágica, que foi uma de suas mais valiosas contribuições. Ironicamente, todos os movimentos modernistas europeus tiveram um ciclo de vida limitado, atingindo seu apogeu e declinando posteriormente, para serem substituídos por estéticas mais modernas. No entanto, a antropofagia continua se renovando e periodicamente reaparece de maneira poderosa com uma nova roupagem. Se a antropofagia continua presente na arte brasileira, podemos dizer que ela também aparece de maneira revigorada na arte de inúmeros países, sob a forma de um processo de transculturação. E ao fazê-lo, realiza a profecia de Oswald de Andrade, ao se tornar uma utopia exportada do Brasil para o exterior.

Carlos E. Kater, musicólogo, compositor e educador musical, Doutor pela Universidade de Paris IV (Sorbonne), com Pós-Doutorado pela mesma instituição e Professor Titular pela Escola de Música da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG). É autor de muitos artigos e livros publicados, nas áreas de musicologia e de educação musical. O projeto A Música da Gente, criado e coordenado por ele desde 2013, propõe uma educação musical inventiva, centrada na criação de músicas inéditas, aliada ao desenvolvimento pessoal dos participantes. Teve inúmeras edições e desdobramentos ao longo dos anos, em diversas regiões do Brasil e exterior, tendo alcançado mais de 30.000 estudantes até o momento. É membro da Academia Brasileira de Música (cadeira nº16). Para mais informações ver: http://www.carloskater.com.br/ ; http://lattes.cnpq.br/1845763886645209; https://www.facebook.com/carlos.kater.5; https://www.facebook.com/amusicadagente2018

Carlos Kater

Encontros com H.Villa-Lobos

Durante a década de 1980 várias entrevistas foram realizadas com personalidades do meio musical brasileiro e internacional com a finalidade de se conhecer mais detalhes da trajetória profissional e pessoal de Heitor Villa-Lobos.Essas entrevistas com músicos e musicistas, que mantiveram em suas memórias informações valiosas sobre o compositor brasileiro, foram transcritas, editadas e reunidas na publicação de um ebook interativo sob o título de “Encontros com Villa-Lobos”.Dentre os entrevistados figuram Anna Stella Schic, Arminda Villa-Lobos (Mindinha), Eleazar de Carvalho, Eunice Katunda, Francisco Mignone, Koellreutter, Souza Lima, Camargo Guarnieri, Magdalena Tagliaferro, entre vários outros, incluindo ainda uma entrevista concedida em Paris pelo próprio Villa-Lobos.Na exposição serão apresentadas as principais características do livro digital interativo, contendo 665 páginas, bem como comentadas algumas das particularidades das percepções e opiniões dos entrevistados, que desenham as diversas facetas que compõem o mito, o homem e o músico Villa-Lobos (compositor, regente, educador).Cada entrevistado ao compartilhar as suas próprias memórias pessoais agrega elementos inéditos que representam uma das múltiplas facetas do grande músico brasileiro e dessa maneira põem em movimento o móbile amplo e complexo que ilustra sua imagem multifacetada e por vezes polêmica ou contraditória que dele se tem ainda hoje.Dessa forma, é possível conhecer-se um pouco mais da história da música brasileira, desses seus representantes entrevistados e de seu protagonista mais consagrado na primeira metade do sec. XX, contada, em “viva voz”, por esses protagonistas com detalhes até então pouco conhecidos, relatos até então não escritos e divulgados.

Page updated

Report abuse