Embedded Files
Поп-арт
Поп-арт — направление в изобразительном искусстве 1950 - 1960 годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления, реди-мейд.Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя . В 1966 г. Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, гиперреализм (фотореализм), перфоманс, хеппенинг.
Гиперреализм или фотореализм — это художественное течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографическом воспроизведении действительности.
ГИПЕРРЕАЛИЗМ (hyperrealism - англ.), или фотореализм (photorealism — англ.) — худож. течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности. И в своей практике, и в эстетических принципах, и в жизни гиперреализм близок к поп-арту, их прежде всего объединяет возврат к фигуративности. Выступает антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации.
Главным для гиперреализма является точное, неэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии: документализм гиперреализма акцентирует механический, “технологичический” характер изображения, добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки, аэрографии, эмульсионных покрытий; цвета, объемы, фактурность упрощаются. Излюбленная тема гиперреализма — повседневная жизнь, городская среда, реклама, портрет “человека с улицы”, создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности.
Вместе с тем, наряду с тенденциями “масс-медиатизации” искусства, в гиперреализме присутствует и поисковый, экспериментальный пласт, связанный с усвоением наиболее передовых технологий и приемов фотографии и киноискусства: крупный план, детализация, оптич. эффекты, монтаж, полиэкран, авторская раскадровка, съемка с высокой точки и т.д.
Гиперреализм возник в США во вт. пол. 60-х гг. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно опр. тематике: усеченные рекламные щиты (Р. Коттин-гэм), брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн).
Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов — Д. де Эндреа, чьи выполненные в натуральную величину работы отмечены иронич. отчуждением. Манекеноподобные обнаженные фигуры (“Сидящая брюнетка на пьедестале”, “Сидящие мужчина и женщина”), воспроизводящие роденовские позы
— своего рода кичевые антигерои, пародирующие идолов коммерч. рекламной красоты. Их цветущая плоть контрастирует с внутр. пустотой моделей, находящихся в антипигмалионовских отношениях со своим создателем (“Автопортрет со скульптурой”). Являясь не только музейными, выставочными экспонатами, но и модными атрибутами совр. деловых интерьеров, натуралистически детализированные “ню” рассчитаны на эстетич. шок. С ними рифмуется физиологизм персонажей-прототипов американизма (Д. Хэнсон), а также гиперреалистич. сексуальная символика мощных фигур, лишенных головы и ног, в атлетическом реализме (Р. Грэхем).
Худож. опыт гиперреализма явился предтечей постмодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органич. частью постмодернистского худож. языка. Так, “навязчивый реализм” (М. Леонард, Б. Джонсон, С. Холи) сочетает традиц. натуралистич. технику с совр. кино-, фото-, видеоприемами воздействия на зрителя, эффектами виртуальной реальности: гипнотически жизнеподобные детали в сочетании с нулевым градусом интерпретации создают атмосферу солипсистской замкнутости личности на фоне самодостаточной вещности мира.
Невероятно реалистичные картины мексиканца Омара Ортиза (Omar Ortiz) в стиле гиперреализма. Художник предпочитает писать маслом и использует в качестве главного элемента для своих работ – человеческое тело, и в особенности женское.
Художник-фотореалист Педро Кампос (Pedro Campos) живет и работает в Мадриде (Испания).
Педро Кампос, потрясающие работы которого действительно сложно отличить от фотографий, рисует маслом на холсте.
Энди Уорхол ( настоящее имя — Анджей Вархола) (1928 - 1987) — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арта и современного искусства в целом.Родился в Питтсбурге. В третьем классе Уорхол заболел , после чего большую часть времени был прикован к постели. В классе он становится изгоем. Развивается боязнь врачей и больниц (которая не отпустит его до смерти). В периоды времени, когда он прикован к постели, начинает увлекаться рисованием, делает коллажи из газетных вырезок. После окончания в художественного факультета Технологического института Карнеги переезжает в Нью-Йорк где работает художником-иллюстратором в журналах Помимо этого занимается оформлением витрин и плакатов. Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании. В 1956 он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов». В 1962 году Энди создаёт картины "Зелёные бутылки кока-колы" и "Банки супа "Кэмпбелл"" . Начиная с этого периода Уорхол как фотограф и художник сотрудничает со звёздами музыки и кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли. После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый "Диптрих Мэрилин ", ставший аллегорией жизни и смерти актрисы. В 1963 году Уорхол приобретает здание в Манхэттене здание получает название «Фабрика», тут Энди ставит на поток создание произведений современного искусства. В здании царит обстановка вседозволенности, проводятся вечеринки. Здание нарушило представление о мастерской художника как об уединённом месте. Работы Уорхола входят в высший ценовой диапазон арт-рынка. В 2008 году холст «Восемь Элвисов» (1963) был продан за $100 млн. В 2010 объём продаж работ Уорхола превысил $300 млн, что составило 17 % всего объёма рынка современного искусства. За период с 1985 по 2010 средние аукционные цены на работы Уорхола выросли на 3,400 %, что примерно вдвое превышает средний рост цен на современное искусство за тот же период.
http://worldbehindmywall.ru/?p=762
Банка супа "Кэмпбелл"
Зелёные бутылки кока-колы
В 1962 году Уорхол выполнил вручную 32 шелкографических изображения банок супа "Кэмпбелл". Они были выставлены на продажу по сто долларов. Выставка принесла автору первую известность. Картины в галерее были расставлены на белых полках как настоящие банки в бакалейном магазине. Помогли и конкуренты: галерея напротив выставила в витрине настоящий суп в банках с подписью: "У нас настоящее и всего по 29 центов"
В 1995 году эти картины были проданы МОМА за $14,5 млн
В 2006 году одна эта картина "с надорванной этикеткой" была продана за $11,8 млн. Жена магната Эли Брода, который приобрел ее, во время аукциона сидела рядом, но не знала об участии мужа в торгах, спросила "Какой тупой идиот купит это?"
Диптрих Мэрилин
Элизабет Тейлор
Всего Уорхол написал более тысячи портретов - больше, чем многие художники картин за всю жизнь. Его гонорар вырос до $40 тысяч. Уорхол, твердо веривший в свою «пластическую хирургию», всем своим моделям дарил красоту: убирал морщины и дефекты кожи, срезал двойные подбородки, делал глаза ярче, а губы более чувственными.
Уорхол начал писать на заказ портреты. За $25 тысяч он готов был написать портрет, на котором заказчик будет выглядеть наилучшим образом. На создание каждого уходил один день. Была налажена работа по «массовому производству» портретов знаменитостей. Человек, которого Уорхол портретировал, приходил к нему в мастерскую, где фотоаппаратом «Полароид» художник делал серию моментальных снимков, отбирал лучшую фотографию, увеличивал ее, и методом шелкографии изображение переносилось на холст. Уорхол либо закрашивал поверхность холста до репродуцирования, или же писал масляными красками по уже репродуцированному изображению.
Уорхол рассказывал: "Я попросил десять-пятнадцать знакомых предложить темы. Наконец одна подруга задала правильный вопрос: "Слушай, а ты сам-то что больше всего любишь?" Вот так я и начал рисовать деньги"
Мик Джаггер
Роберт Раушенберг (1925 - 2008) — американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта. Продолжая традиции кубизма, работал в основном в технике коллажа и редимейда. В своих работах использовал мусор и различные отбросы.
Комбинации Раушенберга отражают энергию и темп развития массовой урбанистической и технократической культуры, в которой на смену работе художника на бумаге или холсте пришли потоки информации, передаваемой через масс-медиа посредством фотографии, компьютеров, газет и т.п.
Ранние работы Раушенберга были попыткой избавиться от стереотипов «живописного метода» и возвышенных целей традиционного искусства. Например, он стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Стертый де Кунинг».
В течение 1950-х годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных – до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.
Две ключевые работы Раушенберга – коллажи «Кровать» (1955) и «Монограмма» (1955–1959). Первая из них представляла собой настоящую кровать Раушенберга, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина; второй коллаж был украшен чучелом ангорской козы.
В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества. В 1980-е были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.
Работы Раушенберга хранятся во всех крупных собраниях современного искусства мира.
В 1981 году начал эпохальное произведение, под которое отдан весь "Гуггенхейм Музеум эт Эйс Гэллери" - "Четверть мили или две восьмых мили": многосоставная работа, включает более 200 частей и рэди-мейдов длиной около 400 м
В музее современного искусства в Стокгольме стоит одна из самых известных его работ "Монограмма" концептуальным элементом которой стало чучело ангорской козы
Роберт Раушенберг. Ретроактива I. 1964.
В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (парашютист, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х.
Коллаж «Кровать» (1955) - настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленную вертикально
BMW каждый год предоставляет одному художнику для росписи свой автомобиль.
Работа Раушенберга
В 1953 Раушенберг выставил «Стертый рисунок Де Кунинга» — рисунок Виллема Де Кунинга, который Раушенберг стер. Он поднял вопрос о природе искусства, дав возможность зрителю решать, может ли стертая работа другого художника быть творческим актом, может ли быть эта работа искусством только потому, что он, Раушенберг, стер её. (концептуализм)
В течение 1950-х в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных – до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.
В 1964 году Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Это решение жюри вызвало бурную реакцию — Ватикан высказался об «упадке культуры»
Рой Лихтенштейн (Roy Lichtenstein) (1923 - 1997) – американский художник, график и скульптор. Является одним из основоположников поп-арта.Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке. После окончания школы Лихтенштейн уезжает из Нью-Йорка в Огайо, для обучения в местном университете, в котором преподавались курсы по искусству и давалась степень в области изобразительного искусства.
В 1951 году Лихтенштейн едет в Нью-Йорк, где проходит его первая индивидуальная выставка. Он также продолжал преподавать, сначала в Колледже Штата Нью-Йорк, а позже в Douglass Колледже, отделении Rutgers Университета в Нью-Джерси.
Работы Роя Лихштейна выполнены в стиле комиксов. Используя яркие, «кислотные» цвета и промышленные типографские методы, он иронически соединял объекты и стереотипы «массовой культуры» и близкие ему образцы «высокого» искусства живописи.
В 50-ые годы 20ого века, Лихтенштейн использовал основные приемы абстрактного экспрессионизма, но также начал вводить в состав своих картин такие темы как ковбои и индейцы или бумажные деньги.
В 1961 году, когда он еще преподавал в Douglass Колледже, под впечатлением работ своего коллеги Аллана Капроу, он обратился к использованию в картинах комиксов и персонажей мультфильмов, благодаря которым он и создал свой легко узнаваемый стиль и получил всемирную известность. «Последнее Хрю…» (1962, Музей Современного Искусства) было первым впечатляющим примером его новой живописи.
Первичные спектральные цвета – красный, желтый и синий, резко ограниченные черным — стали его фаворитами. Иногда, правда, он использовал и зеленый. Вместо оттенков цвета, он использовал растровую точку, метод, которым изображение и плотность тона, модулируется при типографской печати.
Иногда он просто выбирал картинку из комикса, слегка реконструировал ее, переносил холст и наносил точечный растр. «Я хочу, чтобы моя живопись выглядела так, как будто это сделал компьютер» объяснял Лихтенштейн.
Несмотря на то, что многие из его картин являются сравнительно небольшими, методы обработки объекта, применяемые Лихтенштейном, дают ощущение монументальности изображения кажутся массивными и грандиозными по размеру.
Начиная с 1962, он обратился к работам великих художников:
Пабло Пикассо, Пита Мондриана, и даже Клода Моне, творчество которых он своеобразно преломлял в своем стиле. С помощью этой техники картины его предшественников, превращаемые в комиксы, как бы лишались некой «сакральной» ауры.
Благодаря Лихтенштейну вслед за простыми предметами свою художественную ценность доказали такие образцы масскульта, как журнальная реклама, комиксы и вкладыши для жвачки.
В середине 1960-ых, в своем «масскультовском» стиле он также рисовал обычные пейзажи. Кроме того, он работал над керамической посудой и графикой для массового производства.
Рой Лихтенштейн. Безнадёжность
Рой Лихтенштейн, "Гррррррррррр!!"
Рой Лихтенштейн. М-может быть
Американские блондинки и мужественные летчики-истребители, частные детективы и супермены благодаря Лихтенштейну стали в один ряд с Моной Лизой
Фонд американского поп-арт художника Роя Лихтенштейна совместно с итальянским модным домом Borbonese выпустили линию сумок, представив яркий и насыщенный цветами стиль
художника.
Обычно Borbonese использует более традиционную, сдержанную палитру цветов в создании своих роскошных сумок, но на этот раз они отступили от принципов и представили все разнообразие чистых и ярких оттенков.
Творчество Лихтенштейна и мастерство Borbonese помогли создать 12 роскошных сумок tote и клатчей, каждая из которых имеет свой оригинальный образ.
Клас Ольденбург (Claes Oldenburg) – американский скульптор шведского происхождения, автор инсталляций и скульптур, поражающих своим юмором и метафоричностью.
Родившийся в Швеции в 1929 году, Клас Ольденбург вместе с родителями переехал в Америку и вырос в Чикаго. После окончания Йельского университета он работал репортером в городской газете, затем поступил в школу в Институте искусств Чикаго. В 1956 году перебрался в Нью-Йорк, где присоединился к группе художников, которые проводили импровизированные театральные инсталляции, известные как «Происшествия». Эти спектакли впоследствии вдохновили Ольденбурга на создание скульптур, цитирующих повседневную жизнь.
Наиболее характерный прием Ольденбурга – скульптурное изображение небольшого и совершенно обыденного предмета в гигантском масштабе, а зачастую еще и причудливо окрашенного, и неожиданно расположенного в пространстве. Изначально носившие провокационный характер, произведения Ольденбурга сегодня прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж. Например, вход в рекламное агентство Chiat\Day в Лос-Анджелесе выполнен Ольденбургом в виде гигантского черного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из нее яркой красно-желто-зеленой ниткой (на противоположной стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком). Как и другие художники современности, Ольденбург сделал очень многое для расширения границ искусства и заставил поверить, что юмор, действительно, играет в нем важную роль.
Фонтан скульптура Spoonbridge and Cherry - главное украшение Сада скульптур в Миннеаполисе. Гигантская 15-ти метровая ложка, как будто брошена в пруд сказочным великаном, превращение ее в мост придает будничному предмету дополнительное функциональное назначение.
Любимый прием автора – масштабирование предмета, увеличение маленького до размеров большого, причудливое расположение скульптуры в пространстве и часто неожиданная цветовая гамма позволяют по новому взглянуть на привычную вещь, находя неожиданные стороны в том, где по идее нет ничего нового.
Витрина с пирожными
Мягкий телефон-автомат
В совместной работе с Кози ван Брюггеном Ольденбург создал скульптуру в виде падающего с крыши дома мороженого. Данное "изваяние" было установлено на крыше торгового центра Cologne в Германии.
http://www.infozoom.ru/2008/09/20/antimonumenty-klasa-oldenburga-claes-oldenburg.html
http://anysite.ru/publication/oldenburg
http://cetki.com/2012/01/09/print:page,1,gigantomanija_v_skulpturakh.html
Задание № 8:
1. Прочитайте лекции
08. Поп-арт. Гиперреализм. Хеппенинг. Перфоманс
09. Постмодернизм. Концептуализм
2. Откройте рабочий лист
3. Сделайте копию (Файл - создать копию)
4. Заполните лист.
5. Предоставьте доступ учителю (поместите таблицу на своей странице).
Система оценивания:
1. Работа должна быть выполнена в срок.
2. Креативный подход к работе.
3. Аккуратность, корректность выполнения.
4. Запрещается использовать готовые рефераты, презентации и любой копи-пейс из википедии.
5. Работа должна соответствовать теме.
Page updated
Report abuse