PORTFOLIO

Eloisa Calabrese non cerca di spiegare, non pretende di ricomporre, bensì costruisce luoghi d'attesa attraverso il corpo ed il tempo, permanendo davanti a ciò che non si chiude. Le opere si muovono senza “temi” da illustrare, portando come centro l'attraversamento anche mediante la materia viva e costante, costituita da terra, saliva, urina, pietra, metallo, odori, che si rendono eco di presenza. Il tempo stesso viene spesso rirpoposto sostanza che si deposita, si conta, goccia dopo goccia, giorno dopo giorno.

L'ultima opera realizzata nel giugno del 2025, Mnemosyne, va ben oltre il mero concetto di suicidio e lutto, poichè è organismo rituale in sei atti che mantiene aperto un varco, infatti ogni azione o lascito è un atto di manutenzione della soglia: il palo avvolto di lettere, poesie al padre e alla morte (Στυλοπένθιον), il corpo immobile fra due mondi e fra il passaggio dalla notte al giorno (Μεταξύ), l’acqua che cade sul corpo 3.652 volte fino a modificare la pelle e l’ascolto (Λήθη Πατρός), la camera oscura di voci e respiri dove vi è la costrizione e la resa alla contemplazione (SPECULA), l’ingestione di DMT sotto controllo clinico (Λήθεια) come apertura a ciò che non ha linguaggio, e infine la restituzione collettiva (Μνημοσύνη) dove la memoria non è possesso, ma passaggio di mano in mano, dono di condivisione e necessità umana di riflesso.
 

Molti lavori di Calabrese impongono questa riorganizzazione percettiva. Fenomeni ribalta il primato dello sguardo, usando l’olfatto per convocare memorie profonde e pre-verbali. Cianuro / Negligens obbliga a sostare nell’insostenibile, misurando la nostra familiarità col rischio sistemico. Eucharistia regola il respiro come bene scarso e trasferisce al pubblico la facoltà e la responsabilità di interrompere un ciclo potenzialmente fatale attraverso un'enigma che ha in sé l'ironia del banale.

Non è mai una dissoluzione fra l'io e gli altri,  si gioca sulla presa di coscienza del sé e dell'altro e delle conseguenze evidenti. Il pubblico è collocato dentro un sistema, ma senza garanzie di innocenza, la sua inattività ha effetti, la sua azione ha peso.
Ma Eloisa C. propone opere d'arte che sono anche laboratori aperti alla contemplazione, così anche in Kenosis, dove la rinuncia ai dispositivi, la privazione sensoriale e i tempi non dichiarati costruiscono un vuoto operativo; o in Lithos, cammino mascherato tra la folla che espone la facilità con cui il dolore altrui può essere reso invisibile, ma anche una riflessione su quanto la servitù volontaria pesi non solo sull'osservatore ma anche sul dichiarante.

L’approccio, se letto con un occhio clinico, mostra una rara precisione nella gestione degli stati di attivazione. Le opere funzionano come settings a soglia controllata. Un’arte che istituisce condizioni d’esperienza nelle quali spettatore e artista sono vincolati da un patto condiviso che trascende il ludico aberrante e costante della società della performance, per restare nella soglia, sostenere la materia e il tempo senza abbreviarli, accettare che ciò che si vive non si possa ridurre a racconto, a svuotamento di narrazione.

Mantenere vivo ciò che resiste alla chiusura.

ARTURO DREG

Curatore d'arte del movimento RetroGuardia del Concreto

Eloisa Calabrese does not seek to explain, nor does she aim to recompose; rather, she constructs places of waiting through the body and time, remaining in the presence of what does not close.
Her works move without “themes” to illustrate, placing at their center the act of crossing, also through the living and constant matter of earth, saliva, urine, stone, metal, and odors, each becoming an echo of presence.
Time itself is often reinstated as a substance that settles, that can be counted, drop by drop, day after day.

Her most recent work, Mnemosyne (June 2025), goes far beyond the mere concepts of suicide and mourning, for it is a ritual organism in six acts that keeps a threshold open.
Each action or offering is an act of maintenance of that threshold: the pole wrapped in letters and poems to the father and to death (Στυλοπένθιον), the body immobile between two worlds and between night and day (Μεταξύ), water falling onto the body 3,652 times until it alters the skin and listening (Λήθη Πατρός), the dark chamber of voices and breaths where there is both constraint and surrender to contemplation (SPECULA), the ingestion of DMT under clinical supervision (Λήθεια) as an opening to what has no language, and finally the collective restitution (Μνημοσύνη) where memory is not possession but a hand-to-hand passage, a gift of sharing and a human necessity of reflection.

Many of Calabrese’s works impose this reorganization of perception.
Fenomeni overturns the primacy of vision, using smell to summon deep, pre-verbal memories.
Cianuro / Negligens forces one to remain within the unbearable, measuring our familiarity with systemic risk.
Eucharistia regulates breath as a scarce resource, transferring to the audience the faculty and responsibility to interrupt a potentially fatal cycle through an enigma that contains within itself the irony of the banal.

It is never a dissolution between self and others; rather, it plays upon the awareness of self and other, and the clear consequences of both.
The public is placed within a system without guarantees of innocence: its inactivity has effects, its action carries weight.
But Calabrese also proposes artworks that are laboratories open to contemplation, as in Kenosis, where the renunciation of devices, sensory deprivation, and undeclared durations create an operational void; or in Lithos, a masked walk through the crowd exposing the ease with which another’s pain can be rendered invisible and, simultaneously, a reflection on how voluntary servitude burdens not only the observer but also the one who declares it.

Her approach, when read through a clinical lens, reveals a rare precision in the management of activation states.
The works function as controlled-threshold settings, an art that establishes experiential conditions in which spectator and artist are bound by a shared pact that transcends the aberrant and constant playfulness of the performance society, in order to remain at the threshold, to sustain matter and time without abbreviating them, and to accept that what is lived cannot be reduced to a story, to a drained-out narration.

To keep alive that which resists closure.

ARTURO DREG

Art curator of the RetroGuardia del Concreto movement