Embedded Files
Forja del Aprendizaje, el Oficio y la Poética 2000 – 2006
Desde mis años de colegio soñaba con ser escultor; tallaba maderas encontradas, resignificando los materiales desde la intuición ( http://eurimia.blogspot.com/2007/06/porta-cds.html ). Mis primeros años de formación emularon el rigor de los maestros del Renacimiento: una amalgama de pasión urgente por crear y la lentitud necesaria que exige el aprendizaje y el dominio de la técnica. Entendí el arte no como un concepto abstracto, sino como un oficio que se aprende con el cuerpo y el corazón.
Mi camino comenzó desde la base como ayudante aprendiz del artista José Daniel Cuartas, escultor e integrante del Centro Cultural Amarte Luna en Chía, Cundinamarca. Allí empecé barriendo el taller y tamizando la arena para la fundición en bronce; aprendí mirando y escuchando, comprendiendo que, antes de ser escultor, es imperativo saber dialogar con la materia en su estado más puro. En Amarte Luna me inicié en el modelado en arcilla, labor que me permitió más adelante desempeñarme como tallerista de cerámica y principios básicos de modelado.
Posteriormente, inicié mi formación técnica en platería (orfebrería), lo que me llevó a una fascinación permanente por el arte precolombino. Mi formación como orfebre no fue solo técnica; fue un acercamiento a la figura del chamán que transforma el metal en símbolo de vida y cosmovisión(http://eurimia.blogspot.com/2007/06/poporo-contemporaneo.html ). Aprendí a respetar el fuego y la precisión del detalle, una disciplina que asumí plenamente al trabajar para el Opus Dei restaurando piezas como un Jesucristo del siglo XVIII (http://eurimia.blogspot.com/2007/06/restauracin-de-cristo-siglo-xviii.html ); fue allí donde sentí la necesidad de investigar profundamente en bibliotecas para ser coherente con la historia y no maltratar.
terminado la carrera de orfebrería, me integré al equipo de la Ópera de Colombia en la Fundación Camarín del Carmen, que en aquel momento funcionaba como un semillero de capacitación ante la ausencia de la carrera de escenografía en el país( http://eurimia.blogspot.com/2007/06/escenografia-opera.html ). Allí ascendí desde asistente de escultura hasta Jefe de Restauración de Escenografía para la exportación de la producción de El Barbero de Sevilla hacia España. Entre bambalinas y estructuras colosales, aprendí que la escultura puede habitar el espacio de forma monumental y comprendí el valor de lo efímero: construir mundos que solo existen mientras dura la función. Para mí, la ópera posee la misma magia que el séptimo arte: es una obra total.
Mi pensamiento se nutrió del movimiento Arts and Crafts. Me identifiqué con la búsqueda de la 'democratización de la belleza', donde el arte debe ser vital y accesible para todos. Esta filosofía, sumada a los ideales de la Bauhaus —bajo la premisa de diseñar desde una cuchara hasta una casa, reto que logré materializar—, me permitió dar un salto natural de la escultura al diseño de espacios
Entendí que diseñar un lugar en el centro histórico de Chía —interviniendo una casa con más de 350 años de historia para el restaurante Il Piatto (http://eurimia.blogspot.com/2007/06/diseo-de-restaurante-italiano-ipiatto.html )— era, en realidad, crear una escultura habitable. Allí apliqué los mismos principios de composición, materialidad y psicología del color que rigen mi obra plástica, buscando que el transeúnte no solo observara el espacio, sino que se sumergiera en él. Mi objetivo fue convertir el entorno en poesía visual, persiguiendo ese tiempo de euritmia (la unión de todas las artes) donde la forma, el oficio y la función encuentran su armonía perfecta. De esta manera, el espectador deja de ser un ente pasivo para convertirse en parte esencial y activa del entorno."
Diseñar un espacio es modelar el aire; es crear una escultura que dialogue con múltiples capas: desde la historia y el contexto, hasta las dinámicas cotidianas y las necesidades del espacio y el cliente.
La síntesis entre la filosofía del Arts and Crafts y el rigor funcional de la Bauhaus y Art Nouveau, sumada a la experiencia acumulada en el taller, la orfebrería y la escenografía monumental me otorgaron las herramientas definitivas para trascender los muros del estudio. Este bagaje técnico y conceptual me permitió comprender que el diseño de espacios no es un fin en sí mismo, sino el preámbulo para mi camino en la intervención del espacio público.
En este nuevo escenario, la obra deja de ser un objeto contemplativo para convertirse en un dispositivo relacional; un lugar donde el espectador abandona su rol pasivo y se transforma en parte esencial del proceso. Mi búsqueda actual se centra en un arte que habite la calle y el territorio, donde cada intervención invite al ciudadano a reconocerse no solo como observador, sino como un ente activo en la construcción de futuro y en la recuperación de la memoria colectiva
Arts and Crafts (Artes y Oficios): Movimiento nacido en Inglaterra a finales del siglo XIX que reaccionó contra la producción industrial masiva. Defiende el regreso al trabajo manual, la dignificación del artesano y la idea de que los objetos cotidianos deben ser bellos y funcionales. Es la base de la "democratización de la belleza".
Art Nouveau (Arte Nuevo): Estilo artístico que floreció a inicios del siglo XX, caracterizado por el uso de líneas orgánicas y formas inspiradas en la naturaleza (flores, tallos, curvas femeninas). Fue el primer movimiento en romper las jerarquías entre las "bellas artes" (pintura/escultura) y las "artes aplicadas" (joyería/arquitectura).
Bauhaus: La escuela de diseño, arte y arquitectura más influyente del siglo XX. Su premisa fundamental fue la unión entre el arte y la técnica. Propuso que el diseño debe seguir a la función y que el artista debe ser capaz de proyectar desde una cuchara hasta una casa, integrando todas las disciplinas en una sola obra total.
Euritmia: En el contexto artístico, es la búsqueda de la armonía perfecta y el ritmo equilibrado entre las partes de un todo. Para mi práctica, representa "la unión de todas las artes", donde el movimiento, el espacio, el material y el espectador vibran en una misma frecuencia estética.
Ente en Construcción de Futuro: Visión del espectador no como un observador pasivo, sino como un ciudadano activo. Es la idea de que el arte, al intervenir el espacio público y la memoria, le otorga al individuo herramientas para cuestionar su presente y participar activamente en la creación de una nueva realidad social.
CERAMICA
CERAMICA
Cerámica
corporación de amigos del arte Amarte Luna
Centro histórico de Chía
Fertilidad
Ceramica,Esmaltes y oxidos
En el silencio del taller de Amarte Luna, mis manos descubrieron el lenguaje de la arcilla, convirtiendo el acto de modelar el barro en mi primer encuentro con lo sagrado al entender que la materia tiene memoria y el artista es solo un puente entre la tierra y la forma. Bajo el título de "Fertilidad", la obra materializa la tensión dialéctica entre la superficie y el vacío a través de una forma de cuenco, cóncava y acogedora, que evoca la imagen arquetípica del vientre materno como el primer espacio habitable. El contraste visual resulta radical: un exterior sobrio y opaco, vestido en un azul turquesa de pátina mineral, se enfrenta a un interior cálido, Esmaltado con texturizado y de color amarilloso evocando el dorado que parece cargado de una energía latente; una vida germinando que, acentuada por los rastros de esmalte verdoso, dota a la pieza de una naturaleza orgánicamente viva.
AMARTE LUNA www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-923189
PINTURA
PINTURA
Camino a Villa de Leyva
Mi primera muestra de pintura en Amarte Luna, titulada 'Camino a Villa de Leyva' (Óleo sobre lienzo, 70x50 cm), nace como una metáfora tras visitar el pueblo durante un congreso de astronomía, convirtiéndose en un territorio de investigación matérica y simbólica sobre lo precolombino. Es, en esencia, un acto de pintar el cielo y la tierra desde la ciencia y el mito.
Lejos de ser un paisaje figurativo, es una composición geométrica orquestada a través del cruce de mediatrices; líneas invisibles que dividen y equilibran el plano, permitiéndome organizar y transferir el caos de mis propias interrogantes sobre la temática. En un acto de profunda conexión, decidí pintar esta obra enteramente con los dedos, permitiendo que la yema de la mano dialogara directamente con el óleo para sentir el material en su estado más puro. la pintura materializa una tensión dialéctica entre la superficie y la profundidad a través de una cartografía visual que evoca la imagen arquetípica de la cosmovisión indígena. El contraste visual resulta en un borde oscuro y solemne que contiene el tiempo, enfrentado a un núcleo vibrante cargado de energía latente. Figuras geométricas, circulares y romboidales en rojos profundos, amarillos solares y azules intensos se despliegan buscando el rastro del pasado.
ESCULTURA
ESCULTURA
Pescado
En mi investigación escultórica, el hierro oxidado se manifiesta como el primer material que se pliega a mi voluntad, permitiéndome explorar la honestidad del metal y su relación con el tiempo. Esta obra, de marcada geometría constructivista, no busca la figuración literal, sino la síntesis simbólica de una forma ictiológica: el pez como símbolo de la fe cristiana. A través del ensamblaje de planos, la pieza materializa una tensión dialéctica entre la rigidez técnica del material y la fluidez orgánica de la línea curva.
La construcción, orquestada enteramente a partir de triángulos, no es casual; esta figura geométrica encarna valores de fuerza, equilibrio y trinidad, principios que resuenan con la esencia de la fe y la búsqueda de una armonía trascendental. Al proyectar sus vértices hacia lo alto sobre una base sólida, la escultura evoca una imagen arquetípica que vincula la espiritualidad con el sustento, transformando el rigor matemático en una expresión de devoción contemporánea.
El contraste visual resulta radical: la textura mate y los matices ocres del óxido contienen la memoria de los territorios, sugiriendo un espacio habitable que dota a la pieza de una naturaleza orgánicamente viva. Más que un objeto inerte, la obra se presenta como un "ente en construcción", un diálogo entre la herencia ancestral y la visión de futuro que convierte al metal en un testimonio vibrante de identidad y creencia
eurimia.blogspot.com/2007/06/pescado-por-la-camara.html
http://eurimia.blogspot.com/2007/06/arbol-poetico.html?showComment=1252025876142#c937108664437890706
Esculturas para Joyeria
Esculturas para Joyeria
Serie Juego de luces
Ensamble en plata
Joyería
La joyería experimental se presenta como un campo de exploración donde el diseño trasciende su función ornamental para convertirse en una extensión del pensamiento escultórico. A través de series como "Juego de luces" y bocetos inspirados en formas orgánicas como las mariposas, se evidencia un interés por capturar la fragilidad y el movimiento en materiales con el juego de luces. Este enfoque integra la precisión de la orfebrería con una sensibilidad poética, transformando piezas de joyería en pequeñas instalaciones portátiles que dialogan con el cuerpo, permitiendo que cada objeto cuente una historia de transformación y luz.
Restauración de Cristo Siglo XVIII "Quitennio"
Restauración de Cristo Siglo XVIII "Quitennio"
Restauracion de partes de plata / Del Opus Dei
eurimia.blogspot.com/2007/06/restauracin-de-cristo-siglo-xviii.html
Esa experiencia con el Cristo "Quitennio" marcó un punto de inflexión donde la técnica cedió paso a la curiosidad intelectual. Al acudir a la Biblioteca Luis Ángel Arango, la restauración dejó de ser un oficio manual para transformarse en una investigación historiográfica, revelando interes por el siglo XVIII contenía un dato latente sobre el pasado colonial. Este encuentro fortuito cimentó mi identidad como un artista investigador: alguien que no solo repara la materia, sino que Re imagina los contextos del pasado.
Area de Escultura Opera de Colombia
Area de Escultura Opera de Colombia
Escenografía
Años 2002, 2003, 2004 y 2005
Esta etapa en la ópera bajo la tutela del maestro Ángel Mayea representa un pilar fundamental en tu formación técnica y conceptual en Colombia. La transición del pequeño formato a la escala natural de la escenografía no fue solo un cambio de medida, sino una inmersión en la ingeniería de lo efímero y lo modular. Al enfrentarte a retos como la creación de estructuras para El Barbero de Sevilla, el aprendizaje del tallado de poliestireno como la fibra de vidrio y la creación de moldes te permitió entender la materia como un sistema engranado, donde cada pieza debe ser funcional, móvil y estéticamente impecable para el escenario internacional.
Este "semillero de artesanos" en el Camerín del Carmen cimentó en mi la capacidad de resolver problemas espaciales complejos, una habilidad que hoy es evidente en diferentes proyectos.
Diseño Il Piatto
Diseño Il Piatto
Centro historico de chia ;Restaurante inspirado en Italia con un toque de lo nuestro, La casa que data de mas de trecientos años de estilo colonial sus muros la mayoria en adobe.
El diseño integral de IPIATTO espacial para consolidarse como una obra de autoría total, donde la filosofía del Arts and Crafts y la Bauhaus se fusionan en un lenguaje propio. En este proyecto, el mobiliario y cada detalle arquitectónico fueron concebidos desde una visión unificada, donde la funcionalidad técnica y la expresión artística dialogan con el territorio. La génesis de la obra exigió una colaboración rigurosa con la ingeniería estructural para transformar una casona antigua en un espacio abierto con evocación a Italia, logrando una síntesis entre la tradición histórica del contexto de chia .
El punto focal y alma del restaurante es la puesta en valor de la "piel" original. Mediante una excavación consciente, se descubrió el adobe, el cableado antiguo y el maderamen que sostienen la historia del edificio. Este hallazgo no se ocultó; al contrario, se transformó en una vitrina arqueológica protegida por cristales y dilatadores de acero inoxidable. Este gesto convierte lo que antes era estructural en un objeto museográfico de alto valor estético, mostrando nuestras raíces como algo profundamente hermoso y digno de ser observado. Es una honestidad material que resuena con el ideario de William Morris: la belleza reside en la verdad del proceso y el material.
Arquitectura de la Luz y la Forma
La atmósfera se articula mediante un sistema de planos seriados en el techo que configuran una bóveda de cañón moderna. Esta geometría racionalista se transfigura radicalmente al anochecer, cuando la iluminación integrada altera la percepción del volumen y resalta la textura del ladrillo abujardado. Bajo esta bóveda, el espacio se organiza con una fluidez orgánica:
Columnas Lumínicas: Los elementos portantes se resignifican como esculturas de luz que puntúan el recorrido y bañan las texturas históricas.
Movimiento Sinuoso: La barra, diseñada exclusivamente para el lugar, introduce curvas que rompen la ortogonalidad del recinto, equilibrando la rigidez del adobe con la calidez de la forma contemporánea.
restaurante il piatto.pdfPage updated
Google Sites
Report abuse