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SIGLO XV
SIGLO XV
En el siglo XV el arte se disgregó en una serie de escuelas distintas; casi cada ciudad en Italia, Flandes y Alemania tuvo su propia “escuela” de pintura. Pero fue en Florencia donde comenzó la gran revolución artística.
Una mezcla entre tradiciones góticas y formas modernas es característica de muchos de los maestros de mediados del siglo XV. La pintura gótica comienza con un estilo más sombrío, oscuro y emotivo. Los temas no son solo cristianos y las figuras religiosas pasan a un plano más humano, rompe el hieratismo románico y muestra más emociones y sentimientos. Se utiliza la tabla como soporte y el temple.
FRA ANGELICO (1395-1455) · La anunciación 1426
FRA ANGELICO (1395-1455) · La anunciación 1426
Una de sus primeras obras, realizada en momento decisivo para el arte florentino. Contemporáneo con Brunelleschi y Masaccio.
Iconográficamente se trata de una obra tradicional cuya tabla central muestra el ciclo de la pérdida (Adán y Eva expulsados del Paraíso) y salvación del hombre (Anunciación de María).
Podemos apreciar la minuciosidad en la representación de flores y objetos deriva de Gentile da Fabriano, y la intención de unificar el espacio mediante la arquitectura. La perspectiva no presentaba un problema para él. Hacía uso de lo nuevo sin alterar el espíritu de lo viejo.
Valoraban más el preciosismo, el color y lo espiritual, sin tanto interés en mostrar mayor realismo en cuanto al espacio o la anatomía de los personajes (como hicieron Masaccio o Piero della Francesca).
Buscaba el detallismo, la estética…en definitiva, detectar claramente que estos personajes eran superiores. Para lograrlo, Fra Angelico pintaba rostros inexpresivos, completamente idealizados, irreales, incluso etéreos, más cercanos al gótico que al Quattrocento.
RENACIMIENTO ITALIANO
RENACIMIENTO ITALIANO
Es el periodo de transición entre la Edad Media y la Era Moderna. Motivados por la investigación y renovación de las ciencias naturales y humanas. El descubrimiento de América 1492, es el detonante para que muchos intelectuales busquen nuevos descubrimientos, como Leonardo.
Resurge el interés por la civilización clásica. Aproximación más científica también en el uso de la geometría y en el cuerpo humano. Naturaleza.
QUATTROCENTO XV Fra Angelico , Masaccio y Botticelli (1445-1510)
CINQUECENTO XVI Miguel Ángel (1475-1564) Rafael (1483-1520) Leonardo (1452-1519)
VAN DER WEYDEN · El descendimiento 1443
VAN DER WEYDEN · El descendimiento 1443
Pintor flamenco, de los más influyentes de su tiempo. Transparencia de la piel, se recrea en las vestimentas, colorista. Detalles, elegancia, pero posturas de descuido en las figuras imprevistas por el momento…
Lo primero que hizo el artista es un fondo dorado, para que las figuras pareciesen esculturas policromadas (una de las características de su estilo). El fondo de oro es además simbólico: es la eternidad y la divinidad.
Los personajes son extraordinarios, y cada uno es tratado con singular maestría
María Magdalena y San Juan a los extremos de la obra ejercen de paréntesis, aquejados de un gran dolor.
ESCUELA FLAMENCA XV-XVII
ESCUELA FLAMENCA XV-XVII
Los maestros flamencos parten del gótico tardío (gótico flamenco) caracterizado por el detallismo de las miniaturas y la capacidad de reflejar con realismo al hombre y la naturaleza.
Los primitivos flamencos son los primeros en utilizar el óleo que les permite detallismo y empiezan a interesarse por la perspectiva lineal al tiempo que los italianos, recuperando poco a poco la 3ª dimensión. Los ensayos de perspectiva caballera se generalizaron en el gótico.
Conservan rasgos góticos como el uso de la tabla, temática religiosa y espiritual.
Principales pintores XV: VAN EYCK (1390-1441) ·VAN DER WEYDEN (1399-1464)· EL BOSCO (1450-1516)
EL BOSCO · Tríptico del Jardín de las delicias 1490
EL BOSCO · Tríptico del Jardín de las delicias 1490
El tema es el destino de la humanidad, como en el “carro de Heno”. Tenía bastante fama y muchos imitadores. Creador de imágenes extrañas y cómicas, descabelladas al servicio del discurso moral católico. Interés por el paisaje como Van Eyck.
DURERO · Autorretrato 1498
DURERO · Autorretrato 1498
Es el artista más famoso del renacimiento alemán. Su primera formación es el legado alemán y la pintura flamenca. Tiene numerosos grabados que influyeron en grandes artistas, incluyendo la pintura barroca española, admirado por Tiziano y en contacto con Leonardo da Vinci (1452-1519).
En los tiempos en los que la imprenta empezaba a expandirse, sus grabados viajaron por toda Europa, alcanzando una fama sin precedentes en un artista alemán.
El arte occidental tiene una gran deuda con Durero, tanto en la influencia de sus obras como en su Teoría del arte. Además es un artista adorado por los historiadores, ya que dejó documentados minuciosamente miles de detalles de su vida y obra.
LA CÀMARA OSCURA
LA CÀMARA OSCURA
Fue en la antigua Grecia donde surgió la preocupación por encontrar una explicación del fenómeno lumínico. En el siglo X el matemático árabe Alhacén hace un profundo estudio y es ya en la segunda mitad del siglo XV cuando se volvió a tener noticia de la cámara oscura a través de Leonardo da Vinci, quien redescubrió su funcionamiento y le adjudicó una utilidad práctica por lo que se le ha otorgado el crédito de su descubrimiento.
El italiano Leonardo da Vinci y el alemán Alberto Durero emplearon la cámara oscura para dibujar objetos que en ella se reflejaban. A partir de ese momento se utilizó como herramienta auxiliar del dibujo y la pintura, extendiéndose rápidamente en Europa.
RAFAEL · El Cardenal 1510· Sagrada familia, la perla.
RAFAEL · El Cardenal 1510· Sagrada familia, la perla.
Trabajó en el Vaticano. Pintor y arquitecto renacentista, contemporáneo con Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Durero. Tenía gran demanda de trabajo y enfatiza en el proceso creativo dejando a sus ayudantes el trabajo (Franccesco Penni y Giulio Romano). Es el precursor de esta forma de trabajar que posteriormente se utilizó, como por ejemplo Andy Warhol.
SOFONISBA Anguissola ·Felipe II 1573
SOFONISBA Anguissola ·Felipe II 1573
Provenía de una familia de la pequeña aristocracia y se formó junto a sus hermanas en el arte de la pintura y la música. No era muy habitual que una dama pintase en el siglo XVI ya que las artes plásticas eran consideradas un trabajo manual y de hombres.
Compartió con Tizziano. No venía de familia artista ni con dinero. Instrucciones de Miguel Ángel. No podía dibujar desnudos. Corte esposa Felipe II. tuvo mucho éxito. Sofonisba Anguissola cultivó el género del retrato y la pintura religiosa.
+Pintora italiana que en vida tuvo mucho éxito. Sofonisba Anguissola cultivó el género del retrato y la pintura religiosa. Provenía de una familia de la pequeña aristocracia y se formó junto a sus hermanas en el arte de la pintura y la música. No era muy habitual que una dama pintase en el siglo XVI ya que las artes plásticas eran consideradas un trabajo manual y de hombres.
En 1546, Sofonisba se convierte en alumna del pintor Bernardino Campi, pintor manierista y gran retratista. Sofonisba aprendió a retratar del natural a los propios miembros de su familia, lo que hacía que los pintara en situaciones cotidianas, con ternura y cercanía. A partir de 1549 continúa su aprendizaje con Bernardino Gatti. En 1554 viaja a Roma a completar su formación y conoce al mismísimo Miguel Ángel. Será en Roma cuando su carrera empiece a despegar y su nombre será conocido en los círculos artísticos. También se autorretrata muchas veces, explorando su rostro y actitudes, desde los 15 años hasta casi los 90 años de edad.
En 1559 fue invitada a la corte de Felipe II para ejercer de dama de honor de la esposa del monarca español, Isabel de Valois. Pronto se convirtió en la favorita de la reina con la que compartía el gusto por las artes y la música. También enseñó a pintar a la reina. Durante los casi catorce años que pasó en la corte, Anguissola retrató a la mayor parte de los miembros de la familia real. No firmaba ni recibía dinero por los retratos. En muchas de estas pinturas se atribuyeron su autoría a otros pintores.
En 1571 se casó con don Fabrizio de Moncada, caballero de la nobleza siciliana, y tras 14 años al servicio de la corte española, Sofonisba marcha a Sicilia con su marido. Tras la muerte de éste en 1578, vuelve a casarse dos años después con Orazio Lomellini y vivirá entre Génova y Palermo.
Seguirá pintando retratos y cuadros de tema religioso, y se mantendrá activa como pintora hasta los casi 90 años de edad. Murió el 16 de noviembre de 1625 dejando tras de sí una obra artística de gran calidad.
TIZIANO · Carlos V 1548 · La bacanal
TIZIANO · Carlos V 1548 · La bacanal
De los artistas más versátiles, retratos, paisajes, mitología, religión… Con cambios drásticos en su estilo. Sus características principales es el uso del color vívido y luminoso, luz dorada, pincelada suelta y una delicada modulación cromática como antes se había visto. Se convirtió en el más influyente de la Escuela Veneciana. Estatus - pasa de artesano a artista.
Comienza a experimentar con la técnica, más bien algo esbozado sin terminar, destacando la inmediatez y expresividad, contornos sin definir, supone un precedente de posteriores innovaciones, impresionismo.
Tiziano pintaba directamente sobre el lienzo y el resultado denota esa inmediatez y frescura. Un uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.
Un verdadero impresionista del XVI.
CARAVAGGIO (1571-1610) David vencedor de Goliat
CARAVAGGIO (1571-1610) David vencedor de Goliat
Pintor revolucionario, artista provocador, genio incomprendido, loco violento, hombre atormentado, que crearía él solo un estilo, el barroco, e influiría (y todavía influye) en todo el arte posterior, de Velázquez al Scorsese de «Malas Calles».
El renacimiento llegaba a su fin y un joven Caravaggio empezó a utilizar técnicas tenebristas, que seguramente se acercaban más a su personalidad oscura. Parece ser que vio el potencial expresivo de las sombras y buscó inspiración en la vida misma, por fea que esta pudiese parecer.
BARROCO XVII
BARROCO XVII
El siglo XVII nace con cambios políticos (los estados modernos), religiosos (la contrarreforma), tecnológicos (el telescopio), económicos (crisis) y sociales (la burguesía). Con esa atmósfera surge un estilo anti-clásico, menos racional y más apasionado, una reacción contra lo anterior.
El arte se volvió dinámico, teatral, efectista. Busca sorprender, asombrar. El realismo se recrudece. En esa época de crisis económica, el hombre se enfrenta de forma más radical a la realidad. Aún así se distorsiona todo, se violenta. Se potencian los contrastes (el tenebrismo) y el desequilibrio.
ARTEMISA Gentellesqui (1593-1652) · Nacimiento de san Juan Bautista
ARTEMISA Gentellesqui (1593-1652) · Nacimiento de san Juan Bautista
Artista barroca, aprendiz de su padre, uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio. Destacaron sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judith o Cleopatra, en los que se han leído rasgos feministas. Gran realismo.
Cuando tenía 18 años, el pintor Agostino Tassi, maestro suyo y amigo de su padre, la violó. Suceso que se considera que tuvo influencia tanto en su vida como en su pintura. Desarrollo de un «caravaggismo violento»
EL GRECO (1541-1614) ·La trinidad 1577 · El caballero de la mano en el pecho 1580
EL GRECO (1541-1614) ·La trinidad 1577 · El caballero de la mano en el pecho 1580
Pintor griego que acabó siendo español y mezcló estilos de muchos otros países y culturas para crear una personalísima pintura, sin duda adelantada a su tiempo, que rezuma misticismo, expresión y sentimiento. y que todavía hoy posee un desconcertante efecto en el espectador. Por ello se considera un precursor de muchos movimientos del arte contemporáneo, como el expresionismo.
Fue el único precedente realmente original de Velázquez que se vio en la historia de la pintura española.Formado en Venecia y Roma, asentado en Toledo. Formación bizantina, causa de su estilo maduro, alto renacimiento(Tiziano y Miguel Ángel) y manierismo.
En sus obras españolas pronto evolucionó a un estilo personal caracterizado por figuras manieristas muy alargadas con una iluminación propia, delgados, fantasmales muy expresivas y con colores buscando el contraste. Llegó a considerarse un artista excéntrico y marginal.
RUBENS (1577-1640) · Las tres Gracias
RUBENS (1577-1640) · Las tres Gracias
Escuela Flamenca, pintor barroco. Inspirado en la mitología antigua. Acompañantes de Venus, dinamismo, colorido y sensualidad. Movimiento y vitalidad en la composición y figuras de gran carnalidad. En esta época ya todos los grandes artistas contaban con un extenso taller formado por aprendices y estudiantes, entre sus discipulos se encontraba Van Dyck.
Era un verdadero maestro en representar las carnes, que parecen vivas y palpitantes. Están rodeadas de una naturaleza igual de exuberante poblada de numerosos elementos simbólicos vinculados al amor, la fecundidad y el deseo.
VELÁZQUEZ (1599-1660) Las meninas 1656
VELÁZQUEZ (1599-1660) Las meninas 1656
Barroco español. Máximo exponente de la pintura española, pintor del rey Felipe IV, pintor de la cámara. Su presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura + viaje a italia que le hizo evolucionar a un estilo personal:
Atraído por la nueva iluminación tenebrista de Caravaggio fue uno de los introductores del estilo en España. Gran luminosidad, pinceladas rápidas y sueltas, en sus últimas obras el estilo era más esquemático y abocetado, dominio absoluto de la luz. Su fama vino reconocida entre los pintores impresionistas como referente.
Sus comienzos, 1620, maestría con la técnica del del claroscuro que recuerda al naturalismo de Caravaggio sin conocerlo. Pudo conocer las obras del Greco. Su primer estilo tiene técnica tenebrista con fuerte iluminación dirigida y fondo oscuro. Hasta el momento pinta contornos precisos destacados con fondos de pinceladas opacas. Rubens-Velázquez, viaje a Italia.
Al volver, ya en Madrid, demostró su extraordinaria técnica suelta, buscando una impresión visual, con manchas y toques irregulares.
Los borrachos- las lanzas-el bufón - las hilanderas-
Su segundo viaje a Italia hasta 1648, llegó a Málaga. Su última década en Madrid. Simplicidad
Aunque más que pintor de corte, el crecido Velázquez quería ser tratado como «Asesor cultural». El caso es que disfrutó desde entonces un sueldo fijo y acceso a toda la cultura de la época. De sevillano de a pie a figura importante del palacio en pocos años.
Sin embargo no fue hasta el siglo XIX que alcanzó el status de leyenda, cuando los impresionistas lo convirtieron en referente. Desde entonces Velazquez es aclamado como «el mejor pintor de la historia».
GOYA (1746–1828) · La familia de Carlos IV
GOYA (1746–1828) · La familia de Carlos IV
Rococó · Neoclasicismo · Romanticismo
Francisco de Goya fue uno de los más grandes artistas de la historia. Siempre innovador, consiguió adelantarse a todos y cada uno de los movimientos pictóricos que aparecieron en Europa, desde el romanticismo al surrealismo, pasando por el impresionismo y el expresionismo.
Es por ello considerado el Padre del Arte Contemporáneo.
El pintor tardó en progresar, aunque siempre supo cual era su vocación. Rechazado en varios premios durante su juventud, emprendió un viaje a Italia que le hizo descubrir el arte con sus propios ojos, lejos del acartonamiento académico.
Su arte cambia al llegar a Madrid, donde consigue trabajo diseñando tapices. Poco a poco, y gracias a un evidente talento, consigue un meteórico ascenso social que lo lleva a la corte real. Ahí tendrá acceso a las colecciones de pintura de los reyes, y sobre todo a Velázquez, del que se enamora.
Muy trabajador, cultiva todos los géneros destacando sus retratos (y durante toda su vida numerosos autorretratos) y sus escenas costumbristas que captan a la perfección el Madrid de la época. Nunca abandonó los temas populares y en ellos se mezcla la más mordaz crítica social, con el más sofisticado estudio antropológico.
También hizo muchas obras de temática erótica, que le costaron algún disgusto con la Inquisición, una institución que siempre (y discretamente) rechazó. En esa España resultaba raro y hasta algo peligroso pintar a una mujer desnuda; Sobre todo a una noble… Fue muy sonado el rumor de que había pintado desnuda a la Duquesa de Alba (La maja desnuda), aunque existen varios ejemplos de que lo hizo vestida y se sabe de su buena «amistad».
Como «reportero» realizó también sorprendentes e innovadores cuadros sobre los momentos históricos que estaba viviendo. Con estas pinturas sentó un precedente tanto estético como temático para el género no sólo limitándose a retratar sucesos históricos, sino alcanzando también un mensaje universal.
En cuanto a su carácter, es muy conocido el mal humor del pintor, tan típico de los sordos. La sordera que le agrió el carácter fue provocada quizás por el saturnismo, una intoxicación por derivados del plomo (el color blanco se hacía con este metal). Cada vez más sordo, Goya se encerró en sí mismo, se volvió huraño y solitario, pero a cambio pintó lo mejor de su producción, con nuevas y arriesgadas obras, como las geniales Pinturas Negras, que preludian el expresionismo o el surrealismo casi 100 años antes de que este naciera.
REMBRANDT · Judit en el banquete de Holofernes 1634
REMBRANDT · Judit en el banquete de Holofernes 1634
Pintura holandesa del barroco con muchas similitudes con la pintura barroca española.
En el barroco cobra importancia la temática de la historia, un hecho importante más que el retrato. Busca el movimiento más grande y natural. Su último periodo se identifica con Tiziano, debatiendo sobre el acabado o la calidad matérica de la pintura, hablando de “tosquedad” en su pincelada. Sus últimos retratos buscan retratar de forma más humana, veraz, buscando en el interior personas reales, simpatía, soledad o sufrimiento.
CLARA PEETERS
CLARA PEETERS
Clara Peteers es uno de los mejores ejemplos de mujer valiente y emprendedora nacida a finales del siglo XVI, una época en que pocas mujeres podían dedicarse a la pintura de manera profesional. Aquellas que lo conseguían, tenían prohibido el dibujo anatómico, que generalmente se hacía a través del estudio al natural de modelos desnudos cuyo acceso estaba rotundamente negado a las mujeres. Todo aquello, evidentemente condicionaba el aprendizaje de las mujeres artistas, por ese motivo, muchas de estas pintoras se especializaron en el género del bodegón.
Clara Peteers fue una de ellas, y además de llegar a ser considerada una de las iniciadoras del bodegón o naturaleza muerta en los Países Bajos, la artista quiso ir un poco más allá. Reivindicar su oficio como mujer artista se convirtió en una necesidad, y para dejarlo claro, incluyó una suerte de autorretratos dentro de sus bodegones aprovechando las superficies especulares y brillantes de los objetos que representaba.
ANGELICA Kauffman· Anna Escher von Muralt 1800
ANGELICA Kauffman· Anna Escher von Muralt 1800
Pintora neoclásica famosa en toda Europa por sus retratos.
Su padre, también pintor, la instruyó sabiamente y a temprana edad ya leía de forma incansable, hablaba con fluidez varios idiomas y destacaba como música, cantante y pintora. A sus 12 años, nobles y clérigos posaban para ella y al año siguiente viajó a Italia, país que le fascinó y al que regresó varias veces. Estuvo en Milán, Bolonia, Venecia y Florencia, llegando a formar parte de Academia de Arte de Florencia con tan solo 21 años. De ahí decidió trasladarse a Nápoles donde tuvo ocasión de retratar a ricos ingleses que pasaban las vacaciones en la ciudad. Allí pintó el retrato del famoso actor David Garrick, el cual fue expuesto en Londres en 1785. Fue tal el repunte que decidió trasladarse a Inglaterra donde su popularidad no hizo más que aumentar, llegando a pintar a las personalidades más importantes de la época, entre ellas la reina Carlota de Reino Unido.
En Londres se hizo amiga íntima del pintor Joshua Reynols y se retrataban mutuamente con frecuencia. Juntos fundaron la Royal Academy a la que ella contribuyó con cuatro cuadros.
Después de 15 años en la ciudad decidió regresar a Roma donde continuó haciendo retratos, pintura de temática mitológica, histórica y alegórica. Trabajó hasta el día de su muerte y su funeral fue uno de los más esplendorosos de la época. Dirigido por Cánova, toda la Accademia di San Luca, eclesiásticos, nobles y demás celebridades la siguieron hasta Sant’Andrea delle Fratte donde fue enterrada. Al igual que en el funeral de Rafael, dos de sus mejores pinturas fueron llevadas en procesión.
Fue una de las personas más deslumbrantes de su tiempo. Garrick afirmaba que era la mejor cantante de todo Londres y Goethe la describió como «la mujer más dotada de Europa». En la localidad de Schwarzenberg, en Austria, existe un museo dedicado exclusivamente a ella.
GOYA· El 3 de mayo en Madrid
GOYA· El 3 de mayo en Madrid
La pintura es una de las primeras de este tipo. No tiene ningún precedente en las pinturas de guerra y es reconocida como una de las primeras obras del arte contemporáneo por varios motivos:
Le da el protagonismo a un colectivo anónimo y plasma con escalofriante realismo la extrema violencia y crueldad de los hechos. En la escena podemos diferenciar a tres grupos: los muertos sobre charcos de sangre, los que están siendo fusilados y los que aguardan su turno.
Representa así los más variados sentimientos: el valor, el miedo, la resignación, la desesperación… Un héroe anónimo con los brazos en cruz, está vestido de blanco, proclamando con ello su inocencia, y la luz de la lámpara cae sobre él, absorbiendo toda la luz de la composición.
Los franceses en cambio no tienen rostro, son una máquina mortal monolítica
La primera obra de «arte contemporáneo»
Con esta obra, Goya se convierte además en el precedente de dos estilos de ese mismo siglo: el romanticismo (protagonismo del pueblo y su voluntad, atmósfera oscura…) y el impresionismo (esa pincelada suelta que inspiraría a Manet, padre del movimiento).
En el futuro, la obra no perdería vigencia. Durante la Guerra Civil, Picasso se basó explícitamente en ella para pintar su famoso Guernica.
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