Cuando pensamos en revolución, marchas o protestas para reivindicar los derechos sociales, se nos vienen a la mente conceptos como caos, destrozos, violencia, ira y anarquismo. Sin embargo, la obra icónica del pintor Eugéne Delacroix, perteneciente a la época del romanticismo, intenta representar todo lo contrario. Aunque en su cuadro se vislumbren estas realidades, también muestra una realidad en la que el concepto de igualdad y libertad guía al pueblo. El cuadro representa los enfrentamientos que tuvieron lugar en París debido a los desarrollos de la revolución de julio, que se originó en 1830 y que se consideran como una continuación de la revolución francesa de 1789. En el cuadro, se destaca una mujer con los senos descubiertos sosteniendo la bandera francesa y una especie de arma de fuego con una bayoneta en la punta. Esta figura femenina representa el anhelo de libertad e igualdad, mientras que la bandera tricolor simboliza la república francesa medianamente establecida en la revolución de 1789. Además, se pueden observar otras figuras muertas en el suelo y otras acompañando a la mujer con armas de fuego, pero todas quedan en un segundo plano, ya que lo más importante del cuadro, es rescatar que el valor de la lucha se obtiene con el anhelo máximo de libertad e igualdad. La imagen muestra la ciudad de París en llamas y sumida en un caos total debido a lo que el pueblo francés con tanto esfuerzo intenta presenciar como un todo en la sociedad, en la comunidad y la política de su época, o sea, la libertad y la de que todas la personas son iguales en derechos, dignidad y sociales, en un París, que se volvió a sumir en la era de un contexto histórico oscuro después de la revolución francesa y lo que esta dejo.

La pintura más famosa de este pintor representa la idea de que cuando el pueblo se une, puede afectar por completo la realidad establecida por un sistema o estado, permitiendo que los conceptos de libertad, igualdad y fraternidad guíen hacia la justicia social. Esta obra se convierte en una expresión que trasciende fronteras y promueve el cambio y la emancipación autónoma. No solo es una metáfora, sino una verdad que impulsa cambios reales. Esta pintura encarna de manera prodigiosa uno de los conceptos atribuidos al movimiento del romanticismo: la rebeldía, la autonomía y la capacidad de cambiar la actitud hacia el valor de las experiencias. 

Por: Jorge Estay Ávila.

Esta obra cusqueña cuyo autor no se tiene ninguna procedencia, sepan de antemano que esconde mucho más a lo que simple vista logra mostrar al público. En la obra podemos observar una gigantesca muchedumbre de personajes que están tumbados en el suelo, otros están de pie y otros de escena casual.

Sería hipocresía desmentir que el centro y la figura de mayor atención no sería en esta obra una mujer en el que está amamantando a dos pequeñas criaturas, una mujer que se podría suponer sería la reina de un gran imperio. Pero ¿Qué esconde de importante esta pintura?

En primer lugar, debemos analizar esta pintura que representa a América Latina durante la época colonial. En ella, la figura de una gran mujer, supuestamente una reina, simboliza a América adornada con elementos decorativos y sentada en un trono. A su lado, dos pequeñas criaturas son amamantadas por ella, representando a los niños peninsulares, es decir, los españoles directos del Viejo Mundo o aquellos nacidos y criados en España pero que viajaban a América. Por otro lado, los niños que se encuentran en el suelo, sin protección ni beneficios de la América colonial, representan a los criollos, mestizos, mulatos y negros. Estos observan con desconcierto y perdidos en su mirada debido a las desventajas que enfrentaban en términos sociales, educativos, políticos, raciales y económicos. A diferencia de los peninsulares, estos niños, por el simple hecho de haber nacido y crecido en suelo americano, tenían pocos o ningún beneficio. Por esta razón, la frase escrita en la pintura:

"Dónde se ha visto en el mundo lo que aquí estamos mirando. Los propios hijos gimiendo y los extraños mamando".

Esta frase es una realidad desenfrenada y directa con los sucesos que permiten tiempo después desencadenar las ideas ilustradas de los criollos para empezar los movimientos revolucionarios independientes. 

Autor: Jorge Estay Ávila.

La pintura es una pieza de grandes contemplaciones que deja viva la memoria de un pasado que nos permite comprender a través de su genialidad estética. Esta pintura dice mucho más que hombres sin ningún sentido en el cuadro. La pintura que comentaremos es del pintor José de Goya titulada "Caníbales Contemplando restos humanos" pero esta pintura ¿Qué relación tiene con los procesos culturales, literarios, históricos o políticos de Latinoamérica? Pues lo tiene en gran medida, como también no lo tiene.

Desde una perspectiva estética, esta pintura no representa a Latinoamérica en su totalidad, sino que el autor busca retratar una España en decadencia y sumida en la melancolía, contrastando con el escenario de independencia que América está experimentando en ese momento. Los restos humanos que los Caníbales contemplan simbolizan un imperio fragmentado frente a una nueva generación liberal que sigue su propio curso de cambios acorde a las circunstancias. En contraposición, hay una fuerza conservadora ideológica que se opone firmemente a estos cambios. La pintura utiliza matices de claros y oscuros para representar la tristeza, la oscuridad y la fragmentación que el imperio español está experimentando en ese momento, mientras que un entorno de claridad y luz simboliza el progreso liberal criollo en Hispanoamérica durante esos tiempos de guerra.

La pintura representa a España no como una devoradora, sino como una nación completamente devorada por los nuevos proyectos liberales. En estos momentos decisivos, España está perdiendo su dominio sobre sus colonias y esto la transporta de vuelta a un pasado de conquista y colonización que ella misma provocó. La pintura también refleja el misterio y la oscuridad, que representan los desafíos que España enfrenta en ese momento. La imagen muestra a un caníbal sosteniendo entre sus manos lo que claramente es un resto humano, simbolizando la emancipación y las pérdidas que España está experimentando. Estos restos representan lo que queda de su antiguo poder.

Autor: Jorge Estay Ávila.

Roberto Bolaño, un destacado escritor y poeta chileno del siglo XX, trasciende la barrera del tiempo gracias a su renombre en el ámbito literario, cultural, social y político de su época. Para muchos, es considerado el más grande escritor chileno e hispanoamericano del siglo, ya que su amplia gama de temas abordados en su escritura le otorga una relevancia sin igual. Incluso se equipara en calidad de escritura a los grandes autores de su tiempo, como Julio Cortázar, Pablo Neruda e incluso el reconocido escritor argentino Jorge Luis Borges. Pero, ¿Qué es lo que hace que este escritor sea tan aclamado? ¿Cuál es el legado de su escritura? Su impacto en la literatura hispanoamericana e incluso a nivel mundial es innegable, siendo sus obras traducidas a varios idiomas.

Como se mencionó anteriormente, la escritura y los temas abordados por el escritor Roberto Bolaño son amplios y diversos, ya que abarcan problemas políticos, morales, sociales y personales que se entrelazan en el narrador y sus personajes. Los rasgos dominantes en su literatura incluyen la conexión estética del género en sí, fusionada con su propia vida y experiencias, lo que se refleja en sus reflexiones sobre la muerte y la violencia (una violencia que estuvo cercana al autor en su vida). Los numerosos personajes que pueblan sus escritos no solo sirven como un puente comunicativo hacia su propia vida y personalidad, como es el caso de su obra "Los detectives salvajes", donde el autor se retrata a sí mismo a través del personaje de "Artur Belano", sino que también representan una individualidad sólida y única en sí mismos.

La escritura de Roberto Bolaño se caracteriza por una estética melancólica y una realidad desenfrenada y altamente política. Sus historias abarcan una amplia gama de géneros, lo que las convierte en obras heterogéneas que exploran temas detectivescos, policiales, históricos, sociales, políticos, mentales e ideológicos. La conexión entre la realidad y la escritura de Bolaño es directa y auténtica, ya que sus personajes reflejan una realidad social verdadera. La subjetividad de los personajes se manifiesta en una realidad desenfrenada y melancólica, donde los efectos de la dictadura y la postdictadura se hacen presentes en la conciencia y en las relaciones sociales, tanto individuales como colectivas. Estos elementos no se presentan de manera total, sino que se ocultan sutilmente en escenas y retratos difusos y complejos.

Autor: Jorge Estay Ávila.

José Donoso, escritor, profesor, poeta y periodista chileno del siglo XX, es reconocido por su extensa trayectoria literaria y numerosos premios y reconocimientos. Su obra es emblemática dentro de la literatura chilena y latinoamericana, ubicándolo entre los destacados del continente y formando parte del llamado boom latinoamericano.

La escritura de José Donoso es notablemente variada y abarca una amplia gama de escenarios que exploran la realidad y la ficción. Sus escritos reflejan momentos y sucesos con conexiones directas y personales con el autor, y a su vez actúan como un analgésico momentáneo frente a una realidad desenfrenada, ambiciosa y compleja en sus múltiples facetas sociales.

Una de las destacadas novelas de Donoso es "La desesperanza", que retrata de manera particular los escenarios de una época en la sociedad chilena, donde la violencia y el horror cotidiano se convierten en una forma normal y característica de enfrentar esos momentos.

La escritura de José Donoso se ve influenciada y atraviesa las diversas realidades sociales y políticas que existen, ofreciendo una mirada a las desigualdades, violencia y horrores que pueden experimentar las personas en su vida. En obras como "El obsceno pájaro de la noche" y "El jardín de al lado", Donoso narra historias crueles, duras, marginales y violentas, como la de un niño mudo que debe enfrentarse a estas realidades a lo largo de su vida. Estas obras exploran las diferentes facetas del ser humano, mostrando cómo puede convertirse en un ser monstruosamente horripilante y revelando la moral de la sociedad.

Autor: Jorge Estay Ávila.

Teresa Wilms Montt, reconocida poeta y escritora chilena del siglo XX, fue una de las primeras mujeres en ser considerada feminista en Chile. Sus poemas se centraban en la vida de las mujeres y en el papel que desempeñaban en la sociedad de aquel entonces. Al igual que otras escritoras de su época, como María Luisa Bombal, Marta Brunet y Silvina Ocampo, Teresa Wilms Montt desafiaba los valores tradicionales y patriarcales de la sociedad, cuestionando el papel de la mujer como madre, esposa y fundadora de la vida.

Sin embargo, a diferencia de otras escritoras, su oposición a estos valores le costó ser internada en un convento en contra de su voluntad por su propia familia, como una forma de corregir su supuesto anarquismo y "diferencia mental". En uno de sus poemas, Teresa Wilms Montt expresa su decepción hacia su familia, pero también muestra su fuerza de lucha y su determinación de no rendirse ante nadie ni ningún sistema:

"Yo también tuve el privilegio de ser mujer.

Es difícil ser mujer en este mundo.

Trataron de reprimirme, pero no pudieron conmigo.

Cuando me dieron la espalda, yo di la cara.

Cuando me dejaron sola, di compañía.

Cuando quisieron matarme, di vida.

Cuando quisieron encerrarme, busqué libertad.

Cuando trataron de callarme, grité.

Cuando me golpearon, contesté.

Fui crucificada, muerta y sepultada,

por mi familia y la sociedad" (Teresa Wilms Montt).

Consideramos que, a pesar de la educación y los valores tradicionales y patriarcales que recibió durante su infancia y adolescencia, ella no los consideraba como algo obvio y normal. Desde temprana edad, mostró su oposición y su espíritu rebelde, buscando la igualdad y el reconocimiento universal para las mujeres. 

Autor: Jorge Estay

Frida Kahlo, una destacada artista mexicana, es conocida por su gran trayectoria artística y sus pinturas que reflejan lo que André Breton describió como "pinturas surrealistas". Sin embargo, Frida Kahlo argumentó en contra de esta clasificación, afirmando: "En realidad, no sé si mis cuadros son surrealistas o no, pero sé que representan la expresión más sincera de mí misma". Lo que sí se sabe con certeza y ha sido ampliamente argumentado a favor, es que sus obras giran en torno a su vida y su propio sufrimiento.

La vida de esta pintora mexicana estuvo marcada desde temprana edad por una serie de infortunios que fueron agravando su situación, pero esto no le impidió plasmar en sus pinturas el dolor y el sufrimiento que experimentaba. Desde muy joven, Frida Kahlo estuvo postrada en la cama durante largos períodos e incluso pasó por varias cirugías extensas, lo que la llevó a vivir una vida llena de altibajos. Fue a partir de estos momentos que encontró en el arte una forma de expresar su propia vida.

Las obras de Frida Kahlo no solo retratan su propia vida, sus sufrimientos y sus convalecencias, sino que también reflejan un contraste en sus cuadros al representar de manera impactante la cultura y la sociedad mexicana, especialmente enfocándose en los sectores más populares y la cultura precolombina. La Frida Kahlo en vida y en sus obras logra crear una yuxtaposición, pero siempre manteniendo una línea concreta y real en su espíritu de vida. En algunos de sus cuadros, se puede apreciar a una Frida que se identifica con la población indígena y su lucha por el reconocimiento en la sociedad, la cultura y la política mexicana, adoptando un estilo propio que la representa.

Autor: Jorge Estay

Simone de Beauvoir fue una destacada escritora e intelectual que incursionó en el periodismo y la filosofía existencialista. Entre sus numerosos escritos filosóficos, destaca de manera considerable "El segundo sexo", obra que la consagra como una de las figuras más importantes del feminismo y como una incansable defensora de los derechos de las mujeres.

Como pareja de Jean-Paul Sartre, otra figura emblemática del existencialismo, Simone de Beauvoir contribuyó a la concepción filosófica del ser humano en la vida moderna, explorando las interacciones y comprensiones del ser en su existencia.

La escritura de Simone de Beauvoir trasciende su vida personal y se adentra con profundidad en la lucha de las mujeres por el reconocimiento y la igualdad. Sin embargo, su obra no se limita únicamente al ámbito político del feminismo, ya que también explora los grandes dilemas que afectan a la humanidad en general. En su filosofía, aborda el verdadero y profundo dilema de la libertad existencial del ser humano, relacionándolo con la situación de las mujeres en la sociedad, quienes se encontraban atrapadas en los roles domésticos sin posibilidad de incursionar en el ámbito laboral. Asimismo, analiza el mundo de las acciones y las responsabilidades individuales, destacando la importancia del individuo como agente de sus propias acciones y responsable de sus decisiones.

Simone de Beauvoir sigue siendo una incansable luchadora y activista política, comprometida con los derechos y el reconocimiento de las mujeres en todos los aspectos de la vida. A lo largo de su trayectoria, analizó el papel de la mujer en la sociedad y la importancia de su figura en el contexto social.

Autor: Jorge Estay

Buenas tardes, amantes de las letras y la literatura. Espero que todos ustedes se encuentren bien en este día de la semana, disfrutando junto a sus familias. Quiero compartir con ustedes un comentario sobre una destacada escritora chilena del siglo XX, Marta Brunet, quien dejó una huella en la literatura de su tiempo y trascendió en el tiempo con sus obras.

Marta Brunet fue una talentosa escritora, novelista y cuentista chilena del siglo XX, quien enfrentó numerosos desafíos en su profesión debido a los paradigmas de la época, simplemente por ser mujer. A lo largo de su carrera, escribió una amplia variedad de obras, entre las que se destacan "Cuentos para Marisol", "María nadie", "Doña Santitos" y su obra más importante y representativa, titulada "Montaña adentro". Esta última obra se inspira en el entorno rural chileno, retratando sus personas, trabajos, cultura y la realidad de las mujeres en esas zonas.

Marta Brunet fue difamada, criticada y acusada por conservadores y burócratas de la época en Chile, debido a que se atrevió a hablar, narrar y evidenciar las desigualdades y la falta de oportunidades que enfrentaban las mujeres, simplemente por ser mujeres. Sin embargo, las críticas hacia Marta Brunet no se limitaron a revelar estas realidades, sino que también abordó el tema de la maternidad solitaria. En su novela "Montaña adentro", por ejemplo, la autora nos sumerge en la vida de una mujer campesina que queda soltera y con la responsabilidad de criar a su hijo. A través de esta historia, Marta Brunet rompe con los estereotipos y prejuicios absurdos que rodeaban a las madres solteras, desafiando la idea de que una mujer en esta situación no podría salir adelante por sí misma y criar a sus hijos.

El estilo criollista de Marta Brunet se hace presente en sus obras, ya que además de las historias que narra, también podemos apreciar los paisajes locales del sur y el campo chileno que forman parte de su entorno literario.

 Autor: Jorge Estay 

Elena Garro es una escritora mexicana que se impregnó en la escritura del siglo XX y que desde entonces a traspasado el tiempo de la escritura hispánica con sus increíbles cuentos. Elena Garro fue una mujer muy conocida entre el periodismo y como guionista, es más, sus primeras grandes obras literarias comienzan a escribirse desde el género dramático, dónde desde ahí comenzara su inigualable participación en la escritura y como influye en la historia de la literatura hispánica, aportándole de sobre manera al realismo mágico, ya que esta de mas decir, que fue ella quién renovó casi por completo los cánones y la piedra angular de literatura fantástica.

La escritura de esta fantástica mujer y escritora mexicana, viene a ser reconocida recién en el año 1958, con el texto titulado "Un hogar dividido y otras piezas en un acto" en el que posteriormente sale a la luz otro aporte al género fantástico, con el libro "la dama boba" "el árbol" que aparece como cuento, el estilo literario que por excelencia adopta como suyo, en todas las maneras de escribir. La marca que se le atribuye a Elena Garro sobre el género de lo fantástico y el realismo mágico, es porque su gran vastedad de obras gira entorno a emprender una fuga de la realidad, para poder refugiarse cómodamente en el ámbito de lo puramente fantástico, como otros autores del canon ya lo habían hecho, pero nunca desatendiendo completamente la realidad que los rodeaba, ya que el destino de la gran mayoría de sus cuentos estaba destinado a contar que la realidad, no es tan inmóvil y ni tan plana y que tampoco es la única, ya que lo que esta autora y sus coetáneos en el género de lo fantástico, nos ayudan a entender las contradicciones, que son aparentemente irreductibles, que son intocables, como lo son la vida o la muerte, lo real e irreal, la locura y la cordura, ya que estás concepción de la que la autora nos enseñan como profesional de la literatura fantástica.

 Autor: Jorge Estay

Alejandra Pizarnik, es una mujer con una vasta trayectoria en el área de la academia y las letras, ya que lo que estudió lo desempeño en su manera de escribir y hacer crítica literaria. Alejandra Pizarnik fue en vida una poeta, una ensayista, una traductora que escribo una amplia gama de textos, en la que se condensan una masificación grande de sensibilidad y sentimientos, como son los textos de "el árbol de Diana" "genio poético" "el infierno musical" y "poesía completa" (estas menciones de sus libros, son los que yo he leído y dónde a partir de eso hago mención de ella).

Al hablar de la forma de escribir de Alejandra Pizarnik en la poesía, se está intento decir cómo es que la mirada de su voz poética impregna un sentido estético de valor, en el que las palabras adquieren un valor alto en su manera de significar, porque eso es su interés e intención clave en sus poemas y su contexto. Alejandra Pizarnik escribía para intentar dar a conocer su forma de sensibilidad creativa, pero también como una forma de escape y desahogo que daba la escritura y lo fácil que le resultaba expresarse por ese medio y como las palabras se le transforman en una manera de construcción y deconstrucción que le permitía gestar y anunciar su identidad, ambivalencia y éxitos por la expresión de la palabra escrita.

La voz poética de Alejandra Pizarnik en sus obras y en la gran mayoría de esta, es sin duda el estilo múltiple y heterogéneo que esta voz tiene al momento de su intención comunicacional, porque su voz y su yo poético dialogan con ella, pero también con otras o todas ajustándose a la manera infinita de abordar y canalizar su voz poética y rompiendo toda conciencia a la referencia de lo real, porque la construcción de su mundo y lenguaje poético se desarrolla a la búsqueda de algo perdido que pasa por múltiples ambivalencias y enajenación. 

Autor: Jorge Estay

Silvina Ocampo es una escritora, cuentista y poeta Argentina que durante su trayecto de escritura se gana un sitio propio y prodigio en las letras hispánicas, por su estilo, intención, voz, contexto, forma y detalle a la hora de escribir sus historias y la forma métrica, rítmica e intencional en su voz poética. Silvina Ocampo casi toda su vida de escritora y mujer estuvo a la sombra de primero su hermana Victoria Ocampo (quién de la cual hablaremos en otra oportunidad) y más tarde de su cónyuge Adolfo Bioy Casares (otro escritor renombrado de las letras hispánicas, pero que también hablaremos en otra oportunidad).

Silvina Ocampo con todos estos escenarios, empieza así su vida de escritora que va estar marcados de interesantes detalles en la forma de su escritura, ya que su imaginación (en el género fantástico) y su aguda comprensión en las interacciones y formas del lenguaje la llevan a seguir una forma singular de estética y estilo narrativo en la que creará una gama de grandes invenciones en forma de inocencia, pero con carácter raro, para disfrazar la indiferencia entre la ruptura de los acontecimientos rutinarios y cotidianos, en la que le servirá para instalarse de buena vez en territorio llano de lo fantástico, dónde lo podemos ver en su primer libro "Viaje olvidado" o en la historia "la red" como en su mayoría de cuentos y poemas.

El estilo narrativo de Silvina Ocampo es tan vasto, que el solo hecho de su nombramiento abarcaría una amplitud sin igual, ya que algunos de sus estilos cruzan, atraviesan y bordean lo irónico, lo plástico y cambiante de sus historias, los escenarios persecutorios, el fuerte humor negro, que se puede ver en varios cuentos, como lo puede ser "los que aman, odian". Sus obras cruzan tantas formas, contextos y barreras que se cruzan con los hechos de personajes, en los que el horror y la crueldad son una manera de estilo que dependerá todas y cada unas de las veces del momento y el contexto.

 Autor: Jorge Estay 

Elena Garro es una escritora mexicana que se impregnó en la escritura del siglo XX y que desde entonces a traspasado el tiempo de la escritura hispánica con sus increíbles cuentos. Elena Garro fue una mujer muy conocida entre el periodismo y como guionista, es más sus primeras grandes obras literarias comienzan a escribirse desde el género dramático, dónde desde ahí comenzara su inigualable participación en la escritura y como influye en la historia de la literatura hispánica, aportándole de sobre manera al realismo mágico, ya que esta de mas decir, que fue ella quién renovó casi por completo los cánones y la piedra angular de literatura fantástica.

La escritura de esta fantástica mujer y escritora mexicana, viene a ser reconocida recién en el año 1958, con el texto titulado "Un hogar dividido y otras piezas en un acto" en el que posteriormente sale a la luz otro aporte al género fantástico, con el libro "la dama boba" "el árbol" que aparece como cuento, el estilo literario que por excelencia adopta como suyo, en todas las maneras de escribir. La marca que se le atribuye a Elena Garro sobre el género de lo fantástico y el realismo mágico, es porque su gran vastedad de obras gira entorno a emprender una fuga de la realidad, para poder refugiarse cómodamente en el ámbito de lo puramente fantástico, como otros autores del canon ya lo habían hecho, pero nunca desatendiendo completamente la realidad que los rodeaba, ya que el destino de la gran mayoría de sus cuentos estaba destinado a contar que la realidad, no es tan inmóvil y ni tan plana y que tampoco es la única, ya que lo que esta autora y sus coetáneos en el género de lo fantástico, nos ayudan a entender las contradicciones, que son aparentemente irreductibles, que son intocables, como lo son la vida o la muerte, lo real e irreal, la locura y la cordura, ya que estás concepción de la que la autora nos enseñan como profesional de la literatura fantástica. 

Autor: Jorge Estay